In erster Linie soll es hier natürlich wieder um Musik und alles drumherum gehen, schließlich ist vampster ein Musik-Zine. Andererseits möchte ich wie immer auch privat und gesellschaftlich/politisch zurückblicken, auch wenn gerade letzteres heutzutage ganz schön an den Nerven zerren kann. Aber keine Angst, den außermusikalischen Kram packe ich wie immer ans Ende, dann könnt ihr rechtzeitig aussteigen.

Ein Freund von mir formulierte es wie folgt: „Es kam eine Menge gutes, aber nur wenig wirklich überragendes raus dieses Jahr”. Ich bin geneigt dem zuzustimmen. Insgesamt kam schon eine Menge wirklich toller Kram aus allen möglichen Sub-Genres unserer geliebten harten Stromgitarrenmusik heraus.

Am Ende waren es allerdings drei, allesamt in der ersten Jahreshälfte erschienenen Alben, die für die Top Position in Frage kamen. Und da ich mich bis jetzt noch nicht so recht entscheiden kann, muss ich dieses Mal zwei Alben des Jahre küren.

MESSA und PAGAN ALTAR kann man beide ja so grob in die Richtung Doom Metal einsortieren. Trotzdem unterscheidet sich der Sound beider Bands doch arg. Auf der einen Seite, der warme, old schoolige, NWOBHM beeinflusste Sound der Briten von PAGAN ALTAR auf der anderen Seite die modernen, unterkühlten MESSA. Zu “Never Quite Dead” hab ich mich bereits in meiner Rezension ausführlich ausgelassen. “The Spin” ist mein erstes Album von MESSA und die Italiener um Frontfrau Sara Bianchi haben mich vom ersten Moment an verzaubert. Es waren die großartigen Videoclips zu “At Races” und vor allem “The Dress” mit seiner wunderbaren Noir Ästhetik, welche mich sofort begeisterten. Und dann dieser Sound! Dieses verruchte, düstere, Eben wie der Soundtrack zu einem Film Noir.

Gegen diese beiden Alben knapp den kürzeren gezogen haben SEVEN SISTERS mit “Shadows Of A Fallen Star Pt. 2”, dem zweiten Teil ihrer Science Fiction Konzept Saga. Teil 1 hatte es 2021 nur in meine erweiterte Top-Liste des Jahres geschafft – im Nachhinein hätte ich das Album wohl höher eingestuft. Die Fortsetzung hält das Niveau des ersten Teiles mindestens und nimmt uns erneut auf eine Reise in ferne Welten. Ausufernd, episch, leicht progressiv ist dieses Album ein perfektes Album für eine listening Session unterm Kopfhörer – am besten direkt zusammen mit Teil 1.

Der Rest der Top 20 in alphabetischer Reihenfolge:

ANIMALIZE: Verminateur

Auf ihrem zweiten Album reihen die Franzosen Hit an Hit und zeigen, wie man melodischen Heavy Metal heute frisch, wild, hungrig und kitschfrei spielen kann.

COLTAINE: Brandung

“Forgotten Ways” hat mich 2024 kalt, wenn auch etwas spät erwischt. Umso mehr habe ich mich gefreut, als 2025 schon das nächste Album der Band aus Karlsruhe anstand. Die hypnotische und intensive Mischung aus Doom, Sludge und Post Rock hat mich direkt gepackt, auch wenn das eigentlich gar nicht so sehr meine Baustelle ist. Zweimal habe ich die Band nun schon live verpasst,hoffentlich wird das dieses Jahr endlich mal was…

HEXECUTOR: …Where Spirit Withers in its Flesh Constraint

HEXECUTOR hatte ich bisher als grundsolide Black Thrash-Band auf dem Radar. Mit ihrem dritten Album setzen HEXECUTOR wie auch ANIMALIZE vermehrt auf französische Texte, was ich sehr befürworte! Auch die Wendung hin zu mehr klassischen Metal und ausufernden, verspielten Kompositionen hat dem Sound der Band gut getan.

IMHA TARIKAT: Confessing Darkness

Mit IMHA TARIKAT hatte ich erst so meine Startschwierigkeiten. Mein Erstkontakt, das 2020er Album “Sternenberster” wollte sich mir nicht so recht entschließen. Doch manchmal kann ich ja stur sein und somit habe ich mir den Nachfolger “Hearts Unchained – At War with a Passionless World” einfach mal gekauft und siehe da – es hat geklickt. Inzwischen stehen alle Alben im Regal, das neue sogar in der fetten Artbook-Edition, die wirklich jeden cent wert ist. Musikalisch ist “Confessing Darkness” erneut, intensiv as fuck, wagt aber auch deutlich mehr Melodie als seine Vorgänger. Mit ULTHA momentan das beste, was es im deutschen Black Metal gibt.

LORD VIGO: Walk The Shadows

Nach dem koloassalen “We Shall Overcome” gönnen sich LORD VIGO eine kurze Pause von Ihrer “Wir interpretieren “2112” von RUSH neu”-Trilogie und veröffentlichen mit “Walk The Shadows” ein Album mit Musik, die ursprünglich mal für ihre Wave-Band THE BEAUTIFUL DEAD geplant war. Weniger Metal, deutlich mehr Wave und Goth straight from the eighties. Ich finde den musikalischen Bruch, wenn man die Entwicklung der Band über die letzten Alben in Betracht zieht gar nicht soooo groß. So oder so ein weiteres, tolles Album der Pfälzer.

MOTORJESUS: Streets Of Fire

The same procedure as every few years. MOTORJESUS veröffentlichen ne neue Platte, das Ding landet in meiner Top 10. Was auch sonst? Die Band drückt bei mir einfach alle richtigen Knöpfe und auf “Streets Of Fire” gleich ein Dutzend neue Hymnen vor.

MORAST: Fentanyl

Eines der ersten Alben, die ich 2025 gekauft habe und definitiv der finsterste Brocken des Jahres. Mit ihrem pechschwarzen, klaustrophobischen und höllisch intensiven Bastard aus Doom und Black Metal lassen MORAST wenig Raum für Optimismus. Manchmal braucht es genau solche Alben – man kann ja nicht andauernd gut gelaunt sein.

MOUNTAIN THRONE: The Silver Light

MOUNTAIN THRONE hatte ich nach ihrem tollen Debt “Stormcoven” total vergessen. Die Band hat sich allerdings auch alle Mühe gegeben, unterm Radar zu bleiben, für das Zweitwerk “The Silver Light” hat man sich immerhin schlanke elf Jahre Zeit gelassen. Dafür ist das Teil aber auch ein richtig geiles Heavy Metal-Album gewesen, über das 2025 leider viel zu wenig gesprochen wurde.

PHANTOM CORPORATION: Time And Tide

Zwei Jahre nach ihrem Debüt “Fallout” hauen PHANTOM CORPORATION kurz vor Jahresende noch einen echten Knaller raus. Kein Stück weniger angepisst, dafür musikalisch ein Stück abwechslungsreicher liefern die Kerle mit “Time & Tide” hier die Definition des Wortes Abriss.

SANHEDRIN: Heat Lightning

SANHEDRIN sind auch so ne Band, die bei mir nichts falsch machen kann. Vier Alben hat die Band bisher veröffentlicht und alle sind bockstark. Ehrliche, unprätentiöse und authentische Musik ohne Schnick Schnack.

SÖLICITÖR: Enemy In Mirrors

Fünf Jahre nach ihrem starken Debüt “Spectral Devastation” hauen SÖLICITÖR mit “Enemy In Mirrors” ein weitere US Power / Speed Metal Highlight raus. Abwechslungsreicher und insgesamt nochmal besser als das Debüt.

SWEEPING DEATH: Devotion To The Absurd Night

Über die Band habe ich über das Jahr verteilt immer mal wieder was im Netz gelesen, bin aber nie dazu gekommen, mal rein zu hören. Erst sehr spät im Jahr habe ich die Chance dann endlich genutzt und direkt im Anschluss “Devotion To The Absurd Night” bestellt. Eine geile Mischung aus vertracktem Heavy Metal, Thrash und Prog mit starkem Klargesang.

THEM: Psychedelic Enigma

THEM sind für mich spätestens seit dem zweiten Album eine sichere Bank, was fett produzierten und spielerisch hochwertigen Power Thrash angeht. Nach dem verspielten Vorgänger “Fear City” hauen uns THEM hier fast durchgehend mit Vollgas auf die Glocke.

VIOLATOR: Unholy Retribution

VIOLATOR haben sich lange Zeit gelassen mit ihrem dritten Album, dafür aber dann gleich das für mich beste old school Thrash Album des Jahres raus gehauen.

WINGS OF STEEL: Winds Of Time

Manch einem wirken WINGS OF STEEL irgendwie zu gekünstelt, zu konstruiert, die Songs zu schematisch. Kann ich theoretisch alles bis zu eiben gewissen Grad verstehen, ändert aber nichts an der hohen Klasse der Songs, welche das Duo plus hired guns hier zusammen geschustert hat. Als US Metal Maniac kommt man an “Winds Of Time” nur schwerlich vorbei.

WUCAN: Axioms

Boah, was haben WUCAN meine Freunde und mich 2023 auf dem ROCK HARD FESTIVAL überrascht und komplett weggehauen. Mit “Axioms” präsentieren die Dresdner*innen uns eine wilde Mischung, jenseits von musikalischen Schubladen.

WYTCH HAZEL: V: Lamentations

Man könnte kritisieren, dass es auf “V: Lamentations”, dem vierten Album der Jesus-Ultras um Collin Hendra, lediglich mehr vom Gleichen gibt. Man kann sich auch einfach über ein weiteres Album voller wunderschöner Hard Rock und Heavy Metal-Songs freuen. Ich habe mich für letzteres entschieden. Bei WYTCH HAZEL reicht Dienst nach Vorschrift halt immer noch für die Bestenliste.

Zwanzig weitere, hörenswerte Alben:
BEHÖLDER: In The Temple Of The Tyrant
BLACK SWORD THUNDER ATTACK: Black Sword Thunder Attack
CASTRATOR: Coronation of the Grotesque
CEA SERIN: The Word Outside
CHEMICIDE: Violence Prevails
DARKLON: Mind Reaper
DESASTER: Kill All Idols
FESSUS: Subcutaneous Tomb
THE HAUNTED: Songs Of The Last Resort
HIRAX: Faster Than Death
LADY BEAST: The Inner Alchemist
MEAN MISTREATER: Do Or Die
METALLUS: We´re All Doomed
NIGHTMÄRR: Fire In The Sky
OWLBEAR: Of Feather And Claw
PHRENELITH: Ashen Womb
SCALPTURE: Landkrieg
SIGH: I Saw The World’s End – Hangmans Hymn MMXXV
TEITANBLOOD: From The Visceral Abyss
UNDER RUINS: Age Of The Void

Kurz und knackig:
BITTER PRICE. The Orwohaus Tapes
NINKHARSAG: The Black Swords Of Winter

Newcomer des Jahres:
BITTER PRICE
OWLBEAR
UNDER RUINS

Flop des Jahres:

DARK ANGEL: Extinction Level Event

Völlig generische Songs ohne Wiedererkennungswert und Durchschlagskraft, dazu ein Cover, welches man in einem Lexikon unter den Begriff “AI Slop” abbilden sollte. Vielleicht eines der traurigsten Comebacks seit langer Zeit, Donald Trump mal außen vor gelassen.

Ganz so viele Konzerte waren es dieses Jahr leider nicht, dafür aber ein paar echte Highlights.

ZERRE/MEAN MISTREATER am 05.04.2025 im Vortex Surfer Club. Siegen

Hauptsächlich wegen MEAN MISTREATER sind wir an diesem Samstag Anfang April nach Siegen gefahren. Und die haben nach einer unnötigen Vorband, deren Namen ich schon wieder vergessen habe auch so richtig abgeliefert und boten eine schweißtreibende Show mit starkem US Metal. Danach haben ZERRE den Laden mit einer Demonstration in Sachen Thrash Metal abgerissen.

BLOOD INCANTATION & MINAMI DEUTSCH am 01.05.2025 im Carlswerk Victoria, Köln

Ich war gespannt, wie BLOOD INCANTATION ihr Meisterwerk “Absolute Elsewhere” live umsetzen würden. Es gelang der Band im, mit ungefähr 1.600 Leuten restlos ausverkauften, Carlswerk Victoria tadellos. BLOOD INCANTATION spielten “Absolute Elsewhere” komplett am Stück und es wahr ein großartiger Trip. Ebenfalls großartig waren die japanischen Krautrocker MINAMI DEUTSCH im Vorprogramm, die mich mit ihrem hypnotischen Sound doch tatsächlich zum ekstatischen Tanzen gebracht haben. Hat hoffentlich keiner gesehen.

ROCK HARD DESTIVAL 2025

Wie jedes Jahr stand an Pfingsten der Besuch im zweiten Wohnzimmer, dem Amphitheater Gelsenkirchen, an. Das neue Campinggelände war klasse, das Wetter eher nicht so. Es hat wirklich vier Tage am Stück immer wieder geregnet, dazu Wind und kalte Temperaturen. Das war wirklich unerfreulich.

Gott sei Dank hielt das, auf dem Papier schon ziemlich starke Billing, was es versprach und bot mit unter anderem MUNICIPAL WASTE, GEOFF TATE, THE NIGHT ETERNAL, CRIMSON GLORY und DISMEMBER so einige Highlights. Dazu das übliche Treffen mit vielen Freunden und Bekannten und wilde Nächte im Party Zelt. Wenn es draußen regnet, muss man halt drinnen weiterfeiern, und irgendwann ist es dann halt vier Uhr morgens. Es gibt keinen Ort, an dem ich an Pfingsten lieber wäre.

SAVATAGE am 14.06.2025 in der Turbinenhalle, Oberhausen

Zehn Jahre nach dem grandiosen SAVATAGE/TRANS SIBERIAN ORCHESTRA-Konzert in WACKEN kommt meine Lieblingsband tatsächlich nochmal auf Tour. Ich hatte nicht mehr damit gerechnet. Ok, Jon konnte aus gesundheitlichen Gründen nicht dabei sein aber trotzdem war die Vorfreude gigantisch. Und nachdem wir in der unfassbar stickigen, heißen und randvollen Halle die Kaspertruppe INDUCTION überstanden hatten, erlebte Oberhausen einen Triumphzug! Eine bestens aufgelegte Band, eine ausgewogene Setlist und ein völlig ekstatisches Publikum. Spätestens bei “Believe”, welches mit einem Video von Jon Oliva eingeleitet wurde und in dessen Verlauf Bilder von Criss über die Leinwand liegen, brachen alle Dämme. Was für ein Abend! Das Konzert des Jahres! Mindestens! Und ich bin so glücklich, dass SAVATAGE dieses Jahr erneut auf Tour kommen, diesmal mit NEVERMORE als Support. Die Karte für Bonn hängt schon seit geraumer Zeit an meiner Wand.

PRIPJAT & ERADICATOR auf dem HORNS UP VOL 2 am 27.12.2025 im JUZ Live Club, Andernach

Der perfekte Jahresabschluss! Relativ spontan hatte ich mich dazu entschlossen, zum HORNS UP Vol 2 zu fahren, da sich drei gute Freunde angeschlossen haben und ich vor Ort diverse weitere liebe Menschen getroffen habe, wurde der Abend umso besser. Nach dem soliden Opener haben ERADICATOR und PRIPJAT, wegen denen ich hauptsächlich da war, überragende Auftritte abgeliefert. Es war wie immer ein Fest mit diesen zwei Bands, die zur Creme de la Creme der Thrash-Szene zählen. Da passte einfach alles. Danach lieferten PYRACANDA und BONDED ebenfalls starke Auftritte ab, an meine beiden Herzensbands kam für mich an diesem Abend aber nichts ran. Danke, dass es euch gibt!

R.I.P. Ozzy. Es war ja klar, dass das irgendwann passieren musste. Gesundheitlich war Ozzy schon lange angeschlagen. Um so schöner, dass er zusammen mit BLACK SABBATH noch mal einen würdigen Abschied von der Bühne feiern konnte. Keine zwei Wochen später trat er dann schon seine letzte Reise an, was wohl niemanden mehr überrascht hat, der ihn in Birmingham gesehen hat. Er hat es wohl auch kommen sehen. Ein weiterer Charakterkopf, eine weitere überlebensgroße Legende ist abgetreten. Seine Musik ist unsterblich!

Nachdem ich letztes Jahr dank Ernährungsumstellung und Sport schon 25kg abgenommen habe, kamen dieses Jahr weitere 5 dazu. Mit dem Laufen habe ich auch noch angefangen und irgendwie hat es mich dann so richtig gepackt, so dass ich im Oktober beim Köln Marathon den Halbmarathon gelaufen bin. Die Zeit von 2 Stunden und 5 Minuten plane ich dieses Jahr zu toppen. Insgesamt bin ich 2025 über 1.200 Kilometer gelaufen. Ever onwards!

Bei Schneegestöber mit PAYSAGE D’HIVER in den Ohren um den See joggen war auch eine ziemlich geile Erfahrung.

Und dann war da noch mein Dienstjubiläum bei vampster. Zwanzig Jahre – das ist schon der Wahnsinn und fast die Hälfte meines Lebens. Dass es dann auch noch mit dem neuen DESASTER-Album zeitlich perfekt gepasst hat, war ein schönes Detail. Ich schaffe leider lange nicht mehr so viel wie früher, bin aber immer noch froh und stolz ein Teil dieses tollen Teams mit wunderbaren Menschen und hervorragenden Schreiber*innen zu sein.

Vorfreude auf und Hoffnungen für 2026:

Trummer zieht sich beim KODEX live zurück und Ulle übernimmt, damit die Band zukünftig mehr live spielen kann. Auf der einen Seite ist es ein komisches Gefühl, sich den KODEX ohne Trummer vorzustellen, andererseits… MEHR KODEX-Konzerte!

MEGA COLOSSUS veröffentlichen im März ein neues Album und der erste Song klingt natürlich wieder fantastisch! Dazu kommt die Band pünktlich zum Release auch noch auf Tour. Ich freue mich so, die Jungs wiederzusehen!

Nachdem die Single “Discretion For the Wicked” nun schon über ein Jahr raus ist, darf so langsam mal das nächste SONJA-Album kommen. Aber irgendwie ist es um die Band seit dem Wechsel zu CENTURY MEDIA RECORDS verdächtig ruhig. Ich hoffe sehr, da kommt noch mehr.

Ich hatte kurzfristig um den Jahreswechsel gehofft, dass 2026 weltpolitisch und gesellschaftlich nicht ein so großes Shitfest wird wie 2025 und dann haben die USA Madurro gediktatornapped und Trumps Gestappo-Truppen eine unschuldige Mutter erschossen. Da war der Januar noch nicht halb rum. Währenddessen schießen die Union und ihr Vorfeld mal eben die Arbeitnehmerrechte sturmreif. Nevermind, wir sind echt im Arsch…

Und zum Schluss, mehr Wunsch als Hoffnung, dass die Ereignisse der letzten Tage und Wochen in den USA zu einer Art George Floyd Moment werden und die Stimmung endgültig kippt, dass auch die letzten, die geistig noch zu retten sind, verstehen, dass man diesen Präsidenten und seine Schergen zum Teufel jagen muss, mit allen Mitteln, die einem demokratischen Land und Volk zur Verfügung stehen.

JAHRESHIGHLIGHTS 2025

PAGAN ALTAR: Never Quite Dead

Comeback des Jahres, Pt. I ! Und mit „Never Quite Dead“ hätten PAGAN ALTER zehn Jahre noch dem Tod von Sänger Terry Jones kaum ein passenderen Albumtitel wählen können. Noch mit Material aus der Feder des verstorbenen Hauptsongwriters  bestückt, ist das erst sechste Album der 1978 aus der Taufe gehobenen, britischen Proto-Metal/Doomkäuzen (mit Terry Jones‘ zupfendem Sohnemann Alan als noch einzigem Gründungsmitglied) die Fortsetzung der unverwechselbaren Magie früherer Scheiben und gleichzeitig eine deutlich zartere und noch harmonischere Version des gewohnten PAGAN ALTER-Stoffes.Die Interpretation von Jones‘ Gesangslinien durch Brendan Radigan, Ex-Magic Circle und aktueller Sumerlands– und Savage Oath-Sänger, ist nah am Original, lässt aber sowohl im gefälligen ‚Saints And Sinners‘, im doomigen ‚Well Of Despair‘ und besonders in der verträumten-melancholischen Ballade ‚Kismet‘ genügend Raum für eigene Anteile. Dank auch einer warmen und organischen Produktion gibt‘s auf „Never Quite Dead“ ausschließlich überstarkes Material zu bestaunen. Meine Topscheibe des Jahres 2025!

CORONER: Dissonance Theory

Comeback des Jahres, Pt. II ! Woran vermutlich nur noch die Allerverwegensten geglaubt haben, ist 2025 tatsächlich eingetreten: CORONER haben eine neue Studioscheibe veröffentlicht! Sage und schreibe 32 Jahre nach „Grin“ gibt es frisches Material der Schweizer Progressive Thrasher, das fast durch die Bank weg für offene Münder bei metallverliebten Genießer gesorgt hat. Und es stellt sich die berechtigte Frage: Wie kann man über drei Dekaden (albumtechnisch) weg vom Fenster sein und dann ein dermaßen tightes, rhythmisch mitunter diffiziles, hammermäßig groovendes und zeitgemäßes Teil loslassen, das auch die eigene Diskographie widerspiegelt und obendrein das gesamte, qualitativ hochwertige Schaffen bis dato mit links in den Schatten stellt? „Dissonance Theory“ ist ein technisch überragendes, forderndes und trotz aller spielerischen Kapriolen flüssig inszeniertes Meisterwerk mit dystopischen Zügen.

IMHA TARIKAT: Confessing Darkness

Mit kompakteren, verspielteren und lineareren Zügen wird der auch auf „Confessing Darkness“ zum Zerbersten emotionsgeladene Black Metal IMHA TARIKATs behutsam weiterentwickelt. Ätherische Melodiebögen, postige Schattierungen und hochinteressante Wendungen, dazu einen Kerem Yilmaz alias Ruhsuz Cellât, der mit passioniert-wütenden Schmerzausbrüchen, qualvoller Inbrunst herausgeschrieenen, aber auch Mut machenden Zeilen (“Do not be afraid of darkness and its shades”) kennzeichnen des weiteren das bis dato vielschichtigste Werk, das IMHA TARIKAT  abgeliefert haben. Packend, fokussiert und voller Leidenschaft für die dunkle Materie – “Confessing Darkness” ist ein schwer auszuhaltender Seelenstrip einer der intensivsten und leidenschaftlichsten Combos unserer Zeit!

THRON: Vurias

Ich hab ja schon erwartet, dass nach dem überraschend düstermelodischen und progressiveren „Dust“ kein ultrabrutal-mörderischer, durchgeblasteter Death Metal von der neuen THRON-Scheibe zu erwarten ist. Mit dem, was auf „Vurias“ passiert, hätte ich trotzdem nie und nimmer gerechnet! Versiert, aber auch mit straighterem Songwriting bereichern die Black/Death Metaller ihren ohnehin schon nach vielen Seiten offenen Sound darüberhinaus mit Akustikgitarren, Hammondorgel und mit einigen Saxofonpassagen. Ausnahmeschlagzeuger J sorgt einmal mehr mit unverschämt leichtfüssigem und technisch überragenden Drumming für einen spannungsgeladenen Kontrast zum sinistren Furor. Ihre bislang stärkste und künstlerisch hochwertigste Scheibe!

PHANTOM SPELL: Heather & Hearth

Es kommt nicht häufig vor, dass ein einzelner Musiker in einem Jahr mit zwei verschiedenen Bands Topreleases am Start hat. Sänger und Gitarrist Kyle McNeill allerdings hat dieses Kunststück mit seinen hauptamtlichen Seven Sisters („Shadow Of A Fallen Star, Pt. 2) und mit seinem eigenem Baby PHANTOM SPELL geschafft! Letztere haben gegenüber den sieben Schwestern dabei ein klein wenig die Nase vorn. Ebenso hauchdünn übertrifft „Heather & Hearth“, auf dem Mr. McNeill erneut seine 70s Hardrock/Progrock-Liebelei ausleben darf, das nicht minder schlechte „Immortal‘s Requiem“ – einfach weil der britische Alleinschreiber auf seinem Erstling aufbauen und deren Trademarks aus verzaubernden Leadmelodien und warmherzigen Hammondorgel- und Keysklängen, garniert mit altenglisch-folkigem Unterton noch präziser herausarbeiten und verspielter darbringen kann. Schmacht…

UND ANDERE SEHR GUTE SCHEIBEN (in alphabetischer Reihenfolge)

CEA SERIN: The World Outside

COHEED AND CAMBRIA: Vaxis, Act III: The Father Of Make Believe

FER DE LANCE: Fires On The Mountainside

GHOST: Skeletá

HANGMAN’S CHAIR: Saddiction

ARJEN ANTHONY LUCASSEN: Songs No One Will Hear

MESSA: The Spin

PRIMITIVE MAN: Observance

SEVEN SISTERS: Shadow Of A Fallen Star, Pt. 2

STYX: Circling From Above

VENATOR: Psychodrome

WUCAN: Axioms

HELL OVER HAMMABURG

BÖLZER, BERLIN 2.0

HEAVY METAL THUNDER

PAGAN ALTAR, TYRANN

BRAINCRUSHER IN HELL

DEAD CONGREGATION, ULTHA, MANTAR, SULPHUR AEON

KEEP IT TRUE

VIO-LENCE, VIOLENT FORCE, S.A. SLAYER, RIOT V

METALHEADZ OPEN AIR

PRAYING MANTIS, HELLRIPPER

CHAOS DESCENDS

GIRLSCHOOL, THE RUINS OF BEVERAST, REPULSION, VEMOD

PARTY.SAN OPEN AIR

TRIPTYKON, I AM MORBID

ZABBATH FESTIVAL

MANØVER

STORM CRUSHER FESTIVAL

CHAPEL OF DISEASE

SONUS OBSCURA FESTIVAL

DOOL

FALL OF MAN

WOLVENNEST

EINZELGIGS

RIVERS OF NIHIL (Galerie Z-Bau, Nürnberg)

BLACK CURSE (Galerie Z-Bau, Nürnberg)

Foto aus: https://www.der-wenz.de/blog/archiv-2025

THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA (Hirsch, Nürnberg)

FEAR FACTORY (Hirsch, Nürnberg)

40 WATT SUN akustisch (Zur Schwarzen Kapelle, Bamberg)

SAVATAGE (Zenith, München)

KING DIAMOND (MHP Arena, Ludwigsburg)

IRON MAIDEN (Deutsche Bank Park, Frankfurt)

WUCAN (Backstage, München)

2025 war nicht nur umzugsbedingt ein herausforderndes Jahr, sondern brachte auch noch andere Baustellen mit sich, an denen teils noch gearbeitet wird. Trotz allem konnte ich viele Dinge aufrecht erhalten, einige andere musssten leider – wie z.B. meine Beiträge auf vampster – zurückgeschraubt werden oder blieben auf der Strecke. Mein Ziel für 2026: wieder mehr Reviews für vampster zu schreiben als 2025. Weniger geht ja auch kaum… :-). Und dieser Jahresrückblick ist schon mal ein guter Anfang…

So, zum Schluß wieder ein Zitat eines wohlbekannten Cops, der fähiger ist als jeder ICE-Schießvogel. Und anschließend noch eins von einem anderen, außerordentlich begabten Comedian unserer Zeit. Spot the difference!

„Wilma, ich verspreche dir, welches Schwein das auch immer getan hat, kein Mann von unserer Truppe wird auch nur eine Minute ruhen, bis wir ihn hinter Gittern haben! Jetzt lass uns n Häppchen essen gehen.“ (Frank Drebin, Spezialeinheit)

„Ich könnte jemanden mitten auf der 5th Avenue in New York erschießen und die Leute würden mich trotzdem wählen“ (Donald Trump, Spezialfall)

Genauso geht es mir mit Texten. Ich bin ein Schlendrian, ich kann schlecht kürzen. Der ganze Ballast muss mit. Und so stelle ich auch dieses Jahr wieder eine Auswahl an Platten in aller überbordenden Ausführlichkeit vor, die mich erreicht und bewegt haben. Ich wurde ja auf dieser Seite schon als der Marathonläufer unter den Rezensenten bezeichnet – aber das ist eine arge Verkürzung. Ich laufe um die ganze Welt, in weniger als 80 Tagen, mit einer großen Bibliothek im Rucksack. Und mit einem Küchengerät, von dem ich nicht weiß, für was es gut ist.

Wie immer habe ich versucht, verschiedene Genres abzudecken: Heavy Metal, 70s-Rock, Prog-Thrash, aber auch Hip Hop, Cyberpop – und obskures Zeug, von dem ich selbst nicht weiß, wo ich es einsortieren soll. Ob es die besten Platten des Jahres sind? Keine Ahnung. Ich mag Perfektion nicht unbedingt – zuerst interessieren mich Alben, die etwas in mir auslösen. Die dürfen gern mal einen „Mängelexemplar“-Stempel tragen. Aber es sind großartige Platten, jede auf ihre ganz eigene Art. Anschnallen, Zeit nehmen – Ist diese Einleitung schon zu lang? Legen wir legen los!

TOWER: Let There Be Dark

Bevor ich wieder alle mit meinem verqueren Musikgeschmack verschrecke, fange ich einfach mit dem besten Kuttenträger-Album des Jahres an. Auf dieses Album, natürlich auf Vinyl beim Label CRUZ DEL SUR bestellt, musste ich sechs Wochen nach Bestellung warten. Denn die gülden glänzende Schönheit legte eine lange Reise zurück. Von Rom aus Mitte März gestartet, ging es erst nach Hückelhoven, dann nach Borna, schließlich nach Leipzig. Und dann hat sich die Platte offenbar entschieden: „Mann, bin ich doof, was will ich denn hier, wenn ich in Italien sein kann?“, und hat den Weg zurück nach Rom angetreten. Vollstes Verständnis dafür. Denn es war die falsche Adresse auf dem Paket angegeben. Doch als das Label fragte, ob es mir das Geld erstatten solle (sie waren wirklich sehr freundlich), antwortete ich sinngemäß: „Nichts da, Ihr spinnt wohl! Ich muss diese Platte unbedingt haben – ein Ehrenplatz im Regal ist ihr schon freigeräumt! Schickt sie mir so schnell wie möglich noch einmal zu!“

TOWER sind für meine Ohren schlicht eine der besten und originellsten aktiven Metalbands. Ohne Wenn und Aber: TOWER spielen wirklich Heavy Metal, in seiner reinsten und ursprünglichsten Form. Ich muss das wohl begründen, denn seien wir ehrlich: noch immer haben sie nicht das WACKEN geheadlined. Offenbar gibt es noch viele Metal-Fans, die man von ihren Qualitäten überzeugen muss.

Was also macht diese Band – und dieses Album – so besonders? Ist es die vergleichsweise tiefe und volle Stimme von Frontfrau Sarabeth Linden, durchaus mit Sexappeal und tonnenweise Charisma? Sind es die Kompositionen – diese hymnischen, zugleich elegant fließenden und epischen Melodien, die den Songs etwas Sakrales und Mystisches verleihen? Stichwort Originalität: TOWER nutzen modale Skalen und Harmoniefolgen, wie man sie aus der spanischen und orientalischen Tradition kennt, das verleiht den Songs einen Hauch jüdische Mystik. Sind es die doppelläufigen Gitarren, die immer wieder eigene melodische Akzente setzen, die brillanten Soli, die präzise gesetzten akustischen Zwischenspiele? Oder ist es diese unbändige Energie, verstärkt durch eine transparente, aber rohe Produktion, die der Platte ein Live-Feeling verleiht? Ihr ahnt es: all das – ALL DAS!

Dieses Album klingt komplett entfesselt, es ist kitschfrei, es ist atmosphärisch. Hit reiht sich an Hit. Die Texte entführen uns auf unpeinliche Weise in Epochen menschlicher Kämpfe, Schicksale und Spiritualität. Ein verhext gutes, lebendiges und bis ins Mark durchrüttelndes Stück Edelstahl: Alles hier brennt lichterloh und leidenschaftlich. Mehr habe ich dazu nicht zu sagen.

Heiliges Wasser auf meinem Gesicht,
wäscht mich von der Schande.
Gewöhnliche Menschen hätten Angst,
denn hier gibt es keine Engel.

Schau dich um, hörst du das Geräusch?
Donner kracht, spaltet den Boden.
Der Himmel zerreißt in vergifteter Luft,
glüht mit grausamem Schein.

Heiliges Wasser, bitte rette mich,
ich flehe auf meinen Knien, verlass mich nicht.
Sieh, wie sich die Seiten wenden,
das Wasser lässt sie brennen.

Vorbeifahrende Schiffe segeln
in Richtung Horizont ohne Wiederkehr.

TORTURETWINN: Blood Love

Andrew Devin Georgieff wirkt wie eine Mischung aus 60s-Mod, Emo-Rocker und THE RAMONES: große Kotteletten, die Andeutung eines Ponys, Lederjacke, zerrissene Jeans. Oft sieht man ihn rauchend auf Fotos oder in Videos – er strahlt die Coolness des jungen James Dean aus, oder auch die eines Schweinerockers schwedischer Prägung. Doch dieser erste Eindruck täuscht: Unter seinem Moniker TORTURETWINN präsentiert der Musiker aus Richmond, Virginia hochmelodischen Goth-/Waverock der übertrieben romantischen Sorte.

Er besitzt eine angenehm warme und hohe Stimme, streift dabei das Falsett, er kann schmachten und flehen – mit diesen kleinen Seufzern und sanftem Schmelz. Es ist Musik für dunkle und blutende Herzen. Diese Art von Musik, die wir unglücklich verliebten Spinner früher auf Mixtapes packten, um ein Girl (oder einen Boy, oder alles dazwischen) zu beeindrucken – versehen mit einem Glitzersticker, den wir aus Omas Gossipheften wie „Frau mit Herz“ gestohlen haben. Hach!

Wir bewegen uns also in Sphären, für die Musiker wie CHRIS ISAAK, HIM oder PLACEBO stehen – wenn das stilistisch auch nicht ganz zutrifft. Denn es ist schon auch ein Album für 80s-Nostalgiker. Arpeggierte Cure-Gitarren! Quirlig verspielte Basslines! Tanzbare Rhythmen! Wenn diese Songs nicht jeden Goth- und Indie-Club in eine Dampfsauna aus euphorisch zuckenden Leibern verwandeln, dann weiß ich auch nicht. Gelegentlich werden auch TEARS FOR FEARS als Einfluss genannt, es gibt eine gewisse Indiepop-Sensibilität.

Lassen wir Georgieff selbst zu Wort kommen, um zu beschreiben, in welcher Stimmung diese Songs entstehen: „Vor sechs Jahren fragte mich mein Therapeut: ‚Is this the hill you want to die on?‘ Ich höre Worte, und mein Gehirn verwandelt sie in Bilder … also stellte ich mir vor, wie ich blutig und ausgestreckt auf einem sonnigen Hügel liege, übersät mit Blütenblättern und Grabsteinen. Mutter Natur spielte bei der Entstehung dieses Songs mit: Die Bäume auf dem Hollywood Cemetery begannen gerade zu blühen, und ein oder zwei Stürme hatten den Rasen mit Blütenblättern übersät (…).“ Yesses! Ist das nicht kitschig? Ist das nicht schön?

Als Kontrast zu dieser überbordenden Gefühlsschmachtigkeit steht eine gewisse Do-it-yourself-Ästhetik: Georgieff spielt fast alle Instrumente selbst ein. Das verleiht den Songs etwas Kantiges, Unpoliertes – eine Reibung, die diese Musik vielleicht braucht. Die Lyrics schlagen in eine ähnliche Richtung: Sehnsucht und Verlangen sind hier nie ohne Schmerz, Sucht und körperliche Verletzungen zu haben. „Du hast die Haut an der Innenseite meiner Schenkel gekniffen/ Hast mir geradewegs in die Augen gesehen/ Und gesagt: Weine nicht!/ Verschwende nicht meine Zeit,/ Ich habe sie dir geschenkt/ Und sie gehört ganz mir!“, heißt es gleich im Opener „Red Light“, der eine bevorstehende Trennung thematisiert. Die Perspektive wechselt von der Frau zum Ich des Textes:

Ich würde deine Hand halten
und dich an jeder roten Ampel küssen,
ein paar falsche Abzweigungen nehmen,
bis es sich richtig anfühlt.
Warum sagen wir eigentlich Lebewohl?
An Abschieden ist nichts gut.
Ein Finger auf deinen Lippen, meine Zunge –
ich beiße zu.

So bietet uns dieses Album 25 Minuten Melodram in sieben Songs: Es lässt uns leiden, innerlich zerfließen, streichelt sanft und ritzt gleichzeitig leicht mit dem Messer. Bleeding-Heart-Rock für Liebende, Enttäuschte, Schmachtende – und für alle Außenseiter. Sollte ich Euch irgendwann ein Tape mit diesen Songs schenken, dann lauft so schnell ihr könnt!

AMEOKAMA: I Will Be Clouds In The Morning And Rain In The Evening

Sind die Möglichkeiten des Industrial-Rock und -Metal bereits auserzählt? Die US-amerikanische Multiinstrumentalistin Aki McCullough alias AMEOKAMA hat etwas dagegen. Auf dem Cover von „I Will Be Clouds…“ posiert sie im Kimono, umgeben von Kirschblüten – ein deutlicher Bruch mit den typischen Selbstinszenierungen des Genres. Doch das Idyll könnte trügen. Das Gesicht ist auffällig geschminkt, sie starrt seltsam ausdrucklos in die Kamera – eine geisterhafte Porzellanpuppe, es liegt etwas Unheilvolles in der Luft.

Diese Doppelbödigkeit durchzieht das ganze Album. „My Fears Have Become Fetishes“ beginnt als schräge Varieté-Nummer mit Indiepop-Appeal, dissonant knurrt, spricht und singt sie über sich schräg windenden Gitarren, der Rhythmus bewegt sich wie ein kaputtes Kettenkarussell. Durchaus geisterhaft, was hier passiert. Gott wird angesprochen – sie ist eine Frau. Blasphemische Gedanken mischen sich mit Sadomaso-Phantasien:

Ich spucke Gott ins Gesicht, und sie flehte mich an, mehr zu tun./ Sie piss­te auf mein Grab mit donnerndem Regen, machte meinen Tod klein./ Wisch die Tropfen von meinen Lippen und öffne meinen Mund.

Gegen Ende steigert sich der Song in eine Lärmorgie, mit schwer groovenden Gitarren und dissonantem Fieben. Die Sprecherin schlüpft in eine Identität zwischen Mensch und Wassergeist: „Ich wurde im Wasser geboren – du kannst mir den Kopf nicht untertauchen./ Und wenn du es versuchst, könntest du etwas wecken, das du niemals töten kannst.“

Das folgende „Phantom Cock“, wieder sehr explizit, ist eine groovende Clubnummer, die in jedem Kellerclub mit fleckig abgewetzten Sofas wunderbar funktionieren würde. Die Gitarren treten in den Hintergrund, dafür schrauben synthetische Bässe zwischen KMFDM und THE PRODIGY. Weibliche Selbstbehauptung spiegelt sich in einem imaginierten Penis; Motive von Bessessenheit: „Mein Phantom-Penis ist viel größer als deiner./ Sie lebt noch, und ich bin es, der der Geist ist./ Ich häute mich jeden Tag, um deine Haut tragen zu können./ Sie passt auf meine Leere wie ein Handschuh – und jetzt werde ich sie niemals loslassen.“

Schon der nächste Song wechselt wieder den Sound: „I Am Driving a Car with a Cute Girl and Pretending That the World Isn’t Ending“ überblendet hochmelodischen Post-Punk mit geschrienen Passagen und schroffen KORN‑Gitarren. Auch dies ein potenzieller Hit – McCullough zeigt ihren schrägen, sarkastischen Humor: „Mal sehen, wer zuerst stirbt – dieser Planet oder ich?“, fragt sie. „Küsse mich, als wäre dies der letzte Tag auf dieser Erde.“ Mit Ravensong folgt eine schmerzhaft schöne Folkballade mit leicht verstimmter Akustikgitarre, leicht müde und erschöpft klingt ihre Stimme.

Dann wieder Aberwitz: Das zehnminütige „Izanami“ überblendet TOOL-artige Klänge mit avantgardistisch-jazzigen Soundspielereien. McCullough singt und flüstert beschwörend, sie schreit und growlt – sie windet sich und fällt in einen wahnhaften Zustand. „Izanami“, die Schöpfergöttin, Erschafferin von Ordnung und Chaos, die Macht weiblicher Schaffenskraft. Ein Windspiel, ein Fauchen, schwere Gitarrenwände und hallende Drums – oh my Godness!

Dieses Album ist ein Abenteuer und ein orgiastischer Rausch, zugleich ein mächtiges Statement weiblicher Kreativität. Es führt tief hinein in die japanische Mythologie, in geisterhafte Welten, in das schummrige Licht von Sadomaso-Klubs und in die Kulisse zerfallener Großstadtmetropolen. Eindrucksvoll beschreibt McCullough in einem Interview mit dem Ghostcultmag ihren Schaffensprozess: Geprägt von Kontrollverlust fällt sie in einen Rausch, arbeitet zwölf Stunden am Stück an einem Song, ohne zu essen oder zu schlafen, taucht ein in einen tiefen Tunnel. Ein Schreibprozess, der sie körperlich angreift und aufzehrt. Diese Besessenheit hört man dem Album deutlich an. Atemberaubend!

CHILDREN OF THE SÜN: Leaving Ground, Greet the End

Das hier ist die ultimative „Loslassen“-Platte. Der Soundtrack dazu, am Sommermorgen barfuß über eine Wiese zu laufen, noch feucht vom Tau. Sich einen Grashalm in den Mund zu stecken, um genüsslich bis zum Sonnenuntergang darauf rumzukauen. Es ist der Soundtrack von Elfen, um nackt um eine alte Fichte zu tanzen, während der Pan mit Pferdehuf unredliche Absichten hegt und lustvoll auf die Leiber starrt. Ich bin dafür mittlerweile wahrscheinlich zu alt – der Anblick wäre kein schöner –, also erspare ich Euch das Bild.

„Leaving Ground, Greet the End“ ist mittlerweile die dritte Platte der jungen Schweden CHILDREN OF THE SÜN – und der Name ist Programm. Man schwebt, leicht berauscht, in anderen Sphären. Auf dem Cover sehen wir sie in weißen Gewändern, Hand in Hand einen Ringelreihen tanzend; es erinnert an heidnische Midsommar-Feiern, aber auch an Tauf- oder Konfirmationszeremonien. Entrückt blicken sie einander in die Gesichter. And that’s the Spirit – eigentlich könnte ich hier aufhören. Denn so, genau so, klingt diese Platte.

Es ist eine ganz spezielle Form von Retrorock, die sie hier zelebrieren. Nicht die schroffe, kantige Art. Sondern eine entrückte, fast traumwandlerische Musik, mit der Ausstrahlung einer Hippie-Kommune. Aufgenommen wurde die Platte in einer kleinen Hütte tief in den Wäldern von Värmland, umgeben von stillen Seen, moosbedeckten Felsen und dichten Kiefernwäldern – ein Ort, der wie geschaffen wirkt, um Klänge in die Luft zu malen und Zeit und Raum zu dehnen. Man darf davon ausgehen, dass sie die Sommermonate genutzt haben – jene Zeit, in der die milde Sonne sanft die Nasenspitze kitzelt. Oh my god, gleite ich hier gerade in Kitsch ab?

Da gibt es die markante Stimme von Frontsängerin Josefina Berglund Ekholm, mal glasglockenklar und hell klingend, noch sehr jung. Aber durchaus auch kraftvoll und leicht raspelig in den rockigen und souligen Passagen. Und die entrückten Chorgesänge der anderen beiden Girls, zuckersüß und himmlich, die alles in eine weihevolle, fast sakrale Atmosphäre tauchen.

Hinzu kommt das zurückgenommene, songdienliche Spiel der Band, irgendwo an der Grenze zwischen den 60ern und 70ern. Die Orgel klingt wie aus einer fernen Zeit, die es vielleicht nur in Träumen gab. Der Bass legt auch mal funky Grooves unter die Songs, die Gitarren kennen den Blues und das doppelläufige Spiel einer Band wie THIN LIZZY.

„Sugar“ heißt der erste Song, und der Name ist Programm: ein flotter, süß schmeckender Gute-Laune-Rocker im schnellen Tempo, der an FLEETWOOD MAC oder die psychedelischen Klänge amerikanischer Westcoast-Bands der Flowerpowerära erinnert. Mit dieser Nummer werden wir direkt auf den Highway zum Meer katapultiert. Das Schlagzeug treibt druckvoll, die Gitarren knarzen, und sofort spürt man die Sonne auf der Haut:

Stell dir vor, du cruist in einem glänzenden ’67er Impala,
das Radio auf Anschlag – ja, wir drehen den Lautstärkeregler auf elf!
Die Sonnenbrille kleidet uns cool, dass sie fast die Naturgesetze sprengt,
und der ultimative Sommerhit dröhnt aus den Boxen.

Doch die Band ist nicht so naiv, einfach alle Blumenkind-Klischees abzurufen, es gibt durchaus einen doppelten Boden. Es geht um eine toxische Beziehung, etwas fehlt, und so entwickelt sich die Liebe zwischen dem sprechenden Ich und der angesprochenen Person zu einem tödlichen Duell:

Denn eigentlich zählt nichts, wenn die Liebe die Form einer Waffe annimmt.
Ich sah, wie du den Abzug drücktest – doch du verfehltest, schmerzliche Freude.

Der Tod ist ein Leitmotiv auf diesem Album und mischt sich in die sommerliche Atmosphäre. Die jungen Schwed*innen ließen sich von Dokus über Kulte inspirieren, die sie während einer Tour durch Spanien im Bus sahen. Sie wollen Leben und Tod als universelles, kultur- und zeitübergreifendes Thema aufgreifen, wie sie im Pressetext betonen.

So eröffnet das Album eine weitere Facette: entrückte, schwermütige und zugleich unwirklich schöne Folkballaden. „Lilium“ beginnt mit sehnsuchtsvollem Satzgesang, der wie Weihrauch über die Wiese aufsteigt, bevor Sängerin Ekholm in der Strophe zum größtmöglichen Melodram ausholt:

Aus meinem verrottenden Körper werden Blumen wachsen,
pflücke sie, wenn du allein und voller Sehnsucht bist.
Und während die Zeit vergeht, verblassen meine Erinnerungen,
du wirst mein Herzschlag sein bis zum Ende aller Tage.

Schwebende Satzgesänge prägen auch das folgende „Starlighter“, ein Song, der uns völlig die Bodenhaftung verlieren lässt und – natürlich – mit zu den Sternen nimmt. Eine entrückte Countrynummer mit warmen Hammondorgel-Sounds und rührenden Drums, begleitet von einer slide-artigen Gitarre, die dem Ganzen zusätzliche Weite verleiht. Es ist dieser Moment, wenn sich in einer Alltagssituation plötzlich ein Raum öffnet, der Körper zu schweben beginnt und man in andere Sphären kippt:

Ich ertrinke mitten auf der Straße,
meine Füße gleiten dahin, meine Beine schlafen.
Ich ertrinke mitten auf der Straße,
meine Füße gleiten dahin, meine Beine schlafen.
Meine Füße gleiten dahin, meine Beine schlafen.
Ich falle in den Ozean,
in den Ozean.

„Come with me“ ist wieder eine flotte Gute-Laune-Nummer, perfekt, um mit der Kommune im Bulli gen Süden zu fahren, während das wehmütige „Lovely Eyes“ kinderchorartige Choräle auffährt und den Raum in dichten Nebel taucht. Interessant ist, was die Band mit „Whole Lotta Love“ von LED ZEPPELIN anstellt: Sie verwandeln den Song in eine entschleunigte, fast träumerisch träge Haschisch-Nummer, drosseln das Tempo deutlich – leicht verschleppt und müde klingt er nun, als würde man in einem Fichtenwald dahindösen. Das Album entlässt uns mit Orgelklang und himmlichen Chorälen, damit wir wieder sanft auf dem Boden landen können.

Q LAZZARUS: Goodbye Horses: The Many Lives of Q Lazzarus

Dieses Album ist das Zeugnis einer Jahrzehnte umspannenden musikalischen Karriere, die bis in die späten Siebziger zurückreicht – von einer Sängerin und Songwriterin, die nie einen Plattenvertrag besaß. Und es ist zugleich ein bitteres Dokument dafür, wie musikalisches Schubladendenken – und wohl auch die Hautfarbe – eine vielversprechende Karriere vollständig verhindern können.

Zu Lebzeiten erschien von Diane Luckey, besser bekannt unter ihrem Künstlernamen Q LAZZARUS, nur ein einziger Song: „Goodbye Horses“. Er wurde durch den Film „Das Schweigen der Lämmer“ ikonisch – jene Szene, in der Serienkiller Buffalo Bill sich vor dem Spiegel schminkt und tanzt. Dass der Song überhaupt im Film landete, war reiner Zufall. Luckey lernte Regisseur Jonathan Demme kennen, als sie in New York als Taxifahrerin arbeitete, und spielte ihm während einer Fahrt ein Demotape vor. Demme war sofort angetan – der Rest ist Geschichte.

Die Compilation versammelt 23 Songs von Luckey – fast alles Demoaufnahmen, die meisten von ihr selbst geschrieben. Und das ist stilistisch ein wilder Ritt. Sie hat vieles ausprobiert, seit sie 1978 von einer Kleinstadt nach New York zog, als siebte Tochter eines verarmten Elternhauses, um eine Musikkarriere zu starten. Von Hard Rock über Soul und Reggae bis hin zu Synthie Pop, New Wave – und in den 90er Jahren sogar House und Eurodance. 1995 gab sie, vom Musikbusiness enttäuscht und stark drogenabhängig, ihre musikalischen Ambitionen auf und arbeitete fortan als Bus- und Taxifahrerin.

Doch es kann keinen Zweifel daran geben, dass Luckey als Sängerin und Songwriterin ein außergewöhnliches Talent war. Da ist zum einen diese warme, tiefe Stimme: rauchig und durchdringend, mit viel Volumen und Präsenz. Eine Stimme, die man sofort heraushört – und die einen Song allein durch ihre Darbietung zu etwas ganz Besonderem machen kann. Und da sind diese kleinen Songperlen, ausgefeilt komponiert, von denen einige das Zeug zu echten Hits gehabt hätten. Es gibt viel zu entdecken auf dieser Platte, auch wenn man bei der Soundqualität naturgemäß Abstriche machen muss – und nicht alle Songs, ihrem Democharakter geschuldet, bis ins letzte Detail auskomponiert sind.

Damit sind wir wieder beim Thema Rassismus. Luckey wollte als dunkelhäutige Frau mit Rastas in einer Hard-Rock-Band singen. Nach ihren Aussagen lehnten Plattenfirmen sie auch deshalb ab, weil sie einer Frau mit diesem Erscheinungsbild bei der anvisierten Zielgruppe keine Erfolgschancen einräumten. 1988 zog sie eigens nach London, weil sie sich dort bessere Möglichkeiten erhoffte, und gründete die Band Q LAZZARUS AND THE RESURRECTION. Doch auch dort blieb ihr ein Plattenvertrag verwehrt.

Und so finden sich auf dieser Compilation tatsächlich viele Songs, die eine rockige Note haben. Die schöne Crooner-Ballade „Heaven“ zum Beispiel, die mit ausgesprochenem Ohrwurmcharakter AOR und Soul verbindet – ein Song der Kategorie Powerballade, fantastisch gesungen. Oder das funkig verspielte „I See Your Eyes“, eine Nummer irgendwo zwischen Rock und New Wave, mit dominanten Keys, aber einem treibenden Rhythmus. „A Fools Live“ ist ebenfalls ein amtlich abgehangener Rocker, während sich „Flesh for Sale“, wenn auch etwas dünn produziert, sogar verdächtig nach Hair Metal anhört.

Doch auch andere Songs sind durchaus hörenswert. Die schwere Soulrock-Ballade „Momma Never Said“ verbindet typische 80s-Keyboards mit hardrockigen Rhythmen und 70s-Soulfeeling, während das bedrückende „Fathers, Mothers and Children Dying in the Street“, mit Bongos unterlegt, an den sozialkritischen Soul erinnert, wie ihn Curtis Mayfield auf seinem Debüt etabliert hat – inklusive eines fantastischen Basslaufs. Neben „Goodbye Horses“ vielleicht der eindringlichste Song der Platte. Spaß machen auch der elektronische Reggae von „Summertime“ und der schwüle Madchester-Funk von „Bang Bang“. Und dass ein Dance-Song wie „Love Lust“ in den 90ern europaweit ein Hit hätte sein müssen – darauf verwette ich meine Bonbonkette. Selbst diese Housetracks handeln noch von Schmerz und persönlichen Verletzungen.

Wie gern hätte man diese Songs mit einem voll ausproduzierten Sound gehört! Natürlich können sie in den Demoversionen ihre Klasse nicht ganz entfalten, hier und da krankt es an den Arrangements. Und doch ist das eine höchst faszinierende Sammlung, ein wertvolles Vermächtnis für eine außergewöhnliche Künstlerin. Erschienen ist sie auf dem ohnehin unantastbaren Sacred Bones-Label. Erlebt hat Luckey die Veröffentlichung nicht mehr: Sie starb im Juli 2022 an einer Blutvergiftung, kurz bevor ein Dokumentarfilm über sie gedreht werden sollte.

Species: Changelings

Für Thrash-Metal-Fans war es ein verdammt gutes Jahr: das bockstarke Comeback von CORONER, die gelungenen Platten von Routiniers wie TESTAMENT und SODOM oder Newcomer wie die Münchener WHITE MANTIS ließen die Mosher so manche Freudenträne im Pit verdrücken. Das ultrabrutale Album der Chilenen CHEMICIDE habe ich an dieser Stelle abgefeiert. Jede dieser Platten wäre es wert, an dieser Stelle gewürdigt zu werden. Ich aber habe mich für die Außenseiter entschieden, die vielleicht spleenigste Thrash-Platte des Jahres.

In vielen Soundchecks schnitt „Changelings“, das Zweitwerk der Polen SPECIES, nicht besonders gut ab, mitunter landete es sogar auf den hinteren Plätzen. Das überrascht kaum. Denn diese Platte polarisiert. Es dürfte Rezensenten geben, die hier ohne Zögern die Höchstnote zücken – und solche, die genervt das Gesicht verziehen und nach zwei Minuten auf die „Stop“-Taste drücken.

Das ist Musik für Freaks und Nerds: für Menschen mit einer Vorliebe für Achtel- und Sechzehntelnoten und einer hohen Toleranz – oder besser: Begeisterung – für Aberwitz. Ich selbst ließ mich von den durchwachsenen Reviews zunächst abschrecken. Doch seit ich zum ersten Mal im Plattenladen stand und probehörte, war klar, dass ich unmöglich – auf keinen Fall! – auf diesen musikalischen Trip verzichten will.

Dass diese drei schnauzbärtigen Polen nicht so ganz in das klassische Schema einer Thrash-Band passen, wird schon auf den Promofotos deutlich. Dort posieren sie in quietschebunten Hawaii-Hemden und mit Schweißbändern an der Stirn – ja schade eigentlich, dass sich ein solcher Look, von ANTHRAX vielleicht einmal abgesehen, in der Thrash-Szene nie durchgesetzt hat. Wie geil wäre es denn bitte, auf einem Thrash-Konzert ein Blumenmeer aus bunten Trikots zu sehen? Ist ja nur eine Idee.

Was bekommen wir also geboten? Höchst versierten, progressiven Thrash auf den Spuren von ANACRUSIS, ATHEIST und den hierzulande wenig bekannten WOLF SPIDER. Auffällig ist zunächst die kauzige, leicht mickey-mausige Stimme des Sängers und Bassisten Piotr Drobina – eine Art heißeres Keifen mit deutlicher Verneigung in Richtung Death Metal. Hinzu kommt eine aberwitzige Abfolge virtuoser Gitarren- und Bassläufe, ständiger Rhythmuswechsel und Soli, die von hohem musikalischen Können künden. Doch ich schwöre: Für meine Ohren ist das gar nicht anstrengend.

Denn was diese Band auszeichnet, ist Spielwitz – im wortwörtlichen Sinne. Man merkt, wie durchdacht hier alles ist, wie jede Note gelebt und genossen wird. Da schwingt ein fast frank-zappa-esker Aberwitz mit, und es würde mich nicht wundern, wenn die Musiker ihre Instrumente nachts mit ins Bett nehmen. Ich sehe förmlich, wie der Schlagzeuger sich an seine Tom Toms kuschelt.

Da gibt es hochmelodische, stimmungsvolle Zwischenspiele wie in „Born of Stitch and Flesh“, die einen komplett in den Weltraum beamen – und an denen auch Fans der jüngeren BLOOD INCANTATION ihre Freude haben dürften. Dazu kommen elegant jazzige Grooves wie in „Terror Unknown“, in denen sich die Gitarre, kaum verzerrt, zurückhält und dem rhythmischen Spiel von Bass und Schlagzeug das Rampenlicht überlässt.

Dazu gesellen sich massig Riffs: verschlungen und verkniffen, dabei aber überraschend elegant fließend. Die virtuosen Fingerspiele sind kein Selbstzweck, sondern pointiert gesetzt und haben Chuzpe. Im Opening-Track stecken gleich drei Basssoli, die man beim flüchtigen Hören leicht überhört. Es ist, als führten die Instrumente ein angeregtes Gespräch, in dem sie einander kommentieren, ergänzen und widersprechen – und in dem auch viel gelacht wird.

Hinzu kommt eine unglaublich tolle und transparente Produktion. Jeden Beckenschlag, jeden Basslauf und jedes Pling der Gitarre hört man hier detailliert heraus, sodass man die einzelnen Noten förmlich mit den Händen greifen und mit ihnen jonglieren kann. Ich möchte jenem Rezensenten-Kollegen die Löffel langziehen, der den „dünnen Sound“ bemängelt hat. Ja, die Band verzichtet auf maximale Härte, die Gitarre ist nicht zu stark verzerrt, es gibt keinen „Loudness War“. Doch all das ist druckvoll und höchst eindrücklich in Szene gesetzt. Ich lehne mich sogar so weit aus dem Fenster zu sagen, dass dieses Album den besten Sound aller Thrash-Platten des Jahres hat. Bei solcher Musik geht es nicht darum, dass sie dich komplett wegballert, sondern um Details und Feinheiten.

Was hier im Wechsel- und Zusammenspiel der Instrumente passiert, ist schlicht großartig. Es gibt eine Art musikalisches Narrativ, eine Dramaturgie, die dich durch die Songs trägt. Atmosphärische Passagen und ruhige Zwischenspiele wechseln sich ab mit flott galoppierenden Riffattacken.

Oft schwingt dabei ein leichtes Fusion-Jazz-Feeling mit, sodass ich unweigerlich an PINK FREUD denken musste. Nein, kein Schreibfehler: gemeint ist die abgefahrene polnische Jazzband, die einen ganz ähnlichen Aberwitz an den Instrumenten zeigt. In den schreitenden, düsteren Momenten wiederum fühlte ich mich an die frühen EMERSON, LAKE AND PALMER erinnert, als diese noch eine spannende Band waren. Lediglich die genretypischen Texte fallen etwas hinter die musikalische Darbietung zurück. Geschenkt – das hier ist geil. Aber seid gewarnt: Ich bin auch der Typ, der „Control and Resistance“ von WATCHTOWER zur besten Metalplatte aller Zeiten gekürt hat.

OBIYMY DOSCHU: Vidrada

Dass die Ukrainer OBIYMY DOSCHU nicht längst einen großen Namen in der europäischen Progrock-Szene haben, dürfte einen einfachen Grund haben: Sie singen in ihrer Muttersprache. Nicht nur das gemalte Cover von „Vidrada“ ist wunderschön und leuchtet in den sattesten Farben – so ist auch die Musik auf diesem Album. Das sechsköpfige Kollektiv spielt eine sehr melodische, sanft fließende Version des Prog, die viel auf Stimmungen und harmonieverliebte Momente setzt. Kein virtuoses Gefrickel – es ist Prog zum Hineintauchen und Zurücklehnen.

Der erste Song eröffnet mit Kinderlachen und einer harmonischen Leadgitarre. Sänger Wolodymyr Agafonkin steigt ein – seine hohe, klare Falsettstimme klingt voll und nuanciert, gefühlvoll gleitet er über das zurückgenommene Spiel der Band. Dabei setzt er sie songdienlich ein: kein übertriebenes Melodram, keine operettenhaften Gesten. Die Musik atmet ein Folkfeeling, geprägt von zahlreichen akustischen Passagen und der Bratsche von Olena Nesterowska, die auf diesem Album viel Raum bekommt. Große, elegische Melodien bauen sich auf, dazu idyllische Bilder. Es geht um den Wunsch, als Erwachsener den naiven, staunenden Blick eines Kindes zurückzugewinnen – und damit auch die Liebe zur Welt:

Manchmal überkommt uns ein Drang
ohne Grund,
auf Kastanienbäume zu klettern,
bis ganz nach oben,
loszulassen
und dem Wind nachzujagen,
durch ein Feld zu rennen
und sich frei zu fühlen.

Dieser sanfte, elegische Tonfall des Openers zieht sich durch das gesamte Album. Große Melodiebögen wechseln sich mit behutsamen Brüchen ab. Gelegentlich stottert das Schlagzeug nervös, rhythmisch gewagt, während die melodisch verspielte Leadgitarre auf feines Fingerpicking und die gleitenden Harmonien der Bratsche trifft. Nur selten bauen sich Soundwände auf, doch selbst dann bleibt das Klangbild dicht und vielschichtig. In manchen Momenten hat die Musik auch ein leichtes Kammerorchester-Flair.

Der zweite Song „At Distance“ thematisiert Trennung und Entfremdung, eine Hammond-Orgel klingt genretypisch und warm, das Schlagzeug streut jazzige Patterns, sehnsüchtige Streicher. Es ist ein Song, der sich sehr behutsam aufbaut, auf einen Höhepunkt zusteuert – auch er zeigt, wie wirkungsvoll es die Band versteht, Prog, Kammermusik und folkische Momente ineinander zu verweben. Im Finale wird der Song härter, das Keyboard windet sich nervöser, und wieder fallen in der Übersetzung die behutsamen Texte auf, etwa in den Bildern einer nächtlichen Busfahrt:

Der Zauber ist verflogen,
bald werden wir alt sein.
Scheinwerfer leuchten durch Fenster,
durch die wir einst den Schlaf verloren.
Wir treiben in Gedanken,
in einem überfüllten Bus,
leise auf der Suche
nach Spuren des Bewusstseins.

So ist das hier ein Album, das mit seiner tiefen Innerlichkeit und Sensibilität viel mit zeitgenössischen Progbands zu tun hat, Bands wie LEPROUS und PINEAPPLE THIEF – mit seinem elegischen, liedhaften Melodien aber eine eigene Klangfarbe findet und traditionell wirkt. Der natürliche und warme Klang der Instrumente, jedes exzellent in die Szene gesetzt, ist hier sehr wichtig. Man muss sich schon ein wenig einlassen auf dieses schwebende Gleiten und die behutsam gesetzten Höhepunkte, die sich möglicherweise nicht gleich sofort erschließen.

Und um nicht missverstanden zu werden: Der grundsätzliche Eindruck von Harmonie und Melodik bedeutet nicht, dass es hier keine Kontraste gäbe und sich die Musik im Schönklang erschöpft. Nur scheinen mir die kontrastierenden Momente sehr subtil gesetzt. Sie vollziehen sich eher auf der Ebene von Harmonien sowie rhythmischer Dehnung und Verdichtung statt in klar hervorgehobenen Gegensätzen. Es ist nicht die gewohnte Dramaturgie aus laut und leise, aggressiv und ruhend, wie man sie von so vielen Bands kennt.

So erweckt „Hurricane“ mit seiner einschmeichelnden Melodik beinahe den Eindruck eines Wiegenliedes, eines Stücks, das in sich selbst zu ruhen scheint. Thematisch geht es um den Aufbruch nach einem Sturm, sinnbildlich für ein zerstörerisches, vernichtendes Ereignis. Die zweite Strophe, die diesen Aufbruch nach einem Moment des Innehaltens beschreibt, wirkt dabei etwas hektischer und schneller gespielt als die erste – nur unmerkliche Verschiebungen, die eine neue Dynamik hineintragen. Im Hintergrund plickert die Leadgitarre unruhig, bevor die eher traurig gefärbte Strophe von einem energischeren, zupackenderen Refrain abgelöst wird, der sprichwörtlich den Raum öffnet:

Dort führt jeder Schritt in die Freiheit
und der Weg dorthin ist gewählt.
Dort kann ich alles tun,
und alle Zeichen werden gut sein.
Jeder unerschütterte Kummer
wird sich lösen wie eine Lawine aus Schnee,
und der Himmel wird sich mir zu Füßen öffnen.

„After the War“ ist ein tröstender Ausblick darauf, nach Ende des Krieges wieder nach Hause zurückkehren und das gewohnte Leben fortsetzen zu können – mit seinen idyllischen Bildern im Refrain fast eine Beschwörung des Friedens. „Nach dem Krieg/ lass die Schuld los/ und lebe jeden Moment in vollen Zügen./ Dort, wo sich unsere Felder weit erstrecken,/ werden wir in Glück leben“, singt Agafonkin. Dieser Song nutzt ein ähnliches Moment wie der vorherige: mit nervösen, elektronischem Pluggern in der Strophe, wird der Song im Mittelteil feierlicher, das Keyboard und die Bratsche spielen ein fast beschwingtes Motiv.

„Time“ wird in der Strophe von einem hibbeligen, repetitiven Muster der Bratsche getragen: Sie drängt, fast aufdringlich rückt sie einem auf die Pelle. Wieder ist ein Jahr vergangen, man flüchtet sich barfuß vor dem einsetzenden Herbstregen unter ein Dach. Der Refrain scheint in eine andere Tonart zu kippen, das Drängende der Zeit löst sich in einer umarmenden Geste auf, neue Möglichkeiten erschließen sich:

Jeder Tropfen verändert etwas in der Seele,
dort, wo der Regen nie versiegt,
damit wir eines Tages, den Träumen lauschend,
vom Frühling lernen können.

„Vidrada“ ist kein Album für jene, die schroffe Kontraste oder plötzliche Entladungen suchen. Es verfolgt eine fast zärtliche Vision von Prog Rock und Metal. Mit dem grenzenlos optimistischen „Don’t Give Up“, das in einen Choral mündet, endet das Album – und man wird mit einem der schönsten Songs des Jahres in die Alltagswelt entlassen.

PINK SIIFU: BLACK’!ANTIQUE

2025 war ein gutes Jahr für experimentellen Hip-Hop: Interpreten wie BILLY WOODS, CLIPPING. oder DANNY BROWN haben hörenswerte, genresprengende Alben veröffentlicht. Den Höhepunkt an Aberwitz und Experimentierfreude lieferte aber Livingston Lemorie Matthews alias PINK SIIFU. Der Rapper und Produzent aus Birmingham, Alabama, vertont mit seinem vierten Album BLACK’!ANTIQUE eine Art schwarze Kulturgeschichte – auf seine ganz eigene Weise. Und wenn ihr glaubt, nun beim Stichwort „Rap“ schon einen Sound im Ohr zu haben: vergesst es.

SIIFU rappt mit einer raspeligen und heißeren, eindringlichen Stimme, die gern mal neben dem Rhythmus liegt, Silben hastig rollt oder abgehackt und vernuschelt klingt. Er rappt, wenn er nicht shouted. Oder die Stimme, geisterhaft verwaschen, weit in den Hintergrund mischt. Oder wenn er sanft und melancholisch singt, fast soulig, zwischen Sprechgesang und melodischer Performance wechselt.

Er ist kein Musiker, der sich auf ein Muster festlegen lässt, auf einen bestimmten Flow oder Vortrag. Als einen wichtigen Einfluss nennt er PRINCE – der sich ebenso ungern festlegen ließ. Aber das hier ist PRINCE vor der Kulisse einer kaputten Industriestadt, weit unberechenbarer, sprunghafter.

Das spiegelt sich auch in seinen Songs. So richtig weiß man nie, was einen auf seinen Alben erwartet und welchen Weg er als nächstes einschlägt. Volle 77 Minuten ist das neue Album lang, recht ungewöhnlich für ein Rap-Album. Und im Grunde ist es zweigeteilt. Im zweiten Teil gibt es mehr ruhige, melodische und soulige Songs, zuweilen auch mit einer leicht verwaschenen und abgehangenen Atmosphäre: SIIFU nennt auch Musiker wie SUN RA als Einfluss, deren fast spirituelle Idee von Jazz. Durchaus kann man dies zuweilen heraushören.

Und der erste Teil des Albums? Ist Collage. Eine noisige, berstende und alle Einzelteile auseinandersprengende Idee von Industrial-Rap, mit einer Vielzahl an Sampels, metallisch harten Rhythmen, geisterhaften Soundkulissen. Auch wenn wir keine Gitarren hören, ist das verdammt heavy. Wir hören Schreie und Geräusche wie von einem abstürzenden Flugzeug. Sirenen und Pistolenschüsse. Tiefe, hallende Garage-Sounds wie aus einem verwunschenen Fabrikgebäude. Hektische und nervöse Rhythmen, seltsam verschoben – und mitunter durchaus komplex. So erweckt er die schwarzen Ahnen von den Toten, ein mehrschichtiges Stimmengewirr. Lebendig stehen sie vor uns.

Wer hier die Lautstärke seines Kopfhörers zu laut aufdreht, könnte sein blaues Wunder erleben. Plötzlich dringen Lärm und Stimmen an das Ohr, die geeignet sind, panikartige Zustände auszulösen. Und doch ist das alles nachvollziehbar, wuchtig und nuanciert produziert – und es offenbaren sich Undergroundhits. Die Songs haben eine Dynamik und einen hypnotisierenden Sog, sie steigern sich, und repetitive Muster werden immer wieder mit überraschenden Details und Wendungen angereichert. Gegen manches, was hier passiert, klingt Trent Reznor bieder. Auch so manche Black-Metal-Band dürfte ziemlich alt aussehen.

Man muss sich vielleicht den brutalen Aberwitz eines Songs wie „ALIVE & DIRECT’!“ in seiner ganzen Länge geben, um zu verstehen, was hier passiert – einer der wirkungsvollsten Songs des Jahres, wie geschaffen als Soundtrack für Trumps Amerika. Angefangen beim unheilvollen Grundrauschen zu Beginn bis hin zu den heftig hinausgeschrienen Raps über Hochspannungsbässen. Die Texte SIIFUs lassen sich kaum ins Deutsche übertragen – die Doppeldeutigkeiten, die Mehrstimmigkeit, sein exzessiver Einsatz des N-Worts. Vorgaben der Political Correctness erfüllt er dabei nun wirklich nicht. Und dann gibt es diesen plötzlichen MANOWAR-Moment, wenn er auf Kriegszug geht: „Ich brauch’ all eure Köpfe am Thron / Straßenwild / Tote weiße Gesichter / Ja, Tasche voll mit Steinen.“

Die folgenden Songs sind etwas zugänglicher und melodischer, manche gar tanzbar – aber immer noch sehr heftig. „1:1[FKDUP.BEZEL]“ – SIIFU hat eindeutig ein Faible für kryptische, eigene Songtitel – überblendet den Aberwitz mit harmonischem, fast weinerlichem Singsang, bis er plötzlich das Tempo wechselt, mit seltsamen, nervösen Elektrosounds und Bounce-Momenten. Zuweilen packt er ein hardcoreartiges Shouten aus. Und dann, aber circa Song Nummer neun, wird das Album ruhiger und relaxter, zeigt ambientartige Flächen, jazzige Synths und Anflüge von Soul. Als wolle er uns die Möglichkeit geben, wieder aus der Hölle herauszufinden. „Girls Fall Out Tha Sky“ fährt einen melodischen Refrain aus, bei „Last One Alive“ ist SIIFU bei Jazz angekommen. Ganz zur Ruhe kommt das Album freilich nicht.

WYTCH HAZEL: V – Lamentations

Es ist mal wieder Zeit für diese „Der Müllerbursche und sein Kätzchen“-Band, die mit ihren geschnürten Tunika-Hemden und Gürteln direkt aus Grimms Märchen gestiegen ist und nun als Bruderschaft den christlichen Glauben verkündet. Das Album wurde in einer verwunschenen Getreidemühle aufgenommen, eingebettet zwischen sanften Hügeln und rauen Weiden, vor der mächtigen Silhouette von Lancaster Castle und den stillen Mauern einer alten Abtei. Zwischen eichenen Zahnrädern, knarzenden Dielen und staubigen Leinensäcken stammt der Strom vom frühen Krähen eines Hahns, das sich in den Balken festgesetzt hat, und vom Blitzschlag in einer geborstenen Eiche. Als Schlagzeug dienen alte Tränk- und Futtertröge, bearbeitet mit einem Holzschlegel, und der Bass ist das Rollen einer Pferdekutsche, die Heu transportiert. Im Hintergrund miauen die Kätzchen, während Feen auf saftigen Wiesen tanzen – das hier ist alter Landgraftschaftssound.

Tonwechsel: Es gibt Stimmen, die kritisieren, WYTCH HAZEL seien eine konservative Band – und es stimmt ja auch. Wie keine andere beschwört sie den Spirit des 70er-Jahre-Hardrocks, von THIN LIZZY über WISHBONE ASH bis hin zur frühen New Wave of British Heavy Metal. Doch irren all die Ketzer und Heiden, die behaupten, WYTCH HAZEL hätten mit „Lamentations“ einfach ihre früheren Alben noch einmal aufgenommen. Die Platte trägt einen düsteren Grundton, genährt aus den persönlichen Krisen von Bandkopf Colin Hendra und aus Depressionen – auch wenn das göttliche Licht bei dem tiefgläubigen Christen am Ende alles überstrahlt. Und so kommt dieses Album introspektiver und vielschichtiger daher als der Vorgänger, es hat seine grüblerischen Momente – nachzuhören in Songs wie „Run the Race“:

Ich habe mein Leben mit bestem Willen aufgebaut –
War es am Ende vergebens?
Paradies – ist dort ein Platz für mich?
Dunkler Abgrund – Ich laufe dir entgegen!

Vor allem aber ist dieses Album eine Liebeserklärung – eine hingebungsvolle Verneigung vor der Kunst des klassischen Songwritings. Nur beim flüchtigen Hören wirken die Songs schlicht, dann offenbaren sie raffiniert verwobene Harmonien und schier salbungsvolle Melodieverläufe. Es ist auch eine Liebeserklärung an die Gitarre: Welche Band sonst kann die Saiten derzeit so wirkungsvoll zum Klingen bringen? Dieses kunstvolle Spiel mit mehrstimmigen Läufen und fein gezeichneten akustischen Passagen – Leute, höre ich mich gerade zu weihevoll an? – beherrschen nur sehr wenige Bands.

Es sind auch die vielen Details, die dieses Album zu etwas Besonderem machen: die virtuos gepickte Akustikgitarre zu Beginn von The Citadel, in der sich die Mystik des 60er-Jahre-Folk spiegelt, von Bands wie PENTANGLE und TREES. Der quirlige Basslauf in Elements, welcher den zuckersüß melodischen Leadgitarren entgegen läuft, während die Akustikgitarre dem Song eine schwebende Grundierung verleiht. Subtile Rhythmuswechsel lassen die Songs auf eine Art fließen, dass selbst in den flotten und treibenden Momenten die meditative Stimmung nicht verloren geht. Bridges und Refrains bauen sich feierlich auf, ohne komplett ins Pathos zu kippen.

WYTCH HAZEL brauchen keine Effekte und keinen aufgeladenen Bombast, um sakrale Momente zu schaffen: Die Produktion bleibt rau und urtümlich. Es sind die sorgfältigen Arrangements und die feinen Umschaltmomente, die hier für Spannung sorgen.

Und es gibt noch etwas, das mich für dieses Album einnimmt: Hoffnung. In Hendras allegorisch verdichteten Bildern gibt es einen therapeutischen Impuls, der den Blick auf einen positiv gestaltbaren Zukunftshorizont eröffnet. Hendra mag ein frömmelnder Christ sein, doch Dogmatismus, so glaube ich, liegt ihm fern. Er nimmt sogar Split-EPs mit Bands auf, die ein okkultes Image pflegen. In Zeiten von Kriegen, Unruhen, Trump und einer polarisierten Gesellschaft ist es schön, Songs zu haben, die Licht ins Dunkel bringen. Gehen nicht auch Atheisten manchmal in die Kirche, nur um eine Kerze anzuzünden? 2025 war Lamentations genau diese Kerze – die heilende Kraft, die im Closing-Track beschworen wird. Amen.

THE ADVENTURES: Once More With Feeling

Die Nordiren THE ADVENTURES veröffentlichten 1985 mit Theodore and Friends und The Sea of Love zwei der schönsten Gitarrenpop-Alben der 80er, bevor sie sich nach einigen schwächeren Alben 1993 auflösten. Kaum verzerrte Gitarren trafen auf melodiegetränkte Harmoniegesänge, dazu eine sanfte, hohe Stimme – und ein Gespür für Refrains, die einen leicht in andere Sphären trugen. Man konnte sich fühlen, als schwebe man in einem Heißluftballon über grüne Wiesen und alte Industriestädte, das Fernrohr ausgefahren, die Weite der Welt bestaunend. Wer Bands wie CROWDED HOUSE oder die unterschätzten LOVE & MONEY zu schätzen weiß, versteht, was ich meine: Eleganz im Songwriting, schlicht und doch edel wie Hornknöpfe an einem feinen Revers.

Im Frühjahr 2025 meldeten sie sich nach über 30 Jahren zurück. „Once More With Feeling“ stand eines Tages im Regal meines Plattenladens. Und ich musste kurz googeln, ob es wirklich DIE Adventures waren – oder ob sich wieder eine Nachwuchsband den falschen Namen ausgesucht hatte. Doch ja, sie waren es! Und obwohl das Cover Polarlichter über einer Winterlandschaft zeigt, wurde es für mich zum Sommeralbum des Jahres. Oft lief es auf Fahrten mit dem Rad zum Badesee, beim entspannten Abhängen am abendlichen Strand oder beim Schlürfen alkoholfreier Waldmeisterbowle.

Doch erst war da Enttäuschung. Die Stimme von Sänger Terry Sharpe ist merklich gealtert: Sie klingt heißer, leicht krächzend und hat den ätherischen Schönklang früherer Tage verloren. Das wird durch die helle und klare Stimme von Backgroundsängerin Eileen Gribben ausgeglichen, die auch schon auf dem Debüt zu hören war. Sie bekommt mehr Raum und prägt zunehmend den Sound der Band.

Zudem zeigt sich eine neue Leichtigkeit im Songwriting. Klangen die Klassikeralben noch recht pathetisch, sind die neuen Songs von Bandkopf Pat Gribben nun lockerer, lässiger – und humorvoll. Ein britischer Humor, der Lebensweisheit und Melancholie mit einem eigenwilligen Witz verbindet. Gleich im tollen Opener „My Imaginary Girlfriend“ zu hören, in dem ein sprechendes Ich seine einzige Freundin besingt: Sie existiert nur in seinem Kopf. Schräge Reflexionen über die Unwägbarkeiten der Liebe mischen sich mit Motiven von Einsamkeit:

Es scheint so, als gäbe es seit Anbeginn der Welt
immer jemanden, der anderen das Herz bricht.
Ich bin nicht der Typ, der sich einen großen Plan ausdenkt,
ich bleibe lieber sicher in meinem Zimmer,
wo ich genau weiß, wo ich stehe.

Doch selbst dieser Song klingt unverschämt beschwingt. Er bewegt sich im flotten Tempo und fährt hymnische 80s-Synthies auf, wie man sie von BRUCE SPRINGSTEEN kennt. Der Prechorus, gesungen im Duett von männlicher und weiblicher Stimme, schmilzt wie Zartbitterschokolade in der Sonne. Man kann gar nicht anders, als gute Laune zu bekommen.

Das zum Sterben schöne „When the Sun Goes Down“ ist vielleicht der Soundtrack schlechthin, um an einem schwülwarmen Sommerabend zum Freilichtkino zu radeln: Melancholie wird stimmungsvoll in pure Lebensfreude verwandelt. Eine perlende, virtuos gezupfte Akustikgitarre trifft auf schwebend leichte Harmoniegesänge, selbst wenn die Ahnung des Todes bereits über der Lebensreise liegt. Ein Song, der Trost und Wärme spendet. Der Bass schreitet gemächlich dahin – bamm bamm bamm bamm bamm – wie ein Kamel in Reisegeschwindigkeit. Dazu schöne, versöhnliche Zeilen:

Wenn die Sonne untergeht / ersetzen die Sterne sie./
Kann ein Lächeln mein Gesicht erhellen,/
wenn die Sonne untergeht/
und ich meinen Lauf beendet habe?/
Du bist es, die ich in meine Arme schließe und festhalte/
wenn die Sonne untergeht.

„Lovetalk“ ist ein fröhlicher Uptempo-Groover mit LIGHTNING-SEEDS-Grinsen im Gesicht, wie ihn vielleicht nur britische Bands hinbekommen. Ganz anders die Folkballade „Lucy“, gesungen von Eileen Gribben: ein zutiefst persönlicher Tribut an die verstorbene Nichte der Band, voller Wehmut und Trauer, der auch bei ihrem Begräbnis aufgeführt wurde. Spannend dabei: Geschrieben wurde das Stück gemeinsam mit Cathy Dennis, der Songwriterin hinter Hits für KATHY PERRY oder die SPICE GIRLS. Ursprünglich war „Lucy“ für die Castingband S CLUB 7 gedacht – hier jedoch bekommt er einen ganz neuen, schwermütigen Anstrich.

Im zweiten Teil biegt das Album vermehrt in Richtung Country und Folk ab. Doch sanfte Melancholie, ausgefeiltes Songwriting und das milde Grundfeeling verhindern, dass manche Songs in „Yippie-Yeah“-Cowboyhutmugge abdriften. Es sind eben nordirische Kühe, die dort gemütlich kauend auf der Weide stehen – und so lässt sich sogar eine Bumm-Tschak-Nummer wie „The Hanging Tree“ genießen, ohne den Drahtesel auf dem Weg zum Sommersee gegen ein echtes Pferd eintauschen zu wollen. Ein schönes, fast altersweises Album voller heller Momente.

ASHNIKKO: Smoochies

Gnihihihihi. Ich muss zugeben, dass dieses Album meinem 13-jährigen Schulhof-Ich so manches verdorbene Grinsen ins Gesicht geschleckert hat. „Smoochies“, das neue Album von Ashton Nicole Casey, besser bekannt unter ihrem Künstlernamen ASHNIKKO, kommt wieder ziemlich explizit daher. Und nicht missverstehen: Die Texte haben einen doppelten Boden und wirken dabei sehr erwachsen. Es ist ein bewusstes Spiel mit – nun ja – dem Körper und den damit verbundenen Zuschreibungen, inklusive der dazugehörigen Körperöffnungen.

Casey zitiert und besetzt dabei Begriffe neu, die man zunächst als abwertend lesen könnte. „Ich bin ein kleines Schmuckstück“, singt sie in „Trinket Girl“, der Titelsong heißt „Smoochie Girl“ – ein Begriff zwischen Süßlichkeit und etwas Matschigem. „Schon ein winziger Splitter reicht, um mich aufzureißen“, heißt es an anderer Stelle, doppeldeutig angesiedelt zwischen sexuellem Verlangen und Verletzlichkeit.

Casey verdreht diese Begriffe bewusst: mal stammen sie aus Influencer- oder High-Society-Sprachfeldern, dann wieder aus Codes von Selbstoptimierung und emotionaler Selbstvermessung. Die Begriffe zirkulieren durch gegensätzliche Register – von Beauty- und Selbstvermarktungs-Sprech über Rap- und Geek-Vokabular bis hin zu Kink-, Porno- und Horrorsprache.

Und die Musik? Eine herrlich überdrehte Idee von Popmusik: hibbelig, groovig, tanzbar. Quietschebunt kommt dieses Album daher. Casey bewegt sich zwischen Sprechgesang und heißerer R’n’B-Stimme, klingt mal zuckersüß, dann wieder unnahbar und angriffslustig – und springt schräg über die Beats, sodass man fast an MISSY ELLIOTT denken muss.

Die Beats pumpen und setzen Wirkungstreffer in einer Gegend, die man sonst eher mit Erröten als mit Chartplatzierungen verbindet. Und keineswegs macht es einem die Musik leicht: Nervöses Fieben à la Nintendo, ungerade Rhythmen, stotternde Effekte und hochgepitchte Störgeräusche jagen durch die Tracks. Hooks werden nur angedeutet und wieder abgebrochen, Trap trifft auf hyperaktive Pop-Synths, experimentelle Effekte und kantige Klangflächen. Dieses Album ist ein Gestaltenwandler, und er wandelt sich ziemlich schnell: mal quietschebunt und hyperaktiv, mal dunkel und drohend, mal verspielt, mal aggressiv. Hyper-Pop ist hier nicht nur Behauptung.

Das alles hat auch einen schrägen Witz. „I want you in my body like microplastics“, singt ASHNIKKO in der dreckigen Clubnummer „Microplastics“, und im straight pumpenden Trap-Irrsinn „Full Frontal“ heißt es: „Ich will mein Hirn nicht benutzen, Lobotomie – das fühlt sich so gut an / Auf dem DJ-Pult sitzend spüre ich den Beat durch meinen Körper / Ich glaube, mir gefällt, wo das hingeht (uh-uh) / Ändere das Lied nicht, die Stimmung steigt / Wovon haben wir gerade geredet?“ Selbst beim Sex kommt noch ein Eichhörnchen um die Ecke, das einen plötzlich ablenkt.

Macht das Spaß? Natürlich. Auch wenn einige „Reizüberflutung!“ schreien mögen. Streng genommen ist ja auch Sex eine einzige Reizüberflutung. Oder scharfes mexikanisches Essen. Oder eine Wildwasserfahrt. Wem das alles zu bunt und überdreht ist, der kann ja alternativ in der Mediathek alle 70 Folgen der „Schwarzwaldklinik“ schauen.

Pinker Drink, Minirock-Kink,
Ich seh mein Spiegelbild, ich zwinkere,
Lass uns connecten, komm, wir geh’n aufs Gaspedal!

TRHÄ: ducel ëf ∂acet’asde§ den alëcaáhabna ë∫ igatenamëc. já sjaboj. já qá§mëna. ëmat’alsob nimëde eh enΩëcunnab nipi¶e

Nein, ich habe mir den Albumtitel nicht ausgedacht – das Ding heißt wirklich so. Schon allein deshalb verdient es einen Platz in der nerdy Jahreswertung. TRHÄ ist das Soloprojekt des mexikanischstämmigen US-Amerikaners Damián Antón Ojeda, der im Großraum Chicago lebt. Über den Musiker ist wenig bekannt, nur dass er äußerst produktiv ist: Drei EPs hat er in diesem Jahr veröffentlicht, alle über 30 Minuten lang, jede ein wenig sonderbar – und jede auf ihre Weise sehr gut. Seit 2020 hat Ojeda mit diesem Projekt mehr als 30 Alben herausgebracht – und nebenbei musiziert er in vier weiteren Bands!

Auf seiner 39-minütigen EP spielt er alle Instrumente selbst und singt – ja, was eigentlich? Der Albumtitel ist schon auffällig: 47 Silben lang, voller Sonderzeichen, kryptisch, und er klingt wie das Gemurmel bei einem schamanischen Ritual. Ich habe also Chattie hinzugezogen, ähm, ChatGPT: Er meinte, es sei eine Art Phantasiesprache. Auch Übersetzungsprogramme konnten nichts damit anfangen.

Und dann fiel es mir wie – öhm – Bohnen aus den Ohren: Seit wann versteht man im Black Metal eigentlich die Texte? KEIN MENSCH hat jemals verstanden, was da gesungen wird. Dass die sehr geschätzten AARA in Schwyzerdytsch singen, weiß ich nur, weil ich es gelesen habe. Okay, bei „Call of the Wintermoon“ kann man noch etwas erahnen. Alles andere? Lautmalerei, genretypisch: Krrraaahhh-sshhh-gggrrr… aaaaaarghhh-hhhh… sszzhh-krrrkkk… ohhh-uuuuhhh… 😂

Mister Ojeda benutzt also seine Stimme eher wie ein Instrument, er mischt sie weit in den Hintergrund – und doch transportiert sie eine fast zerberstende Emotionalität, ein infernalischer Mix aus Wut und Verzweiflung. Und es ist höchst faszinierend, was auf diesem Album passiert. Die Musik ist oft die pure Raserei, doch ebenso oft verschiebt er das Tempo, baut ambientartige Flächen und akustische Zwischenspiele ein. Fast wie eine Spieluhr klingen die Synths im über zehnminütigen Opening-Track, bevor die Raserei weitergeht und die Grenzen des Menschlich-Möglichen in Sachen Geschwindigkeit ausreizt. Man hört beinahe die Fingerkuppen bluten vom Gitarrenspiel, das Schlagzeug wird mit 16 Tentakeln bearbeitet. Das ist purer Aberwitz.

Zugleich strahlt diese Musik bei allem Geprügel eine große Verletztlichkeit aus. Vom Post-Black Metal und Depressive Black Metal – wer hat diese dämliche Genrebezeichnung eigentlich ersonnen? – übernimmt Ojeda Innerlichkeit, Melancholie und den mitunter verfremdeten Klang der Instrumente. Vom „traditionellen“ Black Metal der frühen 90er bringt er räudigen Lo-Fi-Sound und eine rumpelige Produktion mit, bei der die Instrumente auch mal absichtlich schief klingen – dazu diverse Blast-Beat-Ausbrüche. Ojeda schafft die Quadratur des Kreises: Er ist Old School und New School zugleich, in jedem Moment. Er ist der Sensible, der dir mehr Schrecken einjagt als ein Balrog mit flammendem Maul und Feuerpeitsche.

Das Tempo wechselt er häufig, was für den klassischen Sound untypisch ist, während das heiße Gekreische wieder sehr genretypisch wirkt. Primitivismus trifft hier auf Experimentierfreude: Mitunter klingen die Gitarren, die sogar mal japanische Harmonien zitieren, wie eine quietschende Tür oder Wind, der durch einen Fensterspalt pfeift. Er verwendet teils exzessiv harmonische Obertöne und viel Tremolo, was den Gitarren einen flötenden, zwirbelnden und mitunter pfeifenden Ton verleiht.

All jene haben also Unrecht, die sagen: „Diesen Mix kenne ich doch!“ Falsch – das hier ist Klangmalerei. Mit kleinen Verschiebungen in den Harmonien und beinahe unmerklichen Tonartwechseln, die oft wie ein kontrapunktisches Spiel wirken. Das hat durchaus etwas von Progressive- und Post-Rock, vielleicht sogar von Jazz. Wer glaubt, das Räudische resultiere aus begrenzten spielerischen Fähigkeiten, sollte sich die kurzen akustischen Passagen anhören – dort spielt Ojeda eine akustische Konzertgitarre, und das durchaus kunstvoll. Abenteuerlich und so noch nicht gehört!

SLIME: 3!+7¹

Das beste Punk-Album des Jahres! Rotzig, melodisch, kraftvoll, gefühlvoll (für Punkverhältnisse), zeitgemäß und oft überraschend positiv.

HECHT: Lovers

Das beste Pop-Album des Jahres! Vom Hit „Mon Amour“ über das genial tanzbare „(F*ck) Ines paar Jahr“ bis hin zum berührenden Abschlusslied „Min Name“ gibt es viele tolle Highlights und nur wenige Ausfälle (wie etwa den arg soften Titeltrack).

H.E.A.T: Welcome to the Future

Das beste Hard-Rock-Abum des Jahres! Die nachhaltigen Hymnen mit genial mitreißendem Gesang verstecken sich eher am Albumende. Die CD der Schweden hörte ich mit großer Freude sehr oft.

SKULL & CROSSBONES: Time

Das beste Heavy-Metal-Album des Jahres! Zwar bin ich momentan noch beim Warmhören, aber das Feeling ist da dank treibenden Drums, variablen Vocals und über weite Strecken stimmigem Songwriting. Hätte ich nach dem eher harmlosen Debüt gar nicht mehr unbedingt erwartet.

AVANTASIA: Here Be Dragons

Das beste Hellfire-Tobi-Album des Jahres! Mit „The Witch“ und „Against the Wind“ gibt es immerhin zwei herausragende Nummern, die den typischen Melodic-Metal mit tollem Gesang bieten. Der Rest schwächelt leider etwas.

HELLOWEEN: Giants & Monsters

Das beste Album des Jahres, bei dem Michael Kiske einmal mehr alles in Grund und Boden singt. Statt Riesen und Monstern gibt es freilich eher abwechselnd geilen Melodic Metal und blasses Mittelmaß, teilweise sogar innerhalb einzelner Stücke. Ich bin immer noch überrascht, dass „This Is Tokyo“ sich zu einem richtig ordentlichen Band-typischen Hit gemausert hat, nachdem ich es anfangs völlig plump fand.

UNDER RUINS: Age of the Void

Das beste Titelbild des Jahres! Musikalisch ist die Platte (ja, muss natürlich als LP in die Sammlung – mit Poster!) zu unpoppig für meinen Geschmack. Einzelne Fragmente schmeicheln dem True-Metal-Teil meines Herzens durchaus. Doch irgendwie hätte ich gerne in den Refrains mehr Sammet und Zuckerguss gehabt. Immerhin funktionierte das Album live erfreulich schlüssig, zumal die Stücke da einfach mehr Dynamik entfalten konnten.

Überraschenderweise wurden die besten Gigs fast ausnahmslos von Bands abgeliefert, die ich 2025 zum ersten Mal live sah.

HECHT: Im Wizemann, Stuttgart – 13.03.2025

Die größte positive Überraschung war das Konzert der Schweizer Mundart-Band, die im kleinen Club vor 250 Leuten eine schweißtreibende Show ohne Schörkel und mit jeder Menge Ohrwürmern ablieferte.

PASCOW: Kammgarn, Kaiserslautern – 09.11.2025

Eine weitere Neuentdeckung für mich, die ich gerade noch rechtzeitig vor der Konzertpause erleben konnte. Schweiß, Punk, Eindringlichkeit, hunderte Kehlen, die lauthals mitsangen. Dieses Live-Erlebnis hat sich tief in mein Musikbewusstsein eingebrannt.

ESTHER GRAF: Im Wizemann, Stuttgart – 16.10.2025

Ja, ich habe eine Schwäche für melodische Popmusik. Die österreichische Sängerin bot eine bunte Mischung aus brandneuen und etwas älteren Songs. Unterstützt wurde sie von einer top aufgelegten Backing-Band, einem perfekt ausgesteuerten Live-Sound und von einem Publikum, dass sie verdientermaßen abfeierte. Das hat alles wenig mit Vampster zu tun, war aber ein grandioses Konzerterlebnis, bei dem ich tanzte, mitsang, mitfühlte und schließlich sogar im Moshpit partizipierte.

VAN CANTO: Im Wizemann, Stuttgart – 08.11.2025

Alte Liebe rostet nicht, sondern singt mit reichlich Energie gut zwanzig Lieder aus allen Phasen der Bandgeschichte. Der Bard-Song-Chor war einer der lautesten, die ich je erlebt habe.

HECHT: Chollerhalle, Zug – 19.11.2025

Im ausverkauften Club-Konzert funktionierten die Songs vom neuen Album hervorragend. Es gab Konfetti, einen Überraschungssong mit Gastsänger und ein absolut textsicheres Publikum.

Dalmstöckle Open Air 11.07.2025

Das Open-Air quasi vor meiner Haustür war eine wundervolle Entdeckung. Auch wenn ich nur am ersten (Punk-)Tag dort war, genoss ich den klar ausgesteuerten Sound, das liebevoll gestaltete kulinarische Angebot (Kuchen bis in die späte Nacht!) und die entspannte Stimmung. Mit DORFTERROR lernte ich dann auch noch eine junge, hungrige Punkband kennen, deren Songs mir sofort gefielen und deren „X-Haus bleibt!“-Sampler mir die Tage nach dem Festival versüßte (und mich auf PASCOW aufmerksam macht).

Weil das Leben noch andere, nicht-musikalische Ereignisse bereithielt, verpasste ich leider die Live-Rückkehr von SAVATAGE.

Es war überraschend kurzweilig, S.A. SLAYER beim KEEP IT TRUE zu erleben, während RIOT V irgendwann schon mal frischer klangen. H.E.A.T verpassten leider die Chance, die ganzen Kracher des neuen Albums beim Konzert in Stuttgart zu spielen. BLAZE BAYLEY war live einmal mehr sehr sympathisch, aber die Gesamtdarbietung des „X-Factor“-Albums offenbarte leider deutlich dessen kompositorische Schwächen.

Ganz viel Freude hatte ich beim Entdecken und Eintauchen in die Alben „Sieben“ und „Alles muss kaputt sein“ von PASCOW. Und natürlich verbrachte ich viele schöne Stunden mit dem Kennenlernen der HECHT-Diskographie.

Die neuen Alben von SPOCK’S BEARD und DAR WILLIAMS hingegen zündeten bei mir bislang nicht.

Tja, und seit fast einem Jahr bin ich nun wieder bei Vampster. Klar, die HELLOWEEN-Reunion war finanziell lukrativer, aber ich mach es ja wegen der Musik und der netten Leute.

Dass bis zur Deadline trotzdem zwei bis drei Dutzend Platten ungehört bleiben müssen, liegt in der Natur der Sache. Anfreunden will ich mich mit dieser Realität eigentlich nicht, doch ist das wie immer ein Problem für das kommende Jahr.

Genug Musik gehört habe ich ja trotzdem, sowohl im Lang- als auch im Kurzformat. Sowohl als Live- als auch als Studioaufnahme. Als großer Freund der EP gab es diesmal sogar eine überaus stattliche Auswahl, wobei ich mich immer dann besonders freue, wenn Bands die „kleine Ausgabe“ benutzen, um eine andere Facette von sich zu zeigen: Seien es persönlich wichtige Cover-Songs wie auf THE HALO EFFECTs „We Are Shadows“, oder überraschend akkurate Liebeserklärungen an den Metalcore der 2000er Jahre, wie ihn NIK NOCTURNAL auf „The Lost Chapters“ zelebriert hatte.

Auch INVENT ANIMATE und SILENT PLANET nutzten das Medium, um auf „Bloom In Heaven“ gemeinsame Sache zu machen: keine Split, sondern eine wirkliche Kooperation für drei Songs. Erfreulich war darüber hinaus die Rückkehr DEADLOCKs, die sich auf „Buried Alive“ an ihrer eigenen Vergangenheit orientieren und sich mit der einen oder anderen Hommage zurück ins Rampenlicht tasten. ENTERPRISE EARTH hingegen nutzen die beschränkte Spielzeit, um auf „Descent Into Madness“ nach einer experimentellen Phase wieder die Daumenschrauben anzuziehen. Dass es GRAND CADAVER mit „The Rot Beneath“ eher klassisch halten, kann man hingegen mit dem Bandkonzept entschuldigen.

Kein Risiko gehen zudem AMENRA auf „With Fang And Claw“ ein. Zwei Songs im Stile älterer Veröffentlichungen bringen den Post Metal zwar nicht nach vorne, sind qualitativ aber gewohnt stark und waren auch deshalb ein Kandidat für das Treppchen. Nur knapp an der Pole Position vorbei schrammten außerdem TRIVIUM, deren „Struck Dead“ ein Händchen für eingängige Melodielinien bei gleichzeitig hohem technischen Anspruch vereint. Vor allem das Schlagzeugspiel des scheidenden Alex Bent zeichnet die EP aus.

Die beste EP 2025

ROLO TOMASSI: In The Echoes Of All Dreams

Mit zauberhafter Atmosphäre und einem Auge für Balance ist „In The Echoes Of All Dreams“ ein würdiges Präsent zum 20-jährigen Jubiläum ROLO TOMASSIs. Vier Songs in einer Viertelstunde und dennoch lassen sich die Briten Zeit mit dem Songaufbau, wodurch das fast schon als Intro fungierende „Woodburn“ das folgende „Tempest“ noch unbarmherziger wirken lässt. Die Extreme bedienen ROLO TOMASSI hier meisterlich und schaffen es trotzdem, mit dem großen Finale „Unintending“ unsere Seele zu streicheln. Kurzum, der schönste Überraschungsrelease des Jahres.

Das beste Live-Album 2025

DARK FORTRESS: Anthems From Beyond The Grave

Es gab vielleicht in mancherlei Hinsicht eindrucksvollere Veröffentlichungen: das fast makellose und umfangreiche „An Evening Of Atonement“ von LEPROUS zum Beispiel oder das ebenfalls extrem saubere „RADAR O.S.T.“ TESSERACTs, deren Songs durch zusätzlichen Hintergrundgesang an Atmosphäre zugewinnen. Was „Anthems From Beyond The Grave“ für mich schlussendlich aber noch eine Spur attraktiver macht, ist der authentische Klang. DARK FORTRESS klingen gut, aber keineswegs verfälscht. Das ist wichtig, um dieses Abschiedswerk auch als solches würdigen zu können: Die Black-Metal-Band darf ihr Erbe somit ehrenvoll zu Grabe tragen.

Grundsätzlich bin ich zwar kein Fan davon, Mitschnitte verschiedener Tourstopps zu einem Live-Dokument zusammenzuschneiden. Weil es hier jedoch in geschickter Weise vollzogen wird und im Falle von „Anthems From Beyond The Grave“ auch eine gewisse emotionale Komponente mitspielt, möchte ich hier jedoch dieses eine Zugeständnis erlauben. Rest in Peace.

Der beste Soundtrack 2025

LORIENT TESTARD: Clair Obscur: Expedition 33

Eine neue Kategorie nur für dieses eine Album: Ich höre eigentlich überhaupt keine Soundtracks, aber selbst nach dem Ende von „Clair Obscur: Expedition 33“ ließ mich die Musik LORIENT TESTARDs nicht los. Bei rund achteinhalb Stunden Musik ist es natürlich schwer, den OST am Stück zu hören, zumal selbst Versuche, die Höhepunkte in einer Playlist zusammenzufassen, am Ende immer noch auf knapp die Hälfte der Laufzeit kamen.

Was die Musik „Clair Obscurs“ auszeichnet, ist mit wenigen Worten nur schwer zu erklären. Musikalisch eigenständig, stilistisch unglaublich vielfältig und – inklusive der Texte – oftmals diegetisch konzipiert, entfaltet sich die größtmögliche Wirkung erst in Verbindung mit der geradezu meisterlich geschriebenen Handlung des Videospiels.

Die zweite Schlüsselkomponente ist schließlich Sängerin Alice Duport-Perciers gefühlvoller Gesang, welcher direkt durch Mark und Bein geht. Ob im reduzierten „Alicia“, dem an ein Schlaflied erinnernden „Lune“ oder dem aus einer Art Traumwelt entlehnten Leitmotiv „Lumière“: Lorient Testard und Alice Duport-Percier berühren wie selbstverständlich die Seele. Dazwischen bringen unerwartete Stilmittel wie das jazzige Saxophon in „Monoco“ oder das gesampelte Sonar in „Goblu“ immer wieder originelle Ideen mit ein.

Highlight ist aber vielleicht das elfminütige Boss-Theme „Une vie à t’aimer“, bei dem Alice Duport-Percier und Gastsänger Victor Borba ein „Duett“ der besonderen Art intonieren und dessen Gravitas sich erst dann vollumfänglich erschließt, wenn man die feineren Facetten der Handlung entschlüsselt hat.

Die 25 besten Alben 2025

2025 war ein Jahr voller musikalischer Überraschungen, im positiven wie im negativen Sinn. Nicht immer war es einfach, den Überblick zu behalten, insbesondere da es neben den 121 Reviews, die ich in den vergangenen zwölf Monaten selbst verfasst habe, zahllose weitere Veröffentlichungen gab, die bei meiner persönlichen Topliste ein Wörtchen mitreden wollten. Während die Spitzenpositionen schnell feststanden, rangelten die restlichen Alben bis zur Deadline wild um die übrigen Plätze. Im Prinzip sähe selbst heute noch die Liste je nach Tagesform und Laune jedes Mal ein bisschen anders aus.

Erstaunlich war für mich selbst jedoch, wie viele Bands der Vorjahre nun nicht einmal in die nähere Auswahl kamen: Die Gründe hierfür reichen von kreativem Bankrott (u.a. THE DEVIL WEARS PRADA) bis hin zu fehlender Innovation. So lieferten beispielsweise LANDMVRKS mit „The Darkest Place I’ve Ever Been“ ein grundsolides und gutes Genre-Werk ab, das mir nach dem Vorgänger „Lost In The Waves“ (2021) jedoch schlicht nicht interessant genug war. Evolution und Einfallsreichtum waren für mich dieses Jahr ein wichtiger Faktor, wobei – und hier zeigt sich dann doch die komplett subjektive Note – beide Attribute nicht immer das gleiche Gewicht haben. Dass THE HALO EFFECT dahingehend keinerlei Ambitionen zeigten, störte mich kurioserweise kein bisschen: Hier ist die Nostalgie der prägende Faktor, die den Sound meiner Teenager-Jahre wiederaufleben lässt.

Selbst 25 Plätze sind eine begrenzte Anzahl, wenn die musikalische Qualität hoch ist

Leider sind selbst 25 Plätze eine begrenzte Anzahl, weshalb so mancher Act den Schnitt knapp verpasst hat. THE MAN-EATING TREE feierten mit „Night Verses“ ein schönes Comeback, das in Zukunft sicherlich noch eine Schippe drauflegen wird. In der Komfortzone agieren hingegen MORS PRINCIPIUM EST mit „Darkness Invisible“ – vielleicht nicht herausragend, doch dafür stets kurzweilig. Meine Schwäche für Kitsch wiederum konnten HAMMER KING mit „Make Metal Royal Again“ befriedigen, wobei letztlich nicht jeder Song gleichermaßen ins Schwarze traf.

Erwähnung finden sollen zudem noch KARGs “Marodeur”, EIDOLAs „Mend“, BRAINSTORMs „Plague Of Rats“ und „Give Us The Moon” der AOR-Supergroup THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA. Vier verschiedene Platten, die trotzdem auf ihre Weise überzeugen und neben einigen weiteren Kandidaten à la IN MOURNING („The Immortal“) oder DAWN OF OUROBOROS („Bioluminescence“) genauso gut einen der folgenden Plätze hätten belegen können. Gleiches gilt für DER WEG EINER FREIHEIT und „Innern“, das für mich erst zum Jahresende immer präsenter wurde und mit etwas mehr Zeit sicherlich eine Position weiter vorne sicher gehabt hätte.

25. THE ACACIA STRAIN: You Are Safe From God Here

Keine Kompromisse, kein Humor, kein Ausweg: Derart roh, aggressiv und räudig habe ich THE ACACIA STRAIN bislang nicht erlebt. „You Are Safe From God Here“ ist ein Konzeptalbum, das durch seine beklemmende Atmosphäre, aber auch die erschütternden bis fatalistischen Texte lebt. Statt Altersmilde regiert hier die größtmögliche Urgewalt: Ihren Deathcore spielt die Formation weiterhin nach den Regeln der alten Schule und ist sich dabei weder für Slam noch für den traditionellen Ausflug in doomige / sludgige Gefilde zu schade.

24. KATATONIA: Nightmares As Extensions Of The Waking State

„Nightmares As Extensions Of The Waking State“ ist die Definition von Slow Burn: Das Album offenbart seine Qualitäten nicht auf Anhieb, sondern benötigt viel Geduld und Zeit. Liebe auf den ersten Blick dürfte bei diesem Album wohl die Ausnahme sein, zumal es mit seinen Qualitäten zunächst lieber hinter dem Berg hält und auch keine Angst hat, ungeduldigen Naturen die kalte Schulter zu zeigen.

Hätte ich mir nicht in den Kopf gesetzt, eine Kritik zur Platte zu schreiben, hätte ich die Scheibe wohl vorzeitig beiseitegelegt. Glücklicherweise hatte ich aber den benötigten langen Atem, bis es irgendwann überraschend geklickt hat: Noch mehr als in der Vergangenheit haben KATATONIA ein Album für gewisse Stunden geschrieben. Eines, das wohl nicht universell packend ist, aber eine ganz bestimmte Gemütslage voller Weltschmerz nahezu perfekt zu verkörpern weiß.

23. MALEVOLENCE: Where Only The Truth Is Spoken

Für mich wohl einer der größten Glow-ups des Jahres. Weil ich mit dem vielerorts hochgelobten „Malicious Intent“ (2022) seinerzeit nicht vollständig warm geworden war, erwischte mich „Where Only The Truth Is Spoken“ nahezu komplett unvorbereitet. Im Prinzip bleiben sich MALEVOLENCE auf der Platte treu, legen aber gerade in puncto Songwriting nochmal ordentlich zu. Die Riffs sitzen, die Intensität ist hoch und die Hooks – manchmal im markanten CROWBAR-Stil – sorgen im Genre für ein eigenes Profil. Die Briten zeigen sich entschlossen, vielseitig und doch mit beiden Beinen auf dem Boden: stark!

22. ASTRONOID: Stargod

Ich verstehen alle, die “Stargod“ zu glatt, zu gefällig, zu kitschig finden. Tatsächlich reduzieren ASTRONOID ihren Sound hier wirklich auf das Wesentliche und lassen damit auch ein paar durchaus interessante Facetten ihres Frühwerks endgültig auf der Strecke. Was das Album aber auszeichnet, ist seine beispiellose Wärme: An manchen Tagen tut es einfach unglaublich gut, die Augen zu schließen und sich von den Harmonien und Melodien des Trios davontragen zu lassen. „Stargod“ ist ein spritziges Album voller Energie und eine Wohltat fürs Gemüt. Oder anders formuliert: Hin und wieder gibt mir dieser Mix aus Progressive Metal, Synthesizern und Alternative Rock schlicht genau das, was ich in jenen Momenten brauche.

21. THE HAUNTED: Songs Of Last Resort

Haben THE HAUNTED den Jungbrunnen entdeckt? Es fällt schwer eine andere Erklärung für den jugendlichen Elan der Schweden zu finden. Überhaupt ist es keine Selbstverständlichkeit, das mittlerweile zehnte Studioalbum mit so viel unbändiger Energie zu füllen – schon gar nicht nach fast drei Jahrzehnten Bandgeschichte. Furios von Anfang bis Ende ziehe ich den Hut in aller Ehrfurcht. Kompromissloser als auf „Songs Of Last Resort“ kann man modernen Thrash Metal schließlich kaum intonieren.

20. JINJER: Duél

Obwohl sie es könnten, schreiben JINJER keine klassischen Hits. Mit unerwarteten Wendungen und eiskalter Konsequenz setzt das Quartett abermals auf Vielseitigkeit. „Duél“ zementiert dabei den Anspruch auf den Modern-Metal-Thron, indem es seine Facetten mit beängstigender Präzision einzusetzen weiß. Warme Gesangslinien, angejazzte Einschübe und verschachteltes Riffing gehören weiterhin zum guten Ton, der von Produzent Max Morton abermals fantastisch in Szene gesetzt wird. Dass „Duél“ wie sein Vorgänger entschlüsselt werden will, trägt letztendlich nur zur Qualität bei: Mit JINJER verbringt man nicht nur einen Nachmittag, sondern gerne mehrere Wochen.

19. AVATAR: Don’t Go In The Forest

AVATAR punkten auf „Don’t Go In The Forest“ vor allem mit beispielloser Kreativität. Bis zum Schluss enthält das Album neue Überraschungen bereit, die von Disco-Flair über Pop-Vibes bis hin zu krummen Riff-Konstrukten reicht. Hier und da hätte der Platte zwar ein bisschen mehr Härte gutgetan, doch trübt das den Gesamteindruck nur unwesentlich. Dafür passiert auf „Don’t Go In The Forest“ einfach zu viel, zumal sich die kurzweiligen und unberechenbaren Kompositionen trotzdem zu einem schlüssigen Gesamtwerk zusammenfügen.

18. HARAKIRI FOR THE SKY: Scorched Earth

HARAKIRI FOR THE SKY behalten ihren Charakter bei und doch scheint der Zugang zu „Scorched Earth“ noch leichter als in der Vergangenheit. Die emotionale Zerrissenheit ist weiterhin fester Grundbestandteil des Sounds und der Performance von Sänger J.J., während die Melodieführung noch ein wenig direkter ausfällt. Zumindest scheint sie mir im Mix prominenter platziert. Wie auf seinen Vorgängern folgt auch hier auf jeden Höhenflug unweigerlich der Absturz. Diese Dualität zeichnet das Werk des Duos aus, das es mit „Scorched Earth“ schlüssig fortführt. Nicht ganz so packend wie „Maere“ (2020), doch weiterhin ein wichtiger Eckpfeiler im Post Black Metal.

17. ALLEGAEON: The Ossuary Lens

Ich hätte nicht gedacht, dass die Rückkehr von Ursänger Ezra Haynes der Progressive-Death-Metal-Band so guttun würde. Auf „The Ossuary Lens“ wagen ALLEGAEON erfolgreich den Spagat zwischen ihrem Früh- und Spätwerk, ohne dabei jedoch auf der Stelle zu treten. Den unbändigen Drive nach vorne trägt auch diese Platte in sich, die einerseits technisch fordernd ist und doch den Hang zur Melodie nicht aus den Augen verliert. Den von seinem Vorgänger eingeführten Klargesang führt Haynes fort, reduziert ihn aber auf ein wohldosiertes Maß. Im Kosmos der US-Amerikaner ist „The Ossuary Lens“ nicht revolutionär, aber eine Rückbesinnung auf die größten Stärken ALLEGAEONs – inklusive der zauberhaften Konzertgitarren.

16. ALL THAT REMAINS: AntiFragile

Bezüglich der Weltanschauung ist die Schnittmenge zwischen Sänger Phil Labonte und mir wohl äußerst gering. Dass mich ALL THAT REMAINS dieses Jahr dennoch gepackt haben, war für mich somit eine der größten Überraschungen. Die Lorbeeren hierfür gelten wohl vor allem dem mittlerweile ausgestiegenen Gitarristen Jason Richardson, der nach dem tragischen Tod Oli Herberts das Ruder an sich gerissen hatte.

Tatsächlich fängt „AntiFragile“ den Geist der goldenen Metalcore-Ära nahezu perfekt ein. Das Riffing, die Melodien, die Hooks – all das hätte man Mitte der 2000er Jahre wohl kaum besser hinbekommen. Ob nun „Kerosene“ oder „Forever Cold“ – ALL THAT REMAINS haben eine ganze Reihe von Hits im Gepäck und halten dieses Niveau noch dazu bis zum Schluss. Wenn das doch nur auch für die manchmal kruden Texte gelten würde.

15. HERETOIR: Solastalgia

Ich hatte zunächst meine Schwierigkeiten mit „Solastalgia“: Die Musik war gefällig, aber richtig erreicht hat sie mich nicht. Es brauchte mehrere Anläufe, um den richtigen Zugang und die richtige Stimmung für den weit angelegten Post Black Metal zu finden. Die Belohnung ist ein abwechslungsreiches Werk, zu dem sich wunderbar abschalten lässt: Kopfhörer auf, Augen zu. Allein etwas mehr Biss hätte ich mir von HERETOIR in der zweiten Hälfte gewünscht, wo gerade aufgrund der langen Spielzeit ein bisschen mehr Zug nicht geschadet hätte. Das ist auch der Grund, warum „Solastalgia“ für mich ein Album für bestimmte Tage und kein Dauerbrenner ist.

14. PARADISE LOST: Ascension

PARADISE LOST sind ein Phänomen: Nach 17 Alben haben die Briten immer noch den Drang, sich weiterzuentwickeln. Dabei ist „Ascension“ zwar keine Revolution, aber das Ergebnis einer klaren künstlerischen Vision, die auf den umfangreichen Erfahrungsschatz der Briten trifft. Die Band vereint hier alle Facetten ihres Schaffens, geht mit „Silence Like The Grave“ in die frühen Neunziger zurück, bringt mit „Savage Days“ die „One Second“-Phase zurück und lässt auch sonst keine Station ihrer Karriere aus.

Zusammen mit der fantastischen Produktion und dem makellosen Songwriting ist „Ascension“ möglicherweise sogar eines der besten Alben in der langen Karriere PARADISE LOSTs – ein Beleg, dass die goldene Ära vielleicht sogar noch vor ihnen liegt.

13. WALDGEFLÜSTER: Knochengesänge

Was WALDGEFLÜSTER auszeichnet, bildet auch das Rückgrat von „Knochengesänge“: Die melancholischen, dichten Soundkulissen schultern den Großteil des Albums, das viele berührende Momente aufweist, aber auch ein Muster erkennen lässt. Das Songwriting ist gut, aber ein wenig berechenbarer als noch auf „Dahoam“ (2021). Gerade die nachdenkliche Seite der Band holt mich aber trotzdem immer wieder ab, weshalb „Knochengesänge“ gerade in diesen Wintermonaten ein regelmäßiger Begleiter ist. Nicht das beste Werk WALDGEFLÜSTERs und dennoch für mich ein wichtiges Album in diesem Musikjahr.

12. WHITECHAPEL: Hymns In Dissonance

Unerbittlich wie zu Anfangstagen: WHITECHAPEL lassen die Prog-Experimente sein und kehren wieder zum erbarmungslosen Deathcore zurück. Ohne Handbremse, ohne Rücksicht auf Verluste, aber dafür mit starkem Songwriting und einem phänomenalen Phil Bozeman am Mikrofon. Die Kompromisslosigkeit hält „Hymns In Dissonance“ bis zum Ende hin aufrecht, weshalb die Platte WHITECHAPEL in Windeseile zurück an die Genre-Spitze katapultiert.

11. BLEED FROM WITHIN: Zenith

BLEED FROM WITHIN machen nicht viel anders als auf „Shrine“ (2022) oder „Fracture“ (2020), was letztendlich auch das größte Problem des Albums ist: „Zenith“ beginnt fast schon zu vertraut und sicher, öffnet sich dann aber zum Glück doch noch neuen Einflüssen. Die halten sich zwar in Grenzen, sorgen aber dafür, dass sich das Erfolgsrezept der Schotten diesmal noch nicht abnutzt – obwohl die elf Tracks nicht mehr ganz so frisch Klingen wie die beiden Vorgänger.

Was BLEED FROM WITHIN jedoch weiterhin auszeichnet, sind effektive Strukturen, das auf den Punkt gebrachte Songwriting und ein nicht zu unterschätzender Fokus auf richtiges und vor allem mitreißendes Riffing. Am eigenen Anspruch auf den Genre-Thron hält das Quintett also fest, auch wenn man artwork-technisch diesmal gehörig danebengegriffen hat. Dennoch hoffe ich beim nächsten Mal auf etwas mehr als musikalisches Comfort Food.

10. NAILED TO OBSCURITY: Generation Of The Void

Ging es nur mir so oder war „Generation Of The Void“ plötzlich einfach da? Gefühlt jedenfalls wurde die Platte vom Label etwas stiefmütterlich behandelt, weshalb ich erst mit etwas Verspätung über die Veröffentlichung stolperte. Ein Jammer, denn mit ihrer dezenten Kurskorrektur haben NAILED TO OBSCURITY ein echtes Juwel geschaffen.

Trotz inhaltlicher Schwere entdeckt das Quintett die Leichtigkeit: „Generation Of The Void“ ist als Gesamtpaket stimmig, ohne den Tiefgang missen zu lassen. Ein wenig Geduld musste ich zwar mitbringen, bis sich mir das Album in seiner Gänze öffnen wollte, dann aber bekam ich eine regelrecht aufwühlende Doom-Death- / Dark Metal-Erfahrung als Gegenleistung.

9. DEAFHEAVEN: Lonely People With Power

Eine Art Rückbesinnung, aber mit erweitertem Horizont: „Lonely People With Power“ zeigt DEAFHEAVEN wieder herrlich roh und garstig, ohne jedoch die atmosphärischen Passagen zu vernachlässigen. Tatsächlich wandelt die Band hier zwischen Schönheit und galligem Trotz: einem Mix der Gegensätze, der schon bald einen unwiderstehlichen Sog entwickelt. Die Spannungskurve stimmt dabei genauso wie die Dynamik, weshalb „Lonely People With Power“ in seinem Genre das beste Werk des Jahres ist.

8. STRAY FROM THE PATH: Clockworked

Aufhören, wenn es am schönsten ist: STRAY FROM THE PATH nehmen auf ihrem letzten Studioalbum kein Blatt vor den Mund, während sie musikalisch einem Abrisskommando gleichen. „Clockworked“ gibt sich in seiner knapp bemessenen Spielzeit unfassbar angepisst und kombiniert diese Wut mit packendem Groove und prägnantem Drumming. Auch wenn das vorzeitige Ende schade ist, beendet das Quartett seine gemeinsame Laufbahn mit einem Höhepunkt. Eigentlich gibt es sogar keinen besseren Schlusspunkt als „Clockworked“: ein Album wie der berühmte Mic Drop am Ende einer Performance.

7. ORBIT CULTURE: Death Above Life

Ich bin ja nicht ausnahsmlos glücklich mit „Death Above Life“: Die Produktion ist mir zu unsauber und die frischen Ideen lassen ORBIT CULTURE ebenfalls in der Schublade. Trotzdem ist das Erfolgsrezept der Schweden nach wie vor unwiderstehlich: massiver Sound, harter Groove, catchy Melodiebögen und dank tief gestimmter Gitarren immer ein Mindestlevel an Brachialgewalt.

Man könnte also auch sagen, die Band bleibe sich treu. Dass die Rechnung also ein weiteres Mal aufgeht, liegt auch an der gebotenen Variation und der grundsätzlich hohen Qualität der Stücke. „Death Above Life“ ist eingängig, massiv und hitverdächtig, weshalb das Album letzten Endes doch ständig den Weg in meine Anlage fand. Beim nächsten Mal aber hoffe ich auf ein paar neue Facetten im markanten Bandsound.

6. RIVERS OF NIHIL: Rivers Of Nihil

Das selbstbetitelte Album als Statement? Mag sein, jedenfalls können RIVERS OF NIHIL in dieser Hinsicht durchaus Argumente anführen. Beizeiten feinfühlig, dann wieder gewaltig schöpft die Gruppe aus einem durchaus breiten Ideenfundus, den sie aber fokussierter umsetzt als in der Vergangenheit. „Rivers Of Nihil“ zeigt eine Band mit Vision und dem Werkzeug, diese Realität werden zu lassen. Selbstbewusstsein und Charakter? „Rivers Of Nihil“ hat von beidem mehr als genug.

5. HEAVEN SHALL BURN: Heimat

Klar, manchmal bewegen sich HEAVEN SHALL BURN hier nahe an der Selbstkopie. Die Stilmittel sind weitestgehend bekannt und bisweilen kommen mir einzelne Passagen überraschend vertraut vor. Allerdings wäre das nur die halbe Wahrheit, zeigt der Blick aufs Detail doch Innovation im kleinen Rahmen: Die MACHINE HEAD-Anleihen in „War Is The Father Of All“ seien hier stellvertretend genannt.

Davon abgesehen setzt „Heimat“ natürlich auf die Stärken der Thüringer, die weiterhin ein fantastisches Gespür für Melodien haben, um ihren wichtigen politischen Botschaften Nachdruck zu verleihen. Dazu gehört auch eine gewisse Dringlichkeit, die „Heimat“ über die komplette Laufzeit auszeichnet. Am Ende ist das Album HEAVEN SHALL BURN in Reinessenz – brachialer Melodic Death Metal, der bei mir eigentlich zu jeder Gelegenheit den richtigen Ton trifft.

4. THE HALO EFFECT: March Of The Unheard

Mit THE HALO EFFECT ist es in etwa dasselbe wie mit HEAVEN SHALL BURN: Die Musiker hinter der Supergroup begleiten mich seit meiner Jugend, weshalb auch die Göteborger bei mir eine kleine Sonderstellung genießen. Hier erwarte ich gar keine großen Innovationen, sondern freue mich über ein Wiederaufleben des klassischen Melodeath-Sounds, der in gewisser Weise auch der Soundtrack meiner Teenager-Jahre war.

Deshalb stehen sowohl „Heimat“ als auch „March Of The Unheard“ in meiner Jahresliste ungewöhnlich weit oben: Auch ich bin nicht vor der wohligen Wärme der Nostalgie gefeit. Immerhin schreiben THE HALO EFFECT auf ihrem Zweitwerk munter weiter einen Hit nach dem anderen. Das treibende „Detonate“ oder der aufrüttelnde Deep-Cut „Our Channel To The Darkness“ liefen beispielsweise die vergangenen zwölf Monate regelmäßig in der Streaming-Rotation. Angestaubt klingt „March Of The Unheard“ trotz aller 2000er-Huldigung nicht: Es ist vielmehr so, als stünden THE HALO EFFECT mit einem Bein in der Vergangenheit und mit dem anderen in der Gegenwart.

3. SHADOW OF INTENT: Imperium Delirium

SHADOW OF INTENT spielen mit offenen Karten: Schon der Opener „Prepare To Die“ vereint so ziemlich alles aus dem Deathcore-Handbuch in einem Song: Blastbeats, dramatische Chöre, orchestrale Opulenz aus der Feder Francesco Ferrinis (FLESHGOD APOCALYPSE), Tempowechsel, ein Gitarrensolo sowie ein wuchtiger Breakdown. Aggressiver als der Vorgänger „Elegy“ (2022) betritt die Platte dabei kein neues Terrain, setzt aber im Gegenzug auf wendungsreiches Songwriting.

Das Resultat ist ein urgewaltiges Deathcore-Gewitter, das durch starke Gitarrenarbeit ebenso besticht wie durch die fantastische Leistung Ben Duerrs am Mikrofon. Gleichzeitig haben SHADOW OF INTENT genug Fingerspitzengefühl, um sich nicht eine knappe Stunde stur durchzuprügeln. „Imperium Delirium“ ist ohne Zweifel das stärkste Genre-Werk des Jahres.

2. BETWEEN THE BURIED AND ME: The Blue Nowhere

Ein Konzeptalbum, das aber keinem expliziten Konzept folgt, sondern einem Gefühl nachjagt: Das menschliche Dasein einzufangen erfordert ausgefallene Ansätze, die BETWEEN THE BURIED AND ME weiterhin zur Genüge in petto haben. Von ihrem Einfallsreichtum hat die Progressive Metal-Band auf „The Blue Nowhere“ nichts verloren, wo hinter jeder Tür dieses fiktiven Hotels ein Kuriositätenkabinett der Kreativität wartet.

Ihre klassische Handschrift lässt die Band bei allem Sturm und Drang punktuell natürlich trotzdem durchscheinen, doch grundsätzlich sind BETWEEN THE BURIED AND ME weiterhin um Fortschritt bemüht. Easy Listening ist das natürlich nicht, doch weil die Ideen zünden und trotz hoher Komplexität die stets großartigen Melodien einen roten Faden spinnen, merkt man „The Blue Nowhere“ seine Länge nicht an. Es war ein Kopf-an-Kopf-Rennen um den Titel, den letzten Endes genauso gut BETWEEN THE BURIED AND ME hätten für sich entscheiden können. Fantastisch!

1. THE CALLOUS DAOBOYS: I Don’t Want To See You In Heaven

Unerwartete Wendungen, Detailfülle und Suchtpotenzial: Mit „I Don’t Want To See You In Heaven“ erklimmen THE CALLOUS DAOBOYS die nächste Stufe. Das erreichen die US-Amerikaner aber nicht einfach nur durch bloßes Haken Schlagen, sondern einen gereiften Ansatz im Songwriting. Dem chaotischen Mathcore setzt die Gruppe einen entsprechenden Gegenpol entgegen, der vom catchy Post-Hardcore-Hit „Distracted By The Mona Lisa“ bis zum bluesigen Fundament von „Body Horror For Birds“ reicht. Jazzige Einschübe, MESHUGGAH-Anleihen und hibbelige Synthesizer machen das kreative Feuerwerk komplett. Meine Damen und Herren: The Callous Daoboys.

Überraschend viele Nieten gab es für mich dieses Jahr von eigentlich zuverlässigen Künstlern. Wobei der Begriff Niete nicht immer ganz akkurat scheint: Oftmals stehen hier immer noch grundsolide Alben, die jedoch gemessen an ihren Vorgängern bzw. dem individuellen Bandpotenzial aus meiner Sicht einen großen Rückschritt bedeuteten. Dazu zählten 2025 u.a. UNPROCESSED mit „Angel“, die nach dem großartigen „…And Everything In Between“ (2023) die Balance zwischen Härte und Pop-Affinität wieder aus den Augen verloren und noch dazu die virtuosen Soli komplett aus dem zu langen Album verbannt haben.

BURY TOMORROW fehlte auf „Will You Haunt Me, With That Same Patience?“ der rote Faden, wirkte die Platte doch mehr wie eine Ansammlung von (soliden bis guten) Singles. Wenig verwunderlich also, dass das Album bei mir schnell aus der Rotation flog. Überhaupt nicht erst dorthin schaffte es „Flesh Stays Together“ von DYING WISH, die ihre Stärken – und damit auch das treibende Riffing – komplett über Bord geworfen haben und nun für mich schlicht uninteressant klingen. FIT FOR A KINGs „Lonely God“ wiederum war in Ordnung, doch biederte es sich zu sehr an geläufigen Trends an, wohingegen SPIRITBOX mit „Tsunami Sea“ nicht unter schwachen Songs, sondern der dynamikarmen Produktion zu leiden hatten. So machte mir das Album auf Dauer jedenfalls keinen Spaß. Schlimmer war nur noch der Klang von RISE AGAINSTs „Ricochet„, das regelrecht dilettantisch abgemischt wurde.

LORNA SHORE blieben 2025 hinter den Erwartungen

Bevor ich aber nun zu den richtigen Flops komme, möchte ich kurz auf den wohl größten Absturz zu sprechen kommen: 2022 war „Pain Remains“ noch mein persönliches Album des Jahres. Nun schafften es LORNA SHORE nicht einmal unter die besten 25 Scheiben. Gemessen an der überlangen Laufzeit hat die Platte schlicht zu wenige Konturen. Oftmals verkommt die Deathcore-Band zur Selbstkopie und gibt sich mit demselben Aufguss zufrieden, der sie seit dem Einstieg von Sänger Will Ramos in neue Sphären katapultiert hat.

Das Resultat konnte mich ergo einfach nicht packen, zumal „Pain Remains“ im Laufe der Zeit schon nicht vor Abnutzungserscheinungen gefeit war. Noch dazu misslingen fast alle der wenigen Experimente: „Unbreakable“ und „Glenwood“ sterben im Kitsch und sind aufgrund der dick aufgetragenen PARKWAY DRIVE-Leads nahezu unhörbar. Bleibt nur das massive „War Machine“ als wirklich markanter Ausbruch aus dem LORNA-Einerlei. An und für sich ja ein gutes und dabei leider doch völlig egales Album. Schade.

THE DEVIL WEARS PRADA: Flowers

„Color Decay“ (2022) war die perfekte Balance aus altbewährtem Metalcore und modernen Alternative-Rock-Sounds. Diese Balance werfen THE DEVIL WEARS PRADA auf „Flowers“ über Bord und tauschen ihre Authentizität gegen Plastikcharme. Ein kalkulierter Versuch, die US-Radiosender zu erobern? Jedenfalls ist das Album eine Ansammlung von 14 uninspirierten Tracks, die nicht nur in lyrischer Hinsicht im Vergleich zu früheren Schaffensperioden den absoluten Hohn darstellen.

Dass „Flowers“ gar so seelenlos vor sich hin mäandert, liegt auch an seiner Entstehungsgeschichte. Lead-Gitarrist Kyle Sipress ließ man beim Schreibprozess außen vor, um stattdessen mit einem ganzen Schwall externer Songwriter zusammenzuarbeiten. Das Ergebnis kann man deutlich hören. Schade, dass dieser Blumenstrauß von Anfang an welk war.

MEMPHIS MAY FIRE: Shapeshifter

Noch eine Band, die sich ihre Songs lieber schreiben lässt, anstatt selbst Hand anzulegen. Die Handschrift Cody Quistads (WAGE WAR) zieht sich wie ein roter Faden durch „Shapeshifter“. Als wäre die Platte im Autopiloten entstanden, reiht sich eine dreiminütige Radiosingle an die nächste, ohne auch nur den Hauch eines eigenen Charakters zu entwickeln. MEMPHIS MAY FIRE bleiben oberflächlich und vorhersehbar. Für die Zielgruppe interessant, alle anderen haben diese zehn Songs in dutzenden Variationen bereits woanders gehört.

SLEEP THEORY: Afterglow

Die Praxiskomponente zur Theorie: „Afterglow“ ist leider wirklich zum Einschlafen. SLEEP THEORY haben hier ein vorhersehbar konzipiertes Modern Rock-Album im Gepäck, das aufgrund seiner Kraftlosigkeit nicht einmal in der Umsetzung punkten kann. Kein Tiefgang, keine zündenden Ideen, aber ganz viel Zucker. Rock für Leute, die keinen Rock mögen.

AMORPHIS: Borderland

Etwas kontrovers, aber was soll man machen? „Borderland“ ist natürlich bei weitem nicht so mies wie die anderen Platten in dieser Kategorie. Gemessen am Potenzial und dem Stellenwert, den AMORPHIS bei mir genießen, ist das Material – wenn auch keine Bruchlandung – trotzdem viel zu wenig. Die neu gewonnene Unbeschwertheit, mit der die Finnen aufspielen, reicht nicht, um mich nachhaltig zu fesseln. Das Drumming ist mitunter stinklangweilig („Dancing Shadow“), während auf der anderen Seite sowohl Härte als auch progressive Spuren als Gegengewicht fehlen. AMORPHIS entdecken mit „Borderland“ zwar die Leichtigkeit, sterben dabei aber auch sang- und klanglos in Schönheit. Ein Jammer.

GAEREA am 16. August 2025 auf dem Summer Breeze Open Air

Es war vielleicht der Auftritt des diesjährigen Festivals: Schon nach den ersten Takten des zart und zerbrechlich beginnenden „The Poet’s Ballad“ stand ich wie gebannt vor der T-Stage, schließlich gelang GAEREA die Balance zwischen Intensität und Schönheit spielend. Als audiovisuelle Erfahrung war die Darbietung der Portugiesen unter klarem Nachthimmel ein absolutes Erlebnis. Leider konnte die Formation daran auf ihrer Club-Tour mit ORBIT CULTURE einige Wochen später nicht anknüpfen. Ein absolut grandioses Late-Night-Set am letzten Festivaltag.

NESTOR am 6. September 2025 in der Stora Scenen Liseberg, Göteborg

Die Krönung eines halbwegs spontanen Wochenendtrips: NESTOR unter freiem Himmel und mit aufwendiger Produktion in Liseberg zu sehen war schon ein besonderes Erlebnis, während hinter uns die Fahrgeschäfte des Freizeitparks ihre Runden drehten. Eine gewohnt starke Performance inklusive opulentem Feuerwerk zum Abschluss: NESTOR sind auch gewappnet für die großen Bühnen.

DARK TRANQUILLITY, SOEN, EQUILIBRIUM, IOTUNN am 26. September 2025 im Backstage Werk, München

Stilistisch mochte hier nicht viel zusammenpassen, für mich persönlich war das diesjährige Line-up des Ultima Ratio Fests aber nahezu perfekt. Besonders nachhaltig in Erinnerung blieben aber die stets fantastischen SOEN mit einer wunderbaren wie makellosen Performance und das Special-Set des Headliners DARK TRANQUILLITY. Trotz Lieblingsband-Status waren die Göteborger in den letzten Monaten fast schon zu präsent, weshalb ich mich über die Songs von „The Gallery“ (1995) und meinem heimlichen Favoriten „Character“ (2005) besonders freute. Auch die Musiker hatten ganz offensichtlich Spaß daran, lange nicht gespielte Klassiker wieder auf die Bühne zu bringen.

LORDI am 30. September 2025 im Backstage Werk, München

Die finnische Monster-Rock-Band ist mein Guilty Pleasure, weshalb es schön war, LORDI auch mal abseits der Festival-Bühnen und noch dazu aus der ersten Reihe zu erleben. Die großen Hits ziehen natürlich auch heute noch und abseits der Nostalgie unterhalten Mr. Lordi und seine Gefolgschaft durch kreative bis trashige Showeinlagen. „Would you love a Monsterman?“ Aber selbstverständlich!

PARKWAY DRIVE am 20. September 2025 in der Olympiahalle, München

Wenn es um große Arena-Shows geht, kommt man dieser Tage wohl kaum an PARKWAY DRIVE vorbei. Für ihre Jubiläumstour gruben die Australier nicht nur ein paar alte Hits und Klassiker aus, sondern schraubten auch ihre schon immer fein ausgeklügelte Produktion nochmals nach oben. Dabei gab es natürlich auch ein bisschen Effekthascherei wie das sich vertikal rotierende Schlagzeug im Flammeninferno von „Crushed“. Insgesamt aber hatte das ganze Spektakel auch dramaturgisch Hand und Fuß, zumal viele Effekte im Verlauf des Sets dosiert genutzt wurden.

Wir beginnen mit der Musik, wo ich langsam anfange, mich zu wiederholen: Wie jedes Jahr fühlte ich mich auf dem WISDOM TOOTH FESTIVAL und dem SUMMER BREEZE pudelwohl. Es sind zwei Events komplett unterschiedlicher Größenordnung und doch hat man bei beiden das Gefühl, dass die Zufriedenheit der Besucher:innen ein großes Anliegen ist. Ich freue mich schon auf die nächsten Ausgaben im Jahr 2026!

Privat denke ich gerne an den Urlaub in Polen zurück, der mit einer mittelschweren Katastrophe begann (die Wasserpumpe des Autos gab den Geist auf), aber den wir dank schneller Hilfe doch noch fast reibungslos zu Ende führen konnten. Zwischen Kletterfelsen, Achterbahnen und Kultur verging die Zeit wie im Flug.

Im August folgte dann noch eine Woche im österreichischen Ötztal, die wir vorwiegend für Klettersteige nutzten, bevor wir im September noch ein spontanes Wochenende in Göteborg verbrachten, um NESTOR zu sehen, aber auch um den dortigen Freizeitpark zu erkunden. Davon besuchte ich 2025 ingesamt zwölf Stück, was für mich auch immer wie ein kleiner Kurzurlaub ist.

Im Frühjahr musste sich unser Kater Veno einer nicht risikoarmen Operation unterziehen. Glücklicherweise verlief alles gut – die Sorgen aber waren im Vorfeld und währenddessen schon enorm.

Andere Baustelle, aber auch Garant für Kopfzerbrechen: Das Internet wird überflutet von minderwertigen KI-generierten Bildern und Videos. Die weitläufig kaum vorhandene Medienkompetenz und weiterhin in den Schulen vernachlässigte Medienerziehung rächt sich nun massiv.

Zum Abschluss gibt’s wie jedes Jahr eine Reihe willkürlicher Auszeichnungen meinerseits.

Bestes Albumcover: KARG: Marodeur

Schlechtestes Albumcover: CURSE OF CAIN: Achtung!

Meistgehörter Song: THE CALLOUS DAOBOYS – Distracted By The Mona Lisa

Emotionalster Song: LORIEN TESTARD – Une vie à t’aimer

Beste Eigenproduktion: SHADOW OF INTENT: Imperium Delirium

Roheste Urgewalt: THE ACACIA STRAIN: You Are Safe From God Here

Nostalgischstes Oldschool-Feeling: PARADISE LOST: Ascension

Bestes Drama: CRADLE OF FILTH vs. Zoë Marie Federoff und Ashok

Bestes Comeback: DEADLOCK: Buried Alive

Bester Mic-Drop: STRAY FROM THE PATH: Clockworked

Bester Newcomer: SPLIT CHAIN

Unerwartetes Glow-up: NOVELISTS: Coda

Bestes Gimmick: Fliegende Wale während GOJIRAs „Flying Whales“

Beste Choreo: BEAST IN BLACK

Schlimmster Stilbruch: THE DEVIL WEARS PRADA: Flowers

Bester Albentitel: STICK TO YOUR GUNS: Keep Planting Flowers

Bester Songtitel: PARADISE LOST – Lay A Wreath Upon The World

Bester Breakdown: THE ACACIA STRAIN – Sacred Relic

Beste Neuaufnahme: END OF GREEN: Twinfinity

George-Lucas-Award für mieseste Neuauflage: ANNISOKAY: Abyss – The Final Chapter

Bester Mix: JINJER: Duél (Max Morton)

Sperrigster Albumtitel: KATATONIA: Nightmares As Extensions Of The Waking State

Größter Narzisst: Spencer Charnas (ICE NINE KILLS)

Größter Kontrollfreak: Tobias Forge (GHOST)

Peinlichstes Nebenprojekt: BAD LOVERZ

Plötzlich-Rockstar-Award: SPIRITBOX

Bester Fernsehgarten-Auftritt (aber warum?): WIND ROSE

Dämlichster Trend: Tour-Fotograf:innen, die den halben Auftritt lang ungeniert über die Bühne stolzieren.

Metal of Honor: Britta Görtz (HIRAES), die mehrfach spontan für den ausgefallenen Marcus Bischoff (HEAVEN SHALL BURN) eingesprungen ist

Größte Quasseltante (live): Tobias Sammet (AVANTASIA)

Familiärstes Festival: WISDOM TOOTH FESTIVAL

Beste Konzertlocation: Backstage München

Beste Security: Grabenschlampen

Beste Videospiele:

1. Clair Obscur: Expedition 33 (2025)
2. Hollow Knight: Silksong (2025)
3. Dark Souls III (2016)

Interesse? Hier könnt ihr es kaufen. Und hier gibt es eine Leseprobe. Und hier noch die Kurzgeschichte DEUS SALUTIS MEÆ.

Zwischen all der Arbeit war Musik natürlich der Anker. Auch wenn ich vergleichsweise wenig schreiben konnte, Musik war immer da. Das beste Mittel, um nicht auszubrennen. Und somit gibt es auch 2025 eine Liste mit schönen Alben.

20. BLOOD ABSCISSION: II

Post Black Metal mit gigantischer Sogwirkung. „II“ berauscht die Hörer*innen mit Furor, Verzweiflung und einer Direktheit, die der allgegenwärtigen Abstraktion nicht als Kontrast, sondern als Erweiterung gegenüber steht. Kein Wunder, dass BLOOD ABSCISSION 2025 nicht vom Plattenteller herunter zu bekommen waren. Ach ja, wäre das, was in diesem Genre 2025 veröffentlicht wurde immer so intensiv gewesen …

19. DEAFHEAVEN: Lonely People With Power

Meine Beziehung zu DEAFHEAVEN war nicht kompliziert, es gab sie seit „Sunbather“ – das ich nach wie vor als komplett überbewertet erachte – nicht. Das Artwork zu „Lonely People With Power“ war aber so reizvoll, dass ich genauer reinhörte, und Tatsache: leidenschaftliche Songs wie „Doberman“ oder auch der Shoegaze-Hit „Heathen“ sind ganz großes Kino. Ein intensives, kluges Album.

18. PELICAN: Flickering Resonance

Happy End für PELICAN: Die Chicagoer Instrumental Rock-Legende ist wieder in Originalbesetzung und Originalqualität unterwegs. „Flickering Resonance“ schließt nach dem vergleichsweise schwachen „Nighttime Stories“ wieder zu den besten Album der Bandgeschichte auf, wobei „The Fire In Our Throats Will Beckon The Thaw“ unangetastet bleibt. Dennoch: Mit „Indelible“ und „Pining For Ever“ haben PELICAN einige ihrer ganz großen Songs und vor allem – ganz großen Riffs parat. Und was ist das bitteschön für ein exzellenter Gitarrensound?

17. LYCHGATE: Precipice

Tatsächlich, „Also sprach Futura“, wird im März ganze sechs Jahre alt. Die EP wirkt immer noch frisch und hallt noch nach, klingt dabei musikalisch wie ein Auftakt zu „Precipice“, dem vierten Album von LYCHGATE. Stilistisch geht 2025 noch ein wenig weiter in Richtung Death Metal, der zusammen mit den EMPEROResken Riffs einzigartig und schwer durchdringlich klingt. „Precipice“ gleicht einem lichtlosen Labyrinth, das hinter jeder Ecke Wunder und Schrecken bereit hält. Intensiv und hochintelligent.

16. DEADGUY: Near-Death Travel Services

Kein Fall von „peinliche Rückkehr von alten Typen“: DEADGUY treten auf ihrem, nun ja, zweiten Album „Near-Death Travel Services“ richtig in den Arsch und klingen dabei wirklich nicht, als wären sie 30 Jahre nicht im Studio gewesen. Besonders beeindruckend: Tim Singers kraftvolle, vollends angepisste Gesangsperformance. Da ist noch Biss und Power – und hoffentlich bald eine standesgemäße Tour.

15. SLOW CRUSH: Thirst

Wie zärtlich Heaviness sein kann beweisen SLOW CRUSH nicht nur live, sondern auch auf ihren Alben. „Thirst“ ist dabei das bisher beste, das sie bisher geschaffen haben. Nach einen brachialen Start wird „Thirst“ in der zweiten Hälfte einfach unfassbar schön mit „While You Dream Vivdly“, „Bloodmoon“ und dem abschließenden Doppel „Ógilt“ und „Hlýtt“.

14. BERLIN 2.0: Kaltental

Death Pop, Guillotine Pop, oder doch einfach Post Punk? BERLIN 2.0 sind jedenfalls eine der heißen Bands 2025, und „Kaltental“ berstet vor Energie und Power, ist dabei aber nicht nur angepisst bis zur Oberkante, sondern im richtigen Moment auch nachdenklich. Vor allem sind BERLIN 2.0 starke Songwriter*innen und Texter*innen und empowern ihr Publikum.

13. LISA HARRES: Time As A Frame

Als Support auf der Frühjahrstour von DIE HEITERKEIT war die schüchtern wirkende LISA HARRES, die gerade ihr Debütalbum „Time As A Frame“ veröffentlicht hatte, eine positive Überraschung. Ihr Chamber Pop ist von wundervoller Zurückhaltung geprägt, atmet aber dennoch eine Größe, die betörende Songs wie „Melted Being“, „Mein Herz“ und das Doppel „Hold Me“ und „Hold You“ entstehen lässt. Ein Album mit einer alten Seele, das sich sehr vertraut anfühlt – wie eine neue Bekanntschaft, die man glaubt, schon immer zu kennen. Zauberhaft schön.

12. CATHARSIS: Hope Against Hope

Reue über verpasste Shows gab es 2025 genau einmal: Bei CATHARSIS. Die US-amerikanische Hardcore-Band kehrt mit dem ersten Album in 26 Jahren zurück und ist, ebenso wie DEADGUY, wütend und relevant wie damals in den Neunzigern. CATHARSIS kommen dabei genau zur richtigen Zeit: „Hope Against Hope“ handelt von der dunkelsten Stunde und darüber, in dieser Zeit nicht aufzugeben, wie schwer es auch sein mag. So düster und pathetisch CATHARSIS auch sein mögen, dieses Album ist pures Empowerment – und nicht zu vergessen musikalisch auch äußerst komplex. Anspruchsvoller Hardcore mit Metal-Kante der hängen bleibt, den man auflegt, sobald dunkle Gefühle drohen, einen zu übermannen.

11. QRIXKUOR: The Womb Of The World

„Extremen“ Metal mit klassischer Musik verbinden? Kann man machen, dann klingt’s halt wie eine Mischung aus Hans Zimmer und BEHEMOTH. Cringe, ich weiß. Richtig machen es QRIXKUOR, deren zweites Album „The Womb Of The World“ eine Symphonie aus der Hölle ist: Bodenlos tiefer, chaotischer Death Metal mit einem Orchester, das den Fieberträumen von ELEND in nichts nachsteht. Atemlos intensiv und extrem spannend!

10. TEITANBLOOD: From The Visceral Abyss

Metal ist 2025 oft so furchtbar gefällig und furchtbar austauschbar. Es fehlen Ecken und Kanten, Zähne und Klauen, und gerade Death Metal ist so oft ideenlos und völlig redundant. Bei TEITANBLOOD geht es so sehr um Schwefel und Blut, sie sind so wild und blind vor Raserei, dass es egal ist, dass dieser Black-Death Metal keine Innovationen bringt: Aber das Gefühl, es ist absolut authentisch. 100% Killer.

9. ANNA VON HAUSSWOLFF: Iconoclast

Bei „Iconoclast“ ist der Name Programm: ANNA VON HAUSSWOLFF konstruiert und dekonstruiert zwischen Progressive Rock, Indie, Jazz und Drone die populäre Musik der vergangenen Jahrzehnte und schafft ein Album, das gerade in den Momenten der überbordenden Kreativität restlos begeistert.

8. SANGRE DE MUERDAGO: O Xardín

SANGRE DE MUERDAGO balancieren auch 2025 zwischen Hoffnung und Traurigkeit. „O Xardín“ bietet sehr leise Momente und ist dabei üppig arrangiert. Besonders die Klarinette klingt unglaublich gut in diesen zehn Songs. Und mit dem Titelstück, das die Hörer*innen in alle möglichen Gefühlszustände wirft, ist das beste, das SANGRE DE MUERDAGO bisher geschaffen haben. Davon abgesehen lädt „O Xardín“ zur Innenschau ein, mit dem Ziel eine Heilung zuzulassen.

7. MÜTTERLEIN: Amidst The Flames, May Our Organs Resound

MÜTTERLEINs Show auf dem SERVANTS OF CHAOS-Festival 2024 zeigte, dass es wohl doch eine Steigerung zur absolut gnadenlosen Finsternis gibt. Umso erfreulicher, dass Marion Leclerq alias MÜTTERLEIN es geschafft hat, diese Intensität auf ein Album zu bündeln. „Amidst The Flames, May Our Organs Resound“ verbindet Industrial, Doom und Post Metal mit beängstigender Kohärenz. „The Handmaid’s Tale“ zum Hören.

6. REBECCA FOON & ALIAYTA FOON-DANCOES: Reverie

REBECCA FOON ist aus der alternativen Szene Montreals nicht mehr wegzudenken, ihren größten musikalischen Triumph erzielt sie aber nicht mit ESMERINE, SILVER MT. ZION oder SET FIRE TO FLAMES, sondern mit ihrer Schwester ALIAYTA FOON-DANCOES. „Reverie“ ist ein betörend schönes, simples Neoklassikalbum, das Werken von Komponisten wie MAX RICHTER oder ÓLAFUR ARNALDS nicht nichts nachsteht. Klavier, Cello und Violine unterstreichen die Schönheit einer Welt, die bedroht ist wie nie zuvor. Gerade deshalb ist „Reverie“ ein politisches Album, und Stücke wie „Between Us“ und „Midnight Shadow“ gehören zum Schönsten, das man 2025 hören konnte.

5. UULLIATA DIGIR: Uulliata Digir

Ein Paukenschlag zum Jahreswechsel. Die polnische Formation UULLIATA DIGIR überzeugt aus dem Stand heraus mit ihrem selbstbetitelten Debüt und macht dabei alles richtig: Komplex und monströs, sehr energiegeladen und mit unglaublicher Kreativität gesegnet. Gerade das Gesangsduo lässt diese avantgardistische Metal-Band atemberaubend intensiv werden. Ich brenne bereits jetzt auf Album #2 und eine Liveshow!

4. STEVE VON TILL: Alone In A World Of Wounds

STEVE VON TILL bleibt als Solist grob auf dem Weg, den er mit „No Wilderness Deep Enough“ betrat. Die Artpop- und Ambient-Einflüsse werden aber durchzogen von der klasischen Songwritingkunst, die er bis „A Life Unto Itself“ bediente. Trotz aller psychedelischer Momente ist „Alone In A World Of Wounds“ das Werk eines Poeten: Wahrhaftig, tief, direkt und transzendent.

3. RYE: Знание

Kein Jahresrückblick mehr ohne Vladimir Frith! Egal ob RYE oder REVERB ON REPEAT, alles, was der karelische Musiker anfasst, wird zu Gold. „Знание“ führt diese Tradition fort, denn in 40 Minuten mit 3 Songs transzendieren RYE Funeral Doom, Post Metal, Post Black Metal und Dark Ambient derart stimmungsvoll, dass es kaum zu ertragen ist. Dieses Album gräbt so tief, dass es einerseits schier unerträglich ist. Eine Konfrontation mich sich selbst anstößt und daneben meditativ wirkt. Das ist wirklich ganz große Kunst und solle allen zusagen, die das Bodenlose schätzen.

2. BLUT AUS NORD: Ethereal Horizons

Nein, „Ethereal Horizons“ bietet nicht alles, was BLUT AUS NORD so gut macht, aber vieles davon. Die kosmischen BLUT AUS NORD sind eben die besten, aber ihr Spiel mit Disharmonie der vergangenen Jahre fließt ebenso in „Ethereal Horizons“ mit ein, wie eine in sich ruhende Atmosphäre, aller Raserei zum Trotz. Das Ergebnis ist ein absolut transzendenzes Hörerlebnis mit zahllosen Schichten und einer selten gekannten Zugänglichkeit zu Vindsvals Schaffen. Ein atemberaubendes Album, und „The Fall Opens The Sky“ ist das beste, was der Metal 2025 zu bieten hatte. Nur ein Album hat mich mehr berührt:

1. DIE HEITERKEIT: Schwarze Magie

Seit 15 Jahren ist STELLA SOMMER mit DIE HEITERKEIT aktiv – und meine Güte, was habe ich bisher verpasst! Im totalen HEITERKEITS-Tunnel bemerke ich, was für eine unglaublich gute Songwriterin dieses Land zu bieten hat, egal ob mit ihrer Stammband, solo, oder mit DIE MAUSIS. „Schwarze Magie“ ist dabei ein völlig zeitloses Album voller exzellenter Songs, die auch nach neun Monaten nichts von ihrer Faszination verloren haben. Die wundervoll warme Produktion von Moses Schneider, eine einzigartige Stimme, Kompositionen auf den Punkt, gefühlvolles Spiel und dieser Ansatz, das Great American Songbook ins Deutsche zu überführen gelingt – auch wegen Texten, die wie „Die Welt war jung, die Ängste alt“ zu Tränen rühren, und dabei so direkt und vage zugleich sind, dass sich ständig etwas Neues darin entdecken lässt. Bonus: DIE HEITERKEIT haben meine Tochter infiziert und ihr auch den Wert physischer Tonträger näher gebracht.

Kurz: Die ganz klare Nummer 1 2025.

Der Bullshit-Detektor hat ebenso gut funktioniert wie die Verdrängungsleistung.

5. KIASMOS und BEN LUKAS BOYSEN am 21. Februar 2025 im Backstage, München

Wie schön, dass KIASMOS wieder aktiv sind und sehr überraschend, dass es sie auf eine große Tour zieht. Das Techno-Projekt von ÓLAFUR ARNALDS und JANUS RASMUSSEN macht die schönste elektronische Musik, die gleichzeitig zum Feiern und Weinen einlädt. Also, nichts wie hin, zu einem rauschhaften Abend, voller wundervoller Songs, herzergreifender Momente inmitten von entspannten, netten Menschen. Ein Hoffnungsschimmer in einer Welt, die immer kälter zu werden droht.

4. STEVE VON TILL und GREET am 17. Juli 2025 im Backstage, München

Die Voraussetzungen waren nicht die Besten. Ein paar Stühle stehen in der Backstage Halle herum, einige bleiben sogar leer. Und warum spielt dieser Mann nicht zum Beispiel in der Matthäus-Kirche, sondern in so einem profanen Laden? Das Schlimmste: Im direkt angrenzenden Club spielten ANTICHRIST SIEGE MACHINE, und ja, sie waren zu hören, auch zwischen den Songs von STEVE VON TILL. Doch GREET, das Harmonium-Folk-Projekt von Matthew Broadley (ex-DAWN RAY’D) leitete schon perfekt in den Abend mit einer leidenschaftlichen Performance ein. STEVE VON TILL brachte die schmerzhaft-schönen Songs von „Alone In A World Of Wounds“ mitsamt kleinem Ensemble hervorragend zur Geltung. Da kann im Nachbarclub noch so sehr gelärmt werden, STEVE VON TILL sorgt für Gänsehaut, und die ein oder andere Träne im Augenwinkel. Wunderschön.

3. DIE HEITERKEIT und LISA HARRES am 14. Mai 2025 im Strom, München

Zum ersten Mal im Rabbithole DIE HEITERKEIT live. Ein wundervoller Abend mit einer erstklassig eingespielten Band und einer gelösten STELLA SOMMER als souveräne Frontfrau mit subtilem Humor, die ihre Songs leidenschaftlich darbietet. Diese anderthalb Stunden vergingen wie im Flug, mit einer nahezu perfekten Setlist. Und dann war da noch der hervorragende Support durch LISA HARRES, die mit ihrer zurückhaltenden, poetischen Darbietung die Herzen im Sturm eroberte. Ein absolut gelungener Abend.

2. ORANSSI PAZUZU am 4. August 2025 im Backstage, München

Generell ein Konzertabend, der manchen Schaltkreis in den Gehirnen durchschmoren ließ. SIGHs bizarrer Brainmelt, dann IMPERIAL TRIUMPHANT, die genüsslich ihrem New Yorker Hedonismus freien Lauf ließen, aber dann ORANSSI PAZUZU. „Muuntautuja“, die Nummer 1 aus 2024 funktionierte live ausnehmend gut. Entfesselte Musiker, entfesseltes Tanzbein bei mir. Ein Auftritt, der sich wie 15 Minuten anfühlt, aber doch 70 Minuten dauert. Ich hätte bis in die Morgenstunden weiter abdriften können. Was für ein Rave.

1. DIE HEITERKEIT (solo) am 19. September 2025 im MUZ-Club, Nürnberg

Ein großes Erlebnis für mich und meine Tochter, die auch im HEITERKEITs-Rabbithole steckt. Unser erstes gemeinsames Konzert, passenderweise ein Akustikkonzert. Allein schon zu erleben, wie mein Kind sich auf die Show vorbereitete (inkl. gebastelter Karte für die Sängerin), der großen Aufregung, dem Hype danach – einfach schön zu sehen, wie meine Tochter zum Musikfan wird. Traurigerweise spielte DIE HEITERKEIT solo vor nur sehr wenigen Zuhörer*innen, aber dafür eine wunderbar intime Atmosphäre, mit einer STELLA SOMMER, deren reduzierte Versionen der aktuellen Songs mindestens genauso berührten, wie die fertig arrangierten Stücke. Ein toller Bonus war dabei eine Weltpremiere und ein selten gehörtes, ganz altes Stück. Ein in jeder Hinsicht sehr besonderer Abend, wie es ihn 2025 kein zweites Mal gab.

5. MBSR-Kurs (= Mindfulness Based Stress Reduction nach Jon Kabat Zinn) und lernen zu meditieren und festzustellen, wie gut das tut

4. Einschulung der Großen und Kindergartenstart des Kleinen

3. Zum ersten Mal mit den Kindern campen (auch wenn’s nur im Garten war)

2. Das erste eigene Buch veröffentlichen

1. Mit der Großen zum ersten Mal auf ein Konzert gehen.

Seit Friedrich Merz Bundeskanzler ist, nimmt die Anzahl an veganen Produkten im örtlichen Edeka ab. Und die AFD kriegt er auch nicht klein, obwohl er groß rumposaunt. Was für ein elender Versager.

Die Leute hängen immer noch bei Spotify ab, amüsieren sich über ihr musikalisches Alter im alljährlichen Wrapped und finanzieren Daniel Eks Rüstungs-Fetisch und dass echte Musik verramscht wird, zugunsten von KI-generierten Tracks. Vermutlich ist es das, was die Welt verdient.

Ein Fersensporn, der meine Laufkarriere vermutlich beendet hat.

Musikalisch: Das MY DYING BRIDE-Drama.

Rest in Power 2025:

DAVID LYNCH

BRENT HINDS

JÜRGEN BARTSCH

TOMAS LINDBERG

OZZY OSBOURNE

ACE FREHLEY

PERRY BAMONTE

Re-Releases 2025:

GRIDLINK: Perfect Amber

LOCRIAN: The Crystal World

SIGUR RÓS: Takk (diese obszön tolle Box-Edition)

Das habe ich 2024 verpennt, sollte aber noch erwähnt werden:

BLACK CURSE: Burning In Celestial Poison

DAWN TREADER: Bloom & Decay

DIE MAUSIS: In einem blauen Mond

LAGRIMAS: A Life Of Destruction

THE CURE: Songs Of A Lost World

Newcomer + Demos 2025:

AM I IN TROUBLE?: Spectrum

BIRTH AND LOSS: Untitled EP

GREET: I Know How To Die

HEDONIST: Scapulimancy

NON SEQUITUR: Sonder

OVER CENTURIES: In Medias Res

SCHUBKARRE: Sand im Getriebe

Top 5 Cover 2025 (Leider gar nicht originell, leider ziemlich einfallslos. Aber hey: Was soll’s?):

5. DIE HEITERKEIT: Schwarze Magie

NICK CAVE und NICK DRAKE bis ins Detail erfolgreich gechannelt! Wer bei diesem Artwork nicht neugierig wird, hat sein Leben nicht im Griff.

4. BLUT AUS NORD: Ethereal Horizons

Ein großartiges Gemälde von Maciej Kamuda, das mindestens so ikonisch ist, wie das zu „Hallucinogen“ und viele der Mysterien beinhaltet, die BLUT AUS NORD auszeichnen.

3. EPHEMERAL / DOMHAIN: Of Pine & Oak [Split EP]

DOMHAIN-Schlagzeugerin Anaïs Chareyre-Méjan ist nicht nur eine begabte Musikerin, sondern auch eine begnadete Künstlerin. Tolle Farbkomposition und das bittersüße Thema der Split-EP schön in Szene gesetzt.

2. RYE: Знание

Meike Hakkaarts Cover fasziniert sofort, so richtig zur Geltung kommt es erst auf der LP. Und stellt die große Frage, ob der Mensch wirklich Gott spielen sollte, oder ob er sich am Feuer verbrennt.

1. DEAFHEAVEN: Lonely People With Power

Die Kombination aus Titel und Cover steht sinnbildlich für die westliche Welt im Jahr 2025: Geilheit und Ausbeutung im Namen Gottes.

Top 3 Podcasts 2025:

(dieses Mal nur Neue, die in den vorherigen Jahren noch nicht erwähnt wurden)

3. DIE PAARTHERAPIE

2. TELEPHOBIA – Dieser eine Anruf

1. DEUTSCHLAND 3000 mit Eva Schulz

Top 6 gelesene Bücher 2025:

„Stella Maris“ und „Der Passagier“ von Cormac McCarthy

„Sag mir, was ich bin“ von UNA MANNION

„Scham“ von Matthias Kreienbrink

„Radikal emotional“ von Maren Urner

„Make Democracy Great Again“ von Sarah Bosetti

Bonus: Die Keflavik-Tetralogie am Stück gelesen: „Das Knistern in den Sternen“, „Fische haben keine Beine“, „Etwas von der Größe des Universums“ und „Mein gelbes U-Boot“ von Jón Kálman Stefansson

Abschließendes Credo für 2026:

Ohne Kunst und Kultur ist die Menschheit nichts wert.

Und jetzt: Get ready für 12 neue Monate!

Heidelberg Deathfest mit THE CROWN, SUFFOCATION, ANGELMAKER, FLESHCRAWL. Heidelberg, halle02, 15.03.2025

Mein erstes Heidelberg Deathfest! Auch wenn ich persönlich wieder immer mehr in die Punk & Hardcore-Richtung abdrifte, ist es dennoch der Death Metal, der mir die Seele reinigt. So ging es an einem kühlen aber schönen Samstag im März nach Heidelberg zum mittlerweile achten Deathfest. Die Fahrt mit dem ICE war super (dank nur einer Station Fahrtstrecke) und schon waren wir mitten drin. Billing und Leute top – inklusive Wiedersehen mit einigen netten Leuten – war das Deathfest das erste Highlight des Jahres. Persönliche Überraschungen: ANGELMAKER und FUMING MOUTH jeweils mit krass guten Shows – ein Album der beiden würde ich mir zuhause aber vermutlich nie anhören – dann herzerwärmend gute Auftritte von SLAUGHTERDAY, FLESHCRAWL und SUFFOCATION. Außer der Reihe (freiwillig unkomisch oder unfreiwillig komisch?) SPASM. Ja, doch, waren witzig. Herausragend: THE CROWN. Ich bin froh, dass ich sie im Jahr davor noch in Göteborg und nun im März in Heidelberg sehen durfte. Mit dieser Band verbinden wir mit vampster seit Anfang an eine ganz persönliche Beziehung und viele Erinnerungen, diverse Treffen, Höhen und Tiefen. Schade, dass sie ab nächstem Jahr wohl Geschichte sein werden. Ach Fuck.

SCHUBKARRE, DIE SIFFER. Marbach, Café Provinz, 22.03.2025

Ist es doof, die eigene Band in einem Jahresrückblick aufzuführen? Nö, denn für mich selbst war es ein Konzerthighlight – auch wenn ich dabei selbst auf einer Bühne stand. Seit einiger Zeit mache ich mit SCHUBKARRE wieder selbst Musik, und ich kann mir keinen besseren musikalischen Platz vorstellen, an dem ich mich zuhause fühle. Am 22.03. hatten wir Gelegenheit, unsere erste eigene LP live zu präsentieren, ein Abend wie im Rausch, zwischen Metal, Punk, wohlgesonnenen Leuten, einigen Biers und einfach guten Vibes. Das hat mich sehr berüht. Auch, dass die eigene Musik in der Lage ist, anderen Menschen Freude zu machen. Die Bude war jedenfalls voll und das hat sich bis zum Ende nicht geändert. Als Opener haben sich DIE SIFFER bereit erklärt – eigentlich sind die ja mit schuld daran, dass wir überhaupt live spielen ;-).

DESSERTED FEAR. Stuttgart, Club Zentral, 03.05.2025

Das aktuelle DESERTED FEAR Album kickt mich ehrlich gesagt gar nicht mal so. Live strotzen die Jungs aber nach wie vor vor Spielfreude und senden sympathische politische Botschaften. Leider ist das ja wichtig geworden inzwischen… Schöner Abend zusammen mit KVAEN & FALL OF SERENITY, in einem ebenfalls sympathischem Club, dem Club Zentral.

KING DIAMOND, PARADISE LOST, ANGEL WITCH. Ludwigsburg, MHP Arena, 14.06.2025

Was im Vorfeld nach einer komischen Band-Konstellation klang, entpuppte sich am Konzertabend als durchaus gelungene Mischung: ANGEL WITCH mit traditionellem, leidenschaftlich präsentierten Heavy Metal, PARADISE LOST, moderner und schwerer im Sound, dennoch ebenfalls bestens aufgelegt – und ein KING DIAMOND in Höchstform. Über seinen Gesang kann man sich streiten, ja. An diesem Abend war allerdings ALLES perfekt. Eine Show, die ihren Namen auch verdient, durch die Bank hervorragende Musiker – und im Zentrum natürlich der King. Bestens aufgelegt, wusste er sein Publikum zu fesseln – und ein Ständchen der Fans gab es auch noch, hatte er an dem Tag doch Geburtstag. War ein feiner Abend.

CIRCLE JERKS. Frankfurt, das Bett, 05.08.2025

Manchmal ist es schon unreal. Da wächst man musikalisch in den 80ern auf, entdeckt dieses Feuer, das sich Hardcore Punk nennt und wird gefangen von diesen wilden, ungestümen US-Bands wie den CIRCLE JERKS. Lange Zeit haben sie mich begleitet und sind über die Jahrzehnte immer wieder in das Tape Deck, auf den Plattenteller oder die Spotify-Playlist gewandert. Und diesen Sommer war es soweit – die CRICLE JERKS kommen tatsächlich mal wieder nach Deutschland, und ich kann sie zum ersten Mal live sehen. Unfassbar. Und so war der Abend dann auch – unfassbar. Klassiker reihte sich an Klassiker, dieser endlos schienenden Setlist. Und ermutigend war er auch: kann man als Band offenbar nach fünfundvierzig Dienstjahren und kurz vor dem siebzigsten Geburtstag des Sängers Keith Morris immer noch ordentlich Arsch treten. Und dieser Sound… Was für eine Gitarrenwand kann man denn bitte mit nur einer Gitarre, angeschlossen an zwei Amps und zwei Marshall Boxen, generieren? Die CIRCLE JERKS wissen halt immer noch genau, wie’s geht.

GORILLA BISCUITS, TERROR. Nürnberg, Löwensaal, 15.11.2025

Manchmal ist es schon unreal, Teil zwei. Da wächst man musikalisch in den 80ern auf, entdeckt dieses Feuer, das sich Hardcore Punk nennt und wird gefangen von diesen wilden, ungestümen US-Bands wie den GORILLA BISCUITS. Ja, tatsächlich, dieses Glück ist mir in diesem Jahr zwei Mal widerfahren: Zwei Lieblingsbands meiner Jugend, die ich noch nie live gesehen habe, kommen nochmal nach Deutschland. Und GORILLA BISCUITS haben tatsächlich nochmal eine Schippe mehr draufgelegt als die CIRCLE JERKS drei Monate zuvor. Doch bevor es soweit war, sorgten NO PREASSURE für das erste kleine Einheizen – und natürlich TERROR, die den Löwensaal in eine eben solche Grube verwandelten: Das Publikum war nur noch ein Knäul heißer Leiber und die Bühne entwickelte sich zur ersten Laufstrecke und Absprungrampe für Stagediver. Wahnsinn. Getoppt wurde es dann tatsächlich nochmal durch die GORILLA BISCUITS. Abgeklärt as Fuck und so voller Spielfreude, dass man als Fan nicht wusste, ob man lachen oder vor Freude weinen sollte. Ich hab mich für beides entschieden. So sollte der perfekte Konzertabend einfach sein.

Ich bedanke mich bei den folgenden Bands, die mich 2025 mit ihrer Musik berührt haben:

NAEVUS, PARADISE LOST, PHANTOM CORPORATION, BRUTUS, THE GOOD THE BAD AND THE ZUGLY, BAEST, LIK, MANTAR, MOUNTAIN THRONE – und natürlich meinen Hasen von SCHUBKARRE – danke für Alles.

2025 – und sonst so…

Zweitausendfünfundzwanzig. Ja verdammt. Was war das eigentlich? Persönlich war es ein gutes Jahr, et läuft. Dafür bin ich dankbar. Dennoch war 2025 ein Jahr, bei dem es einfach okay ist, dass es hinter uns liegt, in seinem eigenen kalten Schweiß, erschöpft und perplex, ob der vielen strangen Dinge, die ihm während dieser einen Drehung um sich selbst widerfahren sind. Was ist nur los, auf dieser Welt, in diesem Land, in unserer Gesellschaft. Ist das schon das letzte Zucken, das letzte Aufbegehren einer Zivilisation, der unterschwellig bewusst ist, dass sie es einfach vergeigt hat, dass das „immer immer weiter“ nur ein Trugschluss war, dass wir es weltumspannend verkackt haben, scheinbar untrennbar miteinander verbunden und nun dabei, uns in einen Abgrund zu reißen, ohne Aussicht auf einen Fallschirm oder doppelten Boden? Ein beängstigender, wenig hoffnungsvoller Gedanke. Für mich aber die naheliegendste Erklärung, warum diese, unsere Welt so ist, wie sie ist. Vernunft, Empathie und Weitsicht scheinen nicht mehr gefragt. Ein kurzes Aufbäumen der Vernünftigen, betroffenen, Jungen, die besonders an Freitagen auf sich und das, was im Argen liegt, hingewiesen haben, endgültig niedergemezelt, lächerlich gemacht, begraben. Stattdessen wittern rechte Spinner, die sich bislang in der Mitte der Gesellschaft konserviert haben, Morgenluft, berauscht von den „Erfolgen“ einer Partei, die uns nichts anzubieten hat, außer Spaltung, Hetze und einer weiteren Zuspitzung der Verhältnisse, die uns diese Scheiße erst eingebrockt haben, mit angeblich alternativen Lösungen, die eben alles sind, nur nicht das, was sich wohl viele von ihr erhoffen und versprechen – eine Alternative zum bisherigen – denn eine Alternative müsste ganz anders aussehen, als das Umfärben der doch selben Mauern, Brettern, Wänden. Wahrscheinlich passiert das alles aus Hilflosigkeit und schierer Ohnmacht, weil sich eben NICHTS abzeichnet, was sich als echte Alternative bezeichnen ließe – außer man akzeptiert, dass eine wirkliche Alternative erst mal weh tun würde und viele Dinge ganz anders angepackt werde müssten. Aber das will man ja auch nicht. Doch nicht, wenn es die eigene Bequemlichkeit beeinträchtigt. So schlimm kann es dann also doch nicht sein. Nun ja, wir werden ja sehen, wo das alles im kommenden Jahr hinführt. Klingt negativ? Ach, ja, mag sein, aber bin ich ja eigentlich gar nicht. Wie einleitend gesagt – persönlich geht es mir tipptopp – und gute Musik gab es 2025 auch. Das macht mir jedenfalls Hoffnung.

Und sonst? The same procedure as every year, James! Wacken versinkt im Schlamm, der FC Bayern ist Deutscher Meister, und mit Friedrich Merz bekommt das Land einen Kanzler, der perfekt zu diesem Jahr passt – vorhersehbar, schwer verdaulich und mit einem Hang zur Trostlosigkeit.

Gerade in solchen Jahren zeigt sich, warum extremer Metal mehr ist als bloße Eskalation. Kein Soundtrack zum Weltschmerz, sondern ein Ventil. Vielleicht liegt es daran, dass mich gerade diese sieben Alben durch 2025 getragen haben. Nicht weil sie die Welt besser gemacht hätten, sondern weil sie nichts beschönigten.

DER WEG EINER FREIHEIT: Innern

DER WEG EINER FREIHEIT liefern mit „Innern“ eines der stärksten und emotional dichtesten Black-Metal-Werke des Jahres ab. Schon die Struktur macht klar, dass hier nichts dem Zufall überlassen wurde: Sechs Songs, 43 Minuten, klare Dramaturgie. Statt Dauerbeschuss setzen die Bayern auf Spannungsbögen und kontrollierte Eskalation. Blastbeats wechseln sich mit Mid-Tempo-Passagen ab und gipfeln in fast meditativen Melodien, ohne dabei an Intensität zu verlieren. Nichts wirkt überladen, nichts zufällig. Jeder Ausbruch hat Gewicht, jeder ruhige Part eine Funktion.

„Innern“ fordert Aufmerksamkeit, belohnt sie aber mit einer Intensität, die lange nachhallt. Das Album ist ein Paradebeispiel für modernen Black Metal, der nicht über Geschwindigkeit oder Lautstärke definiert wird. Sondern über Rhythmusstruktur, präzise Riffs und emotionale Wucht – bombastisch, ohne pathetisch zu sein. Auf diese Weise schaffen DER WEG EINER FREIHEIT ein beeindruckendes und geschlossenes Genre-Statement, mit dem 2025 nur wenige Veröffentlichungen mithalten können.

MANTAR: Post Apocalyptic Depression

Mit „Post Apocalyptic Depression“ haben uns MANTAR im Februar ein echtes Brett um die Ohren gehauen. Das zarte Cover mit dem charmanten Partyhut lässt nicht vermuten, dass in diesem Album ein rotziger Mix aus Doom, Sludge und Punk steckt. Während Hanno Klänhardt auf dem Vorgänger „Pain Is Forever and This Is the End“ noch überraschend melodisch ins Mikrofon keifte, hat das Duo aus Bremen nun zu seiner alten Härte zurückgefunden.

Mit nur 35 Minuten Spielzeit ist das Album eher kurz und lässt den Hörer nach dem ersten Durchlauf mit gemischten Gefühlen zurück. Die zwölf Songs sind sperrig, rau und unvorhersehbar: Hier prallen Blastbeats auf Doom-Riffs, Black Metal auf Hardcore Punk. Ohne Bass, nur mit Gitarre und Schlagzeug, erschaffen MANTAR eine Soundwand, die härter wirkt als so mancher Fünf-Mann-Trupp. „Post Apocalyptic Depression“ klingt nicht nach Stadiontour und Champagner im Backstage-Bereich, sondern nach Kneipenschlägerei, Bier und blutigen Nasen. Keine leichte Kost, aber ein Leckerbissen, der noch lange im Gedächtnis bleibt.

LAMP OF MURMUUR: The Dreaming Prince in Ecstasy

Dass Black Metal kein rein skandinavisches Phänomen ist, haben schon UADA eindrucksvoll bewiesen. Mit „The Dreaming Prince in Ecstasy“ reihen sich nun auch LAMP OF MURMUUR in die Riege ernstzunehmender US-Schwarzmetaller ein. Und das absolut verdient, denn das vierte Album des Ein-Mann-Projekts aus Washington punktet mit einem mitreißenden Mix aus Theatralik und unerwarteter Eleganz. Klassischer Black Metal, Gothic Rock und großzügig eingestreute Symphonic-Elemente verschmelzen hier zu einer fast schon orchestralen Inszenierung mit Wiedererkennungswert.

Wer auf rohes Geschrammel steht, dürfte mit dem Genre-Mix dieses Albums seine Probleme haben. So könnten die ersten Riffs von „Moondance“ auch problemlos aus der Feder von Tobias Forge und den Hardrockern von GHOST stammen. Dank der kratzigen, ungeschliffenen Stimme von „M.“ klingt das Album aber zu keiner Zeit kitschig und erinnert glücklicherweise nicht an den häufig belächelten „Charme“ von Symphonic-Black-Metal-Bands wie DIMMU BORGIR. Ein echtes Highlight, wenn man Lust auf Atmosphäre, Ekstase und ein wenig Pathos hat.

BLACKBRAID: Blackbraid III

Nachdem Jon „Sgah’gahsowáh“ Krieger die Black-Metal-Szene mit „Blackbraid I“ (2022) und „Blackbraid II“ (2023) ordentlich aufgemischt hatte, präsentierte das Universal-Genie aus dem US-Bundesstaat New York 2025 sein neuestes Werk. Wieder hat Krieger alle Instrumente – bis auf die Drums – selbst eingespielt, und wieder setzt er auf rasende Blastbeats, eindringlich melodische Leads und traditionell indigene Instrumente. Das Ergebnis ist ein druckvoller Sound, der strukturiert, aber nicht überpoliert klingt.

Sgah’gahsowáh erfindet das Rad mit diesem Album nicht neu, stellt aber einmal mehr die musikalische Bandbreite von BLACKBRAID unter Beweis. Vom akustischen „Traversing The Forest Of Eternal Dusk“ bis zum wuchtig-aggressiven „God Of Black Blood“ bedient er alle Spielarten des modernen Black Metals. Der Mix aus melancholischen Melodien, keifenden Vocals und imposanter Rhythmusstruktur schafft eine bedrückende, aber gleichzeitig faszinierende Atmosphäre. Ein Album voller Verzweiflung, Wut und Schwere, das auch nach 52 Minuten noch lange nachklingt.

KARG: Marodeur

Wer KARG als Solo-Projekt von HARAKIRI FOR THE SKY-Frontman Michael „J.J.“ Kogler kennt, dürfte nun aufhorchen. Denn mittlerweile hat sich nicht nur die Band vergrößert, sondern auch ihre musikalischen Einflüsse. Und das funktioniert überraschend gut, denn die Elemente aus Klassik, Post-Rock und Grunge harmonieren bestens. Musikalisch bewegen sich KARG auf „Marodeur“ weiterhin im Post-Black-Metal-Spektrum, verzichten aber auf die ausufernden Spannungsbögen und hymnischen Eskalationen, für die HARAKIRI FOR THE SKY bekannt sind.

Auch produktionstechnisch bleibt das Album angenehm unaufgeregt. Der rohe Sound trägt die melancholische Stimmung, ohne sie zu glätten. Alles wirkt bewusst zurückgenommen – und gerade deshalb so intensiv. Weniger Pathos, weniger Katharsis, dafür mehr innere Spannung und Zerrissenheit. Ergänzend lohnt sich ein Blick auf das FIRTAN-Feature „Annapurna“, das die stilistische Vielseitigkeit des Albums und die musikalischen Einflüsse der neuen Bandmitglieder eindrucksvoll unterstreicht.

ABIGAIL WILLIAMS: A Void Within Existence

Ding Dong, die Hex ist tot! Und das bezieht sich in diesem Fall nicht nur auf die Hexenprozesse von Salem, bei denen sich die US-Amerikaner von ABIGAIL WILLIAMS ihren Namen geliehen haben. Sondern auch auf die Abkehr von ihren Metalcore-Wurzeln, die mit „A Void Within Existence“ endgültig Geschichte sind. Statt geknüppelter Breakdowns und genretypischer Härte setzt die Band nun auf atmosphärischen Doom und Black Metal. Und auf ein packendes Potpourri aus Emotionen – hier geben sich Verzweiflung, Schmerz und Wut die Klinke in die Hand.

Sänger Ken Sorceron röchelt, kreischt und knurrt sich durch die sieben Tracks des Albums, beweist in Songs wie „No Less Than Death“ aber auch sein Talent für klaren Gesang. Eindrucksvoll untermalt von Schlagzeuger Mike Heller (FEAR FACTORY/MALIGNANCY), der die Band als Studio-Musiker unterstützt und für seine technische Präzision bekannt ist. „A Void Within Existence“ ist ein konsequenter Schritt hin zu ernsthaftem, atmosphärischem Black Metal – ruhig, dicht und deutlich reifer als alles, was die Band zuvor veröffentlicht hat.

LORNA SHORE: I Feel the Everblack Festering Within Me

Deathcore hat in der Metal-Community keinen leichten Stand, gilt als erzwungen aggressiv und emotional austauschbar. Vorurteile, die „I Feel the Everblack Festering Within Me“ mühelos bestätigen könnte. Schließlich setzen auch LORNA SHORE auf die bekannten Stilmittel des Genres – tiefergestimmte Riffs, massive Breakdowns, hohe Dissonanzen. Dennoch schafft die Band mit ihrem neuesten Werk eine beeindruckende Ästhetik, die einige Parallelen zum modernen Black Metal zeigt.

Die orchestralen Arrangements sind nicht nur Kulisse, sondern erzeugen eine dichte Atmosphäre, in die sich Will Ramos’ Gesang nahtlos einfügt. Seine extreme Bandbreite transportiert die Texte mit einer emotionalen Wucht, die man im Genre nicht allzu häufig erlebt. Dabei profitieren die Songs von klaren Dynamikwechseln, die zwischen schnellen, technischen Parts und kontrollierten Ruhepunkten balancieren. Tracks wie „Glenwood“ sorgen für Gänsehaut, ohne allzu pathetisch zu klingen. So funktioniert Deathcore, der auch eingefleischte Black-Metal-Puristen überraschen dürfte.

Honorable Mentions:

Auch in diesem Jahr gab es sie – die Alben, die gut, aber eben nicht grandios waren. Veröffentlichungen, die mich unterhalten, aber nicht wirklich mitgerissen haben. Solide genug für eine Schnetzel-Session in Diablo IV oder eine anstrengende Zugfahrt, aber kein Stoff für diese Liste. Erwähnt werden sollten sie allerdings trotzdem.

• AGRICULTURE: The Spiritual Sound
• GHOST: Skeletá
• DRAUGVEIL: Cruel World of Dreams and Fears
• HARAKIRI FOR THE SKY: Scorched Earth
• DEFTONES: Private Music
• WHITECHAPEL: Hymns In Dissonance

DÖDSRIT am 13. April 2025 in der Kantine in Köln

Im April 2025 gastierten HARAKIRI FOR THE SKY im Rahmen der „Scorched Earth“-Tour in der Kantine in Köln. Im Gepäck hatten sie nicht nur ihr gleichnamiges Album, sondern auch die Schweden von DÖDSRIT. Das ehemalige Ein-Mann-Projekt von Christoffer Öster besteht mittlerweile aus vier Musikern und hat sich mit dem vierten Album „Nocturnal Will“ (2024) auch musikalisch weiterentwickelt.

In Köln präsentierte sich die Band von ihrer besten Seite: energiegeladen, spielfreudig und technisch auf einem Niveau, das man so selten bei einer Vorband erlebt. Während HARAKIRI FOR THE SKY ihre Studio-Performance an diesem Abend nicht in gewohnter Stärke auf die Bühne transportieren konnten, brachten DÖDSRIT die Kantine zum Kochen – und das mit einer Intensität, die ihresgleichen sucht. Kein Wunder also, dass die Band seitdem einen festen Platz in meiner Playlist und auf meiner Lederjacke hat.

LAMP OF MURMUUR am 20. April 2025 im Bora in Duisburg

Was haben Black Metal und meine Heimatstadt Duisburg gemeinsam? Richtig: Beides ist hässlich, trist und nichts für schwache Gemüter. Entsprechend gut passte es, dass sich SPECTRAL WOUND und LAMP OF MURMUUR am Ostersonntag 2025 im Duisburger Bora die Ehre gaben. Das Setting hätte kaum passender sein können: Draußen Sturm und Dauerregen, drinnen zwei nordamerikanische Black-Metal-Formationen, die ein musikalisches Höllenfeuer entfachten.

SPECTRAL WOUND lieferten einen kraftvollen Auftritt ab und ließen ihren pechschwarzen Metal gnadenlos auf das Duisburger Publikum einprasseln. Und doch blieb am Ende vor allem ein anderes Bild in Erinnerung: die einsame, beinahe entrückte Präsenz von LAMP OF MURMUUR-Frontman „M.“. Fokussiert, technisch eindrucksvoll und gleichzeitig faszinierend zog er das Publikum in seinen Bann. Eine Performance, die schon im April ankündigte, was für ein Brett uns im November mit „The Dreaming Prince in Ecstasy“ erwarten sollte.

Do you remember the good old days
Before the ghost town
We danced and sang as the music played
Like in the boomtown

We still do, actually. „Ghost Town“ ist 2025 allen Ernstes als 12″-Single erschienen, na ja, ich lebe digital, ich brauch sowas nicht, aber das Lied mag eine der fünf besten Coverversionen aller Zeiten sein, und das Video ist der Hammer. Und auch, dass ich wieder ein Jahr nicht nur überlebt, sondern tatsächlich erlebt habe, ist bemerkenswert; die folgende musikalische Liste ist Beweis dafür, ist Tagebuch und Spiegel des Inneren, für die Nachwelt (haha) festgehalten und deshalb mir immer so wichtig. Es war ein intensives Jahr, voller Herausforderungen, großer emotionaler Momente in jede Richtung, und bevor ich noch weiter ins prätentiöse Phrasendreschen abdrifte und irgendeinen meiner ca. 23 Leser verliere, verspreche ich: Dieser musikalische Jahresrückblick ist besonders gut! Er bringt’s! Und das, obwohl oder gerade weil ich drauf und dran bin, ein vollkommen ausgewhimpter Post-Metal-Poser zu werden.

(Wie immer: Die Links hinter den Titeln führen entweder zum Review hier auf Vampster oder direkt zur Bandcamp-Seite der Veröffentlichung.)

Zehn Werke für die Ewigkeit

Ich gestehe, ich liebe DEAFHEAVEN, aber DEAFHEAVEN ist nicht auf Platz 1, auf Platz 1 ist, völlig überraschend (jedenfalls für mich),

AFSKY: Fællesskab

Mein überschwängliches Review spricht ja bereits Bände, aber als ich AFSKY dann auch noch live gesehen habe auf der „European Flagellation“-Tour, zusammen mit den ebenfalls hervorragenden AMIMIA und MYRDAL, war mir endgültig klar, dass meine Welt diese Band gebraucht hat. Nach wie vor sorgt jeder Durchlauf für Gänsehaut: Dieses Album ist von vorne bis hinten ein einziger großer Wohlfühlmoment und gerade wegen seiner Unperfektheit einfach nur perfekt. Der Old-School-90er-Gag mit dem Hidden Track auf der CD-Version, den offenbar aber kaum ein Fan tatsächlich gefunden hat, weil man eben heutzutage nicht mehr mit sowas rechnet und im Alltag halt lieber streamt (oder Dateien abspielt), ist dann noch das Tüpfelchen auf dem i (und „Ouverturen till undergangen“ trotz Instrumental-Charakter eine nette Weihnachtsüberraschung gewesen).

AGRICULTURE: The Spiritual Sound

Schleierhaft ist mir Kollege Christophs Verdacht, auf „The Spiritual Sound“ fehle irgendwas. Da ist doch alles drauf: Auf-die-Fresse-Punk, eingängige Hooks, edelster Post-Black-Stoff, bis auf den Urgrund der Seele reichender Indie-Gesang und nicht zuletzt „Bodidharma“, das ich zuerst als Musikvideo wahrgenommen habe, wobei es mir komplett die Schuhe ausgezogen hat, so faszinierend fand ich diesen brillianten Horror-Kurzfilm:

YELLOW EYES: Confusion Gate

Ist es die kaputte Welt, die dafür sorgt, dass ich nicht mehr nur Eingängiges, sondern auch soviel kaputte Musik mag? Na ja: YELLOW EYES sind ja nun hier auch so eingängig wie noch nie, ohne ihre Derangiertheit auch nur ansatzweise verloren zu haben. Das hier ist ebenfalls spirituelle Kunst in Perfektion und auch eine, zu der man verdammt nochmal, äh, abrocken kann. Wenn das nämlich nicht geht, bringt es mir auch nichts.

URISK: Shrivelling Lights

Was wäre meine Top 5 ohne mindestens einen Geheimtipp? Dass URISK immer noch ein solcher sind, ist nur damit zu erklären, dass Labels und Promotion bzw. der „Darf ich das denn auch gut finden?“-Reflex nach wie vor das Hören der meisten Menschen bestimmen. Dass ich am gegenteiligen Effekt leide – was kaum jemand kennt und gut findet, hör ich mir ganz genau an, Bekanntes lasse ich eher liegen -, ist aber kein Grund dafür, dass URISK hier stehen: URISK sind nämlich einfach nur brilliant, dazu noch ungemein sympathisch und von umme Ecke. Sie sollten groß rauskommen!

DEAFHEAVEN: Lonely People With Power

Album-Titel des Jahres! Und obwohl sie jeder geil findet, auch (fast) Album des Jahres, denn seien wir mal ehrlich, alle fünf Alben hier oben hätten den Titel verdient. Nach dem furchtbaren Vorgänger (wie hieß er noch gleich?) hatte ich der Band dieses Meisterwerk nicht mehr zugetraut – umso größer meine Freude, als es bei jedem Durchlauf wuchs und wuchs und schließlich sogar „Ordinary Corrupt Human Love“ als meinen DEAFHEAVEN-Favoriten verdrängte. Punch, Gefühl, kompromisslose Härte, Melancholie usw., hier stimmt alles und passt alles zusammen, auch und gerade so ein Kurzfilm wie dieser hier:

VARO: The World That I Knew

Und noch etwas, was ich nicht für möglich gehalten hätte: dass dieses Album, 2020 als Pandemie-Projekt angekündigt, dann doch noch irgendwann mal erscheinen würde. Aber da ist es! VARO versammeln hier ein Who-Is-Who der alternativen Folk-Szene Irlands und verzaubern die Liebste und mich gekonnt mit einem wunderschönen und von Spud Murphy mal wieder genial produzierten Stück nach dem anderen. Besonders schön: „Green Grows The Laurel“ mit John Francis Flynn und „Sweet Liberty“ mit Ian Lynch (LANKUM). Oder man schaue und höre sich „Lovers And Friends“ an, mit einem herrlich abgründigen Arrangement, das dem Text eine ganz neue Ebene hinzu fügt:

BELL WITCH & AERIAL RUIN: Stygian Bough Vol. II

Erstaunlich ist es eigentlich nur vordergründig, dass mir „Stygian Bough Vol. II“ so nahe geht: Ich mag nämlich (bisher?) weder BELL WITCH noch AERIAL RUIN. Aber in einer Zeit, in der die Welt, geführt von machtbesessenen Irren, unbelehrbaren Idealisten und stinkreichen Firmenbossen, die jeden Bezug zur Realität bereits verloren haben, in einem atemberaubenden Tempo auf den Abgrund zusteuert, brauche ich Momente der Ruhe und Kontemplation mehr denn je, und davon gibt es hier reichlich: Allein die erste Melodiefahrt, wenn die Gitarre nach ein paar Minuten plötzlich die Seele erlöst (und davon gibt es noch mehr, noch viel mehr hier!). Oder der Moment, wenn Erik Moggridge nur von Akustik-Gitarre begleitet die Klinge erhebt… Wahnsinn. Ein monumentales Album, die pure Katharsis.

SUNKEN: Lykke

Eine Konstante in meinen Reviews ist ja das Lob des Basses, und diese lebensfrohen Dänen bekommen es hier gleich nochmal: Was für ein tolles Bassspiel! Aber „Lykke“ („Glück“ – großartiger Titel für ein depressives Black-Metal-Album, oder?) bietet so viel mehr und war mir in schwierigen Momenten, in denen ich auch gerne so geschrien hätte wie der Sänger hier, einfach eine große Stütze.

HEXECUTOR: …Where Spirit Withers In Its Flesh Constraint

Puh, doch nicht völlig ausgewhimpt. Da ist es ja, mein Trad-Metal-Album des Jahres. Die Breaks, Hooks und Riffs sind von vorne bis hinten perfekt hier, und die Band hat ein Bandlogo, das aus Exekutionsmaschinen besteht! Sehr viel geiler geht es nicht, und das wisst ihr auch, also anhören, bitte, wenn ihr auch nur ein bisschen was für traditionellen extremen Metal übrig habt.

HABAK: Mil orquídeas en medio del desierto

Die Top 10 wird beschlossen von einer Band, die ich erstaunlicherweise noch nicht kannte, obwohl sie eigentlich wie für mich gemacht ist: melodisch und melancholisch bis ins Mark, aber mit wütender Punk-/Crust-Energie gesegnet und voll mit Hass. Was will man mehr?

Fünfzehn weitere funkelnde Edelsteine in einem endlosen Sumpf aus Schrott

TURBOSTAAT: Alter Zorn

Ich liebe und verehre TURBOSTAAT seit ihrem Debüt (2002) und halte sie trotz ihres unbestreitbar großen Einflusses für künstlerisch einzigartig, weshalb es mich auch gar nicht stört, dass sie im Grunde immer wieder den gleichen Song aufnehmen. „Alter Zorn“ hat ob des oberflächlich etwas zahmeren Sounds etwas gebraucht bei mir, wollte aber dann immer wieder gehört werden und ist nicht zuletzt wegen der Entstehungsgeschichte (Sänger Jan hat vor den Aufnahmen einen Herzinfarkt überlebt) durchaus ein emotionales Highlight. Und mit „Mutlu“ und „Otto muss fallen“ sind mindestens zwei brilliante Songs drauf, die sich vor den alten Sachen nicht zu verstecken brauchen.

THE TAXPAYERS: Circle Breaker

Etwas Schönes am Älterwerden ist ja, dass man Entwicklungen verfolgen kann, die nicht immer schlecht sind: THE TAXPAYERS waren früher eine herrlich versoffene Punk-Band mit massiven Country-, Folk- und Jazz-Einflüssen, aber dann hat der Kopf der Band aufgehört zu trinken, und nun liegt mit „Circle Breaker“ ein Album vor, das vor Lebensbejahung nur so strotzt und mit dem die Band offenbar den großen AJJ Konkurrenz machen möchte und ebenfalls in Indie-Gefilden wildert. Das klappt wegen der wunderschönen Melodien und emotional eindringlichen Texte, die die Finsternis nie vergessen (herzzereißend: „Nobody Is A Lost Cause“ und „Constant Headlines“, aber auch eigentlich alle anderen) ganz hervorragend.

OROMET: The Sinking Isle

Ein Album wie eine heiße Badewanne voller erhabener Schaumberge (wundervoll, oder? Bin ein bisschen stolz.): Doom wie er sein soll, tröstlich, unerbittlich, raffiniert. Und nicht eine Sekunde lang langweilig.

CERCLE DU CHENE: Recits d’Automne et de Chasse

Dieses Projekt aus Frankreich ist eine Art weibliche Version von SUMMONING und verzaubert ohne Ende, wenn das Bedürfnis nach Märchen mal wieder zu stark wird.

BESNA: Krasno

„Schönheit“ heißt dieses Album, und da Schönheit an allen Ecken und Enden fehlt, nur nicht in der Kunst (wenn man gut suchen kann), ist das auch ein ganz wunderbarer Titel für ein Post-Black-Metal-Album. BESNA gehen dabei eher mit dem Holzhammer zu Werke, was ja hin und wieder auch mal ganz reizvoll ist.

EBONY PENDANT: Threnodies From The Coldlands

Hier hingegen wird der Holzhammer mit dem Florett getauscht. Kurz vor Weihnachten kamen die mir bis dato unbekannten EBONY PENDANT mit ihrem betont trven Black Metal voller Romantik, Sehnsucht, Einsamkeit und megageiler Riffs um die Ecke und eroberten mein Herz im Sturm. Manchmal liegt eben immer noch im Einfachen die tiefste Seele.

VRDRBR: Mono | Tod

Ob es Absicht war, „Mono | Tod“ so, nun ja, warm klingen zu lassen? Die Wärme jedenfalls ist trügerisch, wird hier doch dem totalen Absturz gehuldigt. Wer damit umgehen kann, möge mittun, es ist ganz schön geil.

TO ESCAPE: I Wish To Escape

Moment, Black Metal und Son Cubano bzw. Salsa? Man möchte Reißaus nehmen, aber damit ist man ja nun nicht alleine und bleibt dann doch – gut so! Das hier ist so überraschend wie eingängig, ein großer Spaß und doch irgendwie tiefgründig.

HAVUKRUUNU: Tavastland

Ich bleibe dabei: Dieses Album hätte einen anderen Sound verdient. Er ist zu dünn. Denn die Songs sind allesamt unglaublich fett. Und geil. Und überhaupt: Eulen!

FER DE LANCE: Fires On The Mountainside

Noch so ein fettes Album. FER DE LANCE sind eine dieser sympathischen Epic-Metal-Bands, die man als Nerd einfach lieb haben muss. Ein ganz starkes zweites Album, Feuer aufm Berg und dicke Hose. Wundervoll.

GATES OF DAWN: III

Moment, Black Metal und Psychedelic Rock aus den 70ern? Man möchte Reißaus nehmen, aber die Türen der Morgendämmerung sind einfach zu schön und einladend, also tritt man hindurch und hat den Salat: Ein Mann in Schlaghose und Corpse Paint tanzt und krächzt zu Disco Beats, daneben steht ein weiterer und haut einfach mal ein schmissiges 10minütiges Gitarrensolo raus. Die Welt ist voller Wunder.

GREET: I Know How To Die

Aus der Asche der Anarcho-Black-Metal-Band DAWN RAY’D sind zwei Projekte entstanden, die mit Metal mal so gar nichts zu tun haben: Simon Barr lebt mit ANCIENT HOSTILITY seine Liebe für Harmony Singing aus, und Matthew Broadley hat mit GREET eine gemütliche Mischung aus Harmonium-Drones und mittelalterlich anmutender Folklore parat. Diese hat eine ungemein beruhigende, aber irgendwie auch belebende Wirkung, und das Artwork ist einfach nur fantastisch, oder?

TREST: Energumen

Wiederum total finster besorgen es uns TREST, und das ist ja auch hin und wieder vonnöten. Ein ganz starkes, ungemein atmosphärisches Black-Metal-Werk (mit einem ebenso genialen Cover!), deren musikalische Versatzstücke man meint, irgendwoher zu kennen, so aber dann halt noch nie gehört hat.

RAGANA & DROWSE: Ash Souvenir

Das queere anarchistische Duo RAGANA hat sich mit einem Ambient-Künstler namens DROWSE zusammengetan für ein Konzeptalbum über Verlust und Erinnerung. Es kann Krach ebenso wie Doom und Americana und ist ein weiteres schönes Beispiel für fruchtbare Kollaborationen zwischen spannenden Projekten.

SUTRATMA: Adrift

Oh Mann, Funeral Doom kann auch so schön sein: Bei SUTRATMA handelt es sich um Veteranen des Genres, hier nun mit neuem Sänger, und der kann nicht nur exzellent grunzen, sondern auch ganz passabel singen. Dass die Gitarren etwas zu leise und die Keys etwas zu laut sind: geschenkt, wenn man erstmal in der traurigschönen Atmosphäre, die „Adrift“ vermittelt, versunken ist.

Es war nicht alles Album dieses Jahr

Wer meine bisherigen Jahresrückblicke kennt, weiß, dass ich mich eigentlich immer nur auf Alben konzentriert habe. Ich liebe das Format einfach und kann Lieder außerhalb von Alben überhaupt nur in Ausnahmefällen hören. Die EP als „kleines Album“ habe ich immer belächelt, dabei ist sie, wenn man eh schon wenig Zeit hat zum Musikhören, eigentlich die perfekte Wahl, hat man damit doch ein in sich abgeschlossenes Werk, das aber eben recht kurz ist. Wie kurz ist denn nun aber eine EP? Ich würde sagen, alles unter 30 Minuten ist eine solche – oder aber eine Veröffentlichung, die offiziell oder zumindest bei Metal Archives als solche gekennzeichnet ist.

2025 habe ich gar nicht bewusst mich dazu entschlossen, mehr EPs zu hören, sie kamen einfach. Und plötzlich muss ich nicht nur eine ausführliche Albenliste, sondern auch eine mit EPs schreiben, denn diesmal ist es sogar so, dass die EPs musikalisch den Alben mindestens das Wasser reichen können. Veröffentlichen Bands mittlerweile einfach häufiger EPs, weil sie genau wissen, dass sie so der Veröffentlichungsflut zumindest ansatzweise ein Schnippchen schlagen könnten? Vielleicht, aber das kann den Anstieg innerhalb nur eines Jahres hier nicht erklären. Ach, ich weiß es nicht, und es ist ja auch völlig egal, hier sind sie, meine 15 Highlights der kurzen Form 2025:

LUNAR AMULET: Lunar Amulet

Wobei sich dieses Werk eines Veteranen der USBM-Szene (Aaron Charles von FALLS OF RAUROS und RHUN), sein neuestes Projekt, anfühlt wie ein vollständiges Album, so abwechslungsreich und in sich geschlossen ist es. Drei Songs, die drei Facetten seines Schaffens zeigen, verbunden mit wunderschönen kleinen Instrumentalstücken – ein großartiges Konzept, das ich gern mindestens doppelt so lang erleben würde. Wie hier verträumt-bombastische, an SUMMONING erinnernde Melodien mit räudigem Punk und depressiver Raserei a la ULTHA und YELLOW EYES verbunden werden, habe ich so noch nicht gehört und möchte dafür das verpönte Wort „genial“ in den Ring werfen. Und dann dieses zauberhafte Artwork! Mehr davon!!

TRHÄ: lact’eben

Das Sommerloch, sofern es denn eines gegeben hat, habe ich dieses Jahr mit TRHÄ gestopft, und das kam so: Als es noch Frühling war, habe ich spontan am Dortmunder Hafen ein kleines Open-Air-Konzert zweier australischer Punk-Bands besucht und bin dort überraschenderweise mit einem Bekannten ins Gespräch gekommen, mit dem ich bisher noch nie ins Gespräch gekommen war. Und der hat mir TRHÄ empfohlen. Der Rest ist Geschichte, mühsame Geschichte, denn wie verschafft man sich bloß einen Überblick über ein Projekt, das binnen fünf Jahren zig Releases rausgehauen hat? Ich habe es irgendwie geschafft und ein paar tolle EPs und Alben gefunden, aber das Beste hat TRHÄ mit „lact’eben“ im Sommer dann praktischerweise frisch veröffentlicht. Was für ein großartiges, hoch emotionales Stück Musik! Auch dies könnte ein Album sein, lang genug ist es, aber es soll wohl eine EP sein, na ja, dann ist das eben so.

PRECENTOR: Eternal Life

Es gibt eine Epic-Doom-Variante, die sich durch eine besonders sakrale Atmosphäre auszeichnet und die ich wahnsinnig liebe, aber als aktuelle Vertreter derer habe ich bisher leider nur FVNERAL FVCK, THE TEMPLE und eben nun PRECENTOR gefunden. Letztere spielen das christliche Game so konsequent aus, dass man meinen könnte, sie meinen es ernst. Na ja, warum auch nicht? Die Musik jedenfalls ist ein einziger Ohrwurm, warm, sanft, tröstlich bis ins Mark. Ein Traum.

NIMBIFER: Vom Gipfel

Fand ich das 2024er-Album „Der böse Geist“ noch überbewertet, konnte mich die diesjährige EP „Vom Gipfel“ sofort komplett abholen. Die Produktion ist etwas weniger kratzig, aber immer noch ganz klar Raw Black Metal, und die Melodien sind reiner Zucker. Da bin ich sehr aufs zweite Album gespannt!

URISK: Oidhche II

Das zweite Demo der aufstrebenden Bonner Band ist etwas mehr klassisch auf Black Metal produziert als das Album und bietet einen höheren keltisch-schottischen Einfluss, was mir sehr zusagt. Die Progressive-Anteile sind trotzdem vorhanden, zum Glück, und die Songs sind weiterhin in erster Linie Songs, und zwar sehr gute.

TRHÄ: di nido jad – ◊untwan law¶ur dëhajt◊ejn – a∫ëtana lín bë

TRHÄ schon wieder!

DUESENJAEGER: Solaire

Zu DUESENJAEGER immer das Gleiche zu schreiben, ist irgendwie auch müßig, aber da sie sich seit 25 Jahren jeder wie auch immer gearteten Weiterentwicklung konsequent verweigern, schreibe ich einfach: Es ist immer wieder wie Nach-Hause-kommen. Bleibt festzuhalten, dass hier mit „Solar“ ihr vielleicht bester Song überhaupt drauf und „Kantholz“, hehe, echt ein schöner Titel ist:

KACKSCHLACHT: 2025

Boah, sieben Jahre haben diese Penner für gerade mal 20 Minuten Ranzpunk-Musik gebraucht. Es ist eine Frechheit. Auch, wie geil die Musik geworden ist. Richtig stabiler Klang, gute Texte, schönes Cover, ihr habt sie doch nicht mehr alle.

LISA O’NEILL: The Wind Doesn’t Blow This Far Right

Man kann darüber streiten, ob die tiefe Schwere, die LISA O’NEILL mit dieser EP transportiert, gerade noch klar geht und der Welt angemessen ist oder einfach üblen Kitsch darstellt. Das Lied über Obdachlosigkeit in Dublin kriegt die Kurve so gerade noch durch den eingebauten O-Ton, „The Bleak Midwinter“ ist wunderschön, mit „Mother Jones“ würdigt sie eine alte Heldin der Arbeiterbewegung – ja, LISA O’NEILL ist und bleibt eine der Größten der alternativen Folk-Szene.

FLUISTERAARS: De Kronieken Van Het Verdwenen Kasteel – III – Grunsfoort

Nachdem mich die ersten beiden Teile der Alte-Schlösser-Serie von FLUISTERAARS leider noch nicht hatten begeistern können, war der dritte Teil eine willkommene Überraschung: Hier spielen sie ihre Stärken wieder konsequent aus, das Urwüchsige, Rohe, ohne dabei Melodie und Atmosphäre zu vernachlässigen.

LIFE: …and still it flutters

Damian Anton Ojeda liebt und kann nicht nur Black Metal (TRHÄ) und Blackgaze (SADNESS), sondern auch guten alten Screamo bzw. „Skramz“, und diese Liebe hat er 2025 mit seinem Projekt LIFE wiederbelebt, indem er einfach mal mehr als zehn Demos und EPs und ein Album damit aufgenommen und veröffentlicht hat (ja, ich verstehe auch nicht, wie er das macht). Mir ist dabei überhaupt nicht klar, nach welchen Kriterien er Musik als „Demo“ klassifiziert, aber „…and still it flutters“ ist offenbar keins, und es ist die Veröffentlichung, die mir bislang am besten gefällt. Hab aber auch noch längst nicht alle gehört…

THE BLOOD MOUNTAIN BLACK METAL CHOIR: Folklore

Mit seinem Blackgaze-Projekt ISLEPTONTHEMOON hat dieser Mensch mich leider enttäuscht, aber sein BLOOD MOUNTAIN BLACK METAL CHOIR hat nicht nur einen brillianten Namen, sondern auch sehr starken – nun ja – Black Metal mit interessantem politischen Hintergrund zu bieten.

PANOPTICON: The Poppies Bloom For No King

Austin Lunn hat 2025 zwar zwei Alben veröffentlicht, beide haben mich jedoch enttäuscht (eines ist lahmer Americana, das andere unnötige Resteverwertung). Nicht so diese EP – der Titeltrack ist ein mitreißender Black-Metal-/Crust-Bastard mit starker politischer Botschaft zu Immigration in den USA inklusive emotionalem Spoken-Word-Sample eines Betroffenen, und die Erlöse gehen direkt an eine entsprechende Organisation.

DRUDENSTEIN: Der Bergristall im Tannenhain (Uraufführung 1925)

Okay, musikalisch geht im Black Metal eigentlich mehr, aber bitte schaut euch Cover, Album- und Songtitel an, dann wisst ihr, warum das Teil hier steht. Außerdem bietet es wundersamerweise die Gelegenheit, einen alten Helden der 90er-Black-Metal-Szene, Jorge von DRAUTRAN, mal wieder kreischen zu hören!

OLD NICK: Where Poison Apples Grow

Diese Zusammenstellung der Halloween-Singles von OLD NICK alias Abysmal Specter kam schon am 2. Januar 2025 raus, und ich hatte mich das ganze Jahr über darauf gefreut, sie an Halloween zu hören. Dann war plötzlich Weihnachten. Na ja, ist ja auch gruselig (und, ach ja: Das phänomenale „The Kloven Hoof Of Krampus“ gibt’s auch noch)! Jedenfalls musikalisch ist das hier nicht weniger als fantastisch: komisch, grotesk, catchy as hell und deutlich besser als die aktuelle CURTA’N-WALL-EP „Georgie And The Dragon“, die mich leider enttäuscht hat.

Es gibt aber ja auch noch andere Formate, z.B. das Split- und das Live-Album, und beide habe ich 2025 ausgiebiger gewürdigt als sonst. Irre (gut):

SADNESS/LUX: Dusk Garden

Oh, so viel Gefühl. So unglaublich viel Gefühl! Ist es nicht schön, etwas fühlen zu können? Wir sollten alle mehr fühlen, wenn wir mit dem Denken fertig sind, es kann nicht schaden. „Midnight Rain“ von SADNESS ist hier drauf, ein Epos, das nur aus Gefühl besteht, es ist fast zu schön, um wahr zu sein.

OCCULT BLOOD/CARRION BLOOM: Battle Cries Of Endless Night

Fucking Hell. Wer traditionellen, großartig und fett produzierten Black Metal mit Punk-Kante braucht, ist hier richtig. OCCULT BLOOD galoppieren auf dämonischen Rössern vorneweg, CARRION BLOOM reißen hymnisch und leidenschaftlich alles ab.

SADNESS/ABRICTION: That Lasts Forever

ABRICTION ist quasi SADNESS in weiblich und mit mehr Groove und die Songs hier drauf sind so stark und verträumt und schön, dass auch sie im Sommer ein paar Durchläufe spendiert bekommen haben bei mir.

GOBLIN BAND: A Loaf Of Wax (Live from MOTH Club)

GOBLIN BAND ist eine queere Trad-Folk-Band aus Süd-London, die schöne Kostüme und besetzte Häuser mag und das mit dem Folk auch noch richtig gut macht. Die Entscheidung, als erste große Veröffentlichung ein Live-Album zu wählen, wird damit begründet, dass die Band nur live richtig erfahren werden kann. Das mag sein, aber auch die Aufnahme ist großartig: Der Klang ist spitze und definitiv eines Studioalbums ebenbürtig, die Songs machen Spaß, besonders instrumental (u.a. hat man eine klassisch ausgebildete Violinistin dabei), und sie haben einen coolen politischen Biss, der in den Ansagen immer mal wieder aufblitzt.

MEWITHOUTYOU: Live Vol. II

Die großartigen MEWITHOUTYOU verabschieden sich posthum aktuell mit einer Reihe fantastischer Live-Alben (sie bitten übrigens darum, den Titel wie das Verb „to live“ auszusprechen), die ich als mittelalter Fan dieser einzigartigen Post-Hardcore-Band hier nicht unerwähnt lassen kann.

Viel besser als jedes Live-Album ist aber natürlich ein echtes Konzert. Was habe ich mich auf SUN WORSHIP beim Culthe-Fest in Münster gefreut, und dann sagen sie einen Tag vorher ab! Na ja, der Besuch hat sich trotzdem gelohnt (u.a. wegen ALKERDEEL und TAKH), und sie kommen 2026 ja dann hoffentlich wirklich. Alles in allem ist es jedenfalls großartig, ein Festival mit einem derart sympathischen Konzept (genreübergreifende Bands aus dem dunklen Spektrum, aber bitte antifaschistisch) direkt um die Ecke zu haben.

Ich hatte das große Glück, bei „Sommer am U“ in Dortmund mit CATTUS, TERYKY (die übrigens auch ein prima Album rausgebracht haben, das sich Post-Metal-Fans mal anhören sollten) und URISK drei super Bands aus NRW gratis live sehen zu dürfen – in einem für das Genre sehr ungewöhnlichen Setting allerdings, was aber der Faszination der Performances keinen Abbruch tat bzw. ihr sogar noch eine spannende Ebene hinzufügte.

Weiterhin habe ich mir, wegen musikalischer Großartigkeit, das Duo BIG SPECIAL in Köln angesehen. Mit 250 Leuten war das MTC zum Bersten gefüllt, erstaunlich viele Menschen älteren Semesters waren da, um sich die beiden proletarischen Post-Punk-Poeten aus Birmingham anzuschauen, und es war schon großartig zu sehen, wie gerührt die beiden von ihrem Erfolg waren und wie erleichtert, dass sie nicht mehr irgendwelche Scheißjobs am unteren Ende der Nahrungskette machen müssen, um über die Runden zu kommen. Ihr 2024er-Album (und die dazugehörigen Videos!!) empfehle ich uneingeschränkt, das 2025er habe ich eher als Schnellschuss empfunden, aber vielleicht liegt es einfach daran, dass es direkter und weniger poppig ist und mir das einfach nicht so gut gefällt.

Kurz darauf habe ich dann auch noch einen Abstecher zu AFSKY, MYRDAL und AMIMIA in Oberhausen gemacht. War spitze, auch wenn der Live-Sound von AFSKY (alles eher leise und sehr wenig Bass, um es mal vorsichtig auszudrücken) leider gewöhnungsbedürftig ist. Aber die Energie der Band kam sehr gut rüber, und MYRDAL und AMIMIA waren echte Entdeckungen.

Das Cover des Jahres – furchteinflößend bis ins Mark auf gleich mehreren Ebenen und ein Marketing-Schachzug so genial, dass ihn sich kein Social-Media-Team der Welt hätte ausdenken können. Musikalisch bietet das Debüt-Album von DRAUGVEIL indes nur Mittelmaß, und wenn wir dann noch über die spannenden Themen „KI“ und „Kommerz“ nachdenken, kommen wir ins Teufels Küche, wo… aber Moment mal, wer klopft denn da so penetrant an die Falltür?!

Das KELLERMÄNNLEIN ist’s! Es möchte dringend mitreden beim Thema „Cover des Jahres“! Verständlich. Nächstes Mal meldet es sich bitte etwas früher bei mir und hat noch einen Tacken bessere Songs dabei, dann taucht es vielleicht auch in den Top 25 auf.

Das war’s (fast). Wie viele Releases habe ich jetzt hier erwähnt? Fast 50 dürften es sein, das ist Rekord, dabei jammere ich ja jedem, der nicht bei drei auf dem Baum ist, davon vor, zu wenig Zeit zum Musikhören zu haben. Ist ja auch so, habe alle davon viel zu wenig gehört! Und was beim Hören neuer Releases dann halt auf jeden Fall auf der Strecke bleibt, ist das Hören alter Klassiker – Fluch des Alters und des großen Interesses, aber so ist das eben. (Ich bin nämlich der „So-ist-das-eben“-Mann, enger Vertrauter des „So-einfach-ist-das“-Manns aus der Titanic, die – apropos – dringend Abos braucht!!) Immerhin: Seit ich mit dem Shanling M5 Ultra einen beeindruckend guten mobilen Player und mit dem Meze Neo 99 fast einen High-End-Kopfhörer mein Eigen nenne, kann ich eben auch und gerade unterwegs richtig viel gute Musik richtig gut genießen (wobei der Meze eigentlich zum Spazierengehen nicht taugt, weil Bügel und Kabel zu dolle Geräusche machen beim Gehen, aber bei Metal hört man die natürlich eher weniger…).

Ach ja, Reviews schreiben ging auch irgendwie, und ich bin wie immer sehr dankbar, dass ich es hier (so frei) machen darf. Ein paar mehr als letztes Jahr waren es, schön, aber ich wünsche mir natürlich, dass es noch mehr werden. Problem: Ich will dabei kreativ und witzig und ausführlich sein, und manche Alben verweigern mir das einfach konsequent. Und dann gibt es eben noch Alltag, Arbeit und Familie und die eigene Band, die gibt es auch (neun Konzerte gespielt, davon zwei akustisch und eins endlich mal in der Oetinger Villa, dazu ein echt unglaublicher Jahresabschluss im legendären AZ Mülheim, hach, es ist schon toll!)…

2026 wirft seine Schatten nun voraus bzw. wir sind schon mittendrin, und wer diese Schatten ebenso beängstigend findet wie ich, der muss einen Vorboten eines 2026 erscheinenden Albums anschauen und anhören, und zwar mindestens einmal täglich. Es handelt sich um das Musikvideo zu dem Stück „Scales Will Fall“ des nordenglischen Künstlerkollektivs HEN OGGLED; noch nie habe ich ein derart lebensfrohes und gleichzeitig wehmütiges und wütendes Stück Musik und Film erlebt, und ja, ich liebe Superlative, aber der hier stimmt einfach. Gottes Segen und Rot Front, Genossinnen und Genossen, genießt es einfach:

Total breit gemacht auf dem Player hat sich „Metalation“ von den Hamburger Metal-Veteranen PARAGON. Ja ja, aber ja nein. Nicht mit Bonuspunkten, weil ich vor gut 35 Jahren selbst dabei war! Schlichtweg weil die Jungs ein so richtig starkes Album abgeliefert haben, obwohl sie eigentlich kurz vor dem Aus standen.

Aber auch die ganz alten Metal-Helden haben wieder großartig geliefert. Sowohl SAXON mit „Hell, Fire And Damnation“ als auch JUDAS PRIEST mit „Invincible Shield“ hingen hartnäckig im Player und im Autoradio, unüberhörbar für Nachbarn und Verkehrsteilnehmer. Ebenso viel Platz eingenommen hat Riff-Gott TONY IOMMI, Oldies but Goldies, die Re-Releases im BLACK SABBATH „Anno Domini“-Set und seiner Soloalben „Fused“ und „1996 Dep The Sessions“ mit Glenn Hughes drehten fleißig auf dem Plattenspieler.

Eigentlich hat IOMMI auch heute noch Schuld, dass dank des ersten BLACK SABBATH-Album ein Großteil jedes Jahres hier viel Doom läuft. 2024 haben sich wenig überraschend ein paar Freunde auf dem Player abgewechselt. Meine Göteborg-Schätzchen von DUN RINGILL haben mit dem ersten Teil vom Doppelalbum „150 Where The Old Gods Play“ nicht nur auf dem Player zum ausgelassenen Doomdancing eingeladen. Die Geschichte um Lucia geht im März mit „150 Where The Old Gods Play – Part 2“ fantastisch weiter!

Nicht ganz so euphorisch bleibt man zurück bei den langjährigen Weggefährten OFFICIUM TRISTE aus Rotterdoom. Ihr „Hortus Venenum“ ist nicht nur in der Glitzer-Edition wunderschön. Es enthält für mich die intensivste Musik des Jahres, steht damit ganz weit vorn, hinterlässt mit seinem für die Jungs typischen ergreifenden Doom-Death mit Gothic-Touch eine wunderschöne Traurigkeit. Für die ganz melancholischen Momente sorgte auch wieder 40 WATT SUN mit „Little Weight„. Mir fällt kein anderer Musiker ein, der mir mit seiner Musik und seinen Lyrics so nahe kommt wie Patrick. Kann ich nur allein hören.

SWALLOW THE SUN sind wohl jedes Jahr bei mir in Dauerrotation. So auch wieder mit „Shining“. Ich mag den Ruck Richtung eingängig und nicht so theatral, was manche negativ werten. Hätten sie den Weg der letzten Alben weitergeführt, dann hätten die gleichen Nörgelbacken gemault, STS würden auf der Stelle treten. Hier hat das Album für viele dunkle Abende gesorgt. Ebenso MY DYING BRIDE mit „A Mortal Binding“ mit einigen fantastischen Songs, die natürlich jeden Hauch aufkommender Freude musikalisch im Keim ersticken. So soll es auch sein, schauen wir mal, wohin die Reise geht bei den Engländern.

Sehr breit gemacht haben sich auch Τέλμα (TELMA) mit ihrem Album „Α​ν​θ​ρ​ω​π​ο​β​ό​ρ​ο​ς“. Fantastischer, herrlich zäher Epic-Doom mit griechischen Vocals, was natürlich einen ganz eigenen Touch gibt. Zu schade, dass sich bisher kein geeigneter Labeldeal finden lässt für die Jungs, weil sie so anders sind. Wenigstens die echte Doomgemeinde weiß sie zu schätzen. „Α​ν​θ​ρ​ω​π​ο​β​ό​ρ​ο​ς“ bekommt man über die Bandcamp-Seite von Τέλμα. Hoffen wir, dass die Griechen doch noch ein Label finden für einen echten Release! Auch PALLBEARER haben mich mit „Mind Burns Alive“ oft auch unter dem Kopfhörer besucht, THE GATES OF SLUMBER haben mit ihrem Reunion Album dafür gesorgt, dass ich beim Gym nicht zu schnell wurde.

2024 war auch eine Reise mit Ron Holzner, Karl Agell und Co. Die „Supergroup“ LEGIONS OF DOOM hat mit „Skull 3“ das Vermächtnis von beloved ERIC WAGNER zusammengefasst und angedeutet, wohin es mit der Band weiter gehen könnte. Ich freue mich auf mehr, nicht nur aus privater Sicht. Die beteiligten Helden und Kumpels haben schließlich auch meinen eigenen musikalischen Weg geprägt mit TROUBLE, THE SKULL, SAINT VITUS usw. In dieser Runde hat mich auch Karl beglückt mit LIE HEAVY. Ihr „Burn To The Moon“ macht total Spaß und drehte nicht weniger oft auf dem Player.

Dort waren auch wieder viel ALUNAH zu Gast mit ihrem Album „Fever Dream“. Ich mag die Jungs einfach und liebe die Vocals von Siân Greenaway. Entsprechend oft lief hier auch der coole Hippie-Rock ihrer neuen Band BOBBIE DAZZLE. Mal schauen, wohin der Weg von ALUNAH mit Daisy Savage geht. Nochmal Frauen-Power, auch die BLUES PILLS haben sich mit „Birthday“ oft breit gemacht. Fast überraschend oft, weil gar nicht so meine Ecke, haben sich VOLA mit „Friend Of A Phantom“ festgesetzt, sehr gern unter dem Kopfhörer.

Das Konzertjahr 2024 war bei mir sehr überschaubar. Natürlich war das Familientreffen mit DUN RINGILL im Hamburger Hafenklang Ende Februar ganz groß.

Highlight war aber ganz klar, nochmal meinen Alltime-Helden STATUS QUO so nah zu sein. Und das live im tollen, etwas anderem Ambiente des Sommerfestival der Autostadt Wolfsburg.

Was soll man zum letzten und dem bevorstehenden Jahr schon sagen in alle Richtungen, was nicht schon gesagt wurde. Es bleibt spannend und interessant, wirklich darauf freuen mag man sich nicht.

Ganz besonders war (und ist) das Pflegen, Päppeln und leben mit Igeln. Stinkt, raubt Zeit, aber die Stachelbären geben so viel zurück.

Oh ja, gelesen hab ich sogar auch mal wieder. Die „Metal Bibel“ von ROB HALFORD und „Eine Handvoll Glück“ für die Igel-Freunde.

Dass die eigene Band unerwartet nochmal einen Anschub kriegt mit dem endlich musikalisch und persönlich passenden Sänger war so auch nicht zu erwarten. Beim Doom dauert halt alles immer irgendwie etwas länger…

MEGA COLOSSUS: Show/Down

Das vierte Album der sympathischen Jungs aus North Carolina stand schon ziemlich früh als relativ sicherer Kandidat für die Pole Position fest. Die knapp dahinter rangierenden Plätze zwei und drei haben es nochmal spannend werden lassen, aber am Ende war “Show/Down” einfach DIE Konstante in meinem Player. Sogar meine Tochter freut sich jedes Mal, wenn das Album im Auto läuft, insbesondere “Warden Of The Wicked Road” und “Take To The Skies” haben es ihr angetan. Ersteres ist auch mein Song des Jahres. Etwas weniger auf die Fresse als der Vorgänger, dafür mit einer enormen Spannweite neben dem Borderline-Thrasher “Grab The Sun” und dem Schlüpferstürmer “Warden Of The Wicked Road”. Aber eigentlich sind alle sechs Songs fantastisch! Viel besser kann man melodischen Power Metal nicht spielen. Live auch völlig überragend, zudem einfach nur ein Haufen unglaublich sympathischer Menschen.

JUDAS PRIEST: Invincible Shield

Ich fand ja “Firepower” schon verdammt stark, aber was JUDAS PRIEST hier im vierundfünfzigsten Jahr ihres Bestehens noch raushauen toppt das 2018er Album noch mal und ist ein absolutes Heavy Metal-Manifest. Wenn man die Bonustracks mitzählt über eine Stunde Spielzeit, und trotzdem kommt keine Langeweile auf. So gut ich die letzten IRON MAIDEN-Alben auch finde, aber an diese Hitdichte kommen Steve Harris und Co schon ne Weile nicht mehr ran. Ganz, ganz viel Liebe für diese grandiose Album.

BLOOD INCANTATION: Absolute Elsewhere

Dass ein Bastard aus Death Metal, Krautrock und Synthie-Gedöns mal die Konsens Platte des Jahres werden könnte, hätte ich mir auch nicht träumen lassen. Mag auch etwas hochgestochen sein, aber es ist schon krass, in wie vielen Jahreslisten “Absolute Elsewhere” so auftaucht und das sehr häufig auf den vordersten Plätzen. Ich kann die Begeisterung für dieses Monument von einem Album uneingeschränkt teilen, wie ihr der Platzierung in meinem Poll entnehmen könnt. Was für ein Trip! Ich freue mich schon sehr auf das Konzert in Köln nächstes Jahr! Fast genauso ausschweifend ist übrigens die lesenswerte Rezension des Kollegen Mirko Wenig (Nachname steht diametral zum Umfang seiner Texte) zu “Absolute Elsewhere”.

IOTUNN: Kinship

“Acces All Worlds” – das Debütalbum von IOTUNN – hab ich 2021 irgendwie komplett verpennt. Was sicherlich nicht daran gelegen hätte, dass die Platte in meinem Umfeld nicht diverse glühende Anhänger gefunden hat, die das auch öffentlichkeitswirksam kund taten. Woran es gelegen hat, ist schwer zu sagen und eigentlich auch egal, wird nur peinlich. Als dann nach dem Release von “Kinship” wieder alle komplett aus der Hose gesprungen sind, war ich dieses Mal etwas reaktiver und hab mir das Zweitwerk der Dänen umgehend ins Haus geholt. Und was soll ich sagen? Das ist progressiver Power Metal mit Melo Death Versatzstücken in Perfektion. Und Jon Aldara, ey! Wie gut singt denn der bitte???

NAXEN: Descending Into A Deeper Darkness

Gleich nach “Show/Down” dürfte “Descending Into A Deeper Darkness”, das zweite Album der Münsteraner Black Metal-Band NAXEN, mein zweit meistgehörtes Album des Jahres sein. Vor allem bei diversen Runden um den nahe gelegenen See hat mich dieses Album immer wieder begleitet. Düstere Raserei, ab und an durchbrochen von epischen, aber auch mal melancholischen Passagen. So nehmen NAXEN den Hörer mit auf einen gut vierzigminütigen Abstieg in die Finsternis, bei dem die Songs nahtlos ineinander übergehen. “Descending Into A Deeper Darkness” funktioniert als großes, atmosphärisches Gesamtwerk.

MIDNIGHT FORCE: Severan

In den Vorgänger “Gododdin” habe ich irgendwann mal kurz rein gehört, damals hat die Platte aber keinen bleibenden Eindruck hinterlassen. Ein weiteres ungelöstes Mysterium in diesem Poll nach der causa IOTUNN. Ganz anders “Severan”. MIDNIGHT FORCE spielen epischen Heavy Metal der raueren Sorte. Die Produktion ist wunderbar rau, erinnert ein wenig an MANILLA ROAD, was ja nicht die schlechteste Referenz ist. Sänger John Gunn wirft auch deutlich mehr Leidenschaft als klassisches Gesangstalent in die Waagschale, das passt aber bestens. Schließlich sind MIDNIGHT FORCE Schotten und Deutsche, da wird eher mit dem Breitschwert als mit dem feinen Florett gefochten. Heraus kommen dabei super eingängige, mitreißende Hymnen wie “Megas Alexandros”, „The Fires of Nanyue“ oder der ultimative Fistraiser „The Last Raider King“.

AIWAZ: Darrkh… it is!

Je öfter ich dieses Album höre, desto mehr denke ich, dass es weiter oben in dieser Liste stehen müsste. Wie aus dem Nichts kam “Darrkh… it is!”, das Debüt des dynamischen Doom Duos AIWAZ. Arkadius Kurek hat ja schon bei den deutschen WHEEL unter Beweis gestellt, was für ein Goldkehlchen er ist, hier setzt er aber nochmal einen drauf. Was für ein wunderschönes Stück melodischer Doom Metal. Für Genre-Fans völlig unverzichtbar!

YOTH IRIA: Blazing Inferno

Die griechischen Black Metaller YOTH IRIA konnten sich 2021 bereits mit ihrem Debütalbum “As The Flame Withers” einen Platz in meinem Jahrespoll sichern. Auf das Zweitwerk war ich entsprechend gespannt und wurde nicht enttäuscht. Ihren melodischen Black Metal haben Jim Mutilator und seine neue Mannschaft um griechische Folk-Instrumente erweitert, selbst ein Saxophon ist mal zu vernehmen. Dazu kommen die starken Gitarrenmelodien von Nick Perlepe. Das alles sind die Sahnehäubchen auf den acht wunderbaren Kompositionen von Bandkopf Jim Mutilator, die “Blazing Inferno” zu einem spannenden, abwechslungsreichen, aber am Ende auch homogenen Gesamtwerk machen.

SAVAGE OATH: Divine Battle

An dieses Album ran zu kommen war und ist gar nicht mal so einfach. Relativ kleine Auflagen in Verbindung mit einer gewissen Begeisterung sorgten dafür, dass ich eine ganze Weile warten musste, bis ich “Divine Battle” auf CD in die Finger bekommen habe. Und das auch nur, weil ein User im Deaf Forever Forum sich von seiner CD getrennt hat. Es ist schon irritierend, wenn man in Zeiten völliger Verfügbarkeit plötzlich mal nicht direkt bekommt, was man will. Umso glücklicher war ich dann, als dieses Highlight in Sachen epischer US Power Metal dann endlich in meine Sammlung wanderte.

Sänger Brendan Radigan kennt man von SUMERLANDS, während Gitarrist Leeland Campana sonst bei VISIGOTH in die Saiten greift. Die ungefähre Zielgruppe hätten wir damit dann auch schon definiert. Es ist vor allem Brendan Radigan, der auf “Divine Battle” eine überragende Leistung darbietet und große Hymnen wie “Knight Of The Night”, “On Wings Of Vengeance” oder “Madness Of The Crowds” veredelt. Ganz starkes Debüt mit einem großartigen Cover Artwork.

VULTURE: Sentinels

Das VULTURE erneut auf hohem Niveau abliefern würden war natürlich zu erwarten. Und genau das haben Sie getan. Meine Rezension zu “Sentinels” ist ja noch recht frisch, daher verweise ich einfach mal auf diesen Text, anstatt mich hier zu wiederholen.

Auch bockstark:
ANTICHRIST SIEGE MACHINE: Vengeance Of Eternal Fire
COLTAINE: Forgotten Ways
CRYPT SERMON: The Stygian Rose
DJEVEL: Natt Til Ende
DÖDSRIT: Nocturnal Will
FLOTSAM AND JETSAM: I Am The Weapon
MAYHEMIC: Toba
NECROWRETCH: Swords Of Dajjal
NIMBIFER: Der Böse Geist
NOCTURNUS A.D.: Unicursal
NOOR: Mothers Guilty Pleasure
RAGE: Afterlifelines
SATAN: Songs In Crimson
SERVANTS TO THE TIDE: Where Time Will Come To Die
SKYEYE: New Horizons
TRAVELER: Prequel To Madness
ULCERATE: Cutting The Throat Of God
WRITHEN HILT: Ancient Sword Cult

Zu wenig gehört, ansonsten vermutlich auch weit vorne:
ATTIC: Return Of The Witchfinder
BLACK CURSE: Burning In Celestial Poison
IN AEVUM AGERE: Darkness, Then Light
OCEANS OF SLUMBER: Where Gods Fear To Speak
WITHERFALL: Sounds Of The Forgotten

Alter Wein in neuen Schläuchen – tolle Re-Releases aus 2024:
CLOVEN HOOF: A Sultans Ransom
MALEDICTION: Condamnes
SLINGBLADE: The Unpredicted Deeds Of Molly Black
KATHARSIS: VVorldVVithoutEnd

Festivals:

ROCK HARD FESTIVAL

Das jährliche Familientreffen war wie immer eines der Highlights des gesamten Jahres. Vier Tage Ausnahmezustand, Freunde und Bekannte treffen, feiern und Konzerte genießen, darunter die großen Highlights THRONEHAMMER, BRUTUS, FORBIDDEN und D.A.D..

Gott sei Dank ist das Fortbestehen des Festivals an gleicher Stelle nun endlich gesichert, nächstes Jahr erwartet uns jetzt schon eines der stärksten Line Ups aller Zeiten.

DER DETZE ROCKT

Mein erstes Mal auf diesem tollen, familiären Festival. Super faire Preise für Essen, Getränke und Merch, kurze Wege und ein tolles Biling mit SINTAGE, RIOT CITY, ASPHYX und HELLHAMMER als Highlights. Besonders zu den Klängen von HELLHAMMER in meinen Geburtstag rein zu feiern war schon ne feine Sache.

2025 passt der Termin bei mir leider nicht, 2024 wird aber sicherlich nicht mein letztes Mal auf dem Detze gewesen sein.

Konzerte:

RIOT CITY, CENTURY und HIGH WARDEN am 18.04.2024 im Helvete, Oberhausen

Wenn mit RIOT CITY eine der besten Bands der NWOTHM in der Nähe spielt, dann muss ich da natürlich dabei sein. Live lassen die Kanadier mal so gar nichts anbrennen, sondern geben von Anfang bis Ende Vollgas. Vor allem Frontmann Jordan Jacobs ist live einfach nur der Wahnsinn, völlig entfesselt. Dass der Sound gerade am Anfang etwas suboptimal war, das trübte den Gesamteindruck kaum. CENTURY waren davor ebenfalls gut, allerdings schon ne ganze Klasse schwächer und HIGH WARDEN haben solide aufgewärmt.

MEGA COLOSSUS und SPEED QUEEN am 01.08.2024 in Köln

Nachdem MEGA COLOSSUS letztes Jahr auf der Tour mit NIGHT DEMON gerade mal zwanzig Minuten ran durften war die Freude groß, als die Band eine Headliner-Tour mit Zwischenstop in Köln ankündigte. SPEED QUEEN waren ebenfalls wieder dabei, diesmal allerdings vor MEGA COLOSSUS. Zusammen verwandelten die beiden Bands das sehr kleine, sehr volle Stereo Wonderland in eine Sauna.

Bei MEGA COLOSSUS stand ich den ganzen Auftritt lang ganz vorne, quasi auf Tuchfühlung mit der Band (Bühnenhöhe gefühlt 20cm, keine Absperrung). Und als die Band dann auf meinen freundlichen Zuruf (“Wicked Road” or i´ll eat your face) auch noch einen Lieblingssong vom neuen Album “Show/Down” spielte war der Abend perfekt. Danach haben wir uns noch eine ganze Weile vor dem Club mit den Jungs unterhalten. Was für eine tolle, sympathische Band. Bitte ganz bald wieder kommen!

SEPULTURA, JINJER, OBITUARY und JESUS PIECE am 02.11.2024 im Palladium, Köln

SEPULTURA hauen in den Sack… Eine Legende tritt ab. Und das mit Würde und einem letzten Triumphzug! JESUS PIECE haben als Opener wenig Eindruck bei mir hinterlassen, zu gleichförmig klang der Metalcore der Band. OBITUARY haben danach einfach nur alles platz gewalzt und waren für viele sicher mindestens auf Augenhöhe mit dem Headliner. JINJER passten musikalisch nicht ganz zum Rest, legten aber ebenfalls einen ganz großen Auftritt hin, der die Band endgültig auf mein Radar gebracht hat.

Und dann kamen SEPULTURA. Los ging es mit “Refuse/Resist” durch vierzig Jahre Bandgeschichte. Die Setlist war ausgewogen, nicht zu sehr auf die alten Sachen fokussiert und die Band war bestens aufgelegt. Dazu eine tolle Lichtshow und ein Publikum, das vor allem bei den Klassikern alles gegeben hat. Da konnte man beim Verlassen der Halle schon etwas wehmütig werden. Obrigado SEPULTURA für vierzig Jahre Metal!

PRIPJAT, ERADICATOR und FABULOUS DESASTER am 15.1.2024 im MTC, Köln

Zwei Wochen nach SEPULTURA gaben sich im MTC zwei der besten aktuellen Thrash Metal Bands aus Deutschland die Ehre – die Lokalmatadore PRIPJAT sowie meine Lieblinge ERADICATOR, für deren aktuelles Album ich immer noch eine Rezension zu schreiben habe, was mir dieses Mal irgendwie nicht leicht fällt.

Aber zurück zu diesem Abend im November. Nachdem FABULOUS DESASTER den Abend schon ganz hervorragend eröffneten, kam ich pünktlich zum zwanzigjährigen Bandjubiläum endlich dazu, ERADICATOR mal live zu sehen. Und ich wurde nicht enttäuscht, Lennestadts finest legten einen perfekten Auftritt hin, der nur noch von der schieren Urgewalt von PRIPJAT übertroffen wurde, die den Heimvorteil nutzen und mit dem MTC erneut den Boden aufwischten.

Danach ging es noch auf diverse Bier zur Afterparty in die Furchtbar und der Abend endete deutlich später als ursprünglich geplant.

Die USA wählen lieber einen ungebildeten, egoistischen Lügner und Faschisten zum Präsidenten als eine Frau. Schon wieder.

In Deutschland verliert sich eine mit viel Hoffnung  und großen Erwartungen gestartete Regierung in Krisen und internen Streitereien. Jetzt mit der Union zurück in die Vergangenheit?

Artworks / Cover:

BLOOD INCANTATION: Absolutely Elsewhere

SAVAGE OATH: Divine Battle

YOTH IRIA: Blazing Inferno

Artwork-Niete:
Große Acts, die sich mit Hilfe von KI-Tools den Künstler für das Artwork sparen wollen. Wenn eure Musik irgendwann durch KI generierte Mucke ersetzt wird, findet ihr das bestimmt nicht mehr so geil. Wenn ein Patrick Mameli von PESTILENCE das dann allen Ernstes mit “kleineren Budgets” rechtfertigen will, kann ich nur müde lächeln. Wie schaffen das denn dann Bands mit deutlich kleinerem Status?? Wohl doch eine Frage der Prioritäten, hm?

Newcomer:

AIWAZ
COLTAINE
DEADLY MAGIC
MAULER
NOOR
SAVAGE OATH
WRITHEN HILT

Multimediales:

Der mit Abstand größte Zeitfresser dieses Jahres war tatsächlich ein Videospiel. Nachdem ich mir Ende 2023 ein Steam Deck gekauft habe, hatte ich endlich einen Rechner, auf dem ich CYBERPUNK 2077 spielen konnte. Zwar habe ich das Pen&Paper Rollenspiel, auf dem Cyberpunk 2077 basiert, nie gespielt – ich bin mit dem anderen “großen” Cyberpunk-Rollenspiel “Shadowrun” sozialisiert worden – so bin ich aber ein großer Genre-Fan und somit war klar, dass diese Spiel genau mein Ding sein dürfte. Wie sehr, das hat mich dann aber doch überrascht.

Bis heute spiele ich regelmäßig, bin jetzt bei meinem vierten Durchlauf, über 500 Stunden auf der Uhr und kann inzwischen zweifelsfrei sagen, dass CYBERPUNK 2077 das beste ist, was ich in meiner langjährigen Zeit als Gamer je gespielt habe. Ja, besser als Meilensteine meiner Gamer-Sozialisierung wie “Zelda III”, “Final Fantasy 7”, “Resident Evil” oder “GTA Vice City”. Eine spannende, toll geschriebene Handlung, liebenswerte, vielschichtige Charaktere, eine unglaubliche Liebe zum Detail und ein völlig überragender Soundtrack zeichnen dieses Spiel aus.

Persönliches:

Persönlich war 2024 ein gutes Jahr, in dem mir wieder mal bewusst wurde, wie glücklich man sich schätzen kann, gute Freunde zu haben, auf die man sich verlassen kann. So war dann auch einer der schönsten Tage des Jahres jener, den ich mit meinen engsten Freunden im Garten einer Freundin bei Grillgut, Getränken, guten Gesprächen und einem wunderschönen Sonnenuntergang verbrachte. Es sind die kleinen Dinge, die einem zeigen, wie gut das Leben sein kann. Auch der Campingurlaub mit meinen beiden Kids und guten Freunden war wunderbar entspannend. Mitte des Jahres habe ich dann beschlossen, meine Ernährung umzustellen und mehr Sport zu machen. Und siehe da, bis Ende des Jahres waren 25 kg runter und ich fühle mich so fit und allgemein gut wie lange nicht mehr.

Mein Sohn Robin ist dieses Jahr von der Grundschule aufs Gymnasium gewechselt und meine Tochter Greta wurde eingeschult. Neue Lebensabschnitte, neue Herausforderungen – nicht nur für die Kinder, auch für uns Eltern.

Was leider dieses Jahr viel zu kurz gekommen ist, das ist meine Mitarbeit bei vampster. Nach den ersten paar Monaten war irgendwie komplett die Luft raus, und auch jetzt tue ich mich schwer damit, Zeit und Motivation zu finden. Schauen wir mal, ob ich in meinem zwanzigsten Dienstjahr wieder in die Spur finde. Ich bin immer noch froh und stolz, Teil dieses tollen Teams zu sein!

Kommen wir zum unerfreulichen Teil dieses Jahres und somit auch dieses Polls. So gut das vergangene Jahr für mich persönlich war, so sehr hatte ich das Gefühl, dass in Deutschland und der Welt gerade alles zum Teufel geht. Irgendwie könnte man so langsam meinen, die Menschheit hat so ganz generell einfach fertig.

Nach den Enthüllungen des Treffens in Potsdam, auf dem diverse Faschos, insbesondere der AFD sich ihren Fantasien von “Remigration” (Brudi, es gibt für so ne Scheisse schon ein Wort, es heißt “Deportation”) schien ein Ruck durchs Land zu gehen. Demos mit zehntausenden Menschen malten ein Bild, in dem Deutschland anscheinend doch keinen Bock auf Faschos hat. Tja, inzwischen steht die AFD bei 20% und die Union ist an ihrem rechten Rand, der momentan omnipräsent ist, kaum noch von ersterer zu unterscheiden.

Inzwischen ist Donald Trump wieder Präsident der USA. Wie von vielen gewarnt wurde, wird seine zweite Amtszeit wohl deutlich schlimmer und zerstörerischer sein als seine erste. Und das werden auch wir zu spüren bekommen. Klimapolitik, internationale Krisen – all das wird mit diesem Irren im weißen Haus nicht einfacher.

Auch hier bei uns schaue ich mit Grauen auf die kommende Wahl. Wieder mal wird Wahlkampf auf Kosten der Schwachen gemacht, werden notwendige Dinge wie Klimaschutz und Energiewende plötzlich zur Disposition gestellt.

Das ist alles zum Kotzen und echt schwer zu ertragen, auch mit dem Gedanken an meine Kinder und die Welt, in der sie leben werden. Aber dann kommt Eugen, der Gitarrist von PRIPJAT und postet auf Facebook Worte, die besser ausdrücken, wie man mit dieser Scheisse umgehen sollte, als ich es je könnte. Ich zitiere mit Genehmigung von Eugen:

“Man kann Trump, Musk & Co nicht entzaubern. Man kann sie nicht verhindern. Und man kann sie durch das Echokammern der Daueraufregung auf Social Media auch nicht aufhalten.

Geht zu Demos. Organisiert Demos. Kratzt Nazi-Sticker ab. Macht jemandem ein Kompliment. Adoptier ein Tier. Tanzt miteinander. Geht zusammen spazieren. Tretet einer Partei bei. Geht zu einem Ort der kulturellen Begegnung. Sprecht mit einem Obdachlosen. Tragt jemandes Koffer. Trinkt ein Tee. Kocht füreinander. Schreibt ein Lied. Lest ein Gedicht. Spielt ein Brettspiel. Unterstützt lokale Kultur. Geht in ein Altersheim. Engagiert euch für Flüchtlinge. Engagiert euch für Frauenrechte. Engagiert euch für Menschenrechte.

Zeigt Zivilcourage. Öffnet euren Mund. Schaut nicht weg.

Der wichtigste Begriff zur Zeit ist Selbstwirksamkeit. Social Media gaukelt sie uns ständig vor, doch ist das illusorisch. Wahre Selbstwirksamkeit erreicht man in all den kleinen und großen Dingen, die man täglich vor der eigenen Tür tun kann uns muss. Denn je enger man lokal zusammen steht, desto schwieriger kann sich Fremdenhass bei uns festsetzen.”

NECROPHOBIC – “In the Twilight Grey”

IN APHELION – “Reaperdawn”

DARKTHRONE – “It beckons us all…”

PETRALE – “The World Down Under”

IHSAHN – “Ihsahn”

ARS VENEFICIUM – “The Lurking Shadow of Death”

BLOOD INCANTATION – “Absolute Elsewhere”

FIRTAN – “Ethos”

LABYRINTHUS STELLARUM – “Vortex of the Worlds”

ULVER – “Liminal Animals”

LIMBONIC ART “Opus Daemoniacal”

KHOLD – “Du dømmes til Død”

TRELLDOM: „By the shadows“

..und wenn es etwas mehr Mainstream sein darf: JUDAS PRIEST “Invincible Shield”

Seiten statt Saiten – Topveröffentlichung ist natürlich ULRIKE SEROWYs “Highway to Hel”. Der Titel ist ein Albtraum für die Googlesuche, das Wort “Bummelstudent” hat mich wochenlang verfolgt, weil es mich nervte – aber “Highway to Hel” ist ein durch und durch spannendes Werk, mitreissend, tragischkomisch, schrullig und eigenwillig. Ich konnte es kaum aus der Hand legen, konnte das Ende nicht erraten (eine Seltenheit) und hatte danach ein seriöses Bookhangover. Deutsche Literatur 2024 – eindeutig quietschfidel am Leben. 

Alles mit KI. Ich will keine KI im Metal, denn Metal muss ehrlich sein. Schon Trigger sind ja ein leidiges Thema. Auch punkto Artwork: Just say No to KI (genau diese Sätze werden dafür sorgen, dass mein Poll wahnsinnig schlecht altert, *hüstel*). 

EMPEROR am MEH SUFF-Festival. Unerreicht. Magisch. 

EMPEROR am MEH SUFF-Festival. Unerreicht. Magisch. Obwohl ich von ihnen noch nie enttäuscht worden bin seit 1998, so hatte ich doch Angst, dass es nur eine dieser lieblosen Reunion-Shows werden würde. Aber EMPEROR lösten diese Bedenken im Nu ins Nichts aus.

Ich warte auf das Full Length-Album von VORAX. “Jurassic Dawn” ist zwei Jahre her, es ist an der Zeit. Zumal VORAX als einzige die Dinothematik schlau umsetzen und ich Kinder-Marketing-Auswüchse wie HEAVYSAURUS ganz ganz schlimm finde. 

Weitere Enttäuschung, wenn auch verständlich: der Ausstieg von Nicko McBrain bei MAIDEN. Wir werden alle nicht jünger, aber wenn so eine wichtige Band dann wohl doch “wegbricht”, aus dem eigenen Leben, dann fehlt etwas. IRON MAIDEN sind noch mehr “Kindheit” als SLAYER und selbst junge gute Bands können es nicht wettmachen, wenn Bands wegfallen, die einen in den eigenen jungen Jahren geprägt haben.

Was indes gar nicht geht, sind die Ticketscalpers, die der Drummerwechsel bei IRON MAIDEN erst recht auf den Plan gerufen hat. Einfach widerlich, wenn da Tickets gehamstert werden, nur um nachher 300 Euro pro Stück zu verlangen. Da vergeht es mir als Fan dann einfach. 

Nach EMPEROR sind jetzt ja THE KOVENANT wieder mit dem alten COVENANT-Logo unterwegs auf Reunion-Tour, also warte ich auf folgende exklusive Live-Darbietungen: ULVER spielen “Bergtatt” und “Nattens Madrigal”, DARKTHRONE geben uns endlich “A Blaze in the Northern Sky” auf einer Bühne (von mir aus im Wald inklusive brummendem Generator) und EDGE OF SANITY kommen für “Crimson” zurück (es wäre jetzt gierig, auch noch nach PAN-THY-MONIUM zu verlangen).

Einspruch, liebe Vampster-Kollegen,

und zwar entschiedener Einspruch, denn mit Eurem Text unter der Überschrift „Quo vadis, Prophecy Productions?“ habt Ihr Euch ziemlich heftig verhoben! Ihr wollt nicht, so wie das Eurer Wahrnehmung nach anscheinend andere (Medien?) machen, „einfach ignorieren und totschweigen“, sondern Ihr habt Euch dazu entschieden, „kritisch zu hinterfragen (…) und eine Diskussion anstoßen“. Nun denn, Ihr seid nicht die ersten Metal-Schreiber bzw. -Journalisten, die aufgrund der Einladung zum Prophecy Fest sowie des Signings von Solstice Vermutungen anstellen über die vermeintliche politische Agenda des Labels, und daher lese ich Euren Kommentar bzw. Eure beiden Kommentare mit Irritation: Erstens frage ich mich, was da an bisheriger Diskussion an Euch bereits vorbeigegangen ist, und zweitens frage ich mich, mit welcher Verhältnismäßigkeit Ihr Eure Beobachtungen ins Gewicht setzt – zum Beispiel zur Geschichte von Prophecy Productions, zur Vielzahl an Bands und Künstlern, die Prophecy Productions auf verschiedene Weise prägten und prägen, zur… hoppla, welchen Bezugsrahmen setzt Ihr…?

„In diesem aufgeheizten Klima in Deutschland 2024, 79 Jahre nach dem Ende des zweiten Weltkrieges, 35 Jahre nach der Wiedervereinigung, 30 Jahre nach brennenden Asylheimen, zehn Jahre nach der Gründung von Pegida, sind rechte Positionen salonfähiger denn je. Patriarchale Strukturen wanken mehr als in den 10.000 Jahren zuvor, konservative Menschen – Männer wie Frauen, eben alle, vom Patriarchat geprägten Individuen – fürchten um die Ordnung, in der sie ihr Leben zugebracht haben und flüchten sich in immer extremere rechte Positionen.“

Meinst Du das ernst, Christoph? Du beginnst Deinen Kommentar zum Umgang von Prophecy Productions mit ausgerechnet dieser Auflistung? Was soll dadurch zum Ausdruck gebracht, was soll nahegelegt werden? Dass Prophecy Productions vermeintlich „rechte Positionen“ fördert, die Menschen schlimmstenfalls dazu motivieren, Asylheime in Brand zu setzen? Verzeihung, das wäre infam.

In der Einleitung Eures Artikels ist von Aussagen die Rede, die „dem rechtsradikalen Spektrum zugeordnet werden können“, in Deiner eigenen Einleitung schreibst Du von „rechten Positionen“ und „immer extremere(n) rechte(n) Positionen“, im weiteren Artikel u.a. von reaktionärem Konservatismus – leider, ohne das alles näher zu definieren. Durch diesen schwammigen Gebrauch werden die Begrifflichkeiten einmal mehr verwässert. Es ist ein gehöriger Unterschied, ob ein Mensch konservative/rechte (also im demokratischen Rahmen auf Bewahrung zielende), rechtsradikale (auf einem geschlossen rechten Weltbild gründende) oder rechtsextreme (mit Gewalt durchzusetzende, ein totalitäres System anstrebende) Ideen vertritt. Der deutsche Widerstand gegen Hitler und die Nazis war vielgestaltig, und neben sozialdemokratischen, kommunistischen, jugendlich-anarchistischen u.a. Widerständlern gab es auch Widerstand aus dem rechts-konservativen Spektrum. Im Angesicht des Horrors des Nationalsozialismus haben Menschen im Widerstand übrigens die Gräben zwischen links und rechts trotz vorheriger gegenseitiger Ablehnung überwunden (u.a. nachzulesen in dem in diesem Jahr erschienenen, sehr empfehlenswerten Buch „Wir Kinder des 20. Juli“).

Du schreibst: „Generell ist diese strikte Links-Rechts-Denke schon auch ein sehr deutsches Ding, und leider muss es im Angesicht unserer Geschichte auch so sein.“ Ist das so, und muss das wirklich so sein? Ich denke, dass wir sowohl konservative (rechte) als auch progressive (linke) Ideen wertschätzen sollten, und dass die totale Fixierung auf eine Seite und die totale Verdammung der anderen Seite ins Unheil führt. Warum sollten Menschen, die sich eher links oder eher rechts verorten, nicht auch Ideen aus der anderen Richtung wertschätzen können? Beim Umweltschutz finde ich es zum Beispiel sehr naheliegend, dass es um eine Bewahrung einer möglichst großen Vielfalt von Arten gehen sollte, und dass dieses Ziel angesichts aktueller Herausforderungen auch neue, progressive Ansätze erfordert. Bestenfalls fließen rechte und linke Ideen zusammen, und das mag nicht nur beim Umweltschutz gelten.

Du schließt Deinen Kommentar mit folgender Wahrnehmung: „Derzeit fühlt es sich jedoch leider so an, als wollten sie (Prophecy) ihr altes Publikum trotz neuer Ideologie nicht verlieren und als hätten viele Medien Angst in die Konfrontation zu gehen.“ Von welcher neuen Ideologie schreibst Du? Und wie passt diese Ideologie zu einem Label mit einem vergleichsweise bunten Roster, in welchem – wir kommen zurück zu Deiner Einleitung, Stichwort „Patriarchat“ – doch einige Bands mit Musikerinnen und Persönlichkeiten zu finden sind, die sicher nicht durch Patriarchat-konformes Duckmäusertum auffallen wie z.B. Bethlehem, Dool oder Perchta, deren aktuelles Album eine starke Weiblichkeit in verschiedenen Aspekten feiert und zu enttabuisieren sucht…? Ich zitiere Euren Kollegen Florian Schaffer, der über das Perchta-Album „D’Muata“ in seiner Rezension auf Vampster.com schrieb: „Ihren in der Tiroler Tradition beheimateten Wurzeln bleibt die Formation auf ihrem Zweitwerk dabei treu: In Mundart erzählt Sängerin Frau Percht von Geburt und Mutterdasein, dem Berufsstand der Hebamme, und der femininen Sexualität; verschweigt nicht die damit verbundenen Herausforderungen und gesellschaftlichen Vorbehalte. Dass Perchta auf diese Weise gezielt mit Tabus brechen, während sie sich traditionelles Instrumentarium à la Hackbrett oder Maultrommel („Hebamm“) zunutze machen, hat fast schon Symbolcharakter. Als würde das Gespann der manchmal noch arg konservativen Denkweise auf dem Land den Spiegel vorhalten: weil eben das, was „D’Muata“ ausspricht, schon immer Teil der Lebenswirklichkeit war.“ – Würde Prophecy eine patriarchale Ideologie verfolgen, dann würde das Label wohl kaum eine solche Künstlerin unterstützen, oder? Ganz nebenbei hat Euer Kollege wunderbar herausgestellt, dass bei Perchta Konservatives und Progressives zusammengehen – ich würde behaupten, das gilt für nicht wenige Bands auf Prophecy: Eine starke Verwurzelung in v.a. musikalischen, hier und dort auch lokalen Traditionen, Geschichte oder Mythologie, und eine persönliche Interpretation derselben, die sich nicht sonderlich um Mainstream-Kategorien schert, und oft mit Bewunderung für „die Natur“ einhergeht – jedoch nichts irgendwie Rechtsextremes an sich hat.

Und damit wären wir beim nächsten Thema und Andreas‘ Text, in dem mir eine Passage beim Lesen nahezu Schmerzen bereitete: „Verklärung von kollektivem Abschlachten, Führer- und Heldenkult, ‚die Natur‘ als Leitbild, generell Eskapismus und Naturverklärung, das ist doch, seien wir ehrlich, alles hoch problematisch, und der Schritt zum Faschismus ist kein großer mehr.“

Lieber Andreas – was schreibst Du da bitteschön unter der Überschrift „Quo vadis, Prophecy Productions“…? Welche der Prophecy-Bands verklären denn – wie manche Epic-Metal-Bands? – ein kollektives Abschlachten, welche Prophecy-Bands fördern einen Führer- und Heldenkult? Dass Du direkt an diese beiden Vorwürfe anschließt mit der Behauptung, dass es – auch – von „der Natur, generell Eskapismus und Naturverklärung kein großer Schritt mehr zum Faschismus sei“ – lieber Himmel, hast Du Deinen eigenen Kommentar nicht noch einmal gelesen, bevor Du ihn veröffentlicht hast? Eine Naturverklärung im weiteren Sinne war die Geburtsstunde von Prophecy Productions mit der Veröffentlichung von Empyriums „A Wintersunset…“ in 1996. Seitdem sind ich weiß nicht wie viele Alben auf Prophecy erschienen, auf denen „die Natur“ auf die eine oder andere Weise „verklärt“ wird – doch mit welchem Ziel? Natur als Rohstofflager für Brennmaterial und Kriegswesen…? Oder doch vielleicht als bewahrenswerter Rückzugsort? Die Antwort hast Du in Deiner Einleitung selbst gegeben: „Dieses Märchenhafte, der Welt Entrückte, Naturromantische, das habe ich damals gebraucht und brauche es angesichts einer Welt, in der es so viel Schrecken gibt, bis heute.“ – Willkommen im Club, Andreas, und – das meine ich ironiefrei – weiterhin willkommen auf dem Prophecy Fest, auf dem in diesem Jahr einige Besucherinnen und Besucher den Mut fassten, meinen Freund Dan Capp selbst zu Vorwürfen und Gerüchten zu fragen, und er sich im persönlichen Gespräch die Zeit nahm, ihnen seine Sicht der Dinge zu erklären. Das führte dazu, dass manche überrascht waren, wie gut sich mit Dan reden und diskutieren lässt. Ich kam z.B. zu einem Gespräch mit einem gebürtigen Kolumbianer hinzu, der im Anschluss daran definitiv keine Sorge mehr hatte, auf dem Festival im Allgemeinen oder von Dan im Besonderen diskriminiert zu werden.

Das Festival – meinst Du das ernst, wenn Du als Kritikpunkt daran die auf dem Zeltplatz abgespielte Musik einer Band nennst, die niemals auch nur ansatzweise in Frage käme, auf dem Prophecy Fest aufzutreten? Du schreibst: „Die Geister, die man rief, sie sind dann halt auch gekommen.“ – Wer sagt Dir, dass es nicht die Geister sind, die von Menschen „gerufen“ wurden, die mit ihrer zum Totalitären neigenden Kritik so wie Christoph und Du maßlos übers Ziel hinausschießen, wenn sie Prophecy Productions als ideologisches Einfallstor in den Rechtsextremismus hochjazzen?

Was mich an alledem nicht nur irritiert, sondern auch ärgert, ist Eure eigene Ignoranz gegenüber Widersprüchen, die Euch doch kaum entgehen können: Wenn Christoph seinen Kommentar schon mit dem Ende des Zweiten Weltkriegs einleitet, warum kommt dann niemand von Euch auf die Idee, dass der Nationalsozialismus mit seiner Zerstörung der Natur im Allgemeinen und riesiger Waldflächen im Besonderen im völligen Widerspruch zur Naturromantik und somit zu einem Wesenskern von Prophecy Productions steht? Warum fragt sich niemand, wie es Dan Capp geschafft hat, eine klipp und klar antifaschistische Erzählung einzulesen und zu promoten? Warum wird der Blick auf vermeintlich fragwürdige Kontakte verengt und andere Kontakte werden außen vorgelassen? Weil sie das Bild vom eindeutig Rechtsextremen stören? Weil es nicht zur vermuteten patriarchalen Agenda passt, wenn Dan Capp mit Künstlerinnen zusammenarbeitet, die bestimmt kein altbackenes Patriarchat bewahren wollen? Das ist jedenfalls der Eindruck, der sich mir aufdrängt, wenn ich Kommentare wie die Euren lese. Und damit möchte ich nicht sagen, dass es keine kritikwürdigen Ansichten gibt, die Du und ich bzw. Ihr und wir z.B. an Dan kritisieren und mit ihm diskutieren könnten – echtes Interesse vorausgesetzt. Dass bestimmte Kritikpunkte allerdings so unverhältnismäßig groß gemacht werden, um dahinter eine neue Ideologie von Prophecy Productions zu „enttarnen“ – also ob auf dem Label keine anderen respektablen Bands wären, die irgendwie ein Gegengewicht zum befürchteten Absturz in den Rechtsextremismus bilden könnten –, das mutet – freundlich formuliert – grotesk an.

Andreas, Du schreibst: „Ich glaube, dass faschistoide Vorstellungen – etwa vom Recht des Stärkeren, von der Macht des völkischen Kollektivs oder vom Nutzen starker Führungsfiguren bzw. einer starken Nation als Ganzes, die für einen da sein soll – einfach immer schon sehr weit verbreitet sind in einer kapitalistischen, auf Nationalstaaten basierenden Gesellschaft (und natürlich auch in der Metal-Szene und in der Musik und den Texten vieler unserer Lieblingsbands), unter dem Eindruck globaler Krisen und Bedrohungen für das eigene kleine private Glück (…) nun aber offener zutage treten.“ Du schreibst auch, das Du bis vor einigen Jahren selbst begeisterter Besucher vom Prophecy Fest warst, also hast Du dort die Stimmung erlebt und gesehen, wer sich vor und in der Balver Höhle tummelt – glaubst Du, dass sich dieses Publikum, das Martin Koller skizziert hat, wirklich nichts Besseres zu tun hat, als aufgrund von etwaig fragwürdigen Aussagen einiger Musiker Herz und Hirn auszuschalten und in völkischen Phantasien zu schwelgen, frei nach dem Motto „und im nächsten Jahr jagen wir die Muselmanen vom Veggie-Stand zum Teufel!“? – Wie bitte, mit solcher Polemik schieße ich übers Ziel hinaus? Genau das, liebe Vampster-Kollegen, wir sollten also alle mal die Kirche im Dorf lassen.

Liebe Grüße

Thor Joakimsson
Mørkeskye-Fanzine / Trollmusic

Antwort von Andreas Holz

Lieber Thor,

wie gut, dass du selbst erwähnst, was wir gemeinsam haben: die Liebe zur naturromantischen Metal-Musik der 90er. Ich bin ja mittlerweile auch mit unpolitischen Musikern voll zufrieden, verlange von niemandem einen politischen Persil-Schein; von mir aus können sie privat sogar Autoren im Schrank stehen haben, die ich politisch katastrophal finde – solange sie die Öffentlichkeit damit in Ruhe lassen, ist das für mich in Ordnung. Warum auch mit Politik nerven, wenn’s um Bäume geht?

Aber als Dan Capp diese unsere Leidenschaft dann eben für seine politische Alt-Right-Propaganda missbrauchte, konnte ich das irgendwann nicht mehr unkommentiert lassen. Was hat es mich damals genervt, als ich zum ersten Mal den auf der Facebook-Seite von WOLCENSMEN verlinkten Telegram-Kanal „The Fyrgen“ angeklickt habe: ein romantischer Folk-Musiker, der einen Kanal eröffnet, in dem er Covid und Impfungen leugnet, den Staat als Firma bezeichnet und seine Leser darüber schwadronieren lässt, wer im Geheimen wohl die Welt beherrscht? Was sollte das? Ging es noch infamer: erst traumhaft schöne Musik machen und dann die davon Angefixten mit Schwurbelpropaganda überschütten? Das macht unsere gemeinsame Leidenschaft doch kaputt, dachte ich, das kann man dem doch nicht durchgehen lassen!

Ich hatte mich geirrt: Es war einfach vielen völlig egal. Klar: Das ist ihr gutes Recht. Jeder darf mit jedem in einer Band spielen, ein Bier trinken, Plattenverträge anbieten, was auch immer. Es ist aber auch mein gutes Recht, mich dann davon zu distanzieren und meine Enttäuschung kund zu tun darüber! Erst recht, nachdem Capp sich dann in Rich Walker mit einem weiteren leidenschaftlichen Hobby-Politiker zusammen getan hat und die beiden in ihrer Funktion als Bandkollegen Interviews gegeben haben mit Aussagen, durch die sie sich sowas von ins Abseits geschossen haben, dass es wirklich aberwitzig ist, dass wir den Vorwurf bekommen, sie irgendwie „canceln“ zu wollen. Wie kann man jemanden „canceln“, der – wie Rich Walker – behauptet, eine ein Kinderbuch vorlesende Drag Queen sei eine Gefahr für Kinder und müsse deshalb zu Klump gehauen werden? Oder jemanden, der – wie Dan Capp – behauptet, das UK sei von Parasiten regiert, die das wahre England und den wahren englischen Mann unterdrücken?

Und das sind nur zwei der Beispiele für rechtsextreme Propaganda, die wir in unserem Artikel zitiert haben (und die, egal wie oft du das noch behauptest, niemals von irgendwas anderem, was sie so tun und sagen, aufgewogen werden können – diese Aussagen stehen für sich und sich eindeutig). Distanziert haben sich Capp und Walker bisher von keiner ihrer völlig realitätsfernen Aussagen, und es wurde von ihrem neuen Label auch nicht verlangt. Stattdessen behauptet Capp jetzt in seinem Telegram-Kanal „The Fyrgen“ allen Ernstes, er sei gar nicht rechts, er sei bloß ein Familienmensch, der nach der Wahrheit suche, das Gute wolle und dafür nun von bösen Kommunisten gejagt werde. (Wenige Tage später grüßt er dann übrigens an gleicher Stelle zum neuen Jahr alle, die, wie er, gegen „das pädophile, technokratische, talmudische System“ stehen…) Man lasse sich das mal auf der Zunge zergehen: Erst Meinungen äußern, die den Verfassungsschutz auf den Plan rufen könnten und dann bei vorsichtigem Gegenwind dafür die beleidigte Leberwurst spielen und sich als Betroffener einer Hetzjagd inszenieren!

Wie gesagt: Es ist ein freies Land, Prophecy darf sich selbstverständlich dafür entscheiden, diesen Leuten ein Forum und einen Plattenvertrag zu bieten und ihre Aussagen als kleine Spinnereien genialer Künstler abzutun, wie es Martin Koller erstaunlicherweise in seiner Stellungnahme tut. Aber ich darf mich darüber auch aufregen und wundern, ich darf deren Konzerte nicht mehr besuchen, und ich darf darüber schreiben, wieso ich auf dieses Vergnügen verzichte! Gerade weil ich Prophecy Productions mal so geliebt habe, war es mein Bedürfnis, meine begründete Enttäuschung über ihre Entscheidungen kund zu tun – nicht mehr und nicht weniger habe ich getan, und wenn Mr Capp jetzt der Meinung ist, von mir verfolgt zu werden, dann passt das vielleicht in sein paranoides Weltbild, mit der Wahrheit hat es nichts zu tun, und es ist – nette Gespräche beim Festival hin oder her (als ob das jemals jemand bestritten hätte!) – keine Grundlage für einen Dialog.

Aber da war ja noch ein spannenderes Thema: der Zusammenhang von Naturverklärung und Faschismus. Natürlich ist das nicht das Gleiche, und natürlich ist nicht jeder, der gerne wandern geht, ein Faschist. Ich habe, wie du weißt, nichts gegen Folklore und Naturmystik oder die Beschäftigung mit dem eigenen kulturellen Erbe – herrje, meine Playlisten und Plattenschränke sind voll von solchen Sachen, und ich bin nicht zuletzt auch aus linker Perspektive der begründeten Meinung, dass es notwendig ist, sich seiner Traditionen bewusst zu sein. Aber der Zusammenhang zum Faschismus und zum völkischen Denken besteht nun einmal und ist ein seriöser Forschungsgegenstand. Dazu empfehle ich an dieser Stelle mal einen wissenschaftlichen Artikel, will aber auch noch selber was Inhaltliches beisteuern: Was ist eigentlich das Problematische daran, sich an „der Natur“ als Leitbild zu orientieren? Warum bestehe ich darauf, dass es sich lohnt darüber zu reflektieren, wenn man naturromantische Musik hört und genießt?

Nun: „Die Natur“ als allseits bekannte Größe gibt es einfach nicht. Es gibt biologische Phänomene, die wir Menschen mit unseren Sinnen und Methoden wahrnehmen und beschreiben können (und wir lernen da ständig hinzu), aber alles darüber hinaus spinnen wir uns zusammen, ist Ideologie. Das heißt: Sobald ich behaupte, irgendwas sei „natürlich“, lüge ich bzw. reproduziere meine eigenen Vorstellungen – vor allem, wenn es um „den Menschen“ geht, der sich ja nun zu allem Überfluss noch dadurch auszeichnet, dass er sich seines Verstandes bemächtigen kann – was ihn wiederum dazu befähigt sich von früheren Verhaltensweisen emanzipieren zu können: Gesellschaftlicher Fortschritt ist möglich, gesetzt den Fall, es kommen nicht Leute daher, die das verhindern, indem sie lautstark behaupten, es sei irgendwie „natürlich“, was „immer schon so gewesen“ sei (z.B. eben „das Volk“). Das ist die Gefahr, und dagegen geht meine Rede in diesem Zusammenhang.

Daraus folgt für mich auch: Als progressiv denkender Mensch muss ich der Natur gegenüber ehrfürchtig gegenüber stehen, und zwar gerade weil ich sie (noch?) nicht erfassen kann. Dann – und nur dann! – bewege ich mich achtsam in dieser Welt und versuche sie zu erhalten, da ich ihre Vielfalt und Schönheit als solche wertschätze. Wenn ich in ihr sehen möchte, was ich will, und das als Grundlage für mein reaktionäres Wertesystem verkläre, tue ich das nicht.

Abschließend möchte ich klarstellen: Es war nicht meine Absicht, Prophecy Productions vorzuwerfen, als „ideologisches Einfallstor in den Rechtsextremismus“ zu fungieren. Ich denke, Christoph und ich haben durchaus die Vielfalt des Programms und den kulturellen Stellenwert von Prophecy Productions für die Metal-Welt beschrieben – das war ja gerade unser Ausgangspunkt, von dem aus wir unsere Irritation und Enttäuschung kundgetan haben. Zugegeben, es mag nicht zielführend gewesen sein, den Kommentar zur auf dem Zeltplatz nachts von irgendwem abgespielten Musik zu thematisieren. Aber genau so unsinnig ist es wohl, den Spieß umzudrehen und zu behaupten, wir würden, weil wir Phänomene kommentieren, diese Phänomene überhaupt erst erzeugen, oder schlimmer noch: die stinknormale demokratische Empörung über einen Missstand wäre der Missstand selbst.

Soweit möchtest du es sicherlich doch auch nicht kommen lassen?

Viele Grüße,

Andreas

Die Jahrgangsbeste: BETH GIBBONS: Lives Outgrown

Keine Superlative! Die Musik von BETH GIBBONS als ‚überlebensgroß‘ zu bezeichnen, wäre falsch, denn sie ist keine Musikerin der großen, ausgestellten Gesten. Und doch haben die Alben, an denen sie mitwirkte, für viele Menschen genau diesen Stellenwert: Sie sind Überlebensmittel – Platten, die in Lebenskrisen und wichtigen Momenten begleiten, die den Schmerz tragen und zugleich Trost spenden. Wenn Kunst und Kultur das sind, was den Menschen ausmacht, dann wird sie nirgendwo so greifbar und menschlich wie hier.

Fast zehn Jahre arbeitete die bald 60-jährige PORTISHEAD-Sängerin an ‚Lives Outgrown‘, ihrem ersten ‚richtigen‘ Soloalbum, nachdem ihre letzte Veröffentlichung schon lange zurückliegt. Auf die Frage, warum sie gerade jetzt mit dem Album zurückkehrt, antwortete sie lakonisch: ‚People started dying.‘ Es ist folglich ein Album über Verluste und Abschiede – aber nicht nur. Es geht auch um Themen wie Liebe und Mutterschaft. Trotz aller Schwermut ist es ein Album, das das Leben feiert.

Und was für ein Album das ist! Akustisch, ja, doch das könnte täuschen. Denn trotz der emotionalen Wucht – verstärkt durch ihre sanfte, rauchige Stimme, die sich wie ein sanfter Kuss anfühlt – ist es auch ein Album für Audiophile. Gemeinsam mit dem ehemaligen Talk-Talk-Schlagzeuger Lee Harris und Produzent James Ford hat Gibbons einen einzigartigen Klangkosmos erschaffen, teilweise mit selbst gebauten Instrumenten.

Hier wird mit Löffeln geklopft und auf Erbsendosen geschlagen, hier treffen opulente, aber dezente Streicher und Bläser auf Mundharmonika, Flöte, Klarinette und Harmonium. Celli und andere Instrumente fließen über Akustikgitarren und Bässe, die mal zart gezupft sind, dann wieder sich hölzern winden. Doch nie ist das ein Selbstzweck, nie ein misslungenes Experiment – vielmehr dient es immer dazu, Panoramen emotionaler Tiefe zu entfalten, zu berühren und musikalische Bilder von großer emotionaler Kraft zu schaffen.

Und ja: Das ist eine sehr lebendige Platte. Auch wenn die Backgroundchöre manchmal aufsteigen wie Gespenster aus einem Nebel, wenn die Instrumente scharren, knarren und kratzen, wenn die Streicher manchmal sich erheben, als wäre man Teil eines 50er-Jahre-Breitwandfilms: da sind auch dissonante Momente. Nicht aggressiv dazwischen grätschend, sondern harmonische Spannungen erzeugend: unterschwellig, subtil, doch manchmal auch beunruhigend. Ein Kinderchor in „Floating On A Moment“, wie ein fernes Echo, singt “We are all going nowhere“. Leicht nervöse, ungerade Takte in „Reaching Out“. Drückende Bläser wie aus dem Balkan-Folk, arabeske Harmonien. Alles hier ist enorm verdichtet und vielschichtig, und es ist zuweilen unfassbar. Unfassbar gut und gnadenlos menschlich.

Das allerbeste Metal-Album: BLOOD INCANTATION: Absolut Elsewhere

Was bleibt noch zu diesem Album zu schreiben? Ich habe es bereits ausführlich für VAMPSTER rezensiert, und alles ist gesagt. Ihr findet es in jedem Poll und auf jeder Bestenliste des Jahres – auch jenseits des Metalgenres. Der Anteil derjenigen, die es nicht als Instant-Klassiker werten, liegt bei vielleicht 0,0001 Prozent.

Und die Lobeshymnen sind verdient. „Absolute Elsewhere“ ist Aufbruch und Rückbesinnung zugleich. BLOOD INCANTATION haben ihr Raumschiff schneller auf dem Mars landen lassen als Elon Musk, und das Überraschende: Sie flogen mit einem Chevrolet Camaro und einer Dodge Viper – nicht mit einer Rakete.

Ihre Zutaten? So etabliert wie eine Blechdose. Death Metal der frühen 90er, Prog und Krautrock der 70er. Es ist die Art, wie sie Bewährtes zusammenführen, die einen neuen Sound und Ansatz entstehen lässt. Es ist auch ihr Enthusiasmus, ihre Liebe zu allerlei Obskurem, auch die liebenswerte Nerdigkeit des barttragenden Quartetts.

Es ist die Präzision, mit der die Blastbeats über einen hereinbrechen. Es sind die erinnerungswürdigen Riffs, geschult an Genregrößen wie DEATH und PESTILENCE. Es ist vor allem auch die dunkle, bedrohliche Atmosphäre, die diese Platte auszeichnet.

Es ist die Art, wie die brachiale Raserei mit Momenten ungebrochener Schönheit überblendet wird – diese transzendenten Momente, in denen sich Raum und Zeit auflösen, das Zerfließende und Pulsierende, das Raum greift und in weichen Farben oszilliert. Ekstase und Rausch – und wie sie diese Momente sich zu eigen machen und in die Logik des Death Metal überführen. Sie brauchen keine satanischen Rituale und Splattertexte, um den Hörer in fieberhafte Alpträume zu schicken. Die Frage „Was ist der Mensch und wo ist sein Platz im Universum?“ ist bedrohlich genug – vielleicht sogar weit bedrohlicher.

Es ist das Selbstbewusstsein, mit dem sie einfach mal für einen Monat das legendäre Hansa Studio in Berlin aufsuchen, um dort eine Death-Metal-Platte aufzunehmen – das Studio, in dem auch schon DAVID BOWIE und DEPECHE MODE wirkten. Es sind die komplexen, präzise durchdachten Strukturen, die einer Partitur gleichen – ohne das Spontane auszusparen. Es ist die Freude am Erzählen, dieses futuristische Science-Fiction-Element, das dem Genre „Cosmic Death Metal“ seit jeher innewohnt. Es sind Mellotron, Orgel und Keyboards, die sich immer wieder stimmig ins Gesamtbild einfügen.

Es ist die Dynamik der Songs – die Abfolge von lauten und leisen Momenten, harmonischen und disharmonischen, von cineastischen, metaphysischen und kulturübergreifenden Elementen wie arabischen Skalen und Gongs. Es ist die Souveränität, mit der sie ihre komplexen Motive und verschiedenen musikalischen Erzählstränge zusammenführen. Es ist, als würden Ingmar Bergman und Quentin Tarantino gemeinsam einen Film drehen – mit Marlene Dietrich in der Hauptrolle.

Bestes Heatwave-Album: SACRED SKIN: Born in Fire

Gibt es die Genrebezeichnung „Heatwave“ schon, als Alternative zu „Coldwave“? Ich möchte diesen Begriff hiermit ins Spiel bringen. Wo europäische Darkpop-Acts oft mit unterkühlten, minimalistischen Synthesizern klirrend kalte Klänge erzeugen, setzen ihnen SACRED SKIN den glühend-roten Nachthimmel von Los Angeles entgegen.

In der kalifornischen Küstenmetropole ist die 2021 gegründete Band um Brian DaMert und Brian Tarney angesiedelt. Ihre Mischung aus Post-Punk, New Wave und Synthpop fühlt sich an wie eine Cabriofahrt entlang der Küste, vorbei an blinkenden Lichtern, während Wassersportler auf den Wellen reiten und Mädchen ihren Paloma schlürfen. Die fiebrig-warme Luft brennt auf der Haut, das Hemd weit geöffnet, die Lederjacke darüber eigentlich zu warm. Es ist der Sound der Verheißung, geboren aus dem Rotlicht verborgener Clubs und dem nächtlichen Sog eines vom Partyvolk bevölkerten Boulevards.

Ob diese Musik originell ist und sie sich als Erneuerer des GOTH-Genres empfehlen, darüber kann man herrlich streiten. Die Musik entsteht zum Großteil an Synthesizern. Das Equipment ist analog und vintage, wobei sie eher Synths und Modulatoren aus der Mitte der 80er verwenden (EMU Emulator II), die einen bombastischen, warmen und detailreichen Klang erlauben. Genau diese Detailtreue und das Gespür für feine Nuancen heben die Band hervor. Es mag sich um eine 80er-Retro-Platte handeln, doch sie trägt eine eigene Handschrift.

Obwohl die Songs von Synthesizern dominiert werden, besitzen viele einen rockigen, treibenden Charakter. Das liegt auch an einem weiteren Aspekt der Musik: der Gitarre. Sie kommt oft zum Einsatz, und ich lege mich fest: Das Gitarrenspiel ist hier wichtiger als bei Goth-Metal-Bands wie CEMETERY SKYLINE. Wo diese mit ihren Riffs einfach ein hartes Rhythmusfundament legen, kommen die Gitarren bei SACRED SKIN mit melodischem Feingespür daher. Sie sind melodietragendes Element, und einfache, aber feine Soli reichern die Melodien an. Im Grunde müsste man jede Goth-Metal-Band verpflichten, dieses Album anzuhören, damit sie ihre Gitarrensounds weniger belanglos gestalten.

Und dann wären da die Kompositionen. Diese könnten beim ersten Hören ein wenig unscheinbar wirken. Aber hat man sich erst einmal reingehört, dann merkt man, welche Panoramen hier auf große Leinwand geworfen werden. Mit einem einfachen Trick: Die Kalifornier orientieren sich stilistisch an Bands wie SIMPLE MINDS, DURAN DURAN, ULTRAVOX und den frühen ALPHAVILLE – an den großflächigen, epischen Pop-Entwürfen, die mit dickem Pinsel aufgetragen werden. Wir hatten das Thema bereits bei BLOOD INCANTATION, auch wenn diese natürlich auf ganz anderen Wegen unterwegs sind: oft entsteht Neues durch die kluge Variation von Altbewährtem.

Songs wie „Waiting“, das großartige „Runaway“ (die Gitarre!) und das funkig groovende „Call It Off“ sind schwüle Sommerträume, rhythmisch treibend mit moduliertem Bass – ideal für exaltiertes Tanzen in schummerigen Clubs, aber auch im Winter ein Genuss. Wallende Synthies bewegen sich elegant durch den Raum, begleitet von einer leicht monotonen, aber angenehm warmen und sinnlichen Singstimme. Dazu brodelnde Spannung, Großstadt-Romantik und viel Sehnsucht. Dass dieses Album auch mein vokuhilatragendes AOR-Herz umarmt und in einer „Triangle Amoureux“ für sich beansprucht, brauche ich nicht extra zu betonen. Das hier ist eine Hitzewelle, Baby! Ich liebe dieses Album.

Bestes Herzland-Album: WESLEY DEAN: Music From Crazy Hearts

Angesichts der neuen Präsidentschaft von Donald Trump und eines wildgewordenen Elon Musk hilft es wenig, sich in Antiamerikanismus zu stürzen. Klar, mein kultureller Geschmack ist stark von amerikanischen Einflüssen geprägt – von Musik und Filmen. Vielleicht habe ich mehr von Eddie Murphy in Beverly Hills Cop gelernt als von vielen meiner Lehrer. Daher sollte man in jenen Ecken der USA schauen, die noch das Herz bewahren – in die rauen Hinterhöfe, die bunte Vielfalt der Metropolen, in die Musik, in die zergerbten Gesichter der Menschen. Aber Moment mal! Die amerikanischste Platte des Jahres kommt von WESLEY DEAN, einem Australier, der mittlerweile in den USA lebt. Ein überraschender Twist.

WESLEY DEAN ist ein Mann mit langen Haaren und einem wallenden roten Bart, der gerne einen Cowboyhut trägt und ein leicht zerlebtes Gesicht hat. In einem Film wäre er die perfekte Besetzung für einen Redneck oder Outlaw aus den Südstaaten. 2008 gewann er die Staffel von „Australien Idol“, versuchte sich damals an gefälligem Indie-Rock, wobei seine frühen Alben eher wenig herausstechen. Heute lebt er in Nashville, was bereits auf einen starken Country-Einschlag in seiner Musik hindeutet. Letzten Sommer packte Dean seine Familie in ein Wohnmobil, begleitet von einem Regisseur und einer Kamerafrau, reiste über 5.000 Meilen von Nashville nach L.A. und spielte zahlreiche spontane Shows. Ergebnis ist ein abendfüllender Dokumentarfilm mit dem Titel „Crazy Hearts: The Documentary“.

Auf das jüngste Album Music From Crazy Hearts bin ich eher zufällig gestoßen – die klassische Geschichte von einem unbekannten Song in einer Playlist. Sofort war ich geflasht. DEAN gräbt tief im American Songbook, findet Gospel, Country, Blues und klassischen Heartland-Rock à la BRUCE SPRINGSTEEN oder JOHN MELLENCAMP. Es ist ein Album mit viel Herz und Seele, aufgenommen mit einer Vielzahl von Musikern im berühmten RCA Studio A in Nashville, wo unzählige Countrystars ihre Klassiker eingespielt haben, auch ELVIS PRESLEY. Ein großer, holzvertäfelter Saal, ausgestattet mit Vintage-Equipment, und die Musiker spielen live im selben Raum.

Schon der erste Song „Mercy“ ist einer der allerbesten des Jahres. Eine Boom-Tschak-Gitarre wie bei JOHNNY CASH setzt ein, darüber schwelgerische Streicher, Deans tiefe und raspelige Stimme – und ein Gospelchor (The McCrary Sisters). Es ist ein bittersüßer Spiritual, der dich im richtigen Moment zu packen weiß: in der überfüllten Bahn, auf einem verschneiten Feldweg. Ich habe es ausprobiert: Du strahlst innerlich, die Chöre streicheln jede Wunde und jede Stirnfalte. Das ist groß! Ein Hauch Erlösung liegt in der Luft.

Es folgt „Burn this House“, ein Song, der sowohl Seele als auch Wut und Zweifel in sich trägt. Ein stampfender Country-Rocker mit Mundharmonika, der an TOM PETTY auf Country erinnert. „Dies ist für die klinisch Verrückten, die Träumer und Liebenden, die vor dem Schmerz fliehen, für die Leugner und Überlebenden und die Helden ohne Umhänge, für eine ganze Generation, die nach Veränderung schreit“, singt Dean und ruft im Refrain zu einem flammenden Inferno auf: „Lasst uns das Haus niederbrennen“.

„Blood Brothers“ ist eine melancholische Ballade mit gezupfter Gitarre – eine leicht nostalgische Erinnerung an einen Jugendfreund. Wenn man dem Album etwas vorwerfen kann, dann vielleicht, dass es ein paar zu viele ruhige Momente gibt. Dennoch eine schöne Nummer, DEAN zeigt sein Talent fürs Geschichtenerzählen: „Sie waren nur Kinder, die den Fußball herumkickten,/
sie tauschten schmutzige Zeitschriften mit klebrigen Seiten./ Es gab nichts mehr zu tun in ihrer Stadt,/ als sich in Maschinen und an verbotenen Orten zu verstecken.“ Sie waren Blutsbrüder – doch jetzt ist das Band zerschnitten, und sie haben seit Jahren kein Wort mehr miteinander gewechselt.

„Als sie älter wurden, wurde die Wahrheit klar:
Dass die Probleme der Erwachsenen die Jungen töten,
und das Blut versiegt,
und das Blut versiegt,
und das Blut versiegt.“

Dass er auch anders kann, zeigt DEAN mit „Gunslinger“. Es ist eine vor Kraft strotzende Hardrock-Hymne, tief in Staub getaucht, mit einem Slide-artigen Riff und sensationell gesungen. Hier sehen und hören wir wieder, was vielen heutigen Acts, die unter dem Banner „Hard Rock“ unterwegs sind, fehlt: der Schmutz, der Blues, die Überzeugungskraft, die relevanten Themen. Ein Song über Waffengewalt, „Ein toter Mann geht, bevor sein Leben beginnt/ Seit sein Daddy ihm beigebracht hat, wie man mit einer Waffe schießt/ Jetzt reitet er ohne Sattel ins Ungewisse“ – der junge Mensch, der sich derart aufmacht, wird nach einer Gewalttat am selben Strick gehängt wie sein Vater. Ein tödlicher Kreislauf aus Gewalt und Vergeltung.

Der Titelsong ist erneut eine Ballade mit weiblichem Background-Gesang, „Tennessee Road“ erneut ein Spiritual: diesmal etwas flotter und weniger erhaben als der Opener. In „Doorways“ gibt DEAN den Crooner über sanften Streichern, White Soul trifft Yacht Rock, eine elegante Engtanznummer mit groovigem Flair. Der Musiker bewegt sich durch die Genres, wie er sich mit dem Wohnwagen durch die USA bewegt hat: Memphis, New Orleans, Austin, El Paso. Aus jeder Stadt nimmt er ein Stück Musiktradition mit.

Und dann gibt es da noch „Southern Man“, vielleicht DIE Southern-Rock-Hymne des Jahres. Er sei nur ein gewöhnlicher Mann, singt DEAN, ein Mann des Volkes, aber es gibt Dinge, die er nicht verstehe: noch immer brennen die Kruzifixe, noch immer Gewalt, er stehe auf Land, das der indigenen Bevölkerung gestohlen wurde. Ein kraftvolles Statement – auch gegen den Extremismus amerikanischer Prägung. Bedauerlich ist, dass es dieses Album in physischer Form nur als teuren US-Import gibt.

Bestes Countryrock-Album: SARAH SHOOK & THE DISARMERS: Revelations

Bleiben wir gleich mal im Genre: Diese Platte gehört hier unbedingt rein. Stellt Euch einfach mal vor, TAYLOR SWIFT hätte eine große, tätowierte, queere Schwester, die irgendwo in einer Kleinstadt in North Carolina lebt und nicht mit dem Privatjet, sondern mit dem Kleinbus um die Welt reist. Country ist für sie auch eine Frage der Haltung, sie mischt ihn lieber mit Punk und schroffem Indie als mit poppigen Melodien. Sie singt und grummelt mit tiefer Stimme, immer ein bisschen neben der Spur, streut gerne mal ein paar Schimpfwörter ein, die Alben sind kein kalkuliertes Großprojekt, sondern klingen wie locker aus der Hüfte gestolpert. Ihr leicht genervter Gesichtsausdruck sieht immer ein wenig aus, als würde sie dir mit ihrer Gitarre eine überbraten wollen, aber Ihr liebt sie, weil sie bei aller schlechten Laune immer die besten Sprüche auf der Lippe und das größte Herz hat. Würde Mildred Hayes aus „Three Billboards Outside Ebbing, Missouri“ eine Country-Band gründen, es klänge genau so.

Voilà, herzlich willkommen im Universum von SARAH SHOOK! Im Grunde ist mit meiner Einführung schon alles gesagt. Seit die 39-Jährige mit ihrem Debüt „Sidelong“ von 2015 holprig und laut röhrend aus der Garage gefahren kam, haben die Slacker und Outsider, die Nerds und versponnenen Visionäre, die Liebenden und Verlorenen, die Backpacker und Heupuppenbauer und Herumtreiber ein neues Idol – und eigentlich sollte ich hier die weibliche und genderneutrale Form berücksichtigen, denn SHOOK ist ein Idol vor allem auch für Frauen und die queere Community.

Sie kaut auf den Silben wie auf einem Kaugummi, mit einer tiefen und sonoren Stimme, die manchmal ein bisschen müde klingt, dann wieder angriffslustig und herausfordernd, dann wieder umarmend: keine andere Sängerin kann in einem Song so schön bitter und leicht verächtlich lachen, als sei sie von einem doofen Spruch überrascht worden oder habe eine plötzliche, leicht schmerzhafte Einsicht gehabt. Wenn es eine Kunst ist, einen Ton genau NICHT zu treffen, dann hat sie diesen Gesangsstil perfektioniert (NEIL YOUNG lässt grüßen!).

„Revelations“ ist ihre bisher reifste Platte. Sie kombiniert den punkig-rauen Sound der Anfangstage mit ausgefeilten Arrangements. Ihre Begleitband, die Disharmers, setzt dabei auf viel Slide- und Pedal-Steel-Gitarre, flotte Rhythmen und einen nostalgisch verquarzten Basssound. Es ist auch die Haltung einer Band wie DINOSAUR JR., der da im Klang mitschwingt: dieses Widerborstige, Ungeschliffene, Indiehafte.

Der eröffnende Titelsong ist ein angenehm melancholischer Indierocker, der vom Unterwegssein und Touren mit begrenzten finanziellen Mitteln erzählt – und von zahllosen Nebenjobs. „Hey Baby, ich komme kaum über den Tag,/ Breche mir den Rücken für ein kümmerliches Gehalt/ Es gibt kein Entrinnen:/ Ich habe genug davon, mir selbst im Weg zu stehen“, singt sie. SHOOK ist eine großartige Geschichtenerzählerin, die oft mit einfachen Worten auskommt – dabei mischen sich in ihre Erzählungen oft nicht nur ein Hauch von Bitterkeit, sondern auch Humor und Sarkasmus.

„You Don’t Get to Tell Me“ ist ein herrlich verknarztes, sich schroff windendes Stück Country Rock, das sich anfühlt wie ein Schritt auf eine knarzende Treppe. Die Sängerin dehnt die Silben rotzig-nonchalant. Er ist adressiert an jene, die stets glauben, besser über dich Bescheid zu wissen als du selbst. „Du musst mir nicht erklären, wie ich mich fühle/ Ich bin den ganzen Weg hierher allein gegangen“, singt SHOOK. „Ich habe mein Leben auf der Schneide eines Messers gebaut/ Als niemand daran glaubte, dass ich es könnte/ Ich bin in der Lage und bereit, einen Stuhl an den Tisch zu ziehen/ Und wir brauchen keinen Gott, um uns gegenseitig Gutes zu tun.“

Den Country Punk packt die Frau mit dem markanten Pony im flott vorwärtsstolpernden „Motherfucker!“ aus – eine dieser charmant-aggressiven „Ich brate dir eine über!“-Nummern, die sie wie keine zweite beherrscht. Hier ist auch wieder dieses herrlich dreckige und verbitterte Lachen zu hören, während die Pedal Steel über schnellen Rhythmen heult und jault.

Verletzlichkeit und Toughheit liegen bei SHOOK oft dicht beieinander: Der Song ist an einen älteren Mann adressiert, der sich ihr als Freund andiente, wobei Grausamkeiten angedeutet werden. „Ich habe es satt, dich zu Tode zu hassen/ Du nimmst es dir unverschämt, Blutsauger,/ Du wirst kriegen, was du verdienst/ Motherfucker/ Motherfucker/ Motherfucker!“ Aber im rauen Klima von North Carolina wird man auch selbst zur Täterin, und Shook lässt keinen Zweifel daran, wo sie landen wird: „Wenn ich sterbe und die Hölle aufreiße/ Wird das ein Anblick sein, den man gesehen haben muss/ Und ich werde gerne für immer brennen,/ wenn du sechs Kreise tiefer bist als ich.“

Nach der flott aus den Boxen krachenden Heuboden-Tanznummer „Dogbane“, in der SHOOK die abgelutschte Floskel „Lebe jeden Tag, als ob es dein letzter wäre“ angenehm verdreht („Die ganze Scheiße bringt uns dazu, zu leben, als würden wir alle endlich sterben“), zeigt das anschließende „Nightingale“, dass sie auch romantisch-schöne Rockballaden beherrscht, mit tingelnden Gitarren und großem Refrain. Das selbstbestimmte Schicksal trifft auf stimmungsvolle Naturbeobachtung:

Draußen unter dieser samtigen Weite
Gespiegelt auf einem ruhigen schwarzen Meer
Diese Glocke, die ich mit meinen eigenen Händen gebaut habe
Wird meine Totenglocke sein.
Den Schleier zurückziehen
Stille im Tal
Zum Siegen bestimmt
Nachtigall

„Backsliders“ hat einen Refrain, auf den DOLLY PARTON stolz wäre, ganz klassisch im Country verwurzelt ist und Zeugnis einer schwierigen, queeren Liebe. „Jane Doe“ ist der abgehangenste Song des Jahres. SARAH SHOOK ist vieles: wilde Freundin, Seelentrösterin, Ringpartnerin, Milieubeobachterin, tätowierte Country-Erneuerin, Punkerin, queere Botschafterin. Und sie hätte ebenso viel Beachtung verdient wie ZACH BRYAN, der mit einem ähnlichen Konzept zum Superstar aufstieg und große Arenen füllt: Fraglich ist allerdings, ob sie das überhaupt will (siehe Absatz 1).

Bestes Hip Hop/ Postrock-Panoptikum: 070 SHAKE: Petrichor

Jedes Jahr ist es für mich Ehrensache, Euch das beste Album im Bereich Hip-Hop/Rap vorzustellen – und nein, ich mache das nicht, um Euch zu ärgern. Ich mache es, weil ich überzeugt bin, dass Ihr diese Alben hören solltet. Ein Trap-Rapper wie DENZEL CURRY (die Beats, Baby! Die Beats!) ist der Quintessenz von Metal näher als jede beliebige 80s-Metal-Epigonenband. In Sachen Härte, Attitüde und Ideenreichtum sticht er sie mühelos aus. Es ist so, und ich dulde hier keine Widerrede – da bin ich auch mal ein kleiner Richard David Precht.

Danielle Balbuena macht es mir einfach, denn was die 27-Jährige alias 070 Shake mit ihrem jüngsten Album Petrichor abliefert, ist sowieso kaum noch unter „Hip-Hop“ zu fassen. Es ist ein funkelnder Rohdiamant, stilistisch kaum greifbar – ein musikalisches Abenteuer, für das jede Schublade zu klein ist. Progressive Pop, Post-Rock-Indietronic, vielleicht auch Grunge (ja, der Sound ist mitunter verhallt und knarzig), Soul, Gospel, Pop und RnB – und mit Sicherheit eine der aufregendsten Platten, die dieses Portal in diesem Jahr besprochen hat (Sorry, liebe Kollegen, da spricht der Überzeugungstäter in mir.)

Ihre Musik zeichnet sich seit jeher durch eine große emotionale Tiefe aus – durch die Art, wie sie biographische Erzählungen in abstrakte Klanggemälde fasst. Themen wie innere Konflikte und Selbstfindung prägen ihre Songs, während sie mit ihrer tiefen Stimme mühelos zwischen Sprechgesang und Melodie wechselt.

„Petrichor“ bezeichnet den Geruch der Erde nach dem Regen. Das Cover zeigt ein Ohr und ein Auge, ausgebleicht wie ein altes Foto. Thematisch geht es im weitesten Sinne um Erinnerung und Selbstvergewisserung, um die sich wandelnden Nuancen einer Emotion, um Standortbestimmung. Und immer um Liebe – auch die Liebe zu sich selbst.

Das Album eröffnet mit einem hingetupften Piano, darüber ihre Stimme, zunächst schüchtern und leicht resigniert: „Es tut mir leid wegen der Nachrichten,/ Ich bin aus der Liebe gefallen,/ Verliere nicht deine Kontrolle“, singt sie. Der Song wird bestimmter, die elektronischen Rhythmen erinnern an ein verfremdetes Schlagzeug, eine quäkige Gitarre kommt hinzu, gesampelte Kinderstimmen. „Wir sollten nach Sin City fahren,/ Ich rede nicht von Las Vegas,/ Baby, du solltest mit mir kommen,/ Es ist mir egal, wie sehr wir uns verirren.“ Auf dem Gaspedal des Wagens „dem Wasser nachjagen, dem Mondlicht nachjagen“ – die verblassende Liebe mündet in einen Aufbruch.

„Elephant“ ist einer der eingängigeren Songs der Platte, legt tanzbare Synthie-Pop-Beats der Sorte DEPECHE MODE unter eine Gitarre, die zwischen Western und Postpunk pendelt, inklusive kurzem Gitarrensolo. Der Text spiegelt eine toxische Beziehung wider: „2 Uhr nachmittags, ich denke nach, kann’s einfach nicht vergessen,/ Gestern Nacht wurde es ruppig, wir müssen darüber sprechen./ Ich kann dein Elefant sein, ich vergesse nichts,/ Bin ich wieder in deinem Bann – Hölle oder Himmelsgeschenk?“

Die Produktion ist ziemlich breitwandig – Streicher und Chöre sind oft zu hören, dazu eine Vielfalt an Sounds und Effekten: In „Pieces of You“ wird eine Stimme zum Rhythmusinstrument verfremdet, im flehenden Prechorus erklingt ein Piano, bis im Refrain schwelgerische, sich auftürmende Streicher übernehmen. „Du bist mein Spiegelbild,/ Wie könnte ich dich zerbrechen?/ Was würde ich tun/ mit all diesen Stücken von dir in meiner Hand?“, singt Balbuena, bei der oft in der Schwebe bleibt, ob sie einen geliebten Menschen anspricht – oder die Rede an sich selbst adressiert.

Der Platte wird in manchen Rezensionen vorgeworfen, dass sie zu viel will: zu viel Pomp, zu viele Chöre und klitschige Synthesizer, zu viele Ideen auf engem Raum – und auch zu viel Gefühl und Überwältigung. Es ist eine Platte, die polarisiert. Es gibt begeisterte Fürsprecher, die „Petrichor“ mit „The Wall“ von PINK FLOYD vergleichen – und Verrisse wie den im britischen Guardian, der nur zwei von fünf Punkten vergab. Die Nerdfibel Pitchfork machte allen Ernstes zu viel Stadionrock auf dem Album aus, auch wegen der wiederkehrenden Gitarrensoli.

Es sollte klar sein, auf welcher Seite ich stehe, in mir wühlt dieses Panoptikum aufgebrochener Emotionen sehr. Da pulst „Lungs“ mit harten, klaustrophobischen Industrial-Beats über einer gespenstig entfremdeten Stimme und Neo-Soul-Momenten. Da eröffnet das wunderschöne „Into Your Garden“ mit einem virtuosen Piano, Arpeggio, eine Seelenstreichler-Melodie. „Ich falle in dein Herz, Babe/ Es gibt nichts, was die Schwerkraft tun könnte/ Wir werden wie Wellen brechen/ Es wird mich zurück zu dir ziehen“. Melodrama bietet Balbuena öfter als manch Softie-Barde, aber in der gebrochenen, aberwitzigen Version. Und wo bitte konnte man zuletzt Courtney Love, die frühere HOLE-Sängerin und Ex-Gattin von Kurt Cobain, in einer sehnsuchtsvollen, fast niederschmetternden Rock-Ballade hören? Richtig, in „Song to the Siren“. Ich habe Grunge nicht umsonst als Referenz genannt.

„What’s Wrong With Me“ legt eine gebrochene, von Selbstzweifeln durchzogene Sprechstimme über fiebrige Synthie-Rhythmen, im Refrain erklingt wieder ein Rockriff, das keine Stadionrock-Band besser hinbekommen hätte. „Never Let Us Fade“ packt Gospelchöre aus, ein Kammerorchester – und ist fast eine klassische Neosoul-Nummer, auch eine Popballade. Alles aufzuzählen, was hier auf dem Album passiert, bringt jeden Rezensenten an seine Grenzen. Auf einem Konzertfoto ist Balbuena in einem BLACK FLAG-Shirt zu sehen: und können Musikerinnen mit BLACK FLAG-Shirt irren?

Bestes Kuttenträger-Album: SABÏRE: Jätt

Was ist das bitte für ein Album? Mit „The Doorway“ reißt ein bedrohliches und unheilvolles Intro wortwörtlich das Tor zur Hölle auf. Was dann passiert? Ein roher, unkontrollierter Sog packt einen bei den Haaren (sofern man noch welche hat) und zerrt einen mit, gnadenlos, bis man am Boden liegt, überzogen mit einer dicken Schicht aus Blut und Staub, aus Hall und Reverb – ein dröhnendes Inferno. Aber genau das ist der beste Underground-Stoff, den der Metal in diesem Jahr aus den Kellergewölben und Katakomben hervorgekratzt hat.

70 gnadenlos lange Minuten dauert das Debüt der kanadisch-australischen Kauze um Scarlett Monastyrski. Und obwohl die Songs fast immer straight forward sind, roh und voller punkiger Rotzigkeit, ist keine verdammte Sekunde zu viel. Okay, mit einer Ausnahme: Die Ballade „The Shadow in My Heart“ ist katastrophal gesungen und grandios gescheitert. Aber selbst das passt ganz wunderbar ins Gesamtkonzept. Sie nennen ihren Sound „Acid Metal“: Weil er wie Säure auf der Haut brennt.

Ansonsten ist das hier der Real Deal. Die rohe Energie des New Wave of Heavy Metal? Check! Die Catchyness des L.A.-Metal? Check. Schwarze Braukunst aus dem Hexenkessel? Check. Hinzu tue man einen Hauch Melancholie, eine große Portion Punk, etwas Sadomaso-Verspieltheit und dröhnenden Lo-Fi-Sound. Fertig ist die beste Heavy-Metal-Platte des Jahres.

Egal, ob die Australokanadier einem giftige Speedgranaten ins Gesicht peitschen („Pure fucking Hell!“, „Rip. Rip, KILL!!!“ – kein Witz, mit drei Ausrufezeichen), ob sie im Hair Metal der 80er graben und supercatchy Refrains mit Schmackes abfeuern („Ice Cold Lust“) oder ob sie einen Glam-Song à la SLADE kredenzen („Toxic Man“) – das hier hat, Jawoll, Stil und Sexappeal. Das funktioniert mit Kutte, Lederkluft und Federboa.

Wenn man einen Soundtrack für hedonistische Nächte bräuchte, Songs für großstädtische Exzesse und wilde Hinterzimmerferkeleien: Das hier wäre die richtige Wahl. Und natürlich ist das retro, viel 80s-Vibe: es hat aber nichts, wirklich gar nichts Abgestandenes oder Gestriges an sich. Es klingt nicht nach abgestandenem Bier im Festzelt, sondern eher nach Fetischclub in der Metropole. Es flimmert und funkelt wie die Leuchtreklamen in einer postapokalyptischen Stadt.

Die Gitarren riffraffen und schroffeln simple, aber unschlagbar effiziente Knallerriffs, die Stimme ist schrill, angriffslustig und voller Attitüde, und das Schlagzeug so: Rumms, Bumms, Schepper. Hier wird nichts unnötig glattgebügelt. Keine weichgespülten und pathetisch aufgeblasenen Fernsehgarten-Metal-Momente. Das klingt schroff, ungehobelt und hat genau das richtige Maß an seltsamer Kauzigkeit, das Metal braucht, um noch gefährlich und rebellisch zu klingen – falls das überhaupt noch möglich ist. Danke, dass es so etwas noch gibt. Und wer das nicht versteht, geht eben zu ALL FOR METAL oder POWERWOLF.

Bestes räudiges Street-Thrash-Melo-Album: KRYPTOS: Decimator

Sind wir gerade beim „Real Deal“ und Ausrufezeichen? Geilo! Die Indier KRYPTOS haben ihren Stil, den sie auch bereits seit 24 Jahren zocken, auf dem jüngsten Werk „Decimator“ verfeinert und bieten nun Serenaden, Études und Kontrapunkttechnik von höchster Eleganz und Präzision. Quatsch, ich scherze! Natürlich gibt es auch hier wieder straighte Songs zu hören, die mit einer grenzenlos räudigen Attitüde, aber feinster Gitarrenarbeit direkt in das Stahlherz eines jeden True Metallers treffen.

Es wäre ein Fehler, KRYPTOS als eine weitere Oldschool-Thrash-Band abzutun. Denn das sind sie definitiv nicht. Zum einen sind da die Gitarren, die absolute Edelkost servieren – Dubai-Schokolade mit Platinbelag, wenn man so will. Eine Mischung aus doppelläufigen Maiden-Harmonien, US-Metal und sogar SCORPIONS-Anklängen (hört euch nur „Turn up the Heat“ an!). Diese treffen auf schnörkellose, treibende Songs mit Gangshouts und einer unwiderstehlichen Straßenattitüde.

Und dann ist da noch die Stimme von Sänger Ganesh Krishnaswamy: Er bellt, keift und spuckt am Limit, mit Charisma und einer gehörigen Portion Bosheit. Ganz ehrlich: Ich verstehe nicht, weshalb manche Rezensenten diesen Gesang als Schwachpunkt der Band abtun. Eine Mischung aus Schmier, Paul Baloff und Cronos – DESTRUCTION trifft auf EXODUS und VENOM. Mich holt das komplett ab. Giftig und kraftvoll verleiht seine Stimme den Songs eine pechschwarze Grundierung, die KRYPTOS sogar in die Nähe von Blackened-Thrash-Bands wie MIDNIGHT oder TOXIC HOLOCAUST rückt. Ich wiederhole es immer wieder gerne: Wenn Metal nicht auch einen Hauch Gefährlichkeit bietet und Reibungsfläche, dann sitzen wir ganz schnell unter einem Sonnenschirm im ZDF Fernsehgarten.

Die Texte sparen natürlich kein Klischee aus: Sie schreien geradezu danach, fast jede Zeile mit mehreren Ausrufezeichen zu versehen. „Bedrohliche Macht!!! Donnernder Stahl!!! Sicherer Tod!!! KEINE GNADE!!! Ein tödlicher Schlag!!!“ Herrje! Und es geht so weiter: „Zerschmetternder Tod!!! Durchbohrt den Himmel!!! Vernichte!!! Atomarer Opfergang!!!“ Ogottogott!

Das ist Musik, die förmlich danach verlangt, in kleinen, unbehaglichen Clubs gespielt zu werden, während die Menge völlig ausrastet – Stage Diving, Bier über die Köpfe und eine donnernde, übersteuerte Anlage. Das ist Metal, der sich dem Erlebnistourismus à la „Wacken-Kreuzfahrt“ ein Stück weit verweigert (Ja, ich weiß: Sie haben 2017 auf Wacken gespielt). Eine rohe, aber geschliffene Produktion erledigt den Rest.

Tracks wie das supereingängige „Fall to the Spectre’s Gaze“ mit seiner flotten Strophe und den herrlich knarzenden Gitarren, das mit einem sensationellen Riff ausgestattete „Pathfinder“ oder der straßenraue Stampfer „Turn up the Heat“ sind wieder allerfeinster, ungeschliffener Stahl in der Schnittmenge von Thrash und klassischem Metal. Dreh diese Musik im Cabrio auf oder brettere nietenbehangen mit dem BMX die Allee entlang – die Reifen setzen den Asphalt in Brand, und es sprühen Funken.

Bestes Postpunk-Album: DESPERATE JOURNALIST: No Hero

Bereits seit fünf Alben liefern die Londoner DESPERATE JOURNALIST Musik von konstant hoher Qualität ab, allein der große Durchbruch bleibt ihnen bisher verwehrt. Da wäre Jo Bevans Stimme – ihr Konzertfoto hängt bei mir an der Zimmerwand – die sich zwischen Sinéad O’Connor, Björk und Dolores O’Riordan bewegt. Eine Stimme, die viel Verletzlichkeit transportiert, aber auch einen großen Batzen Sehnsucht und enttäuschte Wut.

Rob Hardys melodische Gitarre, versehen mit viel Hall und einem klaren, schimmernden Klang, sowie Caroline „Caz“ Helberts nervöses Schlagzeugspiel unterstreichen die Verwurzelung der Musik in den 80ern – allerdings mit einer eigenen Note und einem deutlichen Alternative-Einschlag.

Sie haben Hits geschrieben, die so richtig keine wurden, jubilierende Sehnsuchtshymnen wie „Hollow“ oder „Personality Girlfriend“ im Überwältigungsformat. Auch das jüngste Album „No Hero“ ist wieder voller hymnischer Momente, zugleich erweitert die Band ihr Klangsprektrum. Schon der Einstieg „Adah“ catcht mit verspielt-melodischen Gitarrenharmonien, die Stimme klagend und seufzend, dann wieder herausfordernd, mal zittrig, dann wieder rauflustig unterdrückt, alles getränkt in fast beiläufig große Melodien.

„No Hero“ ist ein flotter Tanztrack, die Intensität bleibt dennoch hoch, Bevan singt beinahe ikonische Zeilen. „Zerschlagen und blutig wie Christus/ Die Drachenfährte und die Darmsaite/ Schlafend auf einem Filmset, oh/ Du beißt die Zähne zusammen und setzt deinen Einsatz/ Auf einen Himmel, der nichts weiß/ Von dem Gewicht deines Sarges “. Ein perfekter Waverock-Song, so hymnisch wie „Entre dos tierras“ der HEROES DEL SILENCIO.

„Afraid“ ist ein leicht klaustrophobisch taumelnder Midtempo-Song, gleichzeitig ein Liebeslied zweier Verlorener, der Rhythmus in einem nervös verschobenen 5/4-Takt. „Ich liebe dich und ich habe genug von allem/ Ich liebe dich, du bist der Einzige, der dem Donner zuhört/ Dem Donner, Donner, Donner, Donner/ Wir haben keine Angst, hässlich zu sein/ So hässlich“, singt Bevan. Es sollte ein Song sein, der schwindelerregende Freude vermittelt, erzählt die Sängerin: Hässlichkeit wird zu einem ermutigenden Statement.

Mit „Comfort“ schafft die Band einen perfekten Synthie-Pop-Moment, die Keyboards dominieren hier den Sound, der Rhythmus ist tanzbar. „Silent“ zelebriert Postrock-Momente in der Echokammer, der Klang zerfließt in Störgeräuschen und einem nervös schlingernden Bass. Das Solo schafft fast einen PINK FLOYD-Moment, mehr angedeutet als voll ausgelebt.

„Underwater“ zieht in die Tiefe, nervöse Trip-Hop-Rhythmen, der Text kündet von Liebe, Angst und Verletzungen. „Ich war ein Wrack, als du mich trafst/ Ein Kuss auf den Kopf, sie kommen, um mich zu holen/ Ich hätte weniger tun sollen, weniger intensiv/ Ein Schlag in die Brust, eine Kindheitserinnerung/ Ein Mann, der unter Wasser atmen kann“. Die Intensität bleibt auch in den experimentelleren Momenten ungebrochen hoch.

„Unsympathetic“ bettet einen leicht mystisch anmutenden Chorus im ENYA-Stil über einen nervös umherspringenden THE CURE-Bass, „You Say You’re Lonely“ ist eine elegant groovende Ballade, die auch im Radio laufen könnte. Was DESPERATE JOURNALIST hier abliefern, ist ein nahezu perfektes Album, das funkelt, schäumt und ganz viele Emotionen in sich trägt.

Bestes pinkes Album: SCENE QUEEN: Hot Singles In Your Area

SCENE QUEEN ist die Endgegnerin für jeden „truen“ Metalfan, dessen Zeitrechnung nur bis ins Jahr 1989 reicht. Sie kuschelt sich in riesige Teddybären. Sie lutscht an roten Kirschlollies. Sie trägt Blingbling-Kette. Sie sitzt auf einem Schaukelpferd. Und alles, was sie tut und macht, ist in Pink getaucht. Der BH? Pink! Der Cowboyhut? Pink! Die kniehohen, hochhackigen Stiefel? Pink! Eye Gloss? Pink! Und nun ratet mal, wer extra einen Tag Urlaub genommen hat und nach Berlin gefahren ist, um sie live zu sehen und nach einem pinken T-Shirt Ausschau zu halten. Könnte das etwa ich gewesen sein?

„Hot Singles In Your Area“ heißt das Debüt von Hannah Rose Collins, wie SCENE QUEEN mit bürgerlichem Namen heißt. Ihre Musik bezeichnet die Frau aus dem Hotspot Los Angeles, durchaus offensiv und selbstironisch, als „Bimbocore“. Doch hinter dem pinken Overload steckt eine klare Haltung: radikale Weiblichkeit in einem Genre, das nach wie vor von maskuliner Dominanz geprägt ist. Im Interview mit Metal Hammer UK erzählt sie, wie sie von männlichen Bands nach der Show hinter die Bühne gebeten wurde – weil die Musiker dachten, sie wäre ein Groupie.

Und so sind die Texte durchaus konfrontativ, zumeist auch sehr explizit: sexuell aufgeladen, ja, aber nach ihren eigenen Regeln. SCENE QUEEN dreht die Geschlechterrollen einfach um: „All diese Jungs in Bands/ lassen einfach ihre Eier ab/ Krasses Set, du bist der Beste/ Bro, kann ich fühlen, wie du anspannst?/ Ich mag dein Equipment, wer ist dein Techniker?/ Bro, ich bin so gut im Bett (mein Schwanz ist groß)“, singt sie in „Mutual Masturbation“, während sie provokant in die männliche Rolle schlüpft.

Und auch die Musik hat ordentlich Punch. Zwar sind die Songs alle supereingängig – um nicht zu sagen: superhittig –, gern auch mit Bubblegum-Refrains, aber sie rappt, singt, schreit, schimpft, stöhnt, deklamiert und flirtet über harten Nu-Metal-Gitarren und wuchtigen Rhythmen. Immer wieder sind fiebrig-nervöse Elektrobeats eingebunden, sie reichen von 90s-Dance über Trap bis hin zu harsch knarzendem Industrial. Überhaupt ist die Musik extrem überdreht, zappelig und oft auch sprunghaft – es fiept, wummst und rollbasst am laufenden Band, bleibt dabei aber fast durchweg tanzbar.

SCENE QUEEN zeigt Wortwitz und Autorität. Ihre Texte sind von Rapperinnen wie MEGAN THEE STALLION und RICO NASTY inspiriert und spielen selbstbewusst mit Textklischees aus dem Gangster-Rap und mit Rockismen. Dabei greift sie zum Beispiel misogyne Motive männlicher Rapper auf und wendet sie gegen sich selbst. Wenn sie von „Bitches“ und „Pussies“ rappt, adressiert sie dies auch an männliche Vertreter der Schöpfung. „Gib der Bitch ’nen Ständer/ Wär‘ ich ein Mann, würd‘ ich die Welt vögeln“, singt sie in „Girls Gone Wild“, nur um später zu fragen: „Haben Männer überhaupt eine Seele?“ Dass das oft im Verführungsmodus präsentiert wird (sie schildert eine Art Verhörsituation, in der sie einen Mann zum willenlosen Gespielen macht), macht die Sache noch unbehaglicher.

So sind Songs wie „18+“, das flott peitschende „Finger“ (ja, es geht darum, das weibliche Geschlecht zu bearbeiten), „Milf“ oder „Girls Gone Wild“ amtliche, zappelige, eingängige und sich sehr körperlich anfühlende Bratmetal-Tracks, die – mein Gott! – ordentlich die Eier zeigen. Und dabei richtig Spaß machen. Wie singt sie? „Half my idols are fucking losers!“ Gemeint sind die männlichen. „Da liegt etwas in der Luft, ich muss es loswerden/ Wenn du es versuchen willst, dann sei mein Gast/ Es ist ein komplettes Menü, du wirst gleich bedient/ Mit meiner Faust in deinem Gesicht und deinem Hintern auf dem Bordstein“. Und die Welt ist pink.

Bestes Schmerzprog-Album: MOTHER OF MILLIONS: Magna Mater

Die große Progmetal-Überraschung kommt in diesem Jahr aus der quicklebendigen griechischen Metalszene. MOTHER OF MILLIONS aus Athen sind auch bereits seit 16 Jahren am Start, mit „Magna Mater“ legen sie, wenn ich richtig informiert bin, ihr viertes Album vor.

Und was ist das für ein erhabener Brocken! Eine flehende und hohe Gesangsstimme legt sich über Gitarren, die so schwer und träge wie ein Ozeandampfer wirken. Die Songs sind durchweg getragen und elegisch, fast feierlich in ihrer Atmosphäre.

MOTHER OF MILLIONS gehören zu jener Sorte Prog-Bands, die den Schwerpunkt nicht auf technische Finesse und virtuose Spielereien legen, sondern ihr Innerstes kübelweise nach außen kehren. Sie graben in den Untiefen der Seele nach der existenziellen Verzweiflung des Menschseins. Emotional verlangen sie dem Hörer wirklich alles ab – von tiefem Leid bis hin zu kathartischen Momenten. Dabei schwingt eine erhabene, fast spirituelle Tiefe mit. Als Referenzen können Bands wie PAIN OF SALVATION, TOOL oder LEPROUS dienen, die eine ähnlich brutale Intensität zeigen.

Über allem thront der Titelsong, die allmächtige Mutter: eine fünfminütige Tour de Force, die mit geröllartigen Gitarrenlawinen über einen hereinbricht, während die Stimme am Zerbersten ist und sanfter Frauengesang als Gegengewicht dient. „Wirst du mir helfen, wirst du mir helfen, Mutter der Menschheit?/ Segne mein Herz und meine Seele mit Vorsehung,/ Erleuchte meine endlose Nacht./ Mutter, ich zähle die Tage voll Leid“, fleht Sänger George Prokopiou eindringlich, unterbrochen von choralartigen Passagen. Es heißt, dass die Band mehrere Schicksalsschläge durchleben musste. „Mutter, hast du die Tage gezählt, seit ich verging?/ Du riefst meinen Namen, möge er die Götter der Zeit betören./ Du bedecktest meine Augen, spürtest die kalten Siegel des Seins./ Du überschrittest die Grenze, möge sie die Götter des Todes täuschen.“ Trauer, Angst, Tod, aber zugleich auch flehendes Aufbegehren gegen das Unvermeidliche – ein intensives Erlebnis!

„Liminal“ faltet Keyboardharmonien auf, die an eine Spieluhr erinnern: jene Klänge, die ein Kind zart in den Schlaf wiegen. Sanft und fragil kann auch Prokopiou singen, mal im hohen Falsett, mal fast flüsternd. Doch dann weitet sich seine Stimme und greift Raum, schafft fast beschwörende Momente, manchmal ahnt man ein unterdrücktes Weinen. „Du hast gesagt, wir überdauern für immer/ Tanze durch die Asche,/ Verstreue deinen letzten Wunsch!“. Der Song wandelt sich zu einer schweren, doomigen Hymne, die stellenweise fast an die musikalischen Prog-Altäre von SAVIOUR MACHINE erinnert.

Gitarrist Kostas Konstantinidis streut ungerade Takte und doomig-schwere Akkorde ein, die das drückende, teils grollende Fundament der Songs bilden. Das Schlagzeug ist stark hallend und wuchtig, ganz im Einklang mit dem modernen Prog-Sound: schwer und verspielt zugleich. Schlagzeuger George Boukaouris übernimmt auch die Keyboards, die auf diesem Album viel Raum einnehmen, ebenso wie die mehrstimmigen Gesänge, die sparsam, aber gekonnt eingesetzt werden. Gitarrensoli fehlen hingegen fast vollständig.

Im lateinisch betitelten Song „Irae“ (Bezug nehmend auf die Zornesstrafe Gottes?) wird der Mensch selbst zum Sediment, vom Meer hinweggespült. Der Song beginnt zunächst tastend, wie man in kaltes Wasser tritt, um die Temperatur zu prüfen, dann folgt wieder, über tribalartigen Rhythmen und schwer flimmernden Postrock-Tremolie, dieser Pathos und die fast erdrückende Feierlichkeit. „Wenn ich meinen Weg weben würde,/ Würde ich ihn besticken/ Wenn ich meinen Weg weben würde,/ Würde ich ihn weit machen/ Zeit!/ Lasse mich segeln/ Zu anderen, besseren, kurzen Leben“. Gegen Ende wird ein- und dieselbe Gesangsmelodie fast tranceartig wiederholt, der Song endet abrupt – bis im folgenden „Space“ die Melodie von „Liminal“ wieder aufgenommen wird. Der Refrain, fast tröstlich: „Du hattest alles“, in Andeutung eines Abschieds und Neuanfangs.

Bestes Postrock-Album: MIDAS FALL: Cold Waves Divide US

Ob diese Band noch einmal den Durchbruch schafft? Es ist ein Jammer, wenn man sich anschaut, wie selten MIDAS FALL gestreamt werden: auf Spotify ist die Zahl der Hörer im niedrigen vierstelligen Bereich. Aber wer Robert Smith von THE CURE als seinen Edelfan bezeichnen darf, hat vielleicht ohnehin alles erreicht.

MIDAS FALL sind eine Band, die einen nicht kalt lassen kann – und die gerade deshalb polarisiert. Da ist eine Fragilität im Sound, eine berstende Verletzlichkeit, eine alles niederringende Schwermut, manchmal pathetisch, wenn auch funkelnd schön. Musik mit der Intensität einer Therapiesitzung. Es gibt nicht viele Bands, die so traurig klingen und gleichzeitig so kathartisch wirken. Musik, die dich anfässt, die dich durchrüttelt, ja: vielleicht auch angreift, Wunden sichtbar macht. MIDAS FALL sind Melodram, sie sind die große Geste in der Stille: Sie sind wie diese traurigen Filme ohne Happy End, diese bittersüßen Romanzen, bei denen sich am Ende alle mit zitternden Beinen aus dem Kinosessel erheben und heulend in den Armen liegen.

Vielleicht ist es diese Verletzlichkeit, die dazu führt, dass die Band große Hörerschichten nicht erreicht. Und die natürlich dennoch eine ganz eigene Qualität hat. Auf mittlerweile fünf Alben haben sich die Schotten um Frontfrau Elisabeth Heaton ihren eigenen Klangkosmos geschaffen, haben Streicherarrangements und Piano hinzugetan, fast überirdische, schwebende Klänge, ja sogar zu den Grundpfeilern ihres Sounds gemacht. Elektronische Patterns, Fragilität. Es ist auch Ambient in ihrem Sound, Neoklassik, Folk, Dreampop – manches erinnert an Filmmusik. Und wo sie den Blick in weite Landschaften öffnen, wenden sie ihn zugleich nach innen. Der Raum wird aufgebrochen, mit lang nachhallenden Gitarrensequenzen und einer fast kosmischen Atmosphäre, nur um das Innenleben nach außen zu kehren, Einsamkeiten, Enttäuschungen und emotionale Verletzungen zu verhandeln.

Und da ist diese Stimme. Ätherisch schön, mit leichtem Beben, mit viel Melancholie. Elisabeth Heaton ist keine Sängerin, die nur ätherisch haucht, sie kann glockenklar und kraftvoll singen, sie kann ihre Stimme heben und vibrieren lassen, auch in der Mittellage. Sie kann fordernd singen, sie beherrscht auch die hohen Stimmlagen. Aber diese Traurigkeit, die ist fast immer da, diese hohe, hart zupackende Emotionalität. Als würde man an einem Ballon hängend über Städte und Landschaften schweben und auf die Erde hinunterblicken, im Bauch dieses Kitzeln durch das Spiel des Windes.

Und da ist diese Sogwirkung, die aus den Mitteln des Postrock resultiert. Ein verspielter Schlagzeugrhythmus, die Gitarren zwischen kristallinem Klirren und schwerem Groove: Gitarristin Rowan Burn macht von Halleffekten viel Gebrauch. Das Arpeggio ist ein häufig eingesetztes Mittel, es gibt den Gitarren diesen schwebenden, manchmal tänzelnden Klang. Oft arbeitet sie mit Delays, lässt einzelne Töne nachklingen, um dann wieder dieses hypnotische Dröhnen und Sirren auszupacken, das einen wie eine Schlingpflanze in den Sound hineinzieht.

Die “kalten Wellen” im Albumtitel sind vielleicht kein Zufall: Auch das Gitarrenspiel erinnert manchmal an das Spiel der Wellen, die Töne wirbeln auf und ab, oft nicht gleichmäßig, sondern mit unruhiger Dynamik. Und dieses Glitzern und Funkeln auf der Oberfläche, wenn sich das Licht in den Wellen bricht, oder wenn sich, wie hier, nervöse Momente über ruhige, dunkle Flächen legen, zuweilen betörend schön. Ein Album, das Zeit braucht, das gefühlt werden will – Aber das könnt Ihr alles in meiner umfangreichen Rezension nachlesen.

Bestes (Post)-Black-Metal-Album: ONE WITH THE RIVERBED: Succumb

Als ich im November die Ausgabe des Legacy-Magazins durchblätterte, musste ich lachen. Auf der einen Seite waren die Nürnberger TOTAL HATE, die klassischen Black Metal im Stil der frühen 90er spielen: mit typischem Corpsepainting, böse aus dem Wald heraus schauend, und – sorry – irgendwie superalbern aussehend. Auf der anderen Seite ein Interview mit ONE WITH THE RIVERBED: ebenfalls eine Black-Metal-Band, ebenfalls böse aus dem Wald heraus schauend. Doch sie sehen aus wie nerdige College-Studenten, die irgendwas mit Raketenwissenschaft oder Physik studieren, tätowiert und kurzhaarig, zwei der Musiker sogar in kurzen Hosen.

Musikalisch gecatcht haben mich letztere, nicht die Traditionalisten. Schon ihr Auftreten macht klar, dass sie eher Black Metal der neueren Schule spielen, mit allerlei Post-Einflüssen. Viele Infos sind nicht zu finden über den Fünfer aus Michigan, mit „Succumb“ legen sie ihr zweites Album vor.

Und dieses Album ist ein phänomenaler Hassbrocken, der mit wuchtigem und klarem Breitwand-Sound daherkommt (was die Pandaface-Oldschooler schon als Verrat werten). Die Gitarren türmen sich mal melodisch auf wie zu besten EMPEROR-Zeiten, dann wieder tingeln sie mit Postrock- und Shoegaze-Sounds lebendig und quirlig durch die Songs, ein andermal biegen sie in Richtung Melodeath skandinavischer Prägung ab.

Die Musik steckt voller Tempoverschiebungen und dissonanter Kabinettstückchen (und wieder brüllen die Oldschooler „Verrat!“). Eine angenehm giftige Kreischstimme wechselt sich mit gutturalem Grunzgesang ab: Auf dieser Platte passiert sehr viel. Mit dem melancholischen „Adaption“ haben sie sogar so etwas wie eine Black-Metal-Halbballade im Programm, die auf mittlerer Strecke ordentlich Fahrt aufnimmt. Hier klingt der Gesang fast verzweifelt. Und Atmosphäre? Die hat das Album reichlich: Es ist, als würde sich die Waldlandschaft Michigans in dieser Musik widerspiegeln, in kräftigen Farben – flammendes Rot, leuchtendes Orange, sattes Gelb. Ahorn, Eichen, Buchen, und viele stille Seen.

Oft ist die Musik in rasend schnellem Tempo gehalten, aber ein Song wie „Burden“ rollt über den Hörer hinweg wie Geröll oder eine Schlammlawine, mit tiefen, aus den dunklen Ecken der Seele hervorbrechenden Riffs. Und dann die melodischen Zwischenspiele: Sie erinnern ein wenig an frühe OPETH, mit halbverzerrten oder akustischen Gitarren. Auch Melancholie ist spürbar, doch es wäre falsch, dieses Album dem Genre Depressive Black Metal zuzuordnen. Dafür ist es zu giftig, zu aggressiv – und auch zu wandelbar. Oder welche DBM-Band kommt schon mit schweren Death-Metal-Riffs um die Ecke? Eben.

Es gibt Momente, in denen der Gesang fast schon an Screamo erinnert und so auf Hardcore-Wurzeln verweist. All das wird enorm stimmungsvoll in Szene gesetzt, auch wenn es kein leicht zugängliches Album ist: Es braucht Zeit, es wächst. Der letzte Song trägt den Titel „Sunlight“ und verbindet Death/Doom mit akustischen Momenten und verschrobenen Rhythmen. Auch hier schreien die Oldschooler wieder „Verrat!“, weil es ihnen viel zu technisch ist und kein Wintermond beschworen wird. Schön!

Bestes Empowerment-Bluespop-Album: AMYTHYST KIAH: Still+Bright

AMYTHYST KIAH gehört zu jener Generation afroamerikanischer Musikerinnen, die die US-amerikanische (und kanadische) Folkszene in den letzten Jahren erobert haben. Gemeinsam mit Rhiannon Giddens, Leyla McCalla und Allison Russell nahm sie das Album „Songs of Our Native Daughters“ auf – ein Werk, das eindrucksvoll daran erinnert, wie tief Rock, Folk und Blues in der afroamerikanischen Musiktradition verwurzelt sind, auch wenn das oft vergessen wird.

Ihr zweites Soloalbum „Still + Bright“ wurde in den USA heiß erwartet – nicht überraschend, nachdem sie 2020 für einen Grammy nominiert war und der Rolling Stone ihr Debüt zu einem der besten Alben 2021 wählte. Amythyst Kiahs kraftvolle, emotional aufgeladene Stimme, die zwischen Alt und Mezzosopran schwebt, ist ihr Markenzeichen. Ihre politischen Texte und ihr rauer Sound führen gelegentlich zu Vergleichen mit Tracy Chapman – doch Kiahs Musik ist rockiger und breiter aufgestellt.

Die Produktion ist auffällig glatt und geschliffen, was die Stimme stark in den Vordergrund rückt. Produziert hat Butch Walker, der bereits mit so verschiedenen Künstlern wie WEEZER, TAYLOR SWIFT und GREEN DAY zusammengearbeitet hat. Dahinter steckt eine bewusste Entscheidung: Die Musikerin aus Tennessee entdeckt auf ihrem neuen Album die Welt des Pop. Keine Sorge, die Instrumente sind analog in Szene gesetzt und behalten ihren urtümlichen Sound. Hier geht es um Pop als Idee: Melodien, die im Kopf bleiben, und Songs mit Ohrwurmgefahr.

Still + Bright“ enthält zwölf durchweg liebevoll inszenierte Ohrwürmer, die sich für Radioairplay empfehlen. Und dort, wo KIAH Missstände und persönliche Konflikte anspricht, durchaus auch mal dunkel, gibt es einen starken Gegenpol: Hoffnung und Spiritualität. Es ist eine Platte, die von den tiefen spirituellen und erlösenden Aspekten des Gospel geprägt ist, auch wenn diese nur angedeutet werden: Hier geht es nicht um christlichen Glauben, denn KIAH schafft sich eine eigene Religion.

„Als ich ein Kind war, wollte ich Gott spielen und die Welt zerstören. Die Vorstadtlächeln sind nur eine Täuschung“, singt Kiah im Eröffnungstrack – ein lässiger Rocksong mit einem infektiösen Refrain. Duettpartnerin ist die Singer/Songwriterin S.G. Goodman. „Ich möchte jedes Kreuz verbrennen, hinter dem du dich versteckst. Aber das haben wir schon gesehen. Also werde ich jedes Chakra öffnen und all meine Schutzzauber setzen.“

In Interviews berichtet die Musikerin, dass sie als Kind oft unsicher war, Bedrohung empfand und mit Selbstzweifeln kämpfte – Ausweg fand sie in der Musik. Das Gitarrespielen brachte sie sich auf einer alten Fender selbst bei. Dass sie auch eine virtuose Banjo-Spielerin ist, ist mehrfach auf der Platte zu hören.

Doch das hier ist auch ein Album über Selbstermächtigung. „Empire of Love“ ist ein sanfter Blues-Song, der mit einem klassischen Rockriff und Arpeggio-Piano die Selbstliebe feiert. „Ich will keine Theokratie/ Und keine Idol-Ideologie. Ich schwöre meiner Seele Treue,/ Ich folge ihr, wohin sie gehen muss./ Ich bin eine Pilgerin der Liebe“, singt Kiah.

Mit dem hypnotisierenden „I Will Not Go Down“ biegt die Musikerin in Richtung Bluegrass ab. Die Melodie reiht sich auf wie an einem Rosenkranz, der Rhythmus ist stampfend. Begleitet wird sie von dem Bluegrass-Gitarristen Billy Strings, der eine atemberaubende Fingerfertigkeit zeigt: Im hohen Tempo fliegen seine Hände über das Griffbrett. Auch hier stehen Glaube und Selbstermächtigung im Mittelpunkt: „Ich bin die Hexe in der Angst / Hier ist jeder Zauber gebrochen / Wenn ich ganz allein gelassen werde / Werde ich das Biest allein töten / Ich werde nicht untergehen / Ich werde nicht untergehen, untergehen, untergehen.“

Im sehnsuchtsvoll-flotten „Silk And Petals“ hören wir Butch Walker als Duettpartner singen – ein Song über die Hoffnung auf Liebe, der erneut auch Selbstliebe thematisiert: „Ich fühle mein Selbst nicht / Steckt ein Geist in mir oder nur ein Liebeslied? / Ich warte jeden Tag auf dich / Die Tür steht offen, wenn du nach Hause kommst“. Banjo und Schlagzeug treiben den Song voran.

Eine völlig andere Klangwelt präsentiert das folgende „Die Slowly Without Complaint“. Auch das ist ein Duett, Avi Kaplan von den Pentatonix ist zu hören, die Stimmung ist düster. Kaplan’s tiefe, resonante Stimme harmoniert perfekt mit dem knarzenden Countryfunk des Songs. Rhythmus und Choral erinnern an einen Working Song, vor dem Auge tun sich Bilder harter Feldarbeit auf, die Stimmung ist bedrohlich: Es ist ein Titel mit Schwielen an den Händen.

Und dann gibt es da noch „Dead Stars“: ein melancholischer Walzer, der von einer plötzlichen Begegnung im Zug und einer enttäuschten Liebe erzählt. Im Mittelteil pfeift KIAH die Melodie, traurig klagt dazu eine Violine. „Wir waren zwei Sterne, die einfach ausbrannten“, singt KIAH im schönen Refrain, der klingt, als könnte er ein amerikanisches Volkslied werden. Groß!

Bestes supercatchy Postmetal-Album: THY CATAFALQUE: XII: A gyönyörű álmok ezután jönnek

Bereits über zwölf Alben hinweg arbeitet der Ungar Tamás Kátai an seiner eigenen Version des Avantgarde-Metal: ein Sound, der so kunterbunt und vielfältig an Einflüssen ist, dass der Begriff „aberwitzig“ fast verniedlichend wirkt. Auch das vorliegende Werk, sein bisher rundestes, ist dabei keine Ausnahme. Was kommt da alles zusammen: Black Metal, Prog, osteuropäische Folklore, Rummelmusik, Alternative, elektronische Klänge – und dann noch eine Oboe, Violine, Cello oder dezent Angejazztes. Klingt anstrengend? Ist es nicht. Denn was der Ungar mit zahlreichen Gastmusikern in Szene setzt – allein 26 zusätzliche Personen sind im aktuellen Bootleg aufgeführt – ist großes Entertainment.

Das liegt vor allem an Kátais feinem Gespür für eingängige, supercatchy Songs und prägnante Riffs. Weiter in den Superlativen: An 19 verschiedenen Orten hat der Weltenbummler sein Album geschrieben und aufgenommen – darunter Thessaloniki, Madrid, Los Angeles, Bogotá, São Paulo und natürlich in seiner Heimatstadt Makó. Diese kleine Stadt, deren Wurzeln bis ins 12. Jahrhundert reichen, ist ein Zentrum ungarischer und jüdischer Kultur, wo sich die Geschichte vieler Jahrhunderte spiegelt. Bekannt ist sie für ihren Zwiebelanbau im warmen Klima – und wie die Schichten einer Zwiebel offenbart auch dieses Album eine Vielfalt an kulturellen Einflüssen und Epochen.

Bereits der Einstieg mit „Piros Kocsi, Fekete Éj“ (Rotes Kutschrad, Schwarze Nacht) zieht in den Bann: Ein verspieltes Gitarrenriff pendelt zwischen Folk und Gothic Metal, erinnert ein wenig an PRIMORDIAL, bevor hochmelodische Frauenchöre einsetzen. Männlicher Klargesang übernimmt, auch er kann überzeugen: der Refrain ist supereingängig, die Produktion klar und wuchtig. Folk-Metal-Hit? Na aber hallo!

Der mehrstimmige Frauengesang zieht sich wie ein roter Faden durchs Album. Kitschig? Fehlanzeige. Das liegt auch daran, dass Kátai die ungarische und slawische Folklore genau kennt. Tief verwurzelt in der Musik der Türken, Slawen und Roma, geprägt von rhythmischen Wechseln, modalen Tonarten und der typischen Pentatonik, spiegeln die Melodien die melancholische Härte des Lebens wider – aber auch die überschäumende Freude, die man auf Festen erlebt. Die Chöre singen kunstvoll und präzise, wie es in der ungarischen und slawischen Folklore tradiert ist – oft mündlich überliefert, von Generation zu Generation weitergegeben, und dabei stets eng mit Tanz und Ritualen verbunden.

Dass Kátai es auch anders kann, beweist er mit dem brachialen „Mindenevö“ (Allesfresser): ein massiver Black-Metal-Track, der einen der besten Breakdown-Momente des Jahres liefert und trotzdem verspielte Keyboards einbaut. Besonders phänomenal ist der Übergang – nach einem sakralen Choral und einem kurzen proggigen Zwischenspiel übernehmen die Gitarren wieder in berserkender Zerstörungswut. Allein dieser Song bietet mehr Ideen als andere Bands auf einem ganzen Album und bleibt dennoch strukturiert. In dieselbe Richtung geht das pechschwarze „Vasgyár“ (Eisenwerk), wo die Gitarren zwischen Thrash und Melodeath rasen. Beide Songs glänzen durch kraftvolles, tiefes Gekeife von Gastshouter Bálint Bokodi, das perfekt passt.

Doch das Album wird nicht schwächer – im Gegenteil. Mit jedem Song entfalten sich neue Facetten. ‚Világnak Világa‘ kombiniert harschen Black Metal mit einem völlig eingängigen Chorus, verspielten Keyboardpassagen und virtuosen Soli. „Nyárfa, Nyírfa“ hingegen präsentiert sich als hochmelodischer Folkrock mit einer melancholischen Schlagseite und -festhalten!- Saxophonsolo. Und dann gibt es noch „Vakond“ (Maulwurf), ein fast unverschämt fröhliches Instrumentalstück, das Folk mit wabernden Synthies, arabischen und griechischen Saiteninstrumenten (Oud, Bouzouki) und pfeifenartigen Tönen verbindet und einfach nur Spaß macht. Im Mittelteil des Albums nimmt der Folk eine immer größere Rolle ein, was der Melodik und Catchyness zugute kommt.

Das siebeneinhalbminütige Epos „Ködkiraly“ beginnt mit atmosphärischen Synths und einer betörenden, melancholischen Frauenstimme. Fast tranceartig entfaltet der Song zunächst eine fast feierliche herbstliche Stimmung. „November, November/ Die Dunkelheit des menschlichen Weges/ Unter einem sinkenden Mond/ Atmen rostende Geheimnisse“, singt die Gastsängerin Ivett Dudás, das Cello wird von der Londoner Virtuosin Jo Quail gespielt. Doch auch dieser Song kippt zur Mitte hin, schwere Gitarren sind zu hören, ein Männerchor. „Angst ist ein Zahnschmelz, aber sie tut nicht weh/ Über den Bäumen, unter dem Hügel/ Gehst du umher, König des Nebels, und du wirst mich finden“. Die Melancholie gleitet in eine düstere, bedrohliche Atmosphäre.

Aber die größten Hits hat sich Kátai für den Schluss aufgespart. Was bitte ist „A Gyönyörü Álmok Ezután Jönnek“ (Die Wunderschönen Träume Kommen Danach) für ein perfekter Alternative-Metal-Brecher? Eine elf von zehn auf der Ohrwurm-Skala. Der sollte jede Tanzfläche in Metaldiskotheken zwischen Buxtehude und Tüßling – sofern es diese noch gibt – in einen Dampkessel verwandeln. Im dazugehörigen Musikvideo sehen wir ihn joggen: das passt perfekt.

Wer jetzt denkt, ob der vielen Einflüsse wirke das alles zerstückelt und ergebe keinen Sinn: mitnichten. Kátai ist ein Bandleader, Chorleiter und Orchesterdirigent, der das alles meisterhaft zusammenhält. Ich höre das Album oft im Homeoffice, weil die Melodien eine leicht euphorische Stimmung erzeugen und sich fluffig ins Ohr schmiegen.

Bestes Darkpop-Album: KITE: VII

Ein Album in der Jahreswertung, das doch eigentlich eine kleine Enttäuschung ist? Yo. Seit das schwedische Duo um Sänger Nicklas Stenemo und Keyboarder Christian Berg mit ihrer ersten EP 2008 um die Ecke kamen, sind sie das größte Versprechen, dass der Synthie Pop der düsteren Prägung zu bieten hat. Ihre Songs haben sie bisher stets im EP-Format veröffentlicht, alle streng durchnummeriert: und im Grunde ist auch ihr erster Longplayer „VII“ eine Sammlung von Songs, die sie zuvor bereits auf Streaming-Plattformen und als Vinyl veröffentlicht haben.

Die große Stärke des Duos sind ihre Liveauftritte. Diese, obwohl oft von knapper Spielzeit, sind ein Rausch aus fieberhaften Beats und schweißtreibenden Synthies voller rauer Energie, sie entfalten einen unglaublichen Sog, verwandeln Clubs und Festivals in einen schwitzenden Tanztempel: und sind regelmäßig ausverkauft. Da klingen sie auch eine ganze Ecke ruppiger und kantiger als im Studio, wo sie diese Energie noch nicht derart bündeln konnten. Und doch gibt es wenige Bands, die den Synthie-Sound der 80er so überzeugend in die Echtzeit transportieren.

Das liegt auch am androgynen, hohen und zuweilen gewöhnungsbedürftigen Gesang Stenemos. Seine Stimme klingt, als hätte sich David Bowie in einer dystopischen Zukunft neu erfunden, mit einer rauen, kratzigen Intensität, die sich nicht scheut, brüchig zu sein, manchmal sogar leicht krähend: aber stets von hoher Intensität. Oft bewegt er sich in hohen Stimmlagen, auch mal im Falsett, er singt Melodien von oft überzeugender Schlichtheit, die wenige Muster variieren, wiederkehrende Motive mantraartig umkreisen, so hineinziehen in das Rhythmus- und Klanggebäude, das oft aus einem Gerüst aus nervös fiebrigen Synthies besteht, zuweilen pulsierende und ungerade Rhythmen, mal hingetupft, mal hart schraubend. Die Synthies schwirren und pulsieren wie ein überreiztes Nervensystem kurz vor dem nächsten Impuls.

Und dann ist da eine zeitgemäße Note, die verhindert, dass die Band bloß als Epigonen der 80er abgestempelt werden kann. Zwar klingen vor allem OMD deutlich durch – man höre ‚Demons & Shame‘ – doch auch der Einfluss von Bands und Projekten wie THE KNIFE ist unverkennbar. Diese avantgardistischen Sounddesigns mit ihrer Mischung aus Techno, Indie und dem schwer Greifbaren fügen eine zeitgemäße Komplexität hinzu, die den Songs Charakter verleiht.

Doch ach, Oweh und Jammer: vor allem der Mittelteil funktioniert auf „VII“ nicht immer. Da haben sich zu viele ruhige und pathetische Momente eingeschlichen („Tranås/Stenslanda“), bei denen die Keyboards auch mal richtig schwülstig klingen können. Das schwächt auch ruhigere Nummern, die für sich stehend eigentlich starke Momente haben (das beinahe flehend-orchestrale „Glassy Eyes“ und das phantastisch komponierte „Hopelessly Unholy“). Spötter könnten behaupten: Es bleibt eben eine EP-Band.

Doch es gibt natürlich auch Begeisterndes. Das im Midtempo melancholisch pumpende „Changing“, das hypnotisiernd pulsierende „Don’t take the light away“ oder das hymnische „Bowie 95“ sind Songs, die den Status Quo des Synthie-Pop definieren und funktionieren. „Panic Music“ kommt der Liveenergie der Band schon sehr nahe, schraubt und groovt mit jener rauen Energie, die diese Band oft auszeichnet. Und im hypnotisch fließenden „Losing“ ist ANNA VON HAUSWOLFF zu Gast. Spätestens live werde ich dann wieder restlos überzeugt sein – und den Merchstand leerkaufen.

Bestes High-Energy-Indierock-Album: THE VIRGINMARYS: The House Beyond The Fires

Ja, wir brauchen sie: diese Rockplatten, die vor Energie bersten, explodieren wie eine Supernova und mit tanzbaren, nervösen Rhythmen selbst notorische Eckensteher und Schreibtischlampen auf den Tanzflur zwingen. Platten voller Euphorie und Songs mit dem „Bam! Boom! Bang!“-Effekt. Im letzten Jahr haben MID CITY (große Empfehlung!) ein solches Album abgeliefert. In diesem Jahr waren FONTAINES D.C. und die nur leicht enttäuschenden KINGS OF LEON Anwärter auf den Thron. Doch dann kam das Unerwartete. Erinnert Ihr Euch an den Running Gag in französischen Komödien, in dem wild fahrende Nonnen in einem Citroën 2CV („Ente“) auf der Überholspur rasen, hupen und alle abhängen? Genau so ist es: Diese Band auf der Überholspur, die sich noch fix die Genrewertung krallt, sind die gar nicht so frommen Jungfrauen von THE VIRGINMARYS.

Seit 2006 sind die Jungs aus einer Kleinstadt bei Manchester unterwegs – nach dem Ausstieg ihres Bassisten sind nur noch Sänger und Gitarrist Ally Dickaty sowie Schlagzeuger Danny Dolan am Start. Mit „House Beyond The Fires“ präsentieren sie nun ihr viertes Album. Und es ist fast ein Wunder, dass ausgerechnet das Magazin, das solchen Sound eigentlich am ehesten würdigen sollte (Visions!), der Platte nur fünf von zwölf Punkten verpasst hat. Denn was die Jungs hier abliefern, ist mehr als nur eine kraftvolle Sammlung aus Hits. Es ist eine dieser Platten, bei der der Schweiß aus jeder Pore dringt, die permanent am Anschlag ist, fast schon karthatisch wirkt und die Wände rhythmisch pulsieren lässt. Eine Platte voll Wut und punkiger Wucht – vergleichbar mit einem entfremdeten, einsamen Menschen, der durch eine belebte Einkaufsstraße läuft, plötzlich laut losschreit und zu tanzen beginnt, um sich sichtbar zu machen. Es klingt wie eine Platte, die unbedingt gemacht werden musste.

Sie spielen einen Sound, der in den Nullerjahren seinen Ursprung fand: Garage Rock trifft auf Punk, rauen Blues und Stadionsingalongs – große Refrains, die bei mir tatsächlich zünden. Und wie! Nicht zufällig sehen wir auf dem Cover eine Frau, die eine brennende Fackel in der Hand hält. Die Stimme ist rau und kräftig, mit echtem Rockstar-Appeal, das Schlagzeug treibt unaufhörlich voran, die Gitarren sind wild, verzerrt und herrlich laut abgemischt. Das ganze Album ist verdammt laut, mit viel Distortion, fast immer am Anschlag. Doch was es von den üblichen Verdächtigen abhebt (ja, die KINGS OF LEON in ihren Anfangstagen, QUEENS OF THE STONE AGE, THE BLACK KEYS – wer kennt noch THE WILDHEARTS?), ist die schäumende Wut, mit der Frustration und Enttäuschung hier förmlich herausgerotzt werden. Und die eben dazu beiträgt, dass man dieses Album ebenfalls laut hören muss, dass man Angst und Wut herausschwitzt – und am Ende der Platte ein breites Grinsen im Gesicht hat.

Denn die Texte sind schon zynisch und zuweilen resigniert. „Greif nach den Sternen,/ Spring vom Dach,/ Verbinde meinen Körper,/ Spuck einen Zahn aus./ Weisheit bleibt der Fremde/ In einer vergeudeten Jugend./ Behalte Ruhm und Geld,/ Alles, was ich will, ist die Wahrheit“, singt und spukt Dickaty in „When The Lights Go Down“. Was ist die Wahrheit? Die Lichter gehen aus, das System treibt die Menschen in die Verzweiflung, „Demokratie ist ein Wort, das aus dem Mund eines Mörders geschossen kommt“, singt er in einem anderen Song. Man kann die Texte auch kritisch sehen, manches streift das Floskelhafte und ist sehr einfach, sie sind nicht ihre Stärke. Aber mit welcher Euphorie und mit welchem Enthusiasmus das in tolle Songs gepackt wird, auch mit einer gewissen Working-Class-Attitüde, wirkt wie ein Gegenprogramm.

So sind Songs wie „There Ain’t No Future“, „When The Lights Go Down“ oder „You’re A Killer“ nervös zappelnde Indierock-Hymnen mit Mitsing-Refrains, die überfallartig über dich hinwegrollen, ohne ihre Catchyness zu verlieren: voller Sludge und Fuzz, aber mit dezenten Verweisen auf Classic Rock und Blues. Behende und mit einem treibenden Midtempo-Groove kommt „Northwest Coast“ daher, während das fast flehende, traurige „Where Are You Now?“ verzweifelt die Frage in die Welt schreit. Und mit dem ruhigeren „Urban Seagull“ gibt es einen der schönsten Songs des Jahres. Die gesamte Platte eine Explosion: Besser und überzeugender wurde man in diesem Jahr vielleicht nicht bespukt und angeschrien.

Dass da in Großbritanniens Indie-Szene wieder einiges brodelt, zeigen auch andere Beispiele. Checkt die tollen neuen Platten von CORELLA, BRIGITTE CALLS ME BABY und THE LAST DINNER PARTY!

Bestes Classic/Folk-Album: LINA: Fado Camões

Ein Fado-Album? Aber sicher! Wo sonst findet man mehr Melancholie und Tiefe? Wo treten Liebe und Tod so oft in Dialog? Wo schwingt in jeder Melodie so viel Sehnsucht mit, und wo wird Virtuosität so in den Dienst der Emotion gestellt? Fado gilt als die Seele Portugals – und das ist nicht ganz falsch. Doch in ihm verschmelzen auch viele andere Einflüsse: lateinamerikanische Rhythmen (Portugal war eine Seefahrernation!), afrikanische und orientalische Klänge. Und ja, liebe Metalfans: Fado ist pure Gitarrenmusik. Ohne die Saiten wäre er nicht denkbar.

Die in Deutschland geborene Portugiesin Lina hat sich auf ihrem neuesten Album den Gedichten von Luís Vaz de Camões gewidmet – dem legendären Nationaldichter Portugals, in seiner Bedeutung mit Shakespeare vergleichbar. Camões’ Leben liest sich wie ein Abenteuerroman: Aufgewachsen bei Dominikanern und Jesuiten, zog er als Soldat zur See und brachte sich in Schlachten schwere Verletzungen bei, erlitt auch Schiffbruch. Zwar ist sein Geburtsdatum nicht eindeutig belegt, aber 2024 hätte er vermutlich seinen 500. Geburtstag gefeiert. In seinen Gedichten finden sich das Meer als zentrales Motiv, aber auch Liebe, Sehnsucht, die Vergänglichkeit des Lebens und der ewige Drang nach dem Unbekannten – das Reisen. Ein mystischer, universeller Dichter.

Als Fado-Sängerin greift sich LINA weniger bekannte Texte von Camões heraus: die intimeren und wehmütigeren, ganz dem Spirit dieser kunstvollen Volksmusik entsprechend. Ihre Stimme ist vergleichsweise hell und klar, auch wenn ihr das typische Timbre zu eigen ist: dieses Federn der Stimme in den langen Tönen, dieses Gleiten zwischen den Tonarten, diese enorme Klangfülle. Sie sieht sich eigentlich nicht als Erneuerin der Fado-Tradition. Was nicht ganz stimmt, denn auch wenn es ein „klassisches“ Fado-Album ist, so ist es auch ein zeitgemäßes. Doch diese Elemente werden sehr behutsam integriert: Hier mal eine elektrische Gitarre, dort elektronische Rhythmen, kaum als solche wahrnehmbar. Für diese ist unter anderem Pianist John Bagott verantwortlich, bekannt für seine Zusammenarbeit mit PORTISHEAD und MASSIVE ATTACK. Manchmal ahmen die Rhythmen Handclaps nach, manchmal sind sie ein sehr dezentes, basstiefes Hallen.

Hier zeigt sich eine Parallele zum Album von BETH GIBBONS. Auch „Fado Camões“ ist ein akustisches Wunder, durchdrungen von Tiefe und Weite. Produzent Justin Adams, der bereits mit ROBERT PLANT und den Desert-Bluesern TINAWIREN gearbeitet hat, lässt der Stimme den Raum, den sie braucht. Wie eine sanfte Meeresbrise füllt sie den Raum, vibriert in der Luft, schwebt und zittert, greift manchmal mit Nachdruck zu. Die übrigen Instrumente sind behutsam und doch prägnant inszeniert. Besonders die portugiesische Gitarre von Pedro Viana strahlt in klarem, metallischem Glanz. Ihr heller Klang tritt in einen Dialog mit der Stimme und spiegelt dabei jenes leichte Beben, das den Gesang durchzieht. Virtuos gespielt, schimmern auch in den schnellen Arpeggios die Melancholie und die Schwere des Fado durch – denn bei aller Lebendigkeit bleibt die Wehmut immer gegenwärtig.

„Desamor“ eröffnet mit einem Piano, das in hohen, glitzernden Tönen in die Stille schneidet. Es verstummt, um der Stimme Raum zu lassen, und kehrt dann mit einem tieferen, getragenen Spiel zurück – bis schließlich das typische Melodram des Fado einsetzt: das Raumgreifende, das den Klang ausdehnt, nur um dann wieder in sich zu gehen. Fado lebt von der Feinheit der Nuancen und Klangfarben. Die Musik lässt Pausen und Stille zu, wechselt zwischen leisen, zarten Momenten und kraftvollen, ausdrucksstarken Höhepunkten. Die Silben hallen nach, werden gedehnt oder manchmal fast verschluckt – jedes Wort hat seine Bedeutung, und jedes wird mit Bedacht gesungen.

In „Quando Vos Veria“ bekommt die portugiesische Gitarre mehr Raum, begleitet von einem sanften, pulsierenden Rhythmus. Im zweiten Teil des Songs kommt sogar eine elektrische Gitarre zum Einsatz. Arabische Harmonien und Rhythmen prägen „O Que Temo E O Que Desejo“ – ein Duett mit dem spanischen Sänger Rodrigo Cuevas, der die Folklore Asturiens einbringt. Hier zeigt die Portugiesin, wie sie den Fado behutsam öffnet und neue Einflüsse integriert, ohne dessen Charakter zu gefährden. Die Wehmut des Fado erhält in diesem Stück eine lebendigere Form (Auch im Fado gibt es Subgattungen, die sich nach Rhythmik, Metrik und Thema unterscheiden: das flottere „Desencontro“ wird zum Beispiel dem Fado Corrido zugerechnet, eine dynamische Form, die oft in Bars gespielt wird und Alltagsthemen verhandelt. Ich gebe zu, hier bin ich kein Experte).

Die zwölf Songs auf diesem Album stammen entweder aus der Tradition des Fado oder wurden von LINA und der Liedermacherin Amélia Muge neu komponiert. Auch wenn die Grundstimmung dem Fado treu bleibt, zeigt sich ein offenerer Ansatz: hypnotische Beats in „Se De Saudade Morrerei Ou Não“. Mehrfach das Fender Rhodes-Piano, das mit seinem gläsernen und warmen Klang eine Brücke zu Jazz und Psychedelic schlägt. Moog-Synthesizer sorgen für zusätzliche Farbnuancen. In „Amor É Um Fogo Que Arde Sem Se Ver“ klingt die Violine tief und schwer, mit wenigen Tönen, die sich unter der elegischen Stimme entfalten. Alles Zeitgemäße bleibt so dezent, dass man es beim Hören fast übersehen könnte – über allem schwebt die ausdrucksstarke Stimme, die sich federnd entfaltet und nachwirkt.

Naja, hätte, hätte, Herrentoilette. Also Fuck you, FOMO und auf geht’s zur wie üblich unperfekten und mit ziemlicher Sicherheit unvollständigen Liste der…

25. LIFVSLEDA: Evangelii härold

Manchmal braucht man es dreckig. LIVFSLEDAs drittes Album „Evangelii härold“ ist schwedischer Black Metal aus dem Bilderbuch, mit erstklassigen Riffs, brachialen Drums, sorgfältigem Songwriting und der richtigen Assi-Attitüde. Kann man immer wieder hören. Fetzt!

24. SIVERT HØYEM: On An Island

MADRUGADA-Frontmann SIVERT HØYEM hat nicht erst seit „On An Island“ eine Solokarriere, und seine Erfahrung ist diesem Album anzuhören. In der Mitte ein wenig seicht, am Anfang und Ende stehen auf „On An Island“ aber tatsächlich Songs für die einsame Insel. Versucht mal, der tiefen, warmen Stimme des Sängers zu widerstehen. Geht nicht? Sag‘ ich doch.

23. WITNESSES: Joy

WITNESSES halten es spannend: Ist das neue Werk der New Yorker nun wieder ein Ambient-Album oder Doom Metal, und wenn ja, welcher Schule? Mit „Joy“ betritt das Projekt von Greg Schwan ein Feld zwischen Epic Doom und Power Doom mit urbritischen Riffs. Das birgt enorme Kraft, hat aber auch unfassbar schöne Momente mit viel Harmonie und Melancholie.

22. VEMOD: The Deepening

Wer nahe am Wald wohnt und irgendwie nicht so richtig aus dem Haus kommt, weil immer zu viel zu tun ist, lagert die Sucht nach Waldeinsamkeit eben in atmosphärischen Black Metal aus. VEMOD zaubern mit „The Deepening“ zumindest das Herz in die Natur. Die betörenden Riffs von „Der guder dør“ und die hypnotische Kraft des Titelsongs allein sorgen schon dafür, dass „The Deepening“ hier auftauchen muss.

21. HIGH ON FIRE: Cometh The Storm

Hell yeah, Matt Pike war seit Jahren nicht so gut, wie auf „Cometh The Storm“ – vielleicht liegt es an Neu-Drummer Coady Willis, der sehr beherzt in die Felle haut. Auch wenn dem Album in der zweiten Hälfte ein wenig die Puste ausgeht, HIGH ON FIRE haben 2024 endlich wieder Songs mit Klassikerpotenzial wie „Lambsbread“, „Burning Down“, „Hunting Shadows“ und „Darker Fleece“, die es mit den großen Nummern aus den 2000ern aufnehmen können.

20. KOHLRABENSCHWARZ: Im finstren Tal

Constantin König wagt 17 Jahre nach seiner Beteiligung an LUNAR AURORA einen schwarzmetallischen Neustart. Zusammen mit ex-GRABNEBELFÜRSTEN-Chef Dirk Rehfus als Sänger ist „Im finstren Tal“, das Debütalbum von KOHLRABENSCHWARZ, punkiger und weniger mystisch als die Vorgängerband je klang. Dafür gibt es einige erfrischende Ideen, man höre nur den außerordentlich guten Einsatz der Akustikgitarren. Mit „Tundra“ steht außerdem einer DER Black Metal-Hits des Jahres auf diesem kompakten Album.

19. THE NEPTUNE POWER FEDERATION: Goodnight My Children

Märchentante Screaming Loz Such hat diese unglaubliche Stimme, die einen sofort zum Untertan macht. „Goodnight My Children“ strotzt vor Knallersongs, kann nicht nur rabiat, sondern auch düster, verbreitet morbiden Spaß und hat nebenbei ein unfassbar gutes Artwork. Was, zur Hölle, will man mehr?

18. CHRISTIAN LÖFFLER: A Life

Wenn man den Minimal Techno / Deep House-Musiker CHRISTIAN LÖFFLER nach seiner eigenen Musik fragt, sagt er, dass er Melancholie mit Euphorie verbinden möchte. Mit „A Life“ gelingt ihm das besser denn je: „A Life“ ist ein Album, das die Oxytocin-Produktion anregt und das einfach glücklich macht, nicht nur der sehr dezenten Beats und der geschmackvollen Instrumentierung wegen, auch wegen den wunderbaren Stimmen, die darauf zu hören sind. Das Sommeralbum 2024.

17. KIASMOS: II

Zehn Jahre nach Ólafir Arnalds und Janus Rasmussens-Debüt unter dem Namen KIASMOS, erscheint endlich das zwei Full Length-Album. Der Minimal-Techno des isländisch-färöischen Duos war auf „Kiasmos“ atmosphärisch dichter, dunkler und berührender, aber „II“ ist vermutlich das Album, das die Welt 2024 braucht. Melancholisch, hoffnungsvoll und wundervoll arrangiert, ganz mit der kompositorischen Handschrift Ólafur Arnalds und einem wundervollen Sounddesign.

16. SELBST: Despondency Chord Progressions

„Despondency Chord Progressions“ ist die Vertonung aller Selbstzweifel, aller Ängste und Neurosen und positioniert sich fernab von DSBM-Klischees. SELBST, die mit „Relatos De Angustia“ schon für beängstigend dichte und intensive Atmosphäre sorgten, ziehen die Daumenschrauben weiter an. Eine feurige Performance, starkes, vielschichtiges Songwriting und ein Cover, das niemanden kalt lässt, erzeugen erstklassigen, zeitgemäßen Black Metal, der auch über den Tellerrand blickt.

15. UNGFELL: De Ghörnt

„Es grauet“ ist tatsächlich fast vier Jahre her, höchste Zeit also für eine Runde neuer, helvetischer Sagengeschichten über Tod und Teufel. Vâlant und Menetekel sind dennoch weiterhin am Ball geblieben, sei es in der Inkarnation von KVELGEYST, ATEIGGÄR oder OPHANIM. Dass UNGFELL die beste Formation der beiden ist, beweist „De Ghörnt“, das ein makabres Konzept, impulsive Performance, clevere Arrangements, Eins A-Songwriting und die richtige Attitüde in Einklang bringt.

14. INSECT ARK: Raw Blood Singing

„Raw Blood Singing“ ist das bisher beste Album von INSECT ARK, mit einer Dana Schechter, die endlich auch ihre betörende Stimme spielen lässt. INSECT ARK haben sich im Doom(gaze) ihre eigene Nische geschaffen, indem sie den Metal außen vor lassen. Zusammen mit ihrem neuen Drummer Tim Wyskida sind INSECT ARK so abgründig, wie man es sich sonst nur von dem großen Namen im Doom und Sludge erhoffen dürfte. Ein echter Grower.

13. ERSHETU: Yomi

Konzeptalben können ERSHETU, das ist spätestens jetzt klar. Die französische Formation mit einem Faible für Todeskulte, taucht in die japanische Mythologie ein und geht dabei subtiler vor, als auf dem Debüt „Xibalba“: Die japanische Instrumentierung ist besser in den Black Metal-Kontext integriert und sticht weniger heraus, Vindsval (BLUT AUS NORD) verwendet seine Stimme eher als Instrument, denn als Frontmann und erzeugt somit eine cineastische Atmosphäre. Die überbordende Komplexität des Albums mag eine kleine Barriere sein, doch hat man erstmal ins Hotel Aokigahara eingecheckt, wird deutlich: „Yomi“ ist ein deutlicher Schritt nach vorne.

12. ULVER: Liminal Animals

ULVER machen es 2024 den Fans nicht unbedingt leicht. Die unorthodoxe Strategie, immer einzelne Songs zu veröffentlichen, zahlreiche verschiedene Stilistiken zwischen Synthpop und Progrock, zwischen Postmoderne und Retro-Feeling sind herausfordernd, können aber mitgetragen werden. Schwerer wiegen die zwei, drei Ausfälle. Glücklicherweise wiegt das restliche Material die Schwächen auf: Mit „Ghost Entry“, „Forgive Us“, „Nocturne #1“, „Hollywood Babylon“ und „The Red Light“ haben die Wölfe auf dem ersten Nicht-Metal-Album ohne Tore Ylvizakers Beitrag mit die besten Songs der sogenannten Pop-Ära gesammelt.

11. DOEDSMAGHIRD: Omniverse Consciousness

Madness! DOEDSMAGHIRD ist ein Anagramm zu DØDHEIMSGARD, und somit fungiert „Omniverse Consciousness“ wenig überraschend auch als Paralleluniversum zu „Black Medium Current“, einem Top 3-Album aus 2023. Vicotnik und Mitstreiter Camile Giraudeau zerschießen hier mutwillig mühsam aufgebaute Synapsen, lassen DØDHEIMSGARD-Zeiten von „666 International“ bis „A Umbra Omega“ aufleben, ohne irgendetwas von dem zu wiederholen, das im Œuvre seiner Schöpfer schon mal vorkam. Nicht ganz so berührend wie „Black Medium Current“, aber ein Dauerbrenner, wenn es weird, brutal und innovativ sein muss.

10. CHELSEA WOLFE: She Reaches Out To She Reaches Out To She

„Abyss“ war das letzte Album, mit dem CHELSEA WOLFE mich berührt hat, „Hiss/Spun“ gehört sogar in die Kategorie „schlimme Enttäuschung“. Der hypnotische Titel „She Reaches Out To She Reaches Out To She“ deutet an, dass die Kalifornierin noch immer die Alchimistin ist, die ich vor über zehn Jahren kennen und lieben lernte. Ihr achtes Album hat einen so geschlossenen Eindruck wie nie zuvor und dennoch zahllose Facetten. Die Abkehr der sludgigen Heaviness und Hinwendung zu elektronischeren Elementen steht ihren Songs und ihrer Stimme dabei unwahrscheinlich gut.

9. CHAPEL OF DISEASE: Echoes Of Light

Wie furchtbar wäre es gewesen, hätten CHAPEL OF DISEASE „Echoes Of Light“ verkümmern lassen, nur weil Gitarrist und Sänger Laurent nach den Aufnahmen alleine dastand. Das vierte Album der Kölner hat nur noch rudimentär mit Death Metal zu tun, ist dafür aber eine mitreißende Entdeckungsreise mit Gitarrenarbeit zum Niederknien durch einen kosmischen Nebel aus Progrock, NWOBHM, Gothrock und Post Punk, bei dem (fast) jeder Song ein Volltreffer ist.

8. NAHTRUNAR: Hrima

Wer im Herbst und Winter gern durch die dunklen Ecken der Wälder streift und alle Menschen meidet, für den ist atmosphärischer Black Metal häufig das Allergrößte. NAHTRUNAR, die mit „Wolfsstunde“ vor zwei Jahren ein atemberaubendes Album parat hatten, zeigen erneut, was für unfassbar gute Bands im Underground schlummern. „Hrima“ mag Black Metal sein, Dark Ambient und neofolkige Elemente erweitern das Gesamtbild lassen diese 86 Minuten zum Besten werden, was in diesem Bereich seit NAGELFAR und LUNAR AURORA zu hören war. Ein neuer Klassiker? Gar nicht mal so unwahrscheinlich.

7. REVERB ON REPEAT: [reverb on repeat]

Was für ein dichter Sound! REVERB ON REPEAT machen mit ihrem doomigen Shoegaze und Post Rock, der auch mal in Richtung Blackgaze driftet, ihrem Namen alle Ehre. 70 Minuten träumen und sich in eine Klangwand einsaugen lassen, in der Melancholie auf Hoffnung trifft. Und weil die Musiker hinter REVERB ON REPEAT ihrem Post Black Metal-Background treu bleiben, hat „[reverb on repeat]“ auch eine unvergleichliche Gravitas. Muss man lieben, wenn man es dunkel mag.

6. PAYSAGE D’HIVER: Die Berge

Atmosphärischen, naturbegeisterten und bergigen Black Metal gab es 2024 zu genüge, aber niemand erschafft eine Atmosphäre wie PAYSAGE D’HIVER. 102 Minuten völlige Vereinnahmung mit Stilmitteln, aus denen die Bands mit geringerem Können nur langweiligen Lärm gestalten würden. Dass sich dieser Sound auch nach 27 Jahren nicht erschöpft, zeugt von Talent und Hingabe Wintherrs. Sollte „Die Berge“ wirklich das letzte Werk von PAYSAGE D’HIVER sein, ist dies ein kröneneder Abschluss.

5. MAX RICHTER: In A Landscape

Man mag MAX RICHTER die immergleichen melancholischen Harmonien vorwerfen, aber hey, Fuck You. MAX RICHTERs musikalische Sprache ist eben eine ganz eigene, und mit dieser erschafft er große Konzeptalben. „In A Landscape“ hat seine Zeit gebraucht, eben weil es mit dieser Stunde Musik Polaritäten auflösen will. Die innere und äußere Welt, die natürliche und menschliche Welt. Das berührt so tief, dass es tatsächlich Heilung anregt.

4. ULCERATE: Cutting The Throat Of God

Das Monstrum 2024. „Stare Into Death And Be Still“ war der größere Schritt nach vorne für ULCERATE, der erste Moment, indem ihr stets unglaublich guter Tech-Death endlich Emotionen zuließ, daher ist „Cutting The Throat Of God“ vor allem eine Verbesserung in den Details. Das Songwriting und vor allem die Performance sind derart gut, dass sie alle anderen (Death Metal-)Bands in den Schatten stellen. „Cutting The Throat Of God“ verlangt volle Hingabe, und diese wird mehr als belohnt.

3. PALLBEARER: Mind Burns Alive

PALLBEARERs „Forgotten Days“ als Fehltritt zu bezeichnen ist ein wenig hart, aber „Mind Burns Alive“ bringt das zurück, was ich an „Heartless“ so sehr geliebt habe: Diese authentische, direkte Emotion. Und gerade wenn das Album leise wird, sind PALLBEARER so gut, wie nie zuvor.

2. LOCRIAN: End Terrain

Nur anderthalb Jahre nach dem wegweisenden „New Catastrophism“ sind LOCRIAN wieder da, und dieses Mal mit dem eigentlichen Nachfolger zum brillanten „Infinite Dissolution“. Eine Soundwand to the max, ein High-Concept-Album mit so vielen zusätzlichen Ebenen abseits der fesselnden, berührenden und vereinnahmenden Musik, sei es visuell oder konzeptionell. LOCRIAN zeigen mit „End Terrain“, wo Kunst und von bloßer Musik getrennt wird.

1. ORANSSI PAZUZU: Muuntautuja

Das ultimative Album 2024, sogar besser als „End Terrain“, ein musikgewordener, verstörender, feuchter Traum, eine Soundwand aus den Abgründen des Seins, eine Energie aus der Zirbeldrüse eines Kentauren, so vielschichtig und wandelbar wie nichts anderes, das mir zu Ohren kam. ORANSSI PAZUZU erschaffen mit „Muuntautuja“ einen einzigen, wundervollen Rausch mit so vielen Ebenen und Facetten, dass man sich daran nicht satthören mag und lassen damit ihre bisherige Diskografie meilenweit hinter sich. Als würden GODFLESH mit THE PRODIGY und DØDHEIMSGARD die Welt anzünden. Ich bringe die Streichhölzer.

Wie immer, keine Flops im eigentlichen Sinn (für Alben wie „Levels Of Perception“ ist mir meine Zeit zu schade), aber von diesen Künstlern darf man mehr erwarten:

BORKNAGAR: Fall

„True North“ hatte sensationell schöne und packende Momente,  „Fall“ plätschert leider vor sich hin und lädt rein gar nicht zur weiteren Beschäftigung ein. Was war da los, Øystein?

FLUISTERAARS: Manifestaties Van De Ontworteling

Ambient, logo, geht immer. Aber FLUISTERAARS haben beim Spielen mit Analog-Synthesizern leider vergessen, Songs zu schreiben.

FULL OF HELL: Coagulated Bliss

Nachvollziehbareres Songwriting? Klar gerne, macht nur. Aber leider bleibt bei FULL OF HELL anno 2024 die Intensität auf der Strecke. „Coagulated Bliss“ wirkt leider etwas halbgar.

HIGH PARASITE: Forever We Burn

Aaron Stainthorpes neue Band – hoffentlich nicht anstelle von MY DYING BRIDE. Klingt wie PARADISE LOST um die Jahrtausendwende. Kann man hören, ist aber alles andere als mitreißend und gut geschrieben.

IHSAHN: Ihsahn

IHSAHN will mit seinem achten Album alles, und das ist zu viel. „Ihsahn“ geht objektiv OK, hat aber einige Schwachpunkte – was nicht schlimm wäre, würde man nicht bei jeder Note merken, wie sehr IHSAHN sein Opus Magnum herbeikrampfen wollte.

INTER ARMA: New Heaven

Dass INTER ARMA überall in der Heavy-Welt zuhause sind, ist spätestens seit „Sky Burial“ bekannt. Dass „New Heaven“ ausgerechnet so kurz geraten ist, dass INTER ARMA ihre zahllosen Einflüsse gar nicht wirklich ausspielen können, tut weh. Ein konfuses Album.

NICK CAVE AND THE BAD SEEDS: Wild God

Nachdem mir „Ghosteen“ das Herz herausgerissen hat, bin ich einerseits froh, dass NICK CAVE höchstselbst die schlimmste Trauer überwunden hat. „Wild God“ verströmt Aufbruchstimming, hat in der Mitte einige wirklich starke Songs stehen, ist aber insgesamt zu selbstgerecht und kämpft mit einigen sehr schwachen Nummern. Schade.

VERBERIS: The Apophatic Wilderness

Es ist nichts Schlechtes, dass „The Apophatic Wilderness“ verkopft und spröde ist. Leider fehlt dem Album aber die Möglichkeit, die sich aufbauende Kraft zu entladen.

5. THE MENZINGERS am 29. Januar 2024 im Backstage, München

Eine schweißtreibende Punkshow mit viel Energie und jede Menger freigesetzter positiver Vibes. Das, was man im dunklen Winter braucht.

4. CHELSEA WOLFE am 26. Juni 2024 im Technikum, München

Nicht nur „She Reaches Out To She Reaches Out To She“ ist wundervoll, auf ihrer Sommertour war CHELSEA WOLFE stimmlich in extrem guter Form. Eine atemberauebend gute Setlist, die beste Lichtshow der letzten Jahre und trotz der vergleichsweise großen Bühne, eine noch immer nahbare Künstlerin.

3. DØDHEIMSGARD, ULCERATE und MÜTTERLEIN am 18. und 19. Oktober 2024 auf dem SERVANTS OF CHAOS Festival in Oberhausen

SERVANTS OF CHAOS war ein schönes, familiäres Festival, zu dieser Gelegenheit sich einige Menschen, die seit Jahren in gutem Kontakt stehen, zum ersten Mal in Fleisch und Blut getroffen haben – eine tolle Erfahrung. Die Show von MÜTTERLEIN war dabei das allerallerallerfinsterste, das ich in den letzten Jahren live gesehen habe, zum Luftabschnüren krass. Und dass mit DØDHEIMSGARD und ULCERATE dazu die zwei besten Metal-Shows des Jahres zu sehen waren: Die Sahne auf der Torte.

2. MAX RICHTER am 4. Dezember 2024 in der Isarphilharmonie, München

Mein erster Besucht der 2021 eröffneten Isarphilharmonie, und dann noch zu MAX RICHTERs erster Livetour. Ich liebe seine Musik seit vielen, vielen Jahren, und „In A Landscape“ und „The Blue Notebooks“ live zu erleben, mit wundervollem Licht, glasklaren Klang und einer unfassbar guten musikalischen Performance – ein echtes, zutiefst berührendes Erlebnis.

1. ZOLA JESUS am 14. September 2024 in der Matthäuskirche, München

Der Name ZOLA JESUS taucht in diesem Jahresrückblick ganz am Ende, also hier, zum ersten Mal auf, schließlich ist „Arkhon“ schon über zweieinhalb Jahre her. Und doch, 2024 war ihre Musil mein musikalischer Hyperfokus Nummer 1, zwei Monate praktisch nichts anderes gehört, als ZOLA JESUS. Und dann, endlich, die Tour! Auf ihrem Piano-Abend wärmte sie an einem saukalten Septemberwochende in der prächtig-protestantischen Matthäuskirche das Herz, nur mit ihrer unglaublichen Stimme, Klavier und ein paar reduzierten Synthesizern. Und nicht selten trieben ihre Songs, von „Stridulum“ bis „Arkhon“ Tränen in die Augen. Für die fantastische Anne und ihre Seite Lucinogen habe ich versucht, Worte dafür zu finden: https://www.lucinogen.com/events/2024-09-14-zola-jesus

Gehört in die Kategorie: Dinge, die man nicht als kinderloses Paar nicht zu schätzen weiß: Abends ausgehen. Dreimal mit meiner Frau abends ausgehen, einmal zum Livepodcast von Haschimitenfürst, einmal zu EMMA RUTH RUNDLE, einmal zu MAX RICHTER. Und jedes Mal ist es eine erschöpfende logistische Herausforderung.

Die Große lernt 2024 radfahren, schwimmen, klettern und lesen, der Kleine entdeckt seine Liebe zur Musik und wird zum Entertainer. Und beide treiben mich hin und wieder weiterhin in den Wahnsinn. Ich glaube, es ist ihr Job.

Die eigene Entwicklung mit gutem Support von außen und Babysteps in die richtige Richtung.

Angst und Selbstzweifel bremsen nach wie vor am besten und stärksten.

Das Anti-AFD-Momentum Anfang 2024 hat nicht lange gehalten; im Gegenteil: Hass und Hetze werden täglich stärker und absurder. Vorschlag für 2025: Demagogen und Populisten nicht mehr zuhören, sondern Menschen, die sich der Probleme annehmen wollen (auch wenn’s unbequem ist) – derer gibt es nämlich sehr viele.

Im Metal trendet mehr und mehr Oberflächlichkeit, oder es wird rechtsoffener.

Trauer 2024:

Tore Ylvizaker, 16. August 1970 – 16. August 2024

Steve Albini, 22. Juli 1962 – 7. Mai 2024

Top 5 Cover 2024:

5. INSECT ARK: Raw Blood Singing

Ein Artwork, dessen Vielschichtigkeit erst auf den zweiten Blick zu erkennen ist. Nebenbei illustriert das Cover von Chris Friel den dunkel-hypnotischen Doomgaze von INSECT ARK punktgenau.

4. THE NEPTUNE POWER FEDERATION: Goodnight My Children

THE NEPTUNE POWER FEDERATION-Gitarrist Mike Foxall ist ein begnadeter Künstler und für seine eigene Band legt er sich besonders ins Zeug. Das Artwork für „Goodnight My Children“ ist giftig wie Schneewittchens Apfel, aber auch die restliche grafische Gestaltung, inklusive des Märchenbuchs, ist fast schon hypnotisch brillant.

3. AARA: Eiger

Auch wenn AARA es 2024 nicht in meine Top 25 geschafft haben, „Eiger“ taucht zumindest bei den Covers auf. Erneut von Michael Handt gezeichnet, ist „Eiger“ ein atemberaubendes Gemälde, das eigentlich wie ein Foto aus dem späten neunzehnten Jahrhundert anmutet. Ein Wow-Effekt!

2. SELBST: Despondency Chord Progressions

Die Qualität des Artworks von „Despondency Chord Progressions“ liegt nicht darin, dass es provoziert – es symbolisiert, welche Negativbotschaften Menschen ab frühester Kindheit aufnehmen können, und wie dornig und giftig diese wuchern. Furchtlos und kompronisslos dargestellt – bravo!

1. LOCRIAN: End Terrain

Wie brillant Chris Dorlands Cover für „End Terrain“ ist, wird deutlich, wenn man weiß, wie es gemacht ist – am besten Interview mit den drei sympathischen Musikern lesen! Wer sich tiefer für die unkonventionelle Arbeitsweise von Dorland interessiert, unbedingt hier vorbeischauen: https://chris-dorland.com/work

Top 5 Podcasts 2024:

5. Traumstation

4. Haschimitenfürst – der Bobcast

3. ADHD Chatter Podcast

2. extra 3 – Bossettis Woche

1. Springerstiefel – die 90er sind zurück

Top 5 gelesene Bücher 2024:

5. Unter Wölfen von John Wray

4. Durch die Nacht von Stig Saeterbakken

3. Das Glashotel von Emily St. John Mandel

2. Candy House von Jennifer Egan

1. Mein gelbes U-Boot von Jon Kalman Stefansson

JAHRESHIGHLIGHTS 2024

OPETH: The Last Will And Testament

Die Formkurve zeigte bereits mit „In Cauda Venenum“ wieder nach oben, allerdings hätte ich nicht zu träumen gewagt, dass OPETH mit „The Last Will And Testament“ ein solches Glanzstück in ihrer späten Karriere glücken würde. OPETH schrauben auf ihrem vierzehnten Studiowerk ihre 70s-Progflirts soweit herunter, dass sie eine fantastische, symbiotische Beziehung mit dem seit “In Cauda Venenum” wieder vermehrt eingesetzten düsteren, hartmetallischen Selbstverständnis der Band eingehen und innerhalb der Songs in kurzen Sequenzen rasante Richtungswechsel einläuten.

Mainman Mikael Åkerfeldt, der hier neben gewohnt starken klaren Gesangslinien zum ersten Mal seit „Watershed“ auch wieder auf die zur seinerzeit tiefen Death Metal-Phase typischen Growls setzt, greift bei seinem kompositorischem Meisterstück auf Elemente der letzten zwanzig Schaffensjahre zurück und offenbart in diesem narrativen Konzeptalbum mittels gefühlvollen Harmoniebögen und dynamischer Virtuosität eine unglaubliche Vielfalt an Ideen, Wendungen und Stimmungen. Und das in zu jeder Zeit kohärenter Manier. Ganz großes Kino! (und lasst euch ja nix anderes von Andreas erzählen 🙂 )

CONCRETE WINDS: Concrete Winds

Das für mich beste Extremmetal-Album 2024 kommt aus dem Hause CONCRETE WINDS. In nicht mal einer halben Stunde pulverisieren die beiden Finnen PJ (v., g.) und M. (dr.) im dissonant-noisigen Chaos und anarchisch anmutenden Death Metal / Grind – Inferno die Grundfesten der Erde. Wurden bei den vorangegangen Alben auch schon keine Gefangenen gemacht, tritt „Concrete Winds“ den Beweis an, dass beim Ausloten der Grenzen des Ertragbaren noch nicht das Ende der Fahnenstange erreicht war. Hyperaggressiv, durchgeknallt, ein gnadenloser Abriss!

PANZERFAUST: The Suns Of Perdition – Chapter IV: To Shadow Zion

„The Suns Of Perdition – Chapter IV: To Shadow Zion“ markiert den grandiosen Abschluß der 2019 begonnenen Tetralogie über die gewalttätige Natur des Menschen und bündelt mit sowohl atmosphärisch packenden, etwas komplizierteren als auch aggressiven Passagen die Stärken aller vorangegangenen Teile. Kartashovs Drumming ist mal wieder atemberaubend und mit Ahmet Ihvanis Baglama-Instrument bei ‚The Damascene Conversions‘ ziehen sogar nahöstliche Klänge in die pulsierende Negativität und den beklemmenden Furor der kanadischen „Black Metal Fundamentalists“ ein. Fakt nach den vier „Suns“-Scheiben: PANZERFAUST sind zu einer der interessantesten Black Metal-Combos der vergangenen Jahre gereift.

WITHERFALL: Sounds Of The Forgotten

Eventuell ein klein wenig zu verkopft, technisch jederzeit auf überragendem Niveau und mit einer bunten Palette an Empfindungen bestückt! WITHERFALL schrauben weiter an ihrem perfekten Album und kommen mit „Sounds Of The Forgotten“ dem schon sehr nahe. Dramatisch, unbehaglich, theatralisch, heavy… Die US-Prog Metaller sind auf ihrem vierten Album so wandlungsfähig wie noch nie und haben dazu mit Joseph Michael einen der derzeit besten US Metalsänger in ihren Reihen, der auch hier wieder zu Hochform aufläuft. Und das nicht nur bei ‚They Will Let You Down‘ mit seinem rasanten, nevermorigen Pulsschlag, seinem orgelunterlegten Hookrefrain sowie Jake Dreyers neoklassischen Einschüben oder bei der leidenschaftlichen Powerballade ‚Where Do I Begin‘ mit seinem genialen Solo im CONTROL DENIED/DEATH-Farbton, sondern über die gesamte Distanz dieses äußerst expressiven Albums.

MIDNIGHT: Hellish Expectations

Das punk’n’rollige Black/Speed Metal-Ein-Mann-Kommando aus Cleveland packt endlich wieder die räudige Asikeule aus und entfacht auf „Hellish Expectations“ eine hymnische Gewaltorgie mit ständigem Hooklinealarm! Athenars Fähigkeiten als exzellenter Songwriter mit feinem Gespür für eingängige Melodien im Heavy Metal-Gewand gehen in knackigen 26 Minuten Hand in Hand mit seinem infantilen Drang zur totalen Verwüstung im Rough-Mode. MIDNIGHT reißen so in schönster Punkmanier in maximal drei Minuten alle Wälle nieder, fegen über einen wie beim D-Beat-Smasher „Deliver Us To Devil“ oder „Nuclear Savior“ im erhöhten Tempo gnadenlos hinweg oder fahren auch mal wie bei „Slave Of The Blade“ einen charmant vor sich hin swingenden MOTÖRHEAD-Groove auf. Erwartungen meilenweit übertroffen!

SCALD: Ancient Doom Metal

Nach einem überragenden Auftritt auf dem Hammer Of Doom 2019 und der ebenfalls mehr als überzeugenden „There Flies Our Wail!“-EP zwei Jahre später wartete man gespannt, wie das erste vollständige Produkt der russischen Epic Doom Metaller SCALD, die sich nach dem Tod ihres Ursängers Agyl 1997 aufgelöst haben, ausfallen mag. Die Antwort: „Ancient Doom Metal“ ist zum Niederknien! Mit einem kraftvoll intonierenden Felipe Plaza Kutzbach (u.a. PROCESSION, CAPILLA ARDIENTE, NIFELHEIM) am Mikro kann man eigentlich nur gewinnen, aber auch das gesamte Material der ersten SCALD-Scheibe nach 27 Jahren schließt mühelos zu den oberen Rängen des Genres auf. An den Gesangsstil Kutzbachs angepasst, hat man das rauhere und leicht verschrobene Element von „Will Of Gods Is A Great Power“ gegen eine glattere Vorgehensweise und gleichmäßig dahinfließende Harmonien eingetauscht. Ansonsten gilt: es gab in diesem Jahr kaum eine Doom-Platte, die in punkto heroische Getragenheit, epische Schwere und unter die Haut gehende Melodien diesem Teil das Wasser reichen konnte!

MEGA COLOSSUS: Showdown

„Let‘s go, Dr. Jones!“ Die obernerdigen MEGA COLOSSUS nehmen sich für die „Showdown“-Lyrics nicht nur den Archäologen Indiana zur Brust, sondern u.a. in ‚Take To The Skies‘ auch „Porco Rosso“, einen kuriosen Film über einen Piloten im Ersten Weltkrieg, der in einen Schweinemenschen verwandelt wird. Genauso irrwitzig gestalten die fünf Jungs aus North Carolina aber auch wieder einmal ihre Songs, die mit ihren fantastisch doppelläufigen Gitarren und grandiosen, harmonischen Gesangslinien diesmal eingängiger und weniger thrashlastig ausfallen als beim Vorgänger „Riptime“. Ein solch facettenreiches Achterbahn-Stück wie ‚Grab The Sun‘ allerdings ist selbst den kauzigen Adventure Metallern bis dato noch nicht geglückt. MEGA COLOSSUS zählen mit ihrem vierten Album definitiv zu den Gewinnern des Veröffentlichungsjahres 2024.

UND ANDERE SEHR GUTE SCHEIBEN (in alphabetischer Reihenfolge)

AIWAZ: Darrkh…It Is!

AMETHYST: Throw Down The Gauntlet

BLACK CURSE: Burning In Celestial Poison

BLOOD INCANTATION: Absolute Elsewhere

BLUES PILLS: Birthday

CHELSEA WOLFE: She Reaches Out To She Reaches Out To She

D-A-D: Speed Of Darkness

EVERGREY: Theories Of Emptiness

HAMFERD: Men Guðs Hond Er Sterk

HELVETETS PORT: Warlords

IRONFLAME: Kingdom Torn Asunder

MECHANIC TYRANTS: St. Diemen Riots

MÖRK GRYNING: Fasornas

NECROPHOBIC: In The Twilight Grey

THE NEPTUNE POWER FEDERATION: Goodnight My Children

NESTOR: Teenage Rebel

PERCHTA: D’Muata

SERVANTS TO THE TIDE: Where Time Will Come To Die

THE SPIRIT: Songs Against Humanity

WHOREDOM RIFE: Den Vrede Makt

ZERRE: Scorched Souls

UNTO OTHERS: Never, Neverland

Kein Flop, eher eine Enttäuschung ist das diesjährig erschienene „Never, Neverland“ von den Portland-Gothrock-Metaller UNTO OTHERS geworden. Klar, wenn man sich die Entwicklung von der EP „Don’t Waste Your Time“ bis zu „Strength“ (allesamt für mein Dafürhalten großartig) anschaut, überrascht es niemanden, dass sich die Portlander durch zunehmende Reduzierung von harten Riffs einem größeren Publikum erschließen wollen. Warum man jedoch vehement lethargisch, geradezu blutleer etliche Songs gestaltet hat (dies gilt insbesondere für Düstersamtkehlchen Franco), erschließt sich mir auch unter Berücksichtigung jeglicher unterkühlter Selbstdarstellungsfaktoren nicht. Quo vadis, UNTO OTHERS?

Ebenfalls in „da wäre mehr drin gewesen“:

KERRY KING: From Hell I Rise

In Ansätzen eine ordentliche, oftmals aber leider nur eine mittelmäßige Endphasen-Slayer-Kopie mit einem Mark Oseguada, der zu oft verkrampft einen auf Tom Araya macht. Ebenso generisch: das KI-verdächtige Cover. Ihr dürft mich jetzt bewerfen :-)!

HELL OVER HAMMABURG

The Night Eternal, Hysterese

BRAINCRUSHER IN HELL

Asphyx, Chapel Of Disease, Wiegedood

DARK EASTER METAL MEETING

Perchta, Imha Tarikat

KEEP IT TRUE XXIV

Grave Digger, Hällas

METALHEADZ OPEN AIR

Dead Lord, Amethyst

DESERTFEST BERLIN

Amenra, Zerre

CHAOS DESCENDS

Satan, Voivod

PARTY.SAN OPEN AIR

Anaal Nathrakh, Akhlys, Sólstafir

PROPHECY FESTIVAL

Empyrium, Arthur Brown

STORM CRUSHER FESTIVAL

Atrophy, Dark Quarterer

KEEP IT TRUE RISING IV (the almost final chapter)

Victory, Y&T, Crimson Glory

THRASH NIGHTMARE

Morbid Saint, Cruel Force

EINZELGIGS

SWANS (Feierwerk, München)

CHELSEA WOLFE (Technikum, München)

AHAB (Z-Bau, Nürnberg)

DORDEDUH (New Force, Erlangen)

Ein Jahr der Veränderungen ist zu Ende und ein Jahr der Veränderungen beginnt: Wohnungswechsel, Stadtwechsel, neue Eindrücke. Zum Glück gibt es ein paar Konstanten im Leben und eine davon darf natürlich auch bei meinem Vampster-Jahresrückblick nicht fehlen:

„Ich habe auch eine Freundin, nettes Mädchen, Schriftstellerin, hat ein Buch über sexuelle Störungen beim Mann geschrieben. Sie habens bestimmt gelesen.“ (Frank Drebin, Spezialeinheit)

Dabei war dieses Jahr wenigstens musikalisch richtig viel geboten, was für mich hin und wieder gar in Stress auszuarten drohte: Man will ja doch in Vieles zumindest reinhören, wenn nicht sogar mit ein paar Worten begleiten. Allerdings: Der Blick auf meine Handy-Notiz mit ungehörten Alben zeigt mir, dass selbst das Wunschdenken bleibt. Mehr Mut zur Lücke also? Vielleicht im nächsten Jahr.

Ungeachtet der Gemütslage ist die beste Begleiterin schließlich die Musik, die sich gerade im Metal so mannigfaltig präsentiert, dass es von der lockerleichten Kochuntermalung, über den kraftvollen Workout-Soundtrack bis zum kognitiv fordernden Mammutwerk immer das passende Werk zur Situation gibt. Das gilt selbst für die Mittagspause, für welche das Kurzformat wie geschaffen scheint. Energiegeladen und überraschend catchy präsentierten sich etwa THE OKLAHOMA KID auf „Featherminded“, während UNPEOPLE mit ihrem selbstbetitelten Debüt „Unpeople“ dem Alternative-Sound einen frischen Anstrich verpassten.

Die pure Wut im Stile ENDs zelebrierten COUNTERPARTS auf „Heaven Let Them Die“, ALESTORM sorgten mit dem kauzigen wie schmissigen „Voyage Of The Dead Marauder“ für entsprechend Kurzweil und PERSEFONE brachten mit „Lingua Ignota: Part I“ mehr Tiefgang mit sich als so manches Studioalbum. Am Ende waren es aber vor allem zwei EPs, die 2024 den nachhaltigsten Eindruck hinterließen. Dass ENTHEOS mit dem großartigen „An End To Everything“ am Ende doch nur den zweiten Platz machen, liegt bestenfalls an Nuancen.

Die beste EP 2024

DISEMBODIED TYRANT / SYNESTIA: The Poetic Edda

Der bombastische Größenwahn, den die Zusammenarbeit von DISEMBODIED TYRANT und SYNESTIA auf „The Poetic Edda“ zelebriert, ist dieser Tage vielleicht nicht mehr allzu originell. Dafür setzen die vier Songs die üblichen Symphonic Deathcore-Stilelemente effizient und launig um, so dass es – kurioserweise vielleicht auch wegen der Reizüberflutung – selbst mehrmals hintereinander nicht zu viel wird. Es gibt schließlich einiges zu entdecken, wenn die massiven Breakdowns nicht gerade den Vorschlaghammer auspacken. Stark ist insbesondere die Art und Weise, wie die Orchestrierung eingebettet wird, was letztlich in „Winter“ in der Neuinterpretation von Vivaldis Concerto No. 4 der „Vier Jahreszeiten“ endet. Gewagt und spaßig zugleich.

Das beste Live-Album

ROLO TOMASSI: Live At Electric Ballroom

Leider nur digital erhältlich, aber ansonsten genau das, was ich mir von einem Live-Album wünsche: Neben der guten Songauswahl und der umfassenden Spielzeit überzeugt „Live At Electric Ballroom“ mit einem authentischen und nicht zu glattpolierten Ton. Roh und doch geräumig erklingen die Songs und transportieren tatsächlich echtes Live-Feeling – heutzutage ja leider keine Selbstverständlichkeit mehr.

Die 25 besten Alben 2024

Eigentlich wollte ich 2024 ein wenig langsamer machen, am Ende habe ich mit 168 Alben vermutlich so viele Platten rezensiert wie in keinem Jahr zuvor. Keinen Überblick habe ich darüber, wie viele ich zusätzlich gehört habe. Sicher weiß ich aber, dass die Konkurrenz in diesem Jahr erstaunlich hoch war. Allein mit den hochkarätigen Veröffentlichungen, die in meiner persönlichen Top 25 keinen Platz mehr gefunden haben, könnte ich eine eigene Liste füllen und wäre mit dem Resultat zufrieden.

Eine Erwähnung verdient haben einige Scheiben dennoch: So sorgten AARA mit dem melodisch-wilden „Eiger“ für erstaunlich zugängliche Augenblicke der Raserei, während PRAISE THE PLAGUE mich mit „Suffocating In The Current Of Time“ gelegentlich tief in den Abgrund ziehen durften. Positiv überrascht haben mich CEMETERY SKYLINE mit ihrem Debüt „Nordic Gothic“, wobei das nicht der einzige neue Name ist, der Eindruck hinterließ. AVRALIZE zeigten mit „Freaks“, dass auch der moderne Metalcore noch Spaß machen kann, während FALL OF SERENITY mit „Open Wide, O Hell“ ein kurzweiliges Comeback hinlegten.

So mancher etablierte Act blieb 2024 hinter den Erwartungen

Einen großen Schritt nach vorne machen außerdem GHØSTKID mit „Hollywood Suicide“, während sich CYPECORE auf „Make Me Real“ ein wenig reflektierter und gereift präsentierten. Mit „Dormant“ etablierten sich HIRAES außerdem als die lebendigeren ARCH ENEMY, SEAR BLISS überzeugten mich auf „Heavenly Down“ von den Vorzügen einer Posaune und FLESHGOD APOCALYPSE schafften auf „Opera“ den Spagat zwischen Symphonic-Bombast, Härte und Eingängigkeit. Brachial ging es bei KNOCKED LOOSE („You Won’t Go Before You’re Supposed To”) zu, wobei die technische Seite von JOB FOR A COWBOYs “Moon Healer” ebenfalls ihren Reiz hatte.

So vielfältig wie hier gestaltet sich schließlich auch die Top 25, deren Reihenfolge deshalb auch so schwer festzulegen ist und mit Ausnahme der Pole Position sicherlich auch bis zu einem gewissen Grad als fluktuierend betrachtet werden darf. Bevor es losgeht, muss jedoch Zeit für ein wenig Ernüchterung bleiben: BORKNAGAR schrieben mit „True North“ mein Album des Jahres 2019, schaffen es mit „Fall“ nun aber nicht einmal in die folgende Liste. Die Platte ist eigentlich gut, aber langfristig fehlt es an Attraktivität. ERRA wiederum haben mit „Cure“ einen Schritt hin zur Beliebigkeit vollzogen. Sicherlich keine schlechte Platte, doch nach „Erra“ (2021) leider eine mittelschwere Enttäuschung. Der entscheidende Funken ging in meinem Fall auch bei ZEAL & ARDORs „Greif“ verloren. Ein wunderbar abwechslungsreiches und hochwertiges Album, das ich zum Ende des Jahres aber kaum noch auflegen wollte: Für mich fehlte auf lange Sicht leider doch der Punch.

25. MONO: Oath

Wie so oft bei instrumentaler Musik ist „Oath“ ein Album für gewisse Stunden. Erstaunlicherweise waren jene in meinem Fall häufig abends auf dem Bett: Kopfhörer auf, Augen zu und davonschweben. Dass ich im Laufe der 71 Minuten vielleicht auch mal weggedöst bin, will ich MONO gar nicht vorhalten, obwohl die Platte letztlich durchaus etwas straffer hätte sein können. Vielmehr sehe ich es als Beleg für die wohlige und geborgene Atmosphäre, die der Post Rock beizeiten heraufbeschwört. In seinen besten Momenten ist „Oath“ schlicht wunderschön und herzerwärmend – sich von den Klangwelten der Japaner zu lösen dann eine nahezu undenkbare Aufgabe.

24. ENTERPRISE EARTH: Death: An Anthology

ENTERPRISE EARTH führen den Deathcore in eine neue Ära: „Death: An Anthology“ ist ein heterogener Genre-Cocktail, der vorwiegend durch sein lyrisches Konzept zusammengehalten wird. Das genügt jedoch, um die Experimentierfreude der Formation auf Albumlänge zu rechtfertigen. Eine Stunde lang probiert sich die Band in verschiedensten Stilen, packt instrumentale Ausflüge neben Thrash-Vibes und völlig ungezügelte Passagen. Die künftige Speerspitze des Genres? Gut möglich, wenngleich die US-Amerikaner ihren Hörer:innen hier einiges abverlangen.

23. ANY GIVEN DAY: Limitless

Eigentlich war ich ja leicht enttäuscht von „Limitless“. Und eigentlich bin ich es immer noch, weil ANY GIVEN DAY zu risikoscheu vorgehen und ihrem Potenzial damit nicht gerecht werden. Nichtsdestotrotz hat die Metalcore-Band auch dank Sänger Dennis Diehls charismatischer, voller Singstimme hier eine ganze Menge starker Songs versammelt, die zum Workout genauso geeignet sind wie zur entspannten Fahrt über die Autobahn. In gewisser Weise ist „Limitless“ für mich Metalcore-Comfort-Food, das wohl auch genau aus diesem Grund regelmäßig in der Rotation landen durfte. Zumal ANY GIVEN DAY hier mit „Get That Done“ einen lupenreinen Genre-Hit an den Anfang stellen und gegen Ende mit dem überragenden „Broken Guardian“ eine unkaputtbare Hymne hinterherschieben.

22. NEAERA: All Is Dust

Entschlossen, rebellisch und reflektiert: Auf „All Is Dust“ setzen NEAERA auf ihre bewährten Stärken, ohne sich Neuem zu verschließen. Das Ergebnis ist ein ungemein konstantes Metalcore-Album, das sich für den Blick über den Tellerrand nicht zu schade ist. Ob Melodic Death- oder Black Metal-Vibes: Die Band verlagert den Schwerpunkt gekonnt, ohne die eigenen Trademarks unter den Tisch fallen zu lassen. Einzig die großen Standout-Tracks lässt „All Is Dust“ im Vergleich zu seinen Vorgängern vermissen – dafür bleibt das Niveau auf einem gleichbleibend hohen Level.

21. ALCEST: Les Chants De l’Aurore

ALCEST mögen nicht mehr den rohen Charakter des Debütalbums pflegen, laden anno 2024 aber mit dem charmanten „Les Chants De l’Aurore“ zum Tagträumen ein. Auch deshalb könnte der Titel kaum besser gewählt sein. Die Lieder der Morgenröte nehmen uns behutsam in den Arm und geben uns das zurück, was wir dieser Tage fast schon verloren glaubten: ein Stückchen heile Welt.

20. GAEREA: Coma

Eines wird schnell deutlich: GAEREA erweitern auf „Coma“ ihr stilistisches Spektrum in angenehm dezenter Weise. Die Vision der Portugiesen bleibt so weiterhin klar erkennbar, während bewusst neue Räume erschlossen werden. Die Balance aus Atmosphäre und der Intensität des Black Metals gelingt der Formation mit Leichtigkeit, während punktuell Post-Rock- und sogar Post-Hardcore-Anleihen Einzug erhalten. Allein kleinere Abstrichte bei der Produktion halten die dynamischen Kompositionen letztlich etwas zurück.

19. GROZA: Nadir

Es ist schön zu sehen, wie sich GROZA mit jedem Album weiterentwickeln und zusehends ihre eigene Identität herausarbeiten. Dass „Nadir“ unter die Haut gehen würde, war nach dem tragischen Verlust ihres Bassisten abzusehen. Wie packend und authentisch die Post Black Metal-Band jedoch die Tristesse navigiert, hatte ich nicht erwartet. Die Emotionen zwischen Trauer, Verzweiflung und roher Wut prägen die Platte und machen die ihr zugrundeliegende Menschlichkeit greifbar.

18. SABLE HILLS: Odyssey

SABLE HILLS huldigen den Klassikern des Metalcore mit erfrischendem Enthusiasmus. Eingängig sowie energiegeladen pflügen die Japaner auf diese Weise durch elf Tracks und verknüpfen Melodeath-Riffing mit krachenden Breakdowns, als hätten die vergangenen anderthalb Dekaden Stilevolution nie stattgefunden. „Odyssey“ steht somit auch für den unermüdlichen Drive einer fast schon verloren geglaubten Ära. Hätten wir gewusst, dass auf der anderen Seite der Halbkugel weiterhin mit so viel Spaß und Leidenschaft gerifft wird, wir hätten uns schon lange ins Flugzeug gesetzt.

17. IMMINENCE: The Black

Durchdacht und erwachsen präsentieren sich IMMINENCE mit ihrem ersten Schritt in die Unabhängigkeit. Ohne Plattenlabel, aber mit klarer Idee heben die Schweden ihren modernen Metalcore auf eine neue Stufe. IN FLAMES-Einflüsse und eine ungemein elegant eingebundene Violine helfen bei der Ausarbeitung einer eigenen Identität. Somit gelingt auch die Reifeprüfung trotz arg klischeehafter Texte: „The Black“ ist ein Coming-of-Age-Werk, das genau weiß, was es will.

16. SEEYOUSPACECOWBOY: Coup de Grâce

Selbst mit nun überraschend melodischer Grundausrichtung legen sich SEEYOUSPACECOWBOY nicht an die Leine, um sich krampfhaft anzubiedern. Stattdessen setzt sich die Formation schlicht keine Grenzen mehr, solange das Resultat der eigenen Vision dient. Das macht „Coup de Grâce” selbstverständlich noch lange nicht zu einem Fall von Easy Listening. Eingängigen Gesangslinien stellt die Band zerfahren wirkende, doch kontrolliert umgesetzte Eruptionen entgegen. Kurzum, SEEYOUSPACECOWBOY verstehen es hervorragend, die Mathcore-Essenz der Vorgängeralben in zugänglichere Bahnen zu lenken.

15. NYKTOPHOBIA: To The Stars

Auf dem Schirm hatte ich NYKTOPHOBIA Anfang 2024 tatsächlich nicht. Doch dann kam „To The Stars“, das mit Charakter und Songwriting-Kompetenz meine Erwartungshaltung schlagartig auf den Kopf stellte. Mit vertrauten Anleihen, doch eigener Handschrift hält die Band ihre SciFi-Story durchweg spannend und lässt mich nach den letzten Klängen von“ Voyager 1“ mit einem deutlichen Fazit zurück: Nur selten wird atmosphärischer Melodic Death Metal schöner gespielt.

14. UNLEASH THE ARCHERS: Phantoma

Das diesmal ausgelebte Faible für Zugänglichkeit ist wohl die größte Besonderheit und – sofern man sich damit anfreunden kann – auch die größte Stärke von „Phantoma“. Mit ihrer Konzeptstory über eine Künstliche Intelligenz setzen UNLEASH THE ARCHERS vorwiegend auf klare Melodieführung und zuckrige Harmonien. Da ich aber für die eingängige Seite der Kanadier schon immer eine Schwäche hatte, fiel mir die Umstellung erstaunlich leicht. Wie viel Herzblut und Leben in „Phantoma“ steckt, belegt schließlich nicht nur die Überhymne „Ghosts In The Mist“, die sodann auch mein meistgehörter Song des Jahres war. Dass der Platte zum Schluss hin etwas die Luft ausgeht, ist natürlich schade. Doch am Ende überwiegen die großen Momente und von denen gibt es dank Sängerin Brittney Slayes so einige.

13. TENSIDE: Come Alive Dying

Zugänglicher und im Songwriting versierter präsentieren sich TENSIDE im Jahr 2024: Noch nie wirkte die Vision der vier Musiker klarer als auf ihrem achten Studiowerk, das zuvorderst von Evolution geprägt scheint: ein logischer Schritt in die Zukunft auf dem Fundament der Vergangenheit. Ein Erfolg, weil sich in „Come Alive Dying“ nicht nur das Selbstbewusstsein der Band, sondern auch die gezogenen Lehren der vergangenen Jahre spiegeln. Dafür stehen Hits wie „Silence Is Betrayal“ oder „Dust Of The Bereaved”, aber auch die Vielseitigkeit des Modern Metals der Münchner.

12. BLOOD INCANTATION: Absolute Elsewhere

Was gibt es zu diesem Album noch zu sagen, was Kollege Mirko in seiner als Rezension getarnten Dissertation nicht bereits gesagt hat? Okay, vom perfekten Death-Metal-Album möchte ich (noch) nicht sprechen, dafür fehlt mir noch etwas Zeit mit dem durchaus fordernden „Absolute Elsewhere“. Doch ganz Unrecht hat er mit seiner Beobachtung sicherlich nicht, wenn er BLOOD INCANTATION als Schöpfer einer „neuen musikalischen Dimension“ sieht. Die Art und Weise, wie hier Death Metal, Prog und Ambient zu einem großen Ganzen verschmelzen, ist ganz großes Kino.

11. ULCERATE: Cutting The Throat Of God

Was für ein Brocken. Allzu häufig kann ich „Cutting The Throat Of God” tatsächlich nicht einlegen, denn was ULCERATE hier abgeliefert haben, taugt nicht zum lockeren Nebenbei-Hören. Ruhe und Zeit brauche ich für die sieben Tracks, die am besten mit Kopfhörern wirken. Dann aber lädt die dichte Klangwelt zum Versinken ein: sich den Grooves hingeben, inmitten der atmosphärisch-dissonanten Riffs die Orientierung verlieren und doch die Richtung beizubehalten. „Cutting The Throat Of God“ ist eine Herausforderung, aber auch ein tiefgreifendes Erlebnis.

10. OPETH: The Last Will And Testament

Eigentlich haben OPETH ja Recht: Es ist tatsächlich unverhältnismäßig, die Rückkehr von Mikael Åkerfeldts Growls nach anderthalb Dekaden so sehr in den Fokus zu rücken. Doch auch für mich sind sie das eine Puzzleteil, das mir die vergangenen 15 Jahre gefehlt hat. „The Last Will And Testament“ bringt damit auch die pechschwarze Atmosphäre zurück, die ich an „Ghost Reveries“ (2005) so sehr geliebt habe. Obwohl OPETH anno 2024 ansonsten überhaupt nicht eingängig, sondern so progressiv und vertrackt unterwegs sind wie lange nicht mehr, kam ich der düsteren Grundstimmung nicht aus. Dazu tragen die harschen Vocals eben auch ihren Teil bei. Fertig bin ich mit dem Werk zum Ende des Jahres übrigens immer noch nicht: Mit jedem Durchlauf öffnet sich die Platte mehr – es ist gut möglich, dass ich „The Last Will And Testament“ mit etwas mehr Zeit durchaus noch weiter oben angesiedelt hätte.

9. WORMWOOD: The Star

Eine Überraschung selbst für mich: Nach dem Release im Frühjahr hatte ich „The Star“ zunächst schnell wieder vergessen und erst zum Jahresende wieder für mich entdeckt. Natürlich beschreiten WORMWOOD hier kein neues Terrain, was möglicherweise auch der Grund für die zwischenzeitliche Auszeit in meiner Anlage war. Doch schlussendlich fing mich der melodische Post Black Metal wieder ein und hinterließ bleibende Spuren. Als würdiges Finale der eigenen „Todestrilogie“ begleiten die Skandinavier das Ende des Universums mit teils wundervollen Leadgitarren und einem seltsamen Gefühl der Gelassenheit. Als hätten WORMWOOD ihren Frieden mit dem unausweichlichen Schicksal gemacht, finden auch wir Trost und Geborgenheit in diesen teils ausschweifenden, teils losgelösten Kompositionen. Schön.

8. DARKEST HOUR: Perpetual | Terminal

Direkt an der Grenze zwischen Melodic Death Metal und klassischem Metalcore fliegen DARKEST HOUR seit Jahrzehnten schon unter dem Radar. In einer gerechten Welt sähe das freilich anders aus, schließlich ist „Perpetual | Terminal“ gespickt mit Hits und großen Melodien. Der Refrain von „The Nihilist Undone“ wächst zu enormer Größe, der Titeltrack marschiert munter vorneweg und das abschließende „Goddess Of War, Give Me Something To Die For“ endet mit wundervoller Gitarrenarbeit. Dazwischen drehen die US-Amerikaner auch an der Härteschraube, lassen etwas mehr den Thrash oder Hardcore sprechen und servieren so ein durchaus breitgefächertes Gesamtwerk, das mir über die Monate tatsächlich immer mehr ans Herz gewachsen ist.

7. PERCHTA: D’Muata

Auf ihrem Zweitwerk zeigen sich PERCHTA erstaunlich gefestigt, indem sie ihren einzigartigen Charakter mit noch mehr Feinsinn ausarbeiten. Originell und erfrischend umgesetzt, schreckt „D’Muata“ nicht davor zurück, im Zweifelsfall eben nicht die üblichen Klischees zu bedienen, sondern thematisch anzuecken – und damit hoffentlich auch die Vorstellung dessen zu erweitern, was wir gemeinhin mit dem Black Metal in Verbindung bringen. Das gelingt in gleichen Teilen durch die heimatverbundenen Folk-Einflüsse sowie die in Tiroler Mundart verfassten Texte. Die Art und Weise, wie etwa Sängerin Frau Percht in „Hebamm“ die namengebende Profession mit all ihren Widrigkeiten umschreibt und letztlich doch nicht umhinkommt, darin die eigene Berufung zu sehen, geht tatsächlich unter die Haut.

6. NESTOR: Teenage Rebel

Ein weiteres Album, mit dem ich eigentlich nicht gerechnet hatte, das sich mir nach zwei hervorragenden Live-Shows aber schließlich unweigerlich aufdrängte. Natürlich darf man sich auch auf diesem Zweitwerk von NESTOR auf eine Reise in die Vergangenheit mitnehmen lassen, sich wieder jung fühlen; als der Geschmack der Freiheit noch mit jedem Atemzug auf der Zunge lag. Doch ist Nostalgie eben nur ein Teil der Antwort, die dem Geheimnis der Schweden zugrunde liegt. „Teenage Rebel“ erinnert gleichzeitig auch an das, was wir im Erwachsenenalter viel zu oft vergessen: Wir dürfen niemals aufhören zu träumen und zu glauben, dass alles möglich sei. Genau darin bestärken uns NESTOR auf wunderbar charmante Weise.

5. BRING ME THE HORIZON: POST HUMAN: NeX Gen

Dass „NeX Gen“ vermutlich mein meistgehörtes Album des Jahres ist, darf man wohl dem Streaming-Algorithmus in die Schuhe schieben, der die Tracks der Briten ständig in die generierten Playlisten geschmuggelt hat. Nicht ganz ohne Grund allerdings, denn was BRING ME THE HORIZON auch 2024 noch auszeichnet, ist der Mut, sich weiterhin keine Ketten anzulegen. Grundsätzlich hält „POST HUMAN: NeX GEn“ von Anfang bis Ende ständig frische und unverbrauchte Ideen bereit, die sich allerdings in cleverer Weise ein mainstream-orientiertes Kleid überziehen. Dass es sich dabei weniger um Kalkül oder erkaufte Zugeständnisse handelt, denn um puren kreativen Ausdruck, belegt am Ende des Tages die Vielfalt, mit der BRING ME THE HORIZON rund eine Stunde Musik füllen können. Nicht immer tiefgreifend, aber ein perfekter Begleiter für den Alltag.

4. VOLA: Friend Of A Phantom

Modern Prog trifft Alternative: VOLA vermengen auf „Friend Of A Phantom“ das Beste aus beiden Welten. Die Kontraste spielen die Skandinavier dabei geschmackvoll gegeneinander aus und agieren so in einer erstaunlich zugänglichen, doch hochspannenden Schnittmenge. Djent-Riffing, lebendige Synthesizer und Frontmann Asgers schmeichelnde Singstimme lassen die Kompositionen stets greifbar erscheinen. Dass der Höhepunkt mit der Anders Fridén-Kollaboration (IN FLAMES) „Cannibal“ bereits am Anfang steht, trübt den Gesamteindruck keineswegs: Auch im weiteren Verlauf geizen VOLA nicht mit magischen Momenten.

3. CHAPEL OF DISEASE: Echoes Of Light

Der Einfachheit halber könnte ich hier auf Kollege Christophs Rezension zu „Echoes Of Light“ verweisen, die für meine Begriffe den Nagel auf den Kopf trifft. Die Experimentierfreude und der Abwechslungsreichtum, mit dem sich CHAPEL OF DISEASE dem Death Metal nähern und ihn in etwas vollkommen Neues transformieren, ist außergewöhnlich. Die Genre-Referenzen, welcher sich die Formation bedient, sind so mannigfaltig wie das Endresultat gewaltig. Einziger kleiner Kritikpunkt eines sonst makellosen Werks: Der Klargesang ist gerade so zweckmäßig, was insbesondere das achtminütige „Shallow Nights“ etwas zu lang währen lässt.

2. DARK TRANQUILLITY: Endtime Signals

Entschlossen und standhaft präsentieren sich DARK TRANQUILLITY auf „Endtime Signals“, das wie seine Vorgänger auch von Keyboarder Martin Brändströms unverkennbarer Handschrift profitiert. Anders als „Moment“ (2020) zeigen die Schweden hier punktuell aber wieder mehr Biss, ohne den reflektierten Ansatz der jüngeren Vergangenheit abzulegen. Konstant und ohne Ausfall spielt man somit auch nach all den Jahren immer noch in der obersten Liga. Natürlich profitiert „Endtime Signals“ in meinem Fall etwas vom Lieblingsband-Bonus, doch so lange DARK TRANQUILLITY verlässlich diese Qualität abliefern, haben sie in meiner Topliste auch immer einen Platz weit vorne sicher.

1. IOTUNN: Kinship

„Kinship“ ist ein gewaltiges Werk: Statt zahlloser Wendungen setzen IOTUNN auf die Weitläufigkeit ihrer Stücke, die auf diese Weise den Tiefgang nicht für mehr Zugänglichkeit opfern müssen. Dadurch kann die Formation allerlei Genres ineinanderfließen lassen, um so ein ungemein vielschichtiges Progressive-Metal-Opus zu erschaffen. Dennoch verlieren die Skandinavier bei aller Ambition nicht das Wesentliche aus den Augen. Fokussiertes Songwriting und eine fabelhafte Gesangsperformance prägen den Nachfolger des ebenfalls ausgezeichneten „Access All Worlds“ (2021). „Kinship“ mag ein so simples Wort sein. Aus der Feder IOTUNNs jedoch entsprießt ihm eine gewaltige Welt, in der wir uns plötzlich ganz klein fühlen.

FALLING IN REVERSE: Popular Monster

Willkommen zur Ronnie-Radke-Show: Auf „Popular Monster“ kennt der FALLING IN REVERSE-Frontmann nur ein Thema: sich selbst. Und damit ist eigentlich schon klar, weshalb das Album völlig ungenießbar ist. Kunst vom Künstler zu trennen ist dadurch im Falle des narzisstischen Egomanen schlicht nicht möglich. Radke jammert, schimpft und wettert gegen die „Cancel Culture“, während er selbst die größte Schneeflocke von allen ist. Peinliche Country-Anleihen und der immergleiche Breakdown in gefühlt jedem zweiten Song sind dann wohl die letzten Nägel im Sarg.

THE GHOST INSIDE: Searching For Solace

THE GHOST INSIDE passen sich an: Die eigene Identität geht über Bord, während sich „Searching For Solace“ mit süßlichem Songwriting am Radio-Format versucht. Ich war nie der allergrößte Fan der US-Amerikaner, konnte aber dem durchaus individuellen Stil einiges abgewinnen. Davon ist jetzt nicht mehr viel übrig: Mit externem Songwriter schielt man nun auf die Octanecore-Hörerschaft. Maximal generisch und dadurch schlicht langweilig.

WAGE WAR: Stigma

Berechenbar und zweckmäßig: Mit „Stigma“ präsentieren sich WAGE WAR erstaunlich ambitionslos, indem sie nun vollends auf die Radiocore-Schiene aufspringen. Die Band eiert mit angezogener Handbremse durch zehn Stücke, die so plump sind, dass es fast schon unverschämt erscheint. Ein Album, das zum Vergessen wäre, würde überhaupt irgendetwas kurzzeitig hängen bleiben.

POWERWOLF: Wake Up The Wicked

Noch nie waren POWERWOLF so berechenbar wie auf dem routinierten und risikoscheuen „Wake Up The Wicked“. Es ist tatsächlich ein Jammer, denn eigentlich sind hier talentierte und sympathische Musiker am Werk, die aber angesichts des todsicheren Erfolgsrezepts der letzten Jahre einfach weiter ihr gleichbleibendes Süppchen kochen. Nur schmeckt das eben ohne frische Würze mittlerweile doch recht fad. Dass SABATON mittlerweile die mutigeren Songschreiber sind, sagt eigentlich alles.

NESTOR am 4. November 2024 in der Backstage Halle, München

„[…] Stilsicher sind NESTOR somit vom ersten Augenblick an, als das Intro „The Law Of Jante“ den aufpeitschenden Klängen des Openers „We Come Alive“ weicht. Spätestens der ohrenbetäubende Beifall im Anschluss setzt das ganze Spektakel in Relation: In gerade einmal drei Jahren sind die Skandinavier vom obskuren Geheimtipp zum ernstzunehmenden Main-Event gewachsen. […]“

HEALTH am 24. Oktober 2024 in der Backstage Halle, München

„[…] Die Rahmenbedingungen lassen also wenig zu wünschen übrig, weshalb die angeteaserte ‚HEALTH Experience‘ auch in München beste Voraussetzungen genießen kann. Dass diese alle möglichen Überraschungen umfassen kann, haben wir ja bereits dargelegt, einen crowdsurfenden Hai hatte aber nicht einmal Jake Duzsik auf dem Schirm. […]“

VOLA am 15. November 2024 in der Backstage Halle, München

„[…] Überhaupt treffen die Kompositionen der Band im Live-Format ein ganzes Stück heftiger ins Mark, als wir es von Zuhause gewohnt sind. Die zusätzliche Härte tut altem Material wie „Gutter Moon“ oder „Starburn“ ebenso gut wie den jüngeren Nummern à la „Paper Wolf“ oder „Bleed Out“, deren metallisches Riffing respektive Breakdown ohnehin wie geschaffen für die Bühne sind. […]“

DARK TRANQUILLITY am 13. August 2024 auf dem SUMMER BREEZE

Das breite Grinsen vieler Anhänger:innen ist auch uns ins Gesicht geschrieben, weil wir hier in vergleichsweise intimem Rahmen einen unserer absoluten Lieblingsacts erleben dürfen; weil die Songauswahl eine besondere Aura in die angenehm kühle Nachtluft zaubert und weil diese Bindung zwischen Band und Publikum irgendwie magisch erscheint.

MOONSPELL am 16. August 2024 auf dem SUMMER BREEZE

„[…] Von Beginn bis Ende verlieren wir uns schnell im Sound der Portugiesen, deren Frühwerk mit „Mephisto“, „Alma Mater“ oder dem Schlusspunkt „Full Moon Madness“ zielstrebig unter die Haut geht und deren Ende uns daher umso schmerzlicher zurück in die Realität befördert.“

HEAVEN SHALL BURN am 17. August 2024 auf dem SUMMER BREEZE

„[…] Früh wird zu „Übermacht“ im Takt gesprungen, bevor Maik Weichert im Evergreen „Behind A Wall Of Silence“ nicht bloß einen, sondern mehrere Circle Pits fordert: So viele, wie es olympische Ringe gebe, fordert der Gitarrist, um es den Freunden von GOJIRA zu zeigen. Sie mögen bei Olympia spielen, doch gleichzeitig spiele Olympia bei HEAVEN SHALL BURN. Oder eben heute in Dinkelsbühl, denn wenig später rotiert es in gefühlt jeder Ecke des Areals. […]“

DARK TRANQUILLITY am 7. November 2024 im Backstage Werk, München

„[…] Zwischen neuem Material à la „Our Disconnect“ und der Rarität „Empty Me“, die man erstmals für die Überraschungsshow auf dem SUMMER BREEZE 2024 ausgegraben hatte, kommt es so zu keinerlei Längen. Selbst die Pause vor der geplanten Zugabe halten DARK TRANQUILLITY erfrischend kurz, um schließlich mit drei Live-Krachern auch die letzten Energiereserven aus uns herauszuholen. […]“

IN FLAMES am 20. Oktober 2024 im Zenith, München

„[…] Als sich im Anschluss mit „Meet Your Maker“ das Bühnenbild ein letztes Mal wandelt und im Hintergrund eine übergroße „Jesterhead“-Replik unserer begrenzten Zeit auf Erden gemahnt, haben IN FLAMES das Publikum schon längst für sich gewonnen. Spielfreudig und gut gelaunt suchen die Gitarristen Björn Gelotte und Chris Broderick den Blickkontakt zu den vorderen Reihen und ernten in „The Mirror’s Truth“ nur zu gerne den Sturm, den sie säen: Ohne stattlichen Circle Pit darf man heutzutage schließlich keine Metal-Show beenden. […]“

CYPECORE am 27. April 2024 in der Backstage Halle, München

„[…] Ohnehin scheinen Band und Zuschauerschaft heute als Einheit zu funktionieren, wie die Stimmgewalt der Münchner:innen während des passend betitelten „The Alliance“ nur allzu gut unterstreicht. Zwischen Moshpit und CO2-Kanone zelebriert man den Höhepunkt des Abends gemeinsam, bevor „The Void“ zum Ende die Intensität in wohlüberlegter Weise zurückfährt. […]“

ORBIT CULTURE am 18. März 2024 im Hansa 39, München

„[…] Das Engagements des Frontmanns in allen Ehren, ist es aber letztendlich doch das hiesige Publikum, das über weite Strecken die Hauptrolle zu übernehmen scheint. Nicht nur wird der früh gespielte Hit „North Star Of Nija“ geradezu euphorisch umjubelt, auch im bald folgenden „The Shadowing“ beweisen die Anhänger:innen ORBIT CULTUREs ihre Textsicherheit. […]“

Musiktechnisch waren meine Höhepunkte natürlich wieder die beiden Open Airs, die ich besucht habe: Das WISDOM TOOTH FESTIVAL 2024 entpuppte sich trotz Wetterchaos abermals als eine kleine und rundum sympathische Veranstaltung, auf der wir viele neue Bekanntschaften schließen durften. Ungleich größer, aber immer etwas Besonderes ist dann im August das SUMMER BREEZE in Dinkelsbühl, wo es uns aus gutem Grund jedes Jahr aufs Neue hinzieht.

Privat bleibt auch einiges in guter Erinnerung. So war der Kletterurlaub im Zillertal zwar vergleichsweise kurz, doch dafür umso erfüllender. Auch habe ich nach mehrjähriger Abstinenz meine Liebe zu Freizeitparks und Achterbahnen wiederentdeckt und konnte mir dabei endlich auch einen kleinen Kindheitstraum erfüllen.

Ernüchternd empfinde ich weiterhin die aktuelle gesellschaftliche Entwicklung, insbesondere das Erstarken rechtsextremer Parteien und Ideologien. Besonders schmerzt mich dabei, wie derlei Gedankengut auch in unserer Szene immer stärker Fuß zu fassen scheint. Dass nun diverse Labels und Festivals rechte und antidemokratische Stimmen Willkommen heißen und damit auch abscheulichen Ideologien eine Plattform bieten, hat mich tatsächlich getroffen.

Zum Abschluss gibt’s wie jedes Jahr eine Reihe willkürlicher Auszeichnungen meinerseits.

Bestes Albumcover: FIT FOR AN AUTOPSY: The Nothing That is

Schlechtestes Albumcover: DYMYTRY: Five Angry Men

Meistgehörter Song: UNLEASH THE ARCHERS – Ghosts In The Mist

Emotionalster Song: PERCHTA – Hebamm

Beste Eigenproduktion: IMMINENCE: The Black

Unheiligste Atmosphäre: OPETH: The Last Will And Testament

Nostalgischstes Oldschool-Feeling: NIGHT IN GALES: Shadowreaper

Bestes Drama: AS I LAY DYING verlieren kurz vor Albumrelease alle Mitglieder

Bestes Comeback: JOB FOR A COWBOY: Moon Healer

Bester Newcomer: AVRALIZE: Freaks

Bester Jumpscare: Frau Perchts (PERCHTA) Auftritt auf der Galerie der Backstage Halle (DARK EASTER METAL MEETING)

Bestes Gimmick: Surfender Hai auf dem HEALTH-Konzert in München

Beste Choreo: ARCH ENEMY

Schlimmster Stilbruch: THE GHOST INSIDE: Searching For Solace

Bester Albentitel: CALIGULA’S HORSE: Charcoal Grace

Bester Songtitel: CHAPEL OF DISEASE – A Death Though No Loss

Bester Breakdown: SHADOW OF INTENT – Flying The Black Flag

Beste Neuaufnahme: NEBELKRÄHE: entfremdet (2024)

Beste SABATON-Imitation: KANONENFIEBER

Deutsche Diggy Hole: KANONENFIEBER – Der Maulwurf

Dämlichster Trend: Fake-Lichter und -Reflektionen auf Konzertfotos. Lieber eigene Identität als nur zu kopieren.

Metal of Honor: Nicko McBrain, weil er nach so vielen Jahren bei IRON MAIDEN den für sich richtigen Entschluss gefasst hat.

Größte Quasseltante (live): Jules Mitch (SETYØURSAILS)

Familiärstes Festival: WISDOM TOOTH FESTIVAL

Lustloseste Live-Performance: SPIRITBOX auf dem SUMMER BREEZE 2024

Beste Konzertlocation: Backstage München

Beste Security: Grabenschlampen

Beste Videospiele:

1. Elden Ring: Shadow Of The Erdtree (2024)
2. Lies Of P (2023)
3. Super Metroid (1994)

Leider weiß ich nicht, wie viele Alben ich eigentlich zumindest kurz angehört habe, aber es werden deutlich weniger als die rund 16.000 neuen Metal-Alben sein, die laut der Encyclopedia Metallum 2024 erschienen sind. Da man theoretisch jedes Einzelne davon mit ein-zwei Klicks sofort anhören kann, ist es jedes Jahr aufs Neue eine Herausforderung, sich auf neue Musik einzulassen (und trotzdem hin und wieder alte Lieblinge zu hören – z.B. hatte ich dieses Jahr die Gelegenheit, nach drölfzig Jahren mal wieder „My Arms, Your Hearse“ von OPETH zu hören und musste dabei feststellen, dass es wirklich Lichtjahre besser ist als das neue Album, sorry, Andi, es sind einfach die besseren Songs drauf!). Ich habe es dennoch getan und gefühlt häufiger als sonst den „Das müsste mir doch gefallen, wieso tut sich da nichts?“-Effekt verspürt, und manche alten Recken enttäuschten mich auch (hallo BORKNAGAR, „Fall“ war leider nichts für mich). Aber genau das macht es ja immer wieder so spannend! Und deshalb danke an Andrea und Markus, dass sie das hier weiter machen und mir ein Forum bieten. Aber auch danke an das Deaf-Forever-Forum, das mich wieder etwas mehr motiviert hat zu schreiben und aus dem ich einiges an Anregungen entnehmen konnte.

Hier also meine Essenz aus den 16.000 + X:

INFANT ISLAND: Obsidian Wreath

Der Punk in mir liebt es, an dieser Stelle ein Album des Jahres zu präsentieren, das nur wenige Leute hierzulande auf dem Zettel haben. Das trifft hier zu, aber „Obsidian Wreath“ ist auch so einfach überwältigend gut. Und ich hätte wirklich nie gedacht, dass mich ein Screamo/Skramz-Album nochmal so packt. Es ist wohl ein Zeichen der Zeit.

HORN: Daudswiärk

„Daudswiärk“ war mein Einstieg in das Schaffen von HORN und blieb das ganze Jahr über ein heißer Anwärter auf den ersten Platz in dieser Liste. Der Mann hat ein unglaubliches Händchen für Hits, und sein Umgang mit Sprache ist beeindruckend – ich habe eine Zeitlang fast nur HORN gehört dieses Jahr („Turm am Hang“, „Mohngang“ und eben „Daudswiärk“). Dass das westfälische Platt hier mal im Metal gewürdigt wird, mag für mich dabei der Schlüssel zu meiner Begeisterung gewesen sein, denn auf dem platten westfälischen Land befinde ich mich mittlerweile selber oft. Zum Glück muss ich dabei keinen knöchernen Pflug ziehen!

ANGEL SWORD: World Fighter

Jedes Jahr finde ich irgendwann und irgendwo mindestens ein traditionelles Metal-Album, das ich wochenlang nicht mehr aus den Ohren rauskriege. Das Label Dying Victims ist dafür eine erstklassige Adresse – so auch hier. ANGEL SWORD kommen aus Finnland – und das hört man aber sowas von: Diese Mischung aus dem wahren Heavy Metal und finnisch-versoffener Melancholie ist einzigartig.

IOTUNN: Kinship

Es ist ja so: Wird ein Album von Fans und Presse gleichermaßen in den Himmel gelobt, kann es mir eigentlich schonmal nicht gefallen. „Kinship“ hat mich trotzdem gepackt und nicht mehr losgelassen, so scheißengut ist es. Ich erinnere mich an einen Hördurchlauf – es war bestimmt der Zwanzigste oder so – während eines Spaziergangs, bei dem ich der festen Überzeugung war, dass es noch nie ein schöneres, packenderes, emotionaleres Metal-Album gegeben haben konnte. Hier stimmt wirklich jede Sekunde, es ist nahezu perfekt, allein der Gesang ist eine Offenbarung sondergleichen, und für „Mistland“ hat Costin Chiorianu ein starkes Musikvideo geschaffen.

LAUDARE: Requiem

Das Schönste an „Requiem“ ist, dass es ungemein hohe Ansprüche hat und dabei sogar meist ins Schwarze trifft, aber am Ende doch nicht verhehlen kann, dass die Band einen Punk-Hintergrund hat. Diese Mischung macht den Zauber aus – und natürlich die Originalität, denn ein Post-Metal-Hardcore-Kammermusik-Chor-Werk als Requiem komplett in Latein dargeboten, sowas gibt es ja nun wirklich kein zweites Mal.

UNGFELL: De Ghörnt

Wie sympathisch kann man bitte sein? UNGFELL sagen: Joar! Das ist Black Metal Punk mit hohem musikalischem und sogar komischem Anspruch (das Cover mit dem Bild des lieben Rollibocks z.B. regt mich wieder mal mindestens zum Schmunzeln an), rockt wie nichts Gutes und macht einfach süchtig, bis hin zum Finale des Jahres, so ein schönes Lied, „Die Geischt vom Märjelesee“, ich muss es direkt nochmal hören!

BRÜNNDL: Brünndl 2024

Dritte Veröffentlichung, das dritte Mal ohne Titel – interessantes Konzept, aber warum nicht. Die 2024er Inkarnation von BRÜNNDL jedenfalls erscheint erst sperrig, dann jedoch immer charmanter und will irgendwann Herz und Ohr gar nicht mehr verlassen: Folk im Black-Metal-Gewand, wie UNGFELL ebenfalls aus den Alpen, aber eine große Spur ernsthafter. Schon komisch, dass mir alpine Musik gerade so viel gibt, ich würde da freiwillig nicht hinfahren – viel zu hügelig!

CURTA’N WALL: YR GWYDDBWYLL

„Siege Ubsessed!!!“, den Vorgänger dieses Albums, habe ich 2023 zu spät entdeckt, sonst wäre es in meinen Top 5 gelandet. Den Nachfolger nun habe ich mir zwar direkt am Erscheinungstag gekauft, aber da der gute Abysmal Spectre inzwischen ernsthaft ALESTORM und GLORYHAMMER Konkurrenz machen möchte und dafür die Produktion eine Liga höher angesetzt hat, reicht es nur zu Platz 8. Ist aber ja auch nicht schlecht und angesichts der massig Ohrwürmer und immer noch ausreichend verschrobenem Charme hier nur folgerichtig.

SUN WORSHIP: Upon The Hills Of Divination

Jede Sekunde dieses infernalischen Gescheppers ist wüst, erhaben, komplett durch den Wind und doch irgendwie warm und tröstlich. Was für eine besondere Band, was für großartige Musik!

SPERE: Eight – Led To The Beam

Diese PRIMORDIAL– und BATHORY-Huldigung von Niklas (HORN, CROSS VAULT) und Tempestas (HALPHAS, CROSS VAULT) kam überraschend Anfang Dezember digital heraus, ist im Grunde das PRIMORDIAL-Album, das ich seit zehn Jahren von der Band gerne hätte, und wird mit jedem Durchlauf größer: Das ist mächtiger, epischer Heavy/Black Metal, minimalistisch instrumentiert und produziert und gerade dadurch umso kraftvoller. Und Niklas hat einfach eine unfassbare Stimme.

RESPIRE: Hiraeth

Endlich! Endlich ein richtig gutes, ausgereiftes Screamo-Album mit klassischen Instrumenten, endlich eine DIY-Band mit guter Geige! Und guten Songs: „Hiraeth“ zeigt die Kanadier RESPIRE als Songwriter, die die Balance zwischen Chaos und zwingender Eingängigkeit suchen und oft genug auch finden. Außerdem wissen sie offenbar, dass man nicht nur trauern und wüten, sondern vor allem auch lachen muss, um die Welt in Schach zu halten, wie das aufwändige Musikvideo zu „The Sun Sets Without Us“ beweist.

NAXEN: Descending Into A Deeper Darkness

Wenn es zuviel des Bunten wird, muss ein Gegengewicht her: Bei NAXEN gibt es keine Farben, da ist alles einfach schwarz. Auf ihrem Debüt-Album schaffen sie es aber, dieses Schwarz immer wieder interessant leuchten und jeden Ausflug in die triste Großstadt zu einem triumphalen Erlebnis werden zu lassen.

ELDINGAR: Lysistrata

Fünf griechische Männer veröffentlichen ein ungemein intensives, mitreißendes und opulent produziertes Folk-Black-Death-Metal-Album mit feministischem Konzept, dessen Wurzeln bis in die griechische Antike reichen – und finden hierzulande in den Metal-Medien kaum statt. Zu Unrecht, wie ich finde!

GRENDEL’S SYSTER: Katabasis Into The Abaton / Abstieg in die Traumkammer

Diese liebenswerte Band hingegen ist Everybody’s Darling im Metal-Untergrund, und das völlig zu Recht. GRENDEL’S SYSTER hauen einen Ohrwurm nach dem anderen raus und schaffen durch ihre Methode, aus Folk-Songs Metal zu machen und da jeweils sprachlich interessante Gedichte mit philosophischem Anspruch drauf zu packen, etwas Eigenständiges und ausgesprochen Unterhaltsames. Dieses Mal auch mit gut vernehmbaren Bass!

LILJEVARS BRANN: Helja Kor

Ich kann mich zwar einfach nicht entscheiden, ob ich die Entscheidung, ein leidlich nach Skandinavien klingendes Kauderwelsch als Texte zu verwenden, peinlich oder genial finde, aber jedes Mal, wenn ich „Helja Kor“ höre, gelingt es diesem Album, mich in eine Märchenwelt zu versetzen und warme Erinnerungen an jugendliche Ergriffenheit durch seraphische DämmerElben-Musik zu wecken. Wunderschön!

LIMINAL UNDEATH: A Nameless Effigy

Weniger schön ist das ewige Umhertreiben im kalten, leeren All, aber LIMINAL UNDEATH dient diese Vorstellung zumindest als Blaupause für ein erfrischend schönes Album irgendwo zwischen Krautrock und Funeral Doom. Tiefster Untergrund, reine Digital-Veröffentlichung, aber richtig, richtig gut!

THE SHOVEL DANCE COLLECTIVE: The Shovel Dance

Die englische Version von LANKUM? Nein, das wäre zu einfach. THE SHOVEL DANCE COLLECTIVE setzen bei weitem nicht so sehr auf Drones wie die Iren, dafür auf Field Recordings und auf queere Themen („Newcastle“ haben sie ebenfalls vertont, in einer männlichen Version, die jedes Mal schöner wird) und atmen aber ebenfalls jene herzzerreißende Folk-Melancholie, die tiefer geht als jeder Doom. Allein die ersten zehn Minuten, so eine abgründige Interpretation von „Abbots Bromley Horn Dance“ hat man noch nicht gehört, und bei „The Grey Cock“ meint man, eine Folk-Version von ANTONY & THE JOHNSONS zu vernehmen. Zauberhaft.

KONTROLLE: Grau

Die OMA-HANS-Referenz, die sich auf diesem unglaublich guten Wave-/Depro-Punk-Album versteckt, ist nicht der einzige Höhepunkt auf „Grau“ – das Hasslied gegen „Laubbläser“ oder das über „Hüttenschnaps“ oder auch der Abgesang auf „Die Meisten“, ach, eigentlich geht das von Anfang („Paula wird langsam komisch!!“) bis zum Ende („Ich schalt‘ dann um…“) durch, dieses Thema, dass es eigentlich doch nun wirklich auch mal gut ist mit all dem Grau, obwohl man ja selbst mittendrin steckt, tja, machste nix, immer rein in die Suppe.

SOLBRUD: IIII

Weniger ein Album als vielmehr eine vierteilige EP-Sammlung stellt das letzte Werk SOLBRUDs mit Ole Pedersen (AFSKY) am Gesang dar – jeder der vier Musiker durfte eine LP-Seite komponieren, inspiriert jeweils von einem der vier Elemente. Herausgekommen ist ein ob des Ansatzes zum Glück recht kurzweiliges Mammutwerk, das ein paar ganz starke Momente bereit hält und im Atmospheric Black Metal in Zukunft eine Referenz darstellen dürfte. Dazu hat die Band für „For evigt, for altid, forandet“ ein wunderschönes Stop-Motion-Video produziert, das für sich genommen schon ein eindrucksvolles Kunstwerk darstellt.

AVERNUS: Grievances

Grooviger Doom/Death mit Gothic-Einsprengseln? Eigentlich gar nicht mehr meine Baustelle, aber bei diesem Comeback-Album (nach 27 Jahren Pause) hatten die Single „Nemesis“ und das Cover-Artwork ihre Widerhaken so schnell in mir drin, dass kein Widerstand mehr möglich war. Außerdem trifft der Sänger mit seinem Grunzen irgendwie genau die Wellenlänge, die ich dabei brauche. Und diese Melodien! Und überhaupt, ein richtig schönes Album ist das, ich habe es ständig gehört; sogar die eigentlich belanglosen Ambient-Zwischenparts haben mir nichts ausgemacht.

AMETHYST: Throw Down The Gauntlet

Melancholie, Melodie und Machismo: Ich weiß nicht, wie man diese Mischung nicht lieben kann. Dazu noch ein betont beklopptes Cover, Songtitel wie „Queen Of A Thousand Burning Hearts“, Old-School-Videos, ein Sänger mit einem Timbre so klar wie ein frisch entsprungener Gebirgsbach und Songs wie aus dem Lehrbuch – richtig schön. Vielleicht sollte ich doch mal THIN LIZZY hören?

AARA: Eiger

Sie liefern einfach immer ab. Auch das fünfte Album in fünf Jahren ist ganz wundervoll geraten, was diesmal vor allem am Schlagzeug liegt, das sich nochmal gesteigert hat und nicht nur unfassbar gut klingt (die Toms!), sondern auch immer wieder spielerisch überrascht. Vielleicht ist „Eiger“ etwas zu lang – das Mehr an Melodramatik durch die ruhigen Passagen hätte es für mich nicht gebraucht -, aber AARA sind nach wie vor eine Klasse für sich.

GJENDØD: Livskramper

Ich möchte kranken, dissonanten, anspruchsvoll progressiven Krach eigentlich sehr gerne haben. Meistens nervt er mich aber nur, weshalb ich es immer seltener versuche, mich da rein zu hören. Bei GJENDØD haben mich jedoch die ganz unverdächtig eingängig-folkige Eingangsmelodie, das Cover und dann die Produktion mit dem faszinierend transparenten Bass so sehr begeistert, dass ich einfach weiter hören musste. „Livskramper“ ist zeitgemäße und dennoch klassische norwegische Black-Metal-Kunst.

VIGLJOS: Tome I: apidae

Ich gebe zu, ohne den witzigen Imker-Mummenschanz und das epische Stück mit Bandnamen und dem dazugehörigen Musikvideo würde dieses Album nicht hier stehen, denn die übrigen Stücke sind, obgleich durchaus hörbar und kurzweilig, bei weitem nicht so schön melodiös und ekstatisch und bestechen eher durch ihren rauhen Charme als durch kompositorische Klasse. Und es fehlt an Bass. Aber Black Metal im Sommer! Und dieser Wahnsinnssong! Diese Stimme! Diese Melodie! Dieses Video!! Ein pervers irre herumschreiender Imker aus einem Bruegel-Gemälde, verdammt, halt’s Maul und nimm mein Geld!!

ROPE SECT: Estrangement

Nun, man schmilzt ja schon bei Inmeshers Stimme dahin, aber die Songs verdienen sie auch. Sie sind warm, sie sind schön, sie sind der perfekte Soundtrack für den langsamen Untergang der Welt, in der wir leben. Und doch: There’ll be another summer.

EPs/Compilations

WRITHEN HILT: Ancient Sword Cult

Wahnsinn, man kann sich also tatsächlich einfach so als Band nach vielen Jahren neu erfinden, mit Verve auf den fahrenden Epic-Metal-Revival-Zug aufspringen und bei der versammelten „Kauz-Metal“-Gemeinde die Pole Position ergattern? Nein, nicht einfach so: Die Songs müssen auch tatsächlich unfassbar gut sein. Das sind sie. Was freue ich mich auf das Album!

POISON RUIN: Confrere

Ach, wenn ich doch wüsste, warum „Harvest“ mich nicht so sehr hat begeistern können wie diese EP. Es ist ja nicht so, dass POISON RUIN hier etwas großartig anders gemacht hätten! Im Gegenteil: Sie machen weiterhin alles so wie seit zig Jahren in diesem Genre gewohnt und doch, „Confrere“ ist irgendwie anders, melancholischer, wütender, packender. Ich liebe es.

SUNRISE PATRIOT MOTION: My Father Took Me Hunting In The Snow

Hat es also doch nicht geklappt mit einem neuen Album von YELLOW EYES dieses Jahr, und diese EP ihres Nebenprojekts ist nur 12 Minuten lang. Aber da ist imit dem Titeltrack ihr bislang bester Song dabei, ein Hit sondergleichen. Immerhin!

THE MARY WALLOPERS: Home Boys Home

Drei neue Aufnahmen von einer Band, die nun wirklich komplett durch die Decke gegangen ist dieses Jahr – große Clubs, Festivals, Fernsehauftritte, Features überall – und trotzdem zu Weihnachten wieder einen Live-Stream aus ihrer Hütte gemacht hat, der sich in nichts unterschieden hat von denen aus 2020. Und die einfach keine Sekunde darüber nachdenkt, ob es ihnen irgendwie kommerziell schaden könnte, wenn sie in Liedern und Interviews ausgesprochen, ähem, deutlich Stellung bezieht für die Arbeiterklasse. Ach, und musikalisch: Mit „Bonnie Ship The Diamond“ ist hier eine ihrer bislang schönsten Interpretationen eines Klassikers zu hören, die die Band endgültig in eine Liga mit den POGUES katapultiert, und denen wird dann mit „The Broad Majestic Shannon“ auch noch gehuldigt.

NOCTE OBDUCTA: Hammergeddon 666 – Die Katakomben betritt man nicht allein

Selbstverständlich wäre dieser Jahresrückblick nicht komplett ohne dieses Cover, deshalb sei mir dieser kleine Nachtrag hoffentlich verziehen. NOCTE OBDUCTA können mich auf ihrer neuesten Veröffentlichung zwar eigentlich nur mit „Blut, Bier und Dunkelheit“ überzeugen, damit dafür aber sehr, und außerdem ist da eben noch dieses Cover…

Nordvisor: Ett samlingsverk fr​å​n Nordvis

Ich höre ungern Compilations, und auch diese habe ich kaum am Stück gehört, aber es sind mit den Stücken von BHLEG, GRIFT, PRAG 83 und SONS OF CROM drei echte Highlights dieser Projekte zu hören, und generell finde ich den Gedanken, eine hochwertige Label-Compilation ausschließlich aus exklusiven Stücken zu produzieren, sehr schön.

Es war das Jahr, in dem ich endlich mal WOLVES IN THE THRONE ROOM lieb gewonnen habe: Bei einem Konzert meiner eigenen Band war der Mischer ein Black-Metal-Typ und hat in den Pausen u.a. „Black Cascade“ angemacht. Fand ich gut! Wurde wohl auch Zeit.

Genau wie bei HÄLLAS übrigens, deren „Star Rider“ ebenfalls von einem Mischer (und hervorragenden Veranstalter und Gastgeber!) als Pausenmusik eingespielt wurde und dafür gesorgt hat, dass diese Band jetzt einen neuen Fan hat.

Ebenso wie WHEN BITTER SPRING SLEEPS, was allerdings an HORN liegt, die ja ein Lied von ihnen auf „Turm am Hang“ gecovert haben, weshalb ich mir einige Alben von ihnen angehört habe; insbesondere „Spirit In Flames“ und „Coven Of The Wolves“ haben es mir angetan: herrlich verschrobene Animistenmusik, die mein Leben sehr bereichert hat.

Was wiederum auch für „Sogno #3“ von OJNE gilt, das ich im Zuge eines wieder erwachten Interesses an Screamo viel gehört habe – ein nahezu perfektes Emo-Punk-Album, zu gleichen Teilen schön wie wild, genau wie das sein muss.

Apropos Emo-Punk: Meine eigene Band, NO°RD, ist 2024 zehn Jahre alt geworden und hat ihr 100. Konzert gespielt! Gefeiert haben wir das mit dem 101., einem Konzert in semi-akustischer Besetzung zusammen mit den alten Helden von EL MARIACHI. Das war alles sehr, sehr schön und macht mich dankbar.

Außer Konkurrenz, aber eigentlich auch ganz oben: K.I.Z.: Görlitzer Park. Den drei Rappern aus Berlin gelingt auf diesem Album alles: radikale politische Liedermacherkunst wie sie 2024 klingen muss, zeitgemäß, aber in Sachen Haltung und Kunstfertigkeit in der direkten Tradition Franz Josef Degenhardts stehend. Dazu machen sie mehrere großartige Musikvideos (das Beste ist dieses), jedes für sich ein Kunstwerk, drehen dann aber noch zu jedem weiteren Lied ein eigenes bzw. einfach noch eins, das genau so großartig ist (z.B. dieses!). Dazu gibt’s mit „…und der Anschlag auf die U8“ noch ein unfassbar unterhaltsames Klamauk-Album, ach, wenn ich nicht die ganze Zeit Metal und so hören müsste, wäre ich ihr größter Fan.

Und in diesem unfassbar friedlichen Sinne möchte ich 2024 musikalisch abschließen und wünsche allen, die sich in Zeiten medialer Total-Überflutung ernsthaft mit den Ausschweifungen eines kleinen Musiknerds im Internet befassen, alles Gute für 2025 und viel Spaß und wenig Ermüdung beim Neu- und Wiederentdecken spannender Musikstücke. Danke, tschüs, bis bald!

Kommentar von Christoph

In diesem aufgeheizten Klima in Deutschland 2024, 79 Jahre nach dem Ende des zweiten Weltkrieges, 35 Jahre nach der Wiedervereinigung, 30 Jahre nach brennenden Asylheimen, zehn Jahre nach der Gründung von Pegida, sind rechte Positionen salonfähiger denn je. Patriarchale Strukturen wanken mehr  als in den 10.000 Jahren zuvor, konservative Menschen – Männer wie Frauen, eben alle, vom Patriarchat geprägten Individuen – fürchten um die Ordnung, in der sie ihr Leben zugebracht haben und flüchten sich in immer extremere rechte Positionen.

Dass genau zu jener Zeit eine Pandemie die Welt erschütterte, war vielleicht der Tropfen auf den heißen Stein für viele Menschen, die sich in der Welt eh schon unsicher wähnten. Dass gesellschaftsübergreifend eine Spaltung da ist, lässt sich seit langem nicht mehr leugnen. Nun ist es nur allzu logisch, dass diese Spaltung auch innerhalb der romantisiert-verklärten Metalszene passiert. Oder ist es viel mehr so, dass einfach über viele Jahre nicht beachtet wurde, was eigentlich offensichtlich war?

Quo vadis, PROPHECY PRODUCTIONS? So viele gemischte Gefühle gehen mit diesem Label einher. Auf der Habenseite sind essentielle Alben von GREEN CARNATION, TENHI, KLIMT 1918, THE THIRD AND THE MORTAL, BETHLEHEM, DORNENREICH, ALCEST, EMPYRIUM und DISILLUSION  aus dem Stall von PROPHECY PRODUCTIONS, andererseits war da schon immer eine Tendenz in Richtung man-kann-und-sollte-uns-auch-mal-missverstehen. Gerade die Annäherungen an Neofolk hatten seit jeher immer mal einen Hauch DEATH IN JUNE-Flair. Wobei ja jeder weiß, dass die gar nicht rechts sein können, weil Douglas Pearce ja nur nen homoerotischen Uniformfetisch hat. Die Grenzen verschwimmen schon hier, weil ein David Tibet, der auch mit Pearce ausgiebig kooperierte, eigentlich über jeden Zweifel erhaben ist.

Nun wollen wir aber gar nicht mit Political Correctness langweilen. Ich (Christoph) höre auch manche Band, mit der ich mich auf politischer Ebene nicht zu 100% befinde, links wie rechts, und eigentlich ist es auch gesund, andere Ansichten zu hören – und wenn es nur zur Untermauerung der eigenen Position ist, oder dass eine kritische Reflexion mit anderen Positionen gefördert wird. Und ja, bei mancher Band bin ich auch insgeheim froh, nicht zu wissen, was die Musiker privat so von diesem und jenem Thema halten – und das nicht nur im Black Metal! Generell ist diese strikte Links-Rechts-Denke schon auch ein sehr deutsches Ding, und leider muss es im Angesicht unserer Geschichte auch so sein. Dass Deutschland da weniger Spaß versteht als Finnland oder die USA, mag den Fall von PROPHECY auch so schwierig machen. Musik ist natürlich auch so eine super-emotionale Sache. Bei Musik wird eine Verbindung zwischen Künstler und Rezipient aufgebaut und dieses starke Band kann natürlich leiden, äußert sich ein*e Musiker*in nicht so, wie wir es erwarten. Das mündet gar in richtigen Schockzuständen.

PROPHECY sind 2024 allerdings nicht nur einmal einen Schritt zu weit gegangen. SOLSTICE-Frontmann Rich Walker äußerte sich schon während der Pandemie mit äußerst kruden, aber letzten Endes doch sehr stereotypen Verschwörungstheorien und baute seine Band so um, dass die restlichen Musiker in sein Weltbild passen. Es ist jetzt nicht so verwunderlich, dass Walker nach einem Interview, das jede*r googeln kann, hier aber explizit nicht verlinkt wird, mit seinen Aussagen konfrontiert wurde, was in der ältesten aller Opferinszenierungen mündete. Neusänger Dan Capp, dessen Neofolkband WOLCENSMEN natürlich auch im erweiterten PROPHECY-Stall steht, wurde auch schon häufig auffällig, besonders in oben genanntem Interview. Und genau diese SOLSTICE, die die Rolle des Mannes bedroht sehen und fiebrig von LBGTIQ*-Ideologie faseln, werden 2024 nicht nur auf das PROPHECY-Festival gebucht, sie bekommen auch einen Vertrag mit PROPHECY.

Warum gibt es kaum Gegenwind in der Szene?

Das, was ich tatsächlich am schwierigsten finde, ist, dass aus der Szene zu wenig Gegenwind kommt – auch kein konstruktiver Gegenwind. Ein Diskurs, der von vorneherein abgewürgt wird. Und daran machen sich auch diejenigen schuldig, die PROPHECY jetzt von vornherein canceln. Die Fronten sind verhärtet, die einen haben keinen Bock auf Politik in der Musik, die anderen legen wert auf eine saubere Umgebung ohne rechtsextremes Gedankengut (was eigentlich Standard sein sollte) und wieder andere freuen sich, dass ihr neugewonnener oder schon immer in ihnen schlummernder (nett gesagt) reaktionärer Konservatismus jetzt offen geteilt werden darf. Dass sich PROPHECY offiziell gegen Rechtsextremismus aussprechen, mag löblich erscheinen. Das in den sozialen Medien gelöschten ORPLID-Interview auf dem Schweizer Sender „Kontrafunk (autsch) – die Stimme der Vernunft“ (Doppelautsch), wo die Neofolker nun rechtsextreme Positionen verlautbaren lassen – hat ja nun auch nicht wirklich überrascht, oder? – wird von PROPHECY schlicht bagatellisiert:
„Wir haben den Orplid-Post gelöscht, weil dieser nicht als ein politisches Statement gedacht war. Leider hat er zur Spaltung geführt. Wir haben das Interview gepostet, weil es uns um den Künstler ging. Wir sehen aber auch, dass sich die Diskussion nur noch um das Medium dreht. Wenn wir etwas teilen, stellt dies keine Empfehlung oder Zustimmung zu den Positionen des Künstlers, des Autors oder des Mediums dar. Prophecy Productions ist eine offene Gemeinschaft für alle, die an unseren Künstlern und deren Werken Freude finden.“

Und unter dem Kommentar eines Users schreiben sie: „Rechtsextremismus ist bei uns schon immer tabu. (Wir haben hier offensichtlich divergierende Definitionen, was „rechtsextrem“ ist und was nicht […]“ Äh, OK. Meint ihr hier vielleicht die Antifa? Oder sind Martin Koller und der Rest von PROPHECY einfach nur so naiv, dass sie es nicht hinterfragen, wenn alte Weggefährten in bedenkliche Gefilde abrutschen? Nein, natürlich nicht. Sonst hätte dieses Label nicht SOLSTICE und WOLCENSMEN gesignt bzw. gebucht.

Ein weiterer schmerzlicher Punkt: Viele Künstler, gerade neu gesignte wie HEXVESSEL, DOLD VODE ENS NAVN  und WHISPERING VOID fallen so irgendwie schuldlos in ein schlechtes Licht. Und die Dachgesellschaft SPKR macht auch den Vertrieb für andere Labels wie HOUSE OF MYTHOLOGY (ULVER, STIAN WESTERHUS, DANIEL O’SULLIVAN) oder Kunsthall (PAYSAGE D’HIVER). Ich gehe schwer davon aus, dass den meisten dieser Künstler bewusst ist, in welche Richtung sich PROPHECY derzeit entwickelt. Aber ehrlich gesagt, ich sehe es auch nicht primär als deren Aufgabe an, streng Buch zu führen. Der Service den SPKR bietet, ist nämlich wirklich ausgezeichnet und in diesem Business ist eine derartige Professionalität selten.

„Ich würde mir wünschen, dass die Medien, die es ernst meinen, auch mit PROPHECY in Diskurs gehen und sie damit konfrontieren“

Vielmehr ist es die Aufgabe derer, die über Musik schreiben, in die Diskussion zu gehen – nicht im „Verhärtete-Fronten-Troll-Modus“, sondern um in die Tiefe zu graben. Doch irgendwie reicht der Status des Labels aus, damit sich viele Medien, die eigentlich klar gegen rechts positioniert sind, all das ignorieren und PROPHECY weiter hofieren. Ich würde mir wünschen, dass die Medien, die es ernst meinen, auch mit PROPHECY in Diskurs gehen und sie damit konfrontieren. Und ich würde mir wünschen, dass PROPHECY auch Statements liefert, die nicht so ausweichend formuliert sind wie obige Beispiele, damit klar ist, was sie eigentlich wirklich wollen. Derzeit fühlt es sich jedoch leider so an, als wollten sie ihr altes Publikum trotz neuer Ideologie nicht verlieren und als hätten viele Medien Angst in die Konfrontation zu gehen.

Kommentar von Andi Holz

Ich war 2021 zum dritten und letzten Mal beim PROPHECY FEST, habe damals – zum 25. Jubiläum des Labels – einen leidenschaftlichen Text darüber hier verfasst; und auch darüber, wie Prophecy Productions und seine Künstler mich als Jugendlicher so tief berührt haben wie nichts anderes: Dieses Märchenhafte, der Welt Entrückte, Naturromantische, das habe ich damals gebraucht und brauche es angesichts einer Welt, in der es so viel Schrecken gibt, bis heute. Dass dieses Label nun, das einem großen Teil von mir lange Zeit eine emotionale Heimat geboten hatte, ein so wundervolles Festival in so wunderschöner Umgebung in der Nähe meines Zuhauses etablierte – es war einfach zu schön, um wahr zu sein.

Denn im Märchen als Spiegel der Wirklichkeit gibt es auch das Böse. Wo ich 2021 noch Prophecy geradezu als Musterbeispiel für Weltoffenheit gelobt hatte, hat sich nun herausgestellt, dass diese Weltoffenheit für Prophecy auch und gerade bedeutet, sich zu Künstlern aus dem Spektrum der Covid-Pandemie-Leugner und des völkischen Heidentums zu bekennen. Dan Capp z.B., Layouter und Merch-Hersteller zahlreicher Metal-Bands aus dem Prophecy-Stall (und darüber hinaus), ist nicht nur in dem berüchtigten gemeinsamen Interview mit Rich Walker auf der Covid-Schwurbel-Metal-Seite „Swallowed In Black“ negativ aufgefallen; er ist ein seit Jahren sehr umtriebiger Polit-Aktivist aus dem völkisch-nationalen Spektrum des Heidentums in UK. Er verbreitet völkisch-nationalistische Narrative, Impfgegner-Mythen und Verschwörungserzählungen, vor allem, aber nicht nur zu COVID; kürzlich hat er z.B. seine Follower dazu aufgerufen, ihre Kinder aus den staatlichen Schulen zu nehmen, weil dort wegen der rechtsextremen Aufmärsche in England jetzt mehr gegen Verschwörungsquatsch, Extremismus und Fake News getan werden soll. Aktuell hat er eine Podcast-Seite gestartet mit ein paar Kameraden – er weitet seinen Aktivismus also wieder aus -, und er betreibt in einer Initiative völkische Landkauf- und Siedlungspolitik. Das alles und noch mehr ist öffentlich einsehbar unter dem Namen „The Fyrgen“ – eine direkte Verbindung zu WOLCENSMEN -, es ist keine Interpretation von mir, es ist einfach so.

Der Schoß ist fruchtbar noch

Christoph hat viel Bedenkenswertes zu der ganzen Causa schon geschrieben, ergänzen oder vielmehr einwänden zum Thema „Rechtsruck (im Metal)“ möchte ich jedoch: Ich glaube, dass faschistoide Vorstellungen – etwa vom Recht des Stärkeren, von der Macht des völkischen Kollektivs oder vom Nutzen starker Führungsfiguren bzw. einer starken Nation als Ganzes, die für einen da sein soll – einfach immer schon sehr weit verbreitet sind in einer kapitalistischen, auf Nationalstaaten basierenden Gesellschaft (und natürlich auch in der Metal-Szene und in der Musik und den Texten vieler unserer Lieblingsbands), unter dem Eindruck globaler Krisen und Bedrohungen für das eigene kleine private Glück (ein Heiligtum in dieser Gesellschaft, in der alle radikal auf eigene Rechnung leben und arbeiten!) nun aber offener zutage treten. Oder anders: „DAS WIRD MAN DOCH WOHL NOCH SAGEN DÜRFEN!“ bedeutet eigentlich: „JETZT SAGE ICH ES ENDLICH MAL!!!“ Es fällt leicht, einer Ideologie zu verfallen, die in der herrschenden Gesellschaft bereits angelegt ist: Der demokratische Schoß ist und war in dieser Hinsicht immer schon ein fruchtbarer.

Daher rührt dann auch meiner Meinung nach die neue Offenheit von Prophecy. Prophecy Productions hat sich immer schon im Dunstkreis völkischer, neopaganer Bewegungen und Künstler aufgehalten – neu ist aber, dass das Label nun Künstler hofiert und fördert, die sich nicht nur am Lagerfeuer in alte Zeiten träumen, sondern die sich explizit politisch äußern, politisch aktiv sind und mit rechtsradikalen Polit-Aktivisten vernetzt sind. (Wer tiefer in diesen Sumpf hinab steigen will, der erhält hier, hier und hier weitere Informationen.) Das war eine schmerzhafte Überraschung, hatte ich doch geglaubt, dass das Label sich viel zu wohl fühlt am Lagerfeuer und den Weg ans Rednerpult nicht beschreiten würde. Dumm gelaufen, mein Fehler.

Friedliche Kameraden, wohin man schaut

Wie aber war es denn nun beim Prophecy-Fest? Nun, zahlreiche Festival-Berichte ziehen postiv Bilanz, SOLSTICE äußern sich auf Facebook sehr positiv über die herrliche „Kameradschaft“ hinter der Bühne, und das Label wird nicht müde zu betonen, wie unfassbar friedlich und störungsfrei das Fest abgelaufen sei – während sich Besucherinnen und Besucher im Kritik-Thread bei Prophecy auf Facebook darüber beschweren, dass auf dem Campingplatz bis morgens um 4 rechtsextreme Musik (ABSURD) abgespielt worden sei. Die Geister, die man rief, sie sind dann halt auch gekommen.

Weniger friedlich ging es anderswo im Netz her: Im Forum vom Deaf Forever z.B. stellten zahlreiche User schon im Vorfeld des Festivals ihre linksliberale Empörung über SOLSTICE und Co. zur Schau – ohne freilich in die Tiefe zu gehen und mal zu hinterfragen, ob Rich Walker nicht immer schon ein ausgesprochen problematischer Geselle war und die Texte und Inhalte von SOLSTICE wie auch von (Epic) Metal als Ganzem nicht generell etwas kritischer betrachtet werden könnten. Ich fasse mir auch da an die eigene Nase – Verklärung von kollektivem Abschlachten, Führer- und Heldenkult, „die Natur“ als Leitbild, generell Eskapismus und Naturverklärung, das ist doch, seien wir ehrlich, alles hoch problematisch, und der Schritt zum Faschismus ist kein großer mehr. Ich weiß das. Ich hör die Scheiße trotzdem, und ich fühle sie auch. Was ich tun kann, ist, das zu reflektieren und bei aller emotionalen Weltverlorenheit und allen kindischen Gewaltfantasien die realen politischen Machtverhältnisse nicht aus dem Blick zu verlieren und immer wieder zu kritisieren, und zwar von links, mit der Perspektive auf eine herrschaftsfreie Gesellschaft, in der Solidarität und kollektives Wirtschaften für alle und mit allen die Leitprinzipien sind. Ohne Führer, Volk und Vaterland und Blut und Boden, aber mit gesundem Menschenverstand und Vertrauen in Wissenschaft und Technik und den Menschen an sich, denn nur damit wird es gehen.

Klar haben Menschen verschiedene kulturelle Hintergründe und Geschichten, klar hat man mit dem einen mehr gemeinsam als mit jenem – aber daraus eine Ideologie zu machen, nach der der Fortbestand der Menschheit davon abhängig sei, diese Kulturen voneinander zu trennen und archaische Geschlechterbilder zu leben, das mag für Leute sinnvoll erscheinen, die aufgrund ihres Unverständnisses der Komplexität des Wesens „Mensch“ ständig nach Erklärungen in dem suchen, was sie für Biologie halten, oder eh schon immer ihr Heil in der Nation als positivem Bezugspunkt für den eigenen Erfolg gesucht haben; für alle anderen sollte klar sein, dass ein friedliches Zusammenleben nur dann möglich ist, wenn es möglichst wenige Schranken – geistiger oder materieller Art – zwischen den Menschen (und möglichst wenige persönliche Entwicklungshindernisse, z.B. durch zu wenig Geld) gibt.

Aber so ist es leider nicht. Und obwohl ich nicht den Anspruch habe, dass alle Menschen in meiner Umgebung oder alle Künstler, die ich mag, meine politischen Einstellungen teilen, muss ich angesichts einer in ganz Europa erstarkenden faschistischen Bewegung da eine klare Trennlinie ziehen, wo die Inhalte dieser Bewegung nicht mehr nur verklausiliert dargeboten, sondern explizit politisch vorangetrieben werden. Vielleicht war ich naiv, aber ich hatte gehofft, dass die Expansion und Öffnung, die das Label in den letzten 10 Jahren betrieben hat, ein Zeichen dafür war, dass man sich vom rechten Rand verabschiedet hat. Das war offensichtlich ein Irrtum.

Stellungnahme von Martin Koller

Wir wollen vorab auch Prophecy die Möglichkeit geben, ihre Sicht der Dinge darzulegen und stellten dem Label folgende Fragen, die Martin Koller, Gründer von Prophecy Productions und Organisator des Prophecy Fest, beantwortet hat.

Auf unsere Fragen hin bat uns Martin Koller um folgendes: „Welche Aussagen der beiden genannten Künstler sind Eurer Meinung nach als rechtsextrem zu bezeichnen? Kannst Du mir diese bitte konkret nennen, um eine Stellungnahme möglich zu machen?“ Wir sind dieser Aufforderung nachgekommen und wollen dies auch hier dokumentieren, du findest die detallierten Belege am Ende des Textes.

Mit SOLSTICE ist bei Prophecy eine Band unter Vertrag¹ und wurde auch für das diesjährige Prophecy Festival gebucht², deren Mitglieder Rich Walker und Dan Capp durch verschiedene Aussagen, die man durchaus als rechtsextrem bezeichenen kann, auffällig geworden sind³⁴⁵.  Diskutiert wird das Thema unter anderem im Forum des Deaf Forever⁶. Auch ORPLID haben in einem Interview mit Schweizer Sender „Kontrafunk (autsch) – die Stimme der Vernunft“ rechtsextreme Positionen vertreten. Der Post mit einem Hinweis auf das Interview auf Facebook wurde nach kritischen Kommentaren wieder gelöscht.⁷

Wie definiert Prophecy Rechtsextremismus?

Martin Koller: Ich finde die Definition des Verfassungsschutzes passend: „Rechtsextremisten unterstellen, dass die Zugehörigkeit zu einer Ethnie oder Nation über den tatsächlichen Wert eines Menschen entscheide. Dieses Werteverständnis konterkariert zentrale Werte der freiheitlichen demokratischen Grundordnung und steht damit in einem fundamentalen Widerspruch zum Grundgesetz.“

Wie steht Prophecy zu ORPLID, SOLSTICE und den Personen Rich Walker und Dan Capp, der auch mit WOLCENSMEN auf dem Prophecy Fest 2024 spielte? 

Martin Koller: Zunächst möchte ich klarstellen, dass ich seit Langem ein Fan von WOLCENSMEN bin, sie jedoch nicht bei Prophecy Productions unter Vertrag stehen. Das Label Prophecy Productions wird von mir persönlich kuratiert. Ich wähle die Künstler ausschließlich nach meinem eigenen Geschmack aus. Politische Überzeugungen spielen dabei keine Rolle. Das Ergebnis meiner Arbeit ist ein vielseitiges Spektrum von Künstlern aus aller Welt, und das spiegelt sich auch in unserer Fangemeinde wider. So besuchen jedes Jahr Menschen aus fast 50 Ländern das Prophecy Fest – das ist eine Vielfalt von kulturellen Hintergründen, die unsere Gemeinschaft so einzigartig macht. Die Grundhaltung, Politik außen vor zulassen, habe ich als damals junger Idealist bereits im Jahr 1994 bei der Labelgründung für mich festgelegt. Ich bin dahingehend nie  Kompromisse eingegangen und werde auch zukünftig daran festhalten.

Wichtig ist: Wir machen uns die Ansichten unserer Künstler nie zu eigen. Die Aussagen der Musiker geben ihre persönlichen Meinungen wieder. Sie entsprechen keiner ideologischen Linie des Labels und formen auch keine. Das wäre bei der Vielfalt an sehr verschiedenen  Künstlern und deren Meinungen ohnehin unmöglich. Wir würden uns damit ständig selbst widersprechen. Künstler, Fans und Label verbindet der gegenseitige Respekt und die Liebe zur Musik. Die diversen Ansichten und Positionen, die unsere Künstler vertreten, sind letztlich Ausdruck einer pluralistischen Gesellschaft und bilden die Realität der Gegenwart ab. Prophecy Productions versteht sich als Plattform für kreative Freiheit und sieht es als seine Aufgabe an, Kunst und Musik unabhängig von politischen Dogmen zu fördern. Wir sind eine offene Gemeinschaft für alle, die Freude an unserer Musik und unseren Künstlern finden.

Persönlicher Einblick

Ich wurde schon im Alter von 11 Jahren zum Metal-Fan, als mit jemand im Jahr 1988 eine AD/DC/Iron Maiden Musikkassette überspielte. In kürzester Zeit „radikalisierte“ ich mich zum Sodom Fanclub-Mitglied, um kurz darauf nur noch Growls für akzeptabel zu halten. Nichts konnte für mich extrem genug sein. Dann lernte ich die Napalm Death EP „Mentally Murdered“ kennen und hielt die Band für das Extremste und Härteste musikalisch mögliche. Ich dachte, diese Musik sei dermaßen extremer Underground, dass sie nur wenigen Auserwählten bekannt sei. Doch dann tauchte eine Band auf, die Napalm Death verächtlich machte und sie als „Kapitalistenschweine“ und „Verräter“ bezeichnete. Das war so schräg und abgedreht, dass es sogar mich schockiert hat. Sore Throat – der Kopf dieser Band war Rich Walker. Sore Throat vereinte die Aufrührer der britischen Underground-Szene – wie Paul von Peaceville Records und Mitglieder der Band Doom. Ihre Songs trugen Titel wie “Bomb the White House”, “Scream Bloody Trout” und “We’ll March Against the Nazis”. Seit fast 30 Jahren bin ich nun schon Fan von Solstice, und der grantelnde Nonkonformist Rich Walker ist noch immer genauso völlig maßlos und wild in seiner furiosen Ablehnung von allem, was ihm gefühlt von „denen da Oben aufgezwungen wird“, wie er es damals war.

Mit Uwe Nolte und Orplid arbeite ich über 25 Jahren zusammen. Uwe ist ein verträumter Poet, der mit unserer Zeit wenig gemein hat. In all diesen Jahren hat er niemals etwas Rechtsextremes gesagt oder getan.

Meiner Meinung nach sollten wir Künstlern, gerade jenseits des Mainstreams, zugestehen, anders sein zu dürfen. Sie sind keine Politiker oder Wissenschaftler, die jedes Wort auf die Goldwaage legen müssen, und sie sind auch nicht dazu ausgebildet, in der Öffentlichkeit glattgebügelt aufzutreten. Künstler haben meiner Meinung nach das Recht, auch verrückt, kontrovers und einfach anders als von der Mehrheitsgesellschaft gewünscht zu sein. Es gehört untrennbar zur Kunstfreiheit, dass sie auch überspitzt und drastisch darstellen darf – selbst wenn das aus einer objektiven, rationalen  Sicht manchmal schwer erträglich oder nachvollziehbar sein mag. Kunst darf hart anecken und sie muss keine Kompromisse eingehen und keinem Konsens folgen. Es hat in unserem Programm schon immer Künstler gegeben, die von allen Seiten angefeindet wurden. Wenn ich jedes Mal allen Forderungen nachgeben oder Kompromisse eingehen würde, gäbe es dieses Label nicht mehr. Die Freiheit von Kunst und Meinung habe ich auf Prophecy Productions stets hochgehalten und werde sie auch zukünftig verteidigen.

Quellen: 

1 https://mailchi.mp/spkr/solstice_sign_deal_with_prophecy_productions?e=73654197b9

2 https://mailchi.mp/spkr/prophecy_fest_2024_new_bands_prophetic_overture_thursday?e=73654197b9

3 https://www.youtube.com/watch?v=bAEDnF6z-DU&t=650s

4 https://www.swallowedinblack.com/solstice-interview/

5 https://hopenothate.org.uk/case-files-the-fyrgen/

6 https://forum.deaf-forever.de/index.php?threads/prophecy-fest-in-der-balver-h%C3%B6hle.21308/

7 https://www.facebook.com/prophecyproductions/posts/pfbid0yE83m6AmJSY4ShNhR3urST1vG6frnoiHQPVAi9GGuKKwTQW73hdBmTmFZVKYf4aCl?rdid=HmMIg1JIqHbRS3JH

ERGÄNZUNGEN ZU DEN FRAGEN AN MARTIN KOLLER

Zitate von Rich Walker aus dem Interview mit swallowedinblack.com
Einordnung und Kommentierung der Aussagen von Andi Holz

„Germany is no longer a free democracy but a curious amalgamation of fanaticism and fascism where a ruling elite punish ‘wrong think’ by prison sentences. Not actual physical offences, but ‘thinking the wrong thoughts’ and voicing an opinion that opposes the WEF agenda.“

–> Die Lüge, dass Deutschland als bürgerlicher Nationalstaat nicht mehr existiere, sondern von einer ominösen Elite regiert werde, die die falschen Gedanken mit Gefängnis bestraft und irgendwas mit dem Weltwirtschaftsforum zu tun haben soll, ist ein typisches antisemitisches Narrativ.

“I won’t take a knee, I won’t acknowledge your stupid fucking ‘pronouns’ and your corruption of English and language, and I certainly won’t encourage your sexual fantasies by telling you that by mutilating yourself via surgery you can be a woman. Just to confirm: no we aren’t ‘homophobic”, as our critics may like to believe, just very aware that indoctrination towards a trans humanist agenda uses gender dysphoria as a weapon in school systems by bullying developing children into taking drugs and accepting this as all normal and, worse still, inviting sex offenders into schools to read stories to them. I’m sorry, but this is clearly delusional and dangerous. The people behind this need to be executed. I can safely say that if a 50-year-old man in women’s underwear got his penis out in a school classroom whilst reading Sleeping Beauty because it was considered ‘enlightened’ in front of my daughters, I would quite simply beat him mercilessly, and also the teachers responsible for this farcical perverts party.
“In the ‘80s, we knew exactly what these people were: sick. No matter how much they try to polish the turd that they serve up to the young by inviting the local fetish club in, it is what it is – wrong on every level and not to be tolerated.“

–> Walker äußert hier stumpfe Vernichtungsfantasien gegen vermeintlich kranke Menschen. Beschrieben werden Menschen, die nicht in seine Vorstellung von Männern und Frauen passen. Derartiges wurde im Nationalsozialismus ebenfalls vertreten und auch in die Praxis umgesetzt.

Dan Capp:

“It fascinates me that adherents of the System can so easily convince themselves that they’re fighting it. It’s likely because the entire identity of the ‘Woke’ crowd necessitates the position of ‘underdog’. They can’t for a moment concede that they are the System because it would shatter their delusions. Whilst local and national government lines every city street with rainbow flags, hands entire hotels over to unproven refugees, and invites perverts to read stories to children, the advocates of such shenanigans still claim to be ‘fighting the System’. The only virus doing the rounds is of the psychological sort.”

–> Capp halluziniert sich hier eine Verschwörung zusammen auf der Basis eines von ihm beobachteten linksliberalen Zeitgeists (Antidiskriminierungspolitik) und einer bürgerlich-demokratischen Flüchtlingspolitik. Er bezeichnet das als Auswüchse eines „psychologischen Virus“. Wer aber ein paar harmlose linksliberale politische Maßnahmen derart verteufelt, wird vermutlich das Gegenteil dieser gut finden: skrupellose direkte Ausweisung von Flüchtlingen, Schließung der Grenzen, ein Ende von Antidiskriminierungsprojekten. Das ist typische rechtsextreme Agenda.

“Whilst I broadly echo Rich’s sense of anger at what’s being done, in answering the question ‘has England fallen?’, I’d have to offer a two-pronged response: England as a historical patch of land with a culturally and genetically homogeneous people is, in my opinion, gone. The majority act as soulless husks now, mindless of the damage done and seeking only the path of least resistance (and least dignity). But where just one battalion of Englishmen still stands, there England lives – upon whichever patch of land that may be.
“Karl Marx once complained that ‘England appears to be the rock on which the revolutionary waves split and disperse and which starves the coming society even in the womb’. He and his odious cohorts knew that the English would never accept an open proposal of Communism (anti-nature), and would defeat any attempt at violent conquest, so they conjured other, more devious means by which to enslave this land to their perverse ideology, and it involved a long march through the institutions. That march is nigh on accomplished now, sadly, because recent generations dropped their guard and the common man was bribed with trends and trinkets.“

–>Hier vertritt Capp eine ebenfalls typisch rechtsextreme antikommunistische Verschwörungstheorie: Die bürgerliche Demokratie sei die eigentliche Verwirklichung des Kommunismus bzw. des Marxismus, und das wiederum sei wider die menschliche Natur. Als „natürlich“ bzw. der menschlichen Natur wird dann in der Regel eine faschistische Ordnung propagiert: Recht des Stärkeren und Blut-und-Boden-Ideologie, mithin das Primat homogener Völker in einem Staat mit einem „Survival of the fittest“ analog zum Tierreich (Stichwort Sozialdarwinismus). Dazu passt auch Capps und Walkers Rede vom „echten Mann“, der am Aussterben sei, weil er sich der „Woke-Ideologie“ gebeugt habe.

“There is still some fire in the English (shared by many of our Celtic and Germanic neighbours, and certainly by our cousins across the Atlantic), but I don’t believe salvation will or even can come by the ballot box. No, this isn’t a call for armed insurrection. The real work is being done on two fronts: those who are learning to detach from the incorporated United Kingdom and returning to the land, and those who are learning to use the laws of this land to preserve some freedom and dignity. The UK is a company, and voting for a new government is akin to voting in a new board of directors. There are fundamental laws that those parasites cannot change, and that’s what people need to learn.”

–> Capp vertritt hier die rechtsextreme These von bürgerlichen Nationalstaaten als Pervertierung der natürlichen Nation. Als Gegenmodelle schlägt er vor, völkische Siedlungen und eigene Staatsmodelle innerhalb dieses „Fake-Staates“ zu bilden und z.B. durch Tricks Steuern zu hinterziehen (dafür gibt er Anweisungen und Tipps in seinem Telegram-Kanal „The Fyrgen“, man suche darin einfach nach dem Begriff „tax“). In Deutschland kennt man solche Denkweisen und Lebensmodelle von den sog. „Reichsbürgern“, aber auch von völkischen Siedlern wie der sog. Anastasia-Bewegung.
Die Bezeichnung von demokratisch gewählten Menschen als „Parasiten“ ist im Übrigen auch ein typisches rechtsextremes und antidemokratisches Narrativ.

Interviewzitate von ORPLID, Uwe Nolte, aus dem Radio-Interview mit dem Schweizer Sender „Kontrafunk – die Stimme der Vernunft“
Einordnung und Kommentierung der Aussagen von Christoph

Minute 30: Patriotismus, DDR Jugend sucht nach den Wurzeln die in der DDR abgetrennt wurden

Dazu noch ein Kommentar von Christoph:
„Ich persönlich finde Patriotismus schwierig, aber was Nolte beschreibt ist für mich eher die Suche nach Heimat. Ich kann verstehen, dass die kommunistisch erzogene DDR-Jugend sich entwurzelt gefühlt hat und nach einer Art Heimat sucht. Der Podcast-Host sagt selbst, Nolte sucht nach Heimat, hätte sie aber noch nicht gefunden. Auf den Patriotismus wird in diesem Fall nicht eingegangen.

Gleichzeitig litt Nolte unter der Verfolgung Rechtsextremer in den Baseballschläger-Jahren. Wie sich Nolte in der Folge aus der linken Szene verabschiedet hat, beschreibt er indes nicht, der Host spricht von einer Enttäuschung. Diese Einordnung hätte vielleicht noch wichtig sein können. (Kontrafunk – Unter Freunden „Grenzerfahrungen“)

(Als „Wessi“ habe ich selbstredend andere Erfahrungen gemacht und gerade der sehr gute ARD-Podcast „Springerstiefel“ war in dieser Hinsicht äußerst erleuchtend.)

Minute 38: Stellvertreterkrieg Ukraine, gegen Waffenlieferungen, sieht deutsche Soldaten in Russland kämpfen

Minute 42:30: In Deutschland konvertieren Schüler zum Islam, aus Angst vor Gewalt an Schulen –> BILD Artikel, ein nicht namentlich genannter Staatsschützer sagt, dass sich immer mehr Eltern bei Beratungsstellen melden, weil ihre Kinder aus Angst konvertieren wollen, nicht quantifiziert und nur vage Behauptungen

„Im Neofolk finden Russen Deutschland wie es noch weiterlebt, in seinen alten Beständen?“ – „Ja.“ 43:30 „Neofolk-Konzerte wurden untersagt, ich mach sowas nicht mehr. Nicht staatlicherseits, aber da wird ich denunziert. Da werden die üblichen Alarmknöpfe gedrückt…“

Er spricht auch von Konzerten in Russland an Frontstädten zwecks Frieden. Er bezeichnet sich auch als Pazifist und abseits von rechts oder links. Aber die Gesinnung kommt subtil durch.

Im anderen Podcast lehnt Nolte jedes „Wir“-Gefühl ab, begründet es durch seine DDR-Erfahrungen, stellt sich aber auch gegen „Wir schaffen das“ von Angela Merkel. Islamophobie ist deutlich. Außerdem vergleicht er die Corona-Maßnahmen mit dem DDR-Regime.

Noch etwas allgemeines zu Kontrafunk: „Mitarbeiter sind dort u.a. Auch Jasmin Dantas Kosubek (RT DEUTSCH https://de.wikipedia.org/wiki/Jasmin_Kosubek), der libertäre Satiriker Andreas Thiel. Empfohlen wird Kontrafunk unter anderem durch Björn Höcke, Tichys Einblick und die Junge Freiheit: https://uebermedien.de/73663/kontrafunk-ein-radio-fuer-alle-die-an-corona-impfungen-klimawandel-und-allen-anderen-radios-zweifeln/

Wenn ich also eine Interviewanfrage von diesem Sender erhalte, weiß ich ganz genau auf was ich mich einlasse.“

Schwieriger ist der Interviewpartner und Podcast Host: Bernhard Lassahn hat früher Kinderbücher geschrieben und ist jetzt Autor für „Eigentümlich frei“ (libertär, rechtsgerichtet) und „die Achse des Guten“ (Henryk M. Broder).  Andere Gäste bei Kontrafunk – Unter Freunden waren u.a. Stefan Krähe (AFD-naher Liedermacher https://www.lr-online.de/lausitz/cottbus/stefan-kraehe-in-cottbus-trotz-naehe-zu-reichsbuergern-_-der-kuenstler-bekommt-eine-buehne-71239961.html), Cartoonist Bernd Zeller (hat für AFD Kompakt Cartoons gezeichnet) und Liedermacher Esteban Cortez, der auf AFD Familienfesten spielt.

Also, die Aussagen für sich genommen sind unangenehm, aber nicht alarmierend. Und da kann man natürlich argumentieren: Da war doch nichts. Aber man muss schon extrem blind sein, ein Podcastformat namens „Unter Freunden“ (Da wird wohl kein Streitgespräch stattfinden) mit diesem Personenkreis als unproblematisch zu finden.

Dieses Jahr kam ich wieder zu wesentlich weniger Metal als erhofft. Zu viel Arbeit, viel Familie – da bleibt manchmal nur Spotify (Asche auf mein Haupt) und keine Lust auf Neues. Immerhin haben WATAIN und MAYHEM im Medium “Live-Album” gezeigt, wie man es richtig macht. Gleichzeitig stellt sich die Frage, wie lange es Live-Alben noch geben wird (Spotify, anyone?). Aus Gründen der Fairness schaffen es jetzt aber nur neue Alben in die Rangliste, keine Live-Alben, die mit Song-Nostalgie Punkte einfahren können.

1. VOMITORY – “All heads are gonna roll”

2. VINSTA – “Freiweitn”

3. MARDUK – “Memento Mori”

4. THULCANDRA – “Hail the Abyss”

5. ENFORCER – “Nostalgia”

6. THE GRIFTED – “Doomsday & Salvation”

7. GRYMHEART – “Hellish Hunt”

8. LABYRINTHUS STELLARUM – “Tales of the Void”

9. NIGHT CROWNED – “Tales”

10. CANNIBAL CORPSE – “Chaos Horrific”

VOMITORY am MEH SUFF-Festival in Hüttikon, September 2023. Sowieso das am besten organisierte Festival mit der nettesten Security, dem grössten Food-Angebot und den saubersten Toiletten. Muss man halt wieder mal sagen. 

VADER im Oktober 2023 – 40 Jahre Bühnenjubiläum. Mit 40 Jahren auf der Bühne assoziiere ich eigentlich die ROLLING STONES, AC/DC oder IRON MAIDEN. Und jetzt VADER. Die Energie bei den Polen ist da, aber man kommt nicht umhin, über die Zeit nachzudenken, wenn plötzlich von 40 Jahren die Rede ist. 

CANNIBAL CORPSE und DARK FUNERAL am 23. März 2023 in Zürich. Auch da wieder der Zeitgedanke. Sind es hier nun 30 Jahre? 35? Fragt man überhaupt noch, wenn es mehr als 40 sind? 

Wohl der Club Gaswerk in Seewen, wo man das Getränk noch im Glas bekommt und irgendwie die Zeit stehengeblieben ist. 

Ich denke, ich gebe die Hoffnung auf ein neues NIFELHEIM-Album wohl langsam auf… Seufz. Als könnte eine andere Band NIFELHEIM ersetzen. Nix.

Das Gerücht des neuen VOMITORY-Albums hatte sich letztes Jahr bewahrheitet und dieses Jahr gibt es – ganz ohne Gerüchte – ein neues NECROPHOBIC-Werk. Grosse Vorfreude herrscht!

Die Jahrgangsbeste: Monika Roscher Bigband: Witchy Activities and the Maple Death

Monika Roscher ist ein Phänomen. Um einen Chuck-Norris-Witz abzuwandeln: Welche Stilrichtung spielt Roscher? Die Antwort: Alle, und zwar gleichzeitig. Seit die Münchner Komponistin, Bandleaderin, Sängerin und Gitarristin 2012 auf der Bildfläche erschien, hat sie einen Sound entwickelt, von dem man ohne Übertreibung sagen kann: „So hat man das noch nicht gehört“. Von Jazz und Krautrock nimmt sie die Improvisation und den musikalischen Wahnwitz, von der Klassik die Präzision und den Formwillen, von der Weltmusik die Buntheit, von Math Rock, Djent und -ja!- auch Metal die Härte. So gestaltet sie schillernde musikalische Panoramen, die so schön wie abenteuerlich sind, von der Form her offen, virtuos und überraschend.

Auf ihrem dritten Output „Witchy Activities and the Maple Death“ zeigt sie all das in fast überlebensgroßer Perfektion. Sieben Jahre hat sie sich seit dem letzten Album Zeit gelassen – und ein Werk geschaffen, das bis ins kleinste Detail liebevoll ausgearbeitet und zuweilen schlicht atemberaubend ist. Ein wilder Ritt auf dem Besen, eine Entdeckungsreise. Selbst FRANK ZAPPA sitzt auf seiner Wolke und staunt. In Roscher findet er eine uneheliche Tochter im Geiste.

Das Geheimnis ihres Sounds: Tatsächlich steht Roscher einer klassischen Big Band vor. Das 18köpfige Ensemble erweitert die Möglichkeiten und schafft Klangräume, die einer Rockband für gewöhnlich verschlossen bleiben: opulente, bombastische Klänge, wilde Rhythmen und widerstrebende Strukturen. Aber auch leise Momente, Melancholie, verführerische Sinnlichkeit. Man höre sich an, wie sie den Opener „8 Prinzessinnen“ eröffnet: Bläser und Percussion schaffen einen nervös schreitenden Rhythmus, der an Morsezeichen erinnert, aber auch an Hollywood-Soundtracks, ihre einsetzende Stimme, mehrfach übereinander geblendet, hat etwas Entrücktes und Geheimnisvolles. Für den Text ließ sich Roscher von einer Zeitungsschlagzeile inspirieren, die sie nutzt, um einen eigenen Mythos zu schaffen. Acht Prinzessinnen stehen vor Gericht, sie wollten das nördliche Licht stehlen, aber auch aufbegehren gegen die Vergänglichkeit der Schönheit, den körperlichen Verfall: Am Ende des Songs verglühen sie, werden Teil schwarzer Materie, und haben doch eine ungebändigte Energie freigesetzt: „Entropy has grown„. War ihr Aufbegehren vergeblich? Neun Minuten nimmt sich Roscher Zeit, um diese Geschichte zu erzählen, sie lässt Bläser und Streicher mal schwer und bedrohlich anschwellen, dann wieder majestätisch schreiten, das Piano hämmert hart und monoton, komplexe Rock-Rhythmen wechseln in Klezmer-Tanz. Ihre Musik lebt von wechselnden Stimmungen und Dynamiken, und wer sie als Musikjournalist einfangen will, braucht ein Skalpell statt einer Tastatur.

Das alles klingt absolut zeitgemäß, was man bei dem Begriff „Big Band“ dem Klischee nach nicht erwarten darf. Ja, kein Witz: Zerhackte und stakkatoartige Akkorde im MESHUGGAH-Stil lassen sich auch mit Bassklarinette und Trompete erzeugen. „Witches Brew“, dessen Titel nicht zufällig an MILES DAVIS erinnert, ist eine zwölfminütige Suite in sechs Sätzen, die Progrock, orientalische Harmonien, Klezmer und Klassik vereint. Wunderbar das Tenorflöten-Solo von Michael Schreiber. Und wer glaubt, dass bei der Vielzahl der Instrumente und Einflüsse alles auseinander fliegt, der irrt. Roscher ist nicht nur eine hochkompetente Arrangeurin, die ihren Musikern dennoch Raum zur Entfaltung lässt, sie schreibt auch großartige Songs. Eine sehnsuchtsvolle Hymne an die Nacht, wie sie „Starlight Nightcrash“ darstellt, könnte auch auf einem Album von LANA DEL REY stehen: wenn das orchestrale Fundament auch mehr Schwere verleiht. Das ist Musik, die groovt, atmet, pulsiert und verführt. Album des Jahres? Na klar.

Beste Coming-of-Age-Platte: KIDS WITH BUNS: Out of Place

Oh mein Gott, wie ausgefeilt kann ein Debütalbum sein? Die beiden jungen Belgierinnen Marie Van Uytvanck und Amber Piddington machen auf ihrem Erstlingswerk „Out of Place“ gitarrendominierten Indie-Pop für einsame Seelen und gebrochene Herzen. Und sie machen so ziemlich alles richtig. Dieses Album bietet mehr bittersüße Momente als jede Zartbitter-Schokolade. Marie singt mit tiefer, androgyner Stimme, und Amber beherrscht auf ihrer Gitarre melodisch hallende Postpunk-Harmonien ebenso wie zurückgelehnte Akustik-Licks. Dass sie ihre Musik als „Bedroom-Pop“ bezeichnen, sollte ebenso wenig abschrecken wie die Tatsache, dass sie in ihren Texten – auch – Probleme des Erwachsenwerdens thematisieren. Der Sound ist warm und dicht, die Texte klug und mit starken Bildern, in denen sich auch ältere Generationen wiederfinden können. „The glass that I broke four weeks ago, it′s still on the floor/ It′s part of the room now I′m never gonna pick it up again„, singt Van Uytvanck in „Clutter“: Momente der Einsamkeit und des Selbstzweifels, wenn sich die eigene Wohnung langsam in eine fremde und unheimliche Umgebung verwandelt. Das Überraschendste an der Platte ist jedoch die Selbstverständlichkeit, mit der die beiden durchweg starke Songs präsentieren: Hier könnte man fast jeden Titel herausnehmen und auf die Playlist der geschmackvolleren Radiosender setzen. Wer auf den Gitarrenpop von AMY MACDONALD schwört, kommt hier ebenso auf seine Kosten wie Fans von Indie-Folk der Marke BOYGENIUS oder von wavigen Rockklängen. Und für alle, die THE ORGANs einzige Platte (2004) immer noch für das beste Album aller Zeiten halten, ist das hier ebenfalls ein sehr willkommenes Trostkissen!

Beste Bauchschmerz-Platte: DANIEL BLUMBERG: Gut

Ein Konzeptalbum über eine Darmerkrankung? Inklusive Furz- und Rülpsgeräuschen? Ich weiß, das klingt zunächst komplett bescheuert. Aber wer hier an Pennäler-Humor der Marke J.B.O. denkt, ist auf einer ganz falschen Fährte. Improvisierter Jazz, Marc Hollis und späte TALK TALK heißen eher die Referenzen. Daniel Blumberg, ein 33jähriger Künstler aus London, ist dafür bekannt, dass er allerlei Instrumente virtuos beherrscht und ein Konzert auch mal komplett improvisiert. Hier verarbeitet er eine schwere Krankheit, die ihn beinahe das Leben gekostet hat – doch es ist vor allem auch ein Album über den menschlichen Körper, seinen Verfall und seine Verletzlichkeit. Blumbergs Stimme ist schön und zerbrechlich, ein hohes und klares Organ von fast überirdischer Schönheit. „Gut“ hat er größtenteils in einem Take am Piano aufgenommen, später kamen Effekte, Schlagzeug und gedoppelte Stimmen hinzu. Er verweigert sich klassischen Songstrukturen, zerhackt die Songs mit wilden Rhythmen, streut kakophonischen Lärm. Ein Album voller Schmerz: Er wiederholt wenige Harmonien als wiederkehrende Litanei, wenige Worte als Sentenzen. Ja: Der Song „Body“, eine Lärmorgie mit Flatulenz, ist unhörbar, denn tatsächlich enthält der Song Rülpse und Furze. Das wurde doch hoffentlich nicht live eingerülpst und eingefurzt? Bei „Knock“ drischt das Schlagzeug so unerwartet in den Song hinein, dass man zur Anlage rennt und leiser stellt, damit einen die Nachbarn nicht wegen Folter verklagen. Ein Album, das man aushalten und vielleicht durchleiden muss. Und doch: Es ist keine Orgie des Schmerzes, die Blumberg uns hier präsentiert, es ist ein tröstendes, ein faszinierendes Album. Eines, das sich körperlich anfühlt, Herz, Hirn und Pulsschlag hat. Und, na ja: eben auch einen furzenden Darm.

Beste Comeback-Platte: WITCH: Zango

Es gibt Comebacks, die sind so unwahrscheinlich wie ein Sechser im Lotto, so unerwartet wie das plötzliche Auftauchen eines Superhelden in einer ausweglosen Situation. Fast 40 Jahre ist es her, dass WITCH (kurz für „We Intent To Cause Havoc“) ihr letztes Album „Lazy Bones“ veröffentlichten. In den 70er Jahren brachte die Band den Rock’n’Roll nach Sambia, ihr Leadsänger Emanyeo Chanda trug den Künstlernamen „Jagari“: eine Aneignung des Namens von Mick Jagger mit regionalem Akzent. Sie zählen zu den Begründern des Genres „Zamrock“, denn sie imitierten nicht einfach ihre Vorbilder, sondern übersetzten den Rock in ihre eigene Sprache. Sie spielten ihn mit afrikanischen Rhythmen und viel Funk im Sound, oft in großer Besetzung, mit wilder Percussion, hypnotisierenden Fuzz-Gitarren und so knallig bunt wie ihre Gewänder.

Dass WITCH nun wieder ein Album veröffentlicht haben, ist nicht allein aufgrund der langen Zeitspanne ohne Lebenszeichen ein kleines Wunder. Fast die komplette Band wurde vom AIDS-Virus hinweggerafft, Chanda zog sich aus dem Musikbusiness zurück und arbeitete erst in einer Edelstein-Mine, dann als Lehrer. Neben ihm ist lediglich Keyboarder Patrick Mwondela noch beteiligt, der aber auf keinem der bisherigen Alben zu hören war. Zwar gab es ausgehend von den 2010er Jahren ein neues Interesse an Zamrock in Europa, es gab eine Doku, Bootlegs wurden gehandelt und die Alben der goldenen Ära wiederveröffentlicht, Chanda spielte auch wieder live auf Festivals. Aber mit neuem Material war wirklich nicht zu rechnen.

Dann plötzlich ist „Zango“ da. WITCH klingen darauf wie keine andere Band im Moment. Sie klingen wild, sie klingen spritzig, sie klingen unglaublich lebendig. Sie ziehen einen hinein in einen Sog infektiöser Melodien, die bestimmte Grundmuster wiederholen, sich gängigen Songstrukturen entziehen und gerade deshalb eine süchtig machende Wirkung entfalten. „Zango“ funkelt wie ein Edelstein aus den Minen Sambias, nur bunter und wärmer. Das ist auch den vier neuen (und deutlich jüngeren) Mitmusikern zu verdanken, die vom europäischen Kontinent hinzustießen: Bassist Jacco Gardner und Schlagzeuger Nico Mauskoviç sind aus der niederländischen Psychedelic-Rock-Szene bekannt, letzterer von ALTIN GÜN. Beide haben das Album auch produziert. Gitarre spielen der Schweizer Stefan Lilov und der Münchner J.J. Whitefield.

Dieses Mehrgenerationenhaus baut eine Rakete. Kommt der Opener „By The Time You Realize“ zunächst noch etwas verhalten und gewöhnungsbedürftig daher, so schickt einen spätestens der zweite Song „Waile“ vollends in den Orbit. Stakkatohafte und entfesselte Rhythmen! Ein virtuos tanzender Bass! Zuckersüße Frauenchöre, in denen sich im Wechselspiel mit Chando das ekstatische Call-and-Reponse des Gospel spiegelt! Pluggernde Licks und harte Gitarrenriffs, die Funk und Afrobeat mit dem Proto-Metal der frühen BLACK SABBATH vermählen! Man müsste den Wortschatz erweitern, um wiederzugeben, was hier alles ineinanderfließt und gleichzeitig stattfindet. Und obwohl dies eine Zeitreise ist, wir uns mit dem DeLorean direkt in die 60er und 70er Jahre begeben, klingt das alles absolut zeitgemäß, zuweilen gar futuristisch.

Bei zwei Songs, dem entspannt groovenden 60s-Disco-Funk von „Unimvwesha Shuga“ und dem dubgetränkten Hammond-Orgel-Reggae von „Malango“, übernehmen mit Theresa Ng’ambi und Hanna Tembo zwei junge Vertreterinnen der sambischen Popkultur den Leadgesang. Das unterstreicht den Gemeinschaftsgedanken, der in der afrikanischen Yoruba-Tradition sehr präsent ist: Musik, die von Generation zu Generation weitergegeben wird. Gemeinsam wird musiziert und getanzt, in den Familien und bei Festen verschwimmen die Grenzen zwischen Interpret und Publikum. Musik gehört hier nicht der Band, sie ist als Gemeingut gedacht, als Einladung zum gemeinsamen Musizieren. Das spiegelt sich in den zahlreichen Kollaborationen auf dem Album, aber auch in den Texten Chandos, der sich mit seinen 71 Jahren als liberaler Geist entpuppt. In „Message from WITCH“ singt er über seine Musik: „Sie eint den Glauben/ besiegt die Fremdenfeindlichkeit/ die Hassrede/ beendet den Sexismus/ die Homophobie/ besiegt den Antisemitismus/ umarmt alle Rassen“.

Beste Selbsthilfe-Platte: TO KILL ACHILLES: Recovery

Metalcore muss aufpassen, nicht das Schicksal anderer jugendlicher Subgenres zu erleiden. Viele Bands drohen ins Formelhafte abzudriften: Breakdowns, harte Strophen und eingängige Refrains, dezente elektronische Spielereien: Die Standards sind bekannt. Die Schotten TO KILL ACHILLES zeigen auf ihrem zweiten Album „Recovery“ einen interessanten Ausweg auf: Sie mischen eine ordentliche Portion Screamo und Verletzlichkeit bei.

Dass Bands dieses Genres persönliche Krisen und soziale Probleme ihres Umfelds thematisieren, ist nicht neu. Doch die Art und Weise, wie Sänger Mark Tindal hier Songs über Alkoholismus und Sucht, gescheiterte Beziehungen, häusliche Gewalt und Perspektivlosigkeit durchleidet, hat eine eigene Qualität. Eine Mischung aus Schreien, heißerem Sprechgesang und rauen Ausbrüchen ist sein Markenzeichen, vorgetragen im Tonfall von Wut und Verzweiflung: oft hektisch und übersteuert, hart an der Schmerzgrenze. Hinzu gesellen sich Gitarren, die nicht nur stumpf vor sich hingrooven, sondern auch mal sehr rockig klingen, Nuancen setzen: oder, wie im berührenden „Blue“, melodisch schlingern und weinen. Die Texte sind sehr direkt und zuweilen schwer auszuhalten, zwischen Selbstanklage, Ohnmachtsgefühlen und eben Verzweiflung: „Ich kann stark sein / Ich kann freundlich sein / Ich kann alles sein, was ich verdammt nochmal sein will„, wütet Tindal im Opener „…and I’m An Addict“, nur um nachzuschieben: „Aber warum falle ich in das zurück, was ich bin / Ein Junkie, ein Süchtiger, ein Mann mit Komplexen, ich will es nicht!“ Es ist ein vertonter Kampf, dem wir hier beiwohnen, ein Kampf mit den eigenen Dämonen und der Zerwürfnissen dieser Welt.

Aber im Gegensatz zum zuweilen niederschmetternden Debüt von 2021 kommt ein neues Element hinzu: Hoffnung. Es ist ein Aufbäumen spürbar, ein inneres Brennen, und sind die Songs auch noch so verzweifelt, so weisen sie einen Ausweg auf. Im düster-klaustrophobischen „Cave“ singt Tindal am Ende: „Es ist nicht egoistisch, an sich selbst zu arbeiten/ Aber ich brauche trotzdem deine Hilfe/ Denn ich bin schon eine Weile hier drin gefangen/ Und ich muss dich immer noch lächeln sehen/ Und ich muss dich immer noch sagen hören, dass alles gut wird/ Und wenn es mehr Zeit braucht/ Dann ist das in Ordnung, denn ich werde es zum Licht schaffen/ Wenn du versprechen kannst, dass du da sein wirst“. Diese Hoffnung spiegelt sich auch in der Musik, die nun weniger harsch klingt, eingängige Hooks bietet – und zuweilen schöne Melodien. Schlagzeuger Kieran Smith steuert Klargesang bei, manch elegische Melodie schillert und funkelt. Sogar ein Saxophon-Solo ist zu hören. Wenn die Wut in der Sehnsucht nach Nähe, Verständnis und Zärtlichkeit mündet, ist das doch eine schöne Pointe – und weit entfernt vom Macho-Gehabe manch anderer Hardcore-Bands.

Beste Coitus-im-Nachtclub-Platte: STARBENDERS: Take Back The Night

Was macht eigentlich der Glam-Rock? Leute, was haben wir Idealisten des guten schlechten Geschmacks, die wir unsere T-REX- und CINDERELLA-Shirts noch immer mit leidlicher Würde tragen, in letzter Zeit ertragen müssen. Da kommen so Bands wie JOHN DIVA daher und downgraden die Musik mit biederer Hartmannskost auf Fernsehgartenniveau. Billige Posen, klischeehafte Texte und Produktionen, die mehr Plastik enthalten als so mancher Hochseefisch. Auch ich hatte manchmal das Bedürfnis, mein Fönfrisuren-Toupet in die Tonne zu werfen, aus dem Ganzkörper-Latexanzug zu schlüpfen und meinem musikalisch gebildeten Freundeskreis zuzurufen: „Ihr Götzen des Kontrapunkts, ab heute bin ich einer von euch!“ Fast hätte ich mir schon so einen Pinguinfrack gekauft, wie man ihn manchmal in Konzertsälen mit Kristalllüstern sieht.

Und dann – swooosh – kommt die Rettung. Sie kommt mit übersteuerten Gitarren, mit breitbeinigen Posen, mit Mitgröhlmomenten, mit Lust, Spielfreude und Sexappeal. Nein, nicht mit Sexismus, sondern ernsthaft mit Sexappeal. STARBENDERS sind eine Band, die 2013 in einem Suburb von Atlanta/Georgia gegründet wurde. Es ist die Stadt, in der die Coca Cola Company ihren Sitz hat, Geburtsstadt von Martin Luther King: und bekannt für ihre große LGBT-Community, Austragungsort der Atlanta Pride Parade. Ein ideales Pflaster für eine Band, die mit androgynen Images spielt, mit knallenger Lederkluft posiert und mit Glitzer: Schlagzeugerin Emily Moon ist auf manchen Bandfotos ebenso oberkörperfrei zu sehen wie Gitarrist Kriss Tokaji, die Brustwarzen nur mit Tape zugeklebt, alle Bandmitglieder tragen wallende Mähnen. Schon die Bandfotos verströmen viel Star-Appeal: und eine schwüle Erotik.

Wer wissen will, wohin es programmatisch geht, dem seien die Titel ihrer bisherigen Alben zitiert. „Heavy Petting“ hieß das Debüt von 2016, „Love Potions“ der Zweitling von 2020: Dass die Band ihre Musik als Aphrodisiakum versteht, liegt auf der Hand. Und auch der Titel des vorliegenden Albums, „Take Back The Night“, ist programmatisch zu verstehen. Es ist Musik für das nächtliche Zwielicht, für verrauchte und verschwitzte Nachtclubs, in denen sich Körper auf abgewetzten Kissen regeln, Küsse und Bisse ausgetauscht werden. Würde im Berliner Kit Kat Club Rockmusik gespielt – was leider nicht der Fall ist – wäre STARBENDERS der ideale Soundtrack.

Doch darf man den Sex der STARBENDERS nicht missverstehen. Frontfrau Kimi Shelter, die auch das Songwriting in der Hand hält, versteht sich als Feministin: Und so ist ihr Sex gemischt mit Wut, Schmerz und Autorität, sammeln sich Blutspritzer auf den samtenen Kissen. Romantischen Beziehungen erteilt sie schon mal eine Abfuhr. „Ich will nicht verliebt sein/ Ich will nur deinen Sex/ Deine Tränen schmecken/ Ich will deinen Namen nicht wissen/ Ich will deine Stöße“ singt sie im zweiten Song „Sex“ drängend und fordernd. Und weiter: „Ich kenne all die Freude, die die Liebe bringt, aber ich habe genug davon“. Der dritte Song „Body Talk“ beschreibt, wie sie nachts auf Jagd geht, „Lost Boys in the Clubs“ sucht: trunken vor Liebe und blutlüstern. „Ich will fühlen, was im Inneren tot ist“. Das „New Future“ des Punk schimmert durch die glitzernde Hülle, befällt Körper, Lust und Gefühle. Mehrfach thematisiert Shelter Sucht und Depressionen, schmerzhafte biographische Erfahrungen und ihren Umgang damit: Selbstermächtigungs-Statements, deren Zwischentöne man überhören könnte.

Auf ihrem neuen Album entkleiden sich die STARBENDERS bis auf die Knochen: Sie mögen es roh, fett und manchmal ungeschliffen. Es ist eine infektiöse Mischung aus Hard Rock und Hair Metal, die zwar die 80er zitiert: „Whohoo“-Chorus im spritzigen Opener „The Game“, aber weiter zurückreicht. Es ist auch der Punk der NEW YORK DOLLS, der sich in ihrem Sound spiegelt, das nervöse Flackern der Protopunks MC5, der rotzige, wie Kaugummi auf die Straße gespuckte Rock ’n’ Roll von JOAN JETT und den RUNAWAYS. Und, wenn auch weniger präsent als auf den Vorgängeralben, die polyphonen Harmonien von FLEETWOOD MAC, die den Songs bisweilen eine sehnsuchtsvolle Melancholie verleihen. Die STARBENDERS bringen einem den Glauben an die Ideale des Glam zurück. Wenn auch nicht frei von Nostalgie, so bieten sie doch simple, aber taufrische Rock-Hymnen für Hedonisten, Strapsträger und Löwenmähnen. Dass sich Frontfrau Kimi Shelter zuweilen anhört wie die nikotinsüchtige Schwester von FLEETWOOD MAC-Sängerin Stevie Nicks, ist da sicher kein Nachteil. Da verzeiht man es auch, dass sich mit der überflüssigen Coverversion von ALICE COOPERs „Poison“ ein echter Totalausfall auf der Platte befindet.

Beste urbane Tanztempel-Platte: AUNTY RAYZOR: Viral Wreckage

Ich höre schon die Einwände: „Du hast bisher so wenig Metal auf deiner Jahresbestenliste – warum empfiehlst du nicht gleich ein Rap-Album?“ Und klar: Auf diesen Einwand habe ich nur gewartet, vielen Dank! Das Rap-Album des Jahres kommt in diesem Jahr aus Nigeria: AUNTY RAYZOR mit „Viral Wreckage“. Die Frau mit den feuerroten Rastas rappt auf ihrem Debüt mit Autorität und Charisma über futuristischen Afrobeats, die einerseits minimalistisch und ganz zeitgeistig sind: Trap ist deutlich rauszuhören. Aber auch so komplex verschroben, experimentierfreudig und mit tief in den Eingeweiden pulsierenden Bässen, dass dies hier weit entfernt ist vom üblichen Einheitsbrei. Die am Jazz geschulte Polyrhythmik des 70er-Jahre-Afrobeats mit ihren teils absurden Brüchen wird hier in ein hartes und tanzbares Clubgewand gekleidet, das die Tanztempel der globalen Metropolen in schweißgetränkte Tropfsteinhöhlen verwandeln sollte.

Musik hat die Frau mit dem bürgerlichen Namen Bisola Olungbenga ursprünglich am Piano gelernt. Mit ihrer Mutter übte sie nach der Schule, wie sie in einem Interview erzählt, wenn sie besonders gut war, gab es als Belohnung ein Stück Schokolade. Die Musikalität ist hörbar, denn ihre Flows sind variabel und originell. Und obwohl Rap hier ganz klassisch zelebriert wird: Reime im zuweilen schwindelerregenden Tempo, so rappt sie doch hochmelodisch und wechselt gelegentlich in eine angenehme Singstimme, sodass Reggae und Soul immer mal wieder durchscheinen. Man höre sich ein Statement wie „Stuttrap“ an, ein explosives Stück Musik, das vor Energie berstet: Das Rasiermesser, das Olungbenga in ihrem Künstlernamen trägt, ist mehr als nur eine Behauptung. Ihr aggressives Stakkato trifft auf metallische Percussion und tief rollende Bässe, die der japanische Produzent Scotch Rolex, ein Veteran des Breakcore und Raggamuffin, vor ihr ausbreitet. Ohnehin ist die Auswahl der Produzenten auserlesen und zeugt vom Selbstbewusstsein der Interpretin: Gleich mehrere Tracks hat etwa Debmaster produziert, ein in Berlin lebender Franzose mit einem Studio in Ugandas Hauptstadt Kampala, der sich einen Namen in der Nyege Nyege-Szene gemacht hat. Das sagt einem nichts? Nyege Nyege ist ein Slang-Wort für einen plötzlichen, unkontrollierbaren Impuls zu tanzen. Mehr muss man nicht wissen, um einzuordnen, was hier geschieht. Wilde und funkelnde Exkursionen durch irrwitzig scheppernde Beats (verfremdetes Xylophon und Glocken), nervös fiepende Synthies, Polyrythmik und Bässe, die tiefer sind als der Mariannengraben.

Neben tanzbaren Clubtracks, die auch mal nach Party und Strohhalmgetränk klingen dürfen („Bounce“ macht Spaß, ist aber einer der weniger interessanten Songs), gönnt uns AUNTY auch mal eine Atempause. Die beiden Tracks mit dem ugandischen Sänger und Gitarristen TITI BAKORTA, die mit psychedelischen Gitarrenloops daherkommen, sind am ehesten dem klassischen Afro-Sound der 70er Jahre verpflichtet: „Fall Back“ ist eine schöne Nummer mit Gospelchor, das abschließende „Sise“ reitet durch fiebrig-nervöse Akkorde. Am besten ist „Viral Wreckage“ aber immer dann, wenn AUNTY Tempo aufnimmt, ihre Zeilen über harte Beats absurd springen lässt, wenn sie als Zeremonienmeisterin ihre Silben spuckt, rollt und frei durch die futuristischen Landschaften treibt. Ein tolles Album – dass sie auf Spotify gerade mal 3.000 Hörerinnen und Hörer im Monat hat, lässt mich mal wieder an der Welt zweifeln.

Beste Flaschenpost-Platte: NOAH GUNDERSEN: If This Is The End

Es gibt Musiker, die ich schätze, weil sie fast immer auf ganz eigenwillige Weise enttäuschen. NOAH GUNDERSEN war ab 2008 einer der ersten dieser – ehemals – blutjungen Musiker, die Americana, Singer/Songwriter und Indie-Folk wieder populär gemacht haben, wenn auch bei weitem nicht mit dem Erfolg der jüngeren PHOEBE BRIDGERS (mit der er das fantastische „Atlantis“ aufgenommen hat) oder JULIEN BAKER. Und die, in Nachfolge von Musikern wie NICK DRAKE, einen eigenen Ansatz wählen: Folk als Instrument einer radikalen Innerlichkeit und Selbstbefragung, auch gesellschaftliche Themen werden durch die subjektive Brille gefiltert (Oft hat man in dem Genre ja so einen Welterklärungs-Gestus, den ich ehrlich gesagt nicht abkann).

Nun veröffentlicht er sein mittlerweile siebtes Album, und wieder zeigt er, was ihn schon früher auszeichnete: gnadenlose Nabelschau, vertonte Selbstzweifel, aber auch einen berstenden Lebenshunger – und Hoffnung. Nicht ohne Ironie und Brüche. Seine Texte sind eigentlich eine permanente Selbstbefragung, wie und warum man trotzdem weitermachen soll: mit der Musik, mit der Liebe, mit dem Leben. All das verpackt er in Songs, die manchmal zu viel wollen und nicht immer funktionieren, aber doch meist wunderbar komponiert und getextet sind. Manches ist kitschig, manches wirkt unfertig („Swim“ ist ein schöner Mutmach-Song mit starken Bildern: „Hold my breath underwater/ Til I’m strong enough to swim„, wird aber durch billige Keyboard-Effekte kaputt gemacht), manches pathetisch – und vieles wirklich großartig. Ohnehin haben seine Kompositionen oft etwas skizzenhaftes, was Raum schafft für Fragilität und Offenheit.

Es ist ein Balladenalbum, viele Songs sind sehr zurückgenommen und werden dominiert von seiner Stimme und dem Piano, auch wenn er das Album mit einer kompetenten Band aufnahm: und mit seiner Schwester, die wieder Backgroundgesang und Violine beigesteuert hat. Wer von einem reduzierten Song wie „Terrible Freedom“, der sich zu einem grandiosen Gospel-Finale steigert, nicht angefasst und durchgerüttelt wird, ist zum Eisblock erstarrt. Im Gespräch mit einem Freund thematisiert er gescheiterte Lebensentwürfe und Klischees von Männlichkeit anhand der eigenen Idole: Marlon Brando und Elvis, beide im fortgeschrittenen Alter aufgedunsen und entzaubert. Groß auch die abschließende Ballade „Love is blind“, eine Liebeserklärung an seine Frau, denn GUNDERSEN ist jung verheiratet: Er schmachtet, seufzt und leidet, wie es nur wenige können.

Das Album nahm Gundersen auf, nachdem er sich, desillusioniert vom Musikbusiness, eine Weile zurückgezogen und auf dem Bau gearbeitet hatte: Es ist nicht das erste Mal, dass er der Musik desillusioniert den Rücken gekehrt hat. Aber solche Musiker*innen sind mir lieber als jene, denen sofort und immer alles gelingt: die Suchenden, die Zweifelnden, manchmal am Rand des Scheiterns balancierend. Biografische Gründe nicht ausgeschlossen: Aber oft sind diese Interpreten gerade in ihrer Widersprüchlichkeit auch die interessanteren. Gundersen trägt so schwer an seinem Talent, dass er fast darunter begraben wird. Einige seiner Songs haben achtstellige Zugriffszahlen auf Spotify: Dass er keinen Erfolg hat, kann man nicht behaupten. In Deutschland aber wird er mit schöner Regelmäßigkeit übersehen. Ich fand keine einzige Rezension zu diesem Album in deutscher Sprache.

GUNDERSEN selbst will sein Album als Mutmacher verstanden wissen, das in Zeiten schwerer Lebenskrisen einen Türspalt offen lässt. Im wunderschönen „Haunted House“, gemeinsam gesungen mit seiner Schwester, textet er: „Du hast dich in einen sterbenden Stern verliebt/ In eine versagende Leber und ein gebrochenes Herz/ Aber wenn du mich für all das lieben kannst, was ich nicht bin/ Gebe ich dir den Rest von dem, was ich habe„. Zu seinem Album sagt er: „Hier ist eine weitere Flaschenpost – ich hoffe, sie wurde genau zum richtigen Zeitpunkt an Deine Küste gespült“.

Beste Edelstahl-Platte: ADORNED GRAVES: The Earth Hath Opened Her Mouth

Huch, da fällt mir ein, dass ich bis jetzt noch kein „klassisches“ Metal-Album besprochen habe. Weil es keine guten gab? Quatsch, wir hatten es in diesem Jahr mit einer ganzen Reihe hervorragender Alben zu tun, von SCREAMER über TAILGUNNER bis hin zu GATEKEEPER, SMOULDER, JAG PANZER oder RAVEN, die allesamt erstklassigen Edelstahl abgeliefert haben, aber Geheimtipp: Das könnt ihr auch in den Jahresrückblicken der anderen fleißigen VAMPSTER-Ameisen nachlesen.

Ich habe mich entschlossen, ein anderes Album auf den Stahlthron zu heben. Dafür müssen wir uns an den ehemaligen Königshof nach Kaiserslautern begeben. ADORNED GRAVES schmieden seit Jahren eine so edle Klinge, dass es ein Rätsel bleibt, warum sie nicht längst viel größer sind und mit an der Spitze des europäischen Metals stehen. Als Thrash-Band gestartet, haben sie sich mittlerweile eine ganz eigene Nische im eisernen Thronsaal erspielt, die irgendwo zwischen US-Powermetal der 80er, progressivem Thrash und epischem Bombast anzusiedeln ist. Kaum zu glauben, dass ihr neuestes Werk „The Earth Hath Opened Her Mouth“ (schon der Titel ist mächtig) in Eigenregie entstanden ist. Fast 75 Minuten lang wird hier alles geboten, was das edel verchromte Herz des Kuttenträgers mit gut sortierter Plattensammlung erfreut. Es handelt sich um eine vertonte Pilgerreise, meist in unruhigem Fahrwasser. Eine ganze Reihe von Gastsängern hat sich auf dem Album versammelt, die Liste ist ein Who is Who des Underground Metal (PRAYING MANTIS, WYTCH HAZEL, SEVENTH ANGEL), was der Kompaktheit keinen Abbruch tut.

Das Album beginnt mit „Epitaph I“, einem Song, der an den britischen Folk der 60er Jahre erinnert, getragen von einer stimmungsvollen klassischen Konzertgitarre und mehrstimmigem Satzgesang: Das muss man erst mal hinkriegen. Die Ruhe währt nicht lange, Pilgrim’s Path bricht über einen herein, mit reitenden Thrash-Gitarren und einem Refrain, der an die Matt-Barlow-Phase von ICED EARTH erinnert. Scheidende Riffs und orientalische Harmonien präsentiert uns das folgende “Progenitors”, bei dem Kobi Farhi von ORPHANED LAND einen Gastauftritt hat.

„Valley of Anchor“ ist eine zehnminütige Reise auf einem verwunschenen Geisterschiff, auf dem es gefährliche Strömungen und Strudel zu überwinden gilt, vorbei an Eisbergen und Untiefen, den Gesang der Sirenen im Ohr. Zunächst geht es gemächlich im Midtempo groovend los, bis plötzlich Stürme über einen hereinbrechen, pfeilschnelle Gitarren sogar an Black Metal erinnern: bis das hölzerne Schiff schließlich abdriftet, die Segel zerreißen, die Crew durch bisher unerforschtes Terrain gezerrt wird, durch progressive Wendungen und Soli (ja, ich höre jetzt auf mit den schrecklichen Vergleichen). Das ist großartig und zeigt eine weitere Qualität der Band: eine düstere Atmosphäre, manchmal bleischwer und gespenstisch.

Die Höhepunkte sind zahlreich. „Beyond the Silence“ ist ein majestätischer Doom-Track wie aus den Katakomben der DIO-Phase von BLACK SABBATH. Sänger John Jaycee Cuijpers (PRAYING MANTIS) singt fantastisch, die Melodieführung ist erhaben. Das stimmungsvolle Instrumental „Wind over Glen“ ist fast lieblich, mit keltisch angehauchten Harmonien und verspieltem Grundrhythmus. Wer das alles auf hohem Niveau auf einem Album unterbringt und dabei noch einen unverkennbaren Stil bietet, der gehört eigentlich zu den Großen. Mächtig!

Beste Existenzkrisen-Platte: CAROL HODGE: Vertiginous Drops

Wenn mir der Facebook-Algorithmus neue Musik vorschlägt, verfehlt das meinen Geschmack meist so sehr wie Christoph Kolumbus Indien. THE DARK TENOR oder VANESSA MAI, das sind dann solche Sachen. Aber ich habe bisher davon abgesehen, Facebook wegen Mobbing zu verklagen, denn manchmal sind auch echte Perlen dabei. Wie der eigenwillige Sound der Britin CAROL HODGE, den mir Facebook im Mai in die Timeline spülte. Die Sängerin und Pianistin, die ursprünglich aus der Anarcho-Punk-Szene stammt (sie gehört unter anderem zum späten Line-Up von Steve Ignorants CRASS: ein Anarcho-Kollektiv, das Ende der 70er Jahre dadurch auffiel, dass es sein benötigtes Equipment auch mal zusammenstahl), hat ein Handicap: Ihre linke Hand ist verkrüppelt, was ihrer Musikalität keinen Abbruch tut. Sie selbst bezeichnet sich als siebenfingrige Klavierspielerin und zeigt die Hand offensiv auf dem Albumcover. Außerdem hat HODGE eine kräftige und wandelbare Stimme, die sie gern auch mal theatralisch ausreizt.

„Vertiginous Drops“ ist das mittlerweile vierte Studioalbum der 41-jährigen Musikerin, das sie als Verfechterin des „Do It Yourself“-Gedankens auf ihrem eigenen Label Midnight Stamp Records veröffentlicht hat. Und die Musik darauf ist gar nicht so einfach zu beschreiben. Sie ist klassisch – und doch wieder nicht. Oft getragene Songs, die man als Rockballaden bezeichnen könnte, wenn dieser Begriff nicht ein völlig falsches Bild vermitteln würde. Die ruhige Grundstimmung des Albums wird immer wieder von grittigen, subtil abgründigen Momenten durchbrochen. Auf „Clean The Slate“ hört man die krachende Gitarre von Chris Catalyst, der unter anderem mit den SISTERS OF MERCY und GHOST zusammengearbeitet hat. Das giftige „Oh Amanda“ ist eine Hommage an die BEATLES und den psychedelischen Sound der 60er Jahre. Auch Varieté-Atmosphäre, wie wir sie von den DRESDEN DOLLS und Amanda Palmer kennen, schimmert durch. Das Album kommt mit großen und umarmenden Melodien daher, die Arrangements sind liebevoll und ausgefeilt. Doch davon darf man sich nicht täuschen lassen, denn wenn dich HODGE sanft streichelt, zieht sie dir zugleich den Teppich unter den Füßen weg: „Die Blumen, die ich für dich schickte/ Nun, ich hoffe, sie sind alle vertrocknet oder haben nicht geblüht,/ Denn mein Respekt für dich/ Fällt ab, Blütenblatt für Blütenblatt für Blütenblatt/ Und du hast es nicht einmal gemerkt“.

Das Piano ist das tragende Instrument, aber es gibt auch viel Gitarre und Schlagzeug, es gibt tanzbare Synthie-Pop-Nummern, Streicher und Bläser. Hodge selbst sagt auf die Frage nach ihrem Stil, die Antwort verweigernd, sie schreibe Songs über ihre „andauernde existentielle Krise“. Es geht oft darum, sich in einer unwirtlichen Welt behaupten zu müssen, um Sehnsüchte und Enttäuschungen. Auch das könnte man missverstehen, denn ihr Hang zum Melodramatischen und Melancholischen ist gepaart mit schwarzem britischen Humor. „Never Run Out of Things to Worry About” heißt zum Beispiel ein Song. Vielleicht könnte man die Musik so beschreiben: Wenn „Fleabag“-Regisseurin Phoebe Mary Waller-Bridge „Alice in Wonderland“ als Dramaserie im heutigen Großbritannien ansiedeln würde, dann hätte man in etwa den Sound. Classic-Varieté-Rock, der dich mit einem Giftpfeil kitzelt.

Beste Ende-der-Menschheit-Platte: FVNERALS: Let The Earth Be Silent

Na, endlich mal wieder Lust auf Musik, die sich durch und durch unkomfortabel anfühlt? Musik, die in die Knochen fährt wie ein eisiger Nordwind, während man bei zwölf Grad Minus, nur mit T-Shirt begleitet, vor einer verlassenen Ruine steht, das Gesicht schon bläulich vom beißenden Frost? Die Ruine war einst ein Hotel, aber das Dach ist fortgeweht, in der Lobby gefrorene Leichen, am Empfang wartet der Sensenmann. Und Ihr erkennt: Ihr seid der letzte Mensch auf dieser Erde, alles Leben ist erloschen. Tretet ein, lasst alle Hoffnung fahren. Und herzlich willkommen im Soundkosmos von FVNERALS!

„Dark Ambient Doom“ nennt das Duo Tiffany Ström und Syd Scarlet seine Musik. Seitdem die beiden 2013 auf der Bildfläche erschienen sind, sind sie bekannt für ihre pechschwarzen, abgründigen Klänge. Das neue Album, ihr mittlerweile drittes, steigert aber alles bisher Gewesene. Denn tatsächlich ist „Let The Earth Be Silent“ eine vertonte Auslöschung. Es ist ein Requiem für die Menschheit, ein in Klang gemeißeltes Krematorium. Wie fühlt es sich an, wenn alles Leben ausradiert ist? Entgegen dem Titel muss gesagt werden: nicht wie Stille. Es ist ein Dröhnen, Choral für einen gottlosen Himmel. Beschwörung der Trauer. Es ist, als würde man hinabblicken in ein geöffnetes Massengrab. Die von Menschen geschaffene Hölle.

Der Opener „Ashen Era“ ist noch einer der zugänglicheren. Ein Sirren setzt ein, ein Dröhnen: Soundeffekte wie die Trompeten der Apokalypse. Sie werden lauter, schwellen an, ein dumpfes Schlagen tritt hinzu – und ein betörend schöner, aber von Schwermut zersetzter Soprangesang. Erinnerungen an DEAD CAN DANCE werden wach, die ähnlich betörend in rituelle Gefilde entführt haben. Doch dann die schweren Gitarren und Bässe. Es ist die Ästhetik des Death Doom, denn hier werden keine schneidig groovenden Riffs gefahren. Die Gitarren stellen sich stattdessen in den Dienst der Schwermut, sie dröhnen und hallen und hallen, sie legen sich monolithschwer über die Musik.

Bereits beim zweiten Song „Descent“ wird deutlich, dass Sängerin Ström keineswegs nur auf ihren betörend schönen Gesang setzt. Im Gegenteil: oft überwiegt ein dunkler Sprechgesang, manchmal die Form eines schamanischen Murmelns annehmend, dann wieder sirenenhaft anschwellend. Gelegentlich spitze, schmerzhafte Schreie. Die Stimme ist in den Hintergrund gemischt, die Texte sind mitunter kaum zu verstehen. Oft tönen die cineastischen Klangkulissen wie die Holzbläser eines Orchesters, oft erinnert das Schlagzeug an Pauken. Das trägt zum ernsten Soundbild bei. Unterstützt wird das Duo von Perkussionist Thomas Vaccargiu, der gleichmäßig schreitende, aber variable und geheimnisvolle Rhythmen kreiert.

Auf eine Songstruktur im Sinn von Strophe und Refrain verzichtet die Band vollends. Und doch haben die einzelnen Titel eine Dynamik, die Songs entwickeln sich: mäandern um musikalische Muster und Motive, Schichten überlagern sich und schieben sich übereinander wie tektonische Platten. Ständige Bewegung: Gebirge falten sich auf. Kein Instrument sticht hier hervor, in dem Sinne, dass es die Musik dominieren würde. Stattdessen wird alles dem Sog der Musik untergeordnet, ein meditativer Rausch, sakrale Klänge von berstender Kälte. Zwar ist es kein neues Konzept, mit tief hallenden Lärmwänden den Hörer in einen kathartischen Fiebertraum zu versetzen, Bands wie SWANS oder Sunn O))) verfolgen einen ähnlichen Ansatz. Aber der Abgrund, den die Leipziger Band hier öffnet, funkelt in einem eigenen Schwarz.

Beste perlende Platte: HEATHER WOODS BRODERICK: Labyrinth

HEATHER WOODS BRODERIK ist eine Meisterin der Zwischentöne. Ihre poetischen Miniaturen sind einerseits enorm vielschichtig, andererseits aber so reduziert, dass sie sanft tänzeln wie eine Feder, die von leichtem Wind über einen Fluss getragen wird. Selbst die Melancholie, von der es auf diesem Album reichlich gibt, kommt leicht daher. „Labyrinth“ ist das fünfte Soloalbum der Wahl-Kalifornierin mit den markanten Wangenknochen, die immer etwas unter dem Radar fliegt. Auch, weil sie viel als Session-Musikerin beschäftigt ist: bevorzugt bei Artists, die zwischen Folk, Indie-Rock und Singer-Songwriter angesiedelt sind, SHARON VAN ETTEN, DAMIEN JURADO, LISA HANNIGAN. Wer stilistische Fixpunkte braucht, kann sich daran ungefähr orientieren. Das Problem: BRODERICK ist so außergewöhnlich gut, dass sie den Genannten mindestens ebenbürtig ist.

„Labyrinth“ hat BRODERICK weitgehend in Lockdown-Zeiten allein geschrieben und aufgenommen, unterstützt von nur wenigen Musikern. Es ist ein Album über das Unterwegssein, was bei ihr einen dreifachen Sinn hat: Unterwegssein auch als Lebensreise, Unterwegssein zu sich selbst. Es ist ein Album über das Zwischenmenschliche, über Begegnungen. Sie eröffnet das Album mit einem introartigen Song, „As I Left“ legt ein schlichtes Pianomuster unter ihre leicht angeraute, aber ätherisch schöne Stimme. Dann packt sie ihren Zauberkasten aus: behutsam lässt sie Melodien fließen, die wie warmer Regen auf der Haut perlen, verführt mit sanfter Schwermut, gleitet durch Refrains, die große Melodien auffalten, aber nie aufdringlich sind. Oft baut sie ihre Melodien aus wenigen Tönen, die leicht variiert und angereichert werden, so einen medidativen Sog entfalten. Weit stärker als auf ihren früheren Alben unterlegt sie die Songs mit elektronischen Rhythmen, oft komplexe, trippige Patterns. Auch das Schlagzeug streut ungewöhnliche Rhythmen, ist aber dezent in den Hintergrund produziert. Der Webseite „brooklynvegan.com“ erzählte sie, dass ihre Beats auch von lateinamerikanischer Musik inspiriert wurden, von Cumbia und Tresillo.

Wenn sie ausbricht, dann ohne die Grundstimmung zu zerstören. „Crashing against the Sun“ bewegt sich zwischen Synthie Pop und rockigem Refrain und ist fast schon tanzbar. Ein ständiges Ver- und Ineinanderfließen, das plötzliche Momente der Reflexion und Klarheit offenbart, Überraschungsmomente wie den titelgebenden Zusammenstoß mit der Sonne bereithält – und die sich dann doch wieder entziehen, der Erkenntnis verweigern. „Am Horizont zeichnen sich wechselnde Szenen ab/ Die einst eine klare Linie bildeten/ Es ist eine flüchtige Natur in den gewissen Dingen/ Sie verwässern mit der Zeit/ Ich war auf der Suche nach Reflexionen/ Die auf der Wasseroberfläche flackern/ Wenn Ebbe und Flut sich beruhigen/ Gibt es eine definierte Klarheit/ Die alle bleibenden Ideen offenbart/ Es ist okay, vielleicht beim nächsten Mal“, singt sie. Naturbeobachtung und Introspektion werden oft ineinander geblendet.

Im traumhaft schönen „Admiration“, das mit pluggernden Trip-Hop-Patterns daherkommt, fallen verfremdete Gitarrenklänge wie Regentropfen in den Song hinein. BRODERICK schrieb den Song, als sie in ihre alte Heimat Oregon reiste, dort die Waldbrände beobachtete, eingeschlossen war von Flammen und Rauch. „Ich hatte Angst, vermisste meinen Partner und wusste nicht, ob ich flüchten sollte und auf welcher Straße ich die besten Chancen hätte, rauszukommen. Inmitten meiner Angst und meines Gefühls der Hilflosigkeit erinnerte ich mich auch daran, wofür ich dankbar sein kann – ich versuchte, Angst und Ungewissheit als Mittel zur Hoffnung zu nutzen“, sagt sie in einem Interview. Auch hier nutzt sie Überblendungseffekte, um das Wechselspiel aus Angst und Hoffnung zu gestalten. Der Rhythmus stolpert leicht, eine elektronische Orgel schafft eine feierliche wie bedrohliche Atmosphäre, die Sanfmut wird kontrastiert mit einer leicht zittrigen Stimme.

Nein: Auch wenn dies ein schwebendes, manchmal traumhaft schönes Album ist, ist es keines zum Nebenbeihören, kein Easy Listening. Es ist ein Album für introspektive Momente, das vielleicht sogar einige Durchläufe braucht. Es ist tatsächlich ein Album für das Unterwegssein: für einsame Strandspaziergänge, für verregnete Zugfahrten, für schweißgetränkte Nächte, in denen die Gedanken kreisen. BRODERICK, verliebt in Details, weiß kleine Überraschungsmomente zu gestalten: etwa einen Song wie „Wherever I Go“, in dem der Bass flirrt und fast proggige Patterns zaubert, das Schlagzeug zudem flott voranschreitet. Man schreckt auf, wenn sich ein hallender Beat im letzten Titel „What Does Love Care“ in den Vordergrund drängt. Es ist ein ruhiges Album, das aufwühlen und tief ins Fleisch schneiden kann, um dir dann doch ein glückliches Innehalten zu ermöglichen: „Aber es geht um die Liebe, und was kümmert das die Liebe?/ Sie schämt sich nicht für ihre feurigen, feurigen Fackeln/ Es geht nur um die Liebe, und was braucht die Liebe?/ Etwas Verständnis, etwas Raum zum Atmen„.

Beste Coveralben-Platte (die gar keine ist): CROWN LANDS: Fearless

Einen Innovationspreis gewinnt dieses Album sicher nicht. Im Gegenteil: Auf die Frage „Wie klingt das Album?“ ist die Antwort schnell gegeben: nach RUSH, nach RUSH und noch mehr nach RUSH. Fast schon unverschämt nach RUSH also. Was allein deshalb schon ein Widerspruch ist, weil RUSH ihren Sound permanent weiterentwickelt haben und auf keinem Album identisch klangen. Also genauer: Es klingt nach RUSH im Jahre 1976, zu „2112“-Zeiten. Das als „Progressive Rock“ zu bezeichnen, passt bestenfalls als Genrebegriff, nicht als Idee, denn das Gebotene ist gnadenlos nostalgisch.

Trotzem landen CROWN LANDS auf der Jahresbestenliste? Ja, denn das Gebotene ist auch unverschämt gut. Es ist eine Hommage an die Zeit der 70er, als Progrock noch wild und rau klingen durfte, geboren aus Jam-Sessions. Musik, die sich ohne Kompass und Karte (oder heute Google Maps) auf den Weg macht, verschlungene Pfade erkundet: wenn nicht im Sound, so doch in den Kompositionen. Diese sind ausladend und mit hohem instrumentalen Anteil, und sie scheuen kein Risiko: Hat man sich in ein Riff oder in eine Songidee verliebt, ist die Band schon wieder woanders. Progressive Rock zeichnet sich seit jeher auch dadurch aus, dass die Bands nicht an einer guten Songidee festhalten, sondern gleich die nächste ausloten: Das mag man bedauern, trägt aber dazu bei, dass die besten Alben des Genres wilde Entdeckungsreisen sind. Auch durch weniger angenehmes Terrain: Ja, der hohe Gesang von Frontmann Cody Bowles nervt manchmal, klingt schrill, selbst das leicht Fistelige hat er vom frühen Geddy Lee übernommen. Ja, in den verschlungenen Grooves und quirligen Harmonien steckt auch nerdiges Mackertum.

Trotzdem ist „The Shadow“ auch wegen der Gesangsharmonien ein wunderschöner Song. Trotzdem ist die klassische Konzertgitarre in „Penny“ ganz großes Kino. Und trotzdem gibt es genug eingängige Momente, um sich nicht überfordert zu fühlen: Den Refrain von „Lady of the Lake“ kann man schon nach kurzer Zeit mitgrölen, sofern man die hohen Töne auf ähnlich gekonnte Weise verfehlt. RUSH-Gitarrist Alex Lifeson schaute im Studio vorbei und gab seinen Segen. Jetzt muss die Band noch mehr Eigenständigkeit entdecken, sonst enden sie als die GRETA VAN FLEET des Progressive. Aber auch solche Momente sind angelegt: Die schwelgerische Power-Ballade „Citadel“ etwa klingt nicht nach RUSH. Klingt sie nach CROWN LANDS?

Beste Chanson-Platte: FREDDA: Phosphène

Auf dem Cover sehen wir eine Frau mit nacktem Oberkörper, die muskulösen, mit Blumenranken tätowierten Arme vor der Brust verschränkt, das Gesicht zur Seite gedreht, so dass man es nicht erkennen kann. Aber man sieht: eine markante Nase, einen sinnlichen Mund. Frédérique Dastrevigne, besser bekannt unter ihrem Künstlernamen FREDDA, zählt mittlerweile 53 Lenze und gilt immer noch als Geheimtipp des französischen Chansons. Ihr siebtes Album „Phosphène“ hat sie in den Black Box Studios aufgenommen, einem umgebauten Bauernhof in der französischen Provinz nordwestlich von Paris. Zum ersten Mal mit einer Band, den Begleitmusikern des Indie-Chansonniers Matt Low. Und so mischen sich nun stärker Elemente von Rock, Blues und Americana in ihren Sound, eine Leidenschaft, die schon auf früheren Alben durchschien. Man hört Bläser, Gitarren und Saxophon, man hört ein sehr zurückgelehntes Schlagzeug über dem federnden, rhythmisch akzentuierten Piano: und FREDDAS sinnlich schöne Stimme, butterweich und doch bestimmt.

Traditionell liegt der Schwerpunkt des Chansons stark auf der Strophe, auf den erzählerischen Momenten: Dastrevigne beherrscht das meisterhaft. Ihre reifen Kompositionen atmen und haben eine eigene Dynamik, eine Art schwebende Erdverbundenheit. Ihre Stimme gleitet über die Instrumente mit diesem sinnlich kitzelnden Timbre, das man vielleicht nur im Chanson findet: Wo sonst fühlt sich Musik so körperlich an wie eine warme, innige Umarmung? FREDDA ist eine Croonerin, dehnt die Silben mit sanftem Nachklang, ihr Gesang ist in den tieferen Stimmlagen angenehm angeraut, in den hohen glockenklar.

Doch nicht umsonst hat sie auf dem Cover die Arme verschränkt, sie zeigt sich auch distanziert: Mehrere Songs ihres aktuellen Albums sind starken Frauengestalten aus Mythologie und Geschichte gewidmet, ihren tragischen Schicksalen: Mata Hari, Marilyn Monroe. Die Texte sind poetisch verdichtet und voller starker Bilder. „Driftende Ophelia/ Walfischmädchen in Seidenstrümpfen/ Man hätte mich dort gefunden/ In den arktischen Gewässern/ Im Licht der Kälte/ Driftend zu dir“, singt sie im Opener „Nordique Ophelique“, der den Shakespeare-Stoff in der Kälte des ewigen Eises ansiedelt. Man darf die Sinnlichkeit des Chansons nicht missverstehen. Zwischenmenschliche und gesellschaftliche Konflikte, Gewalt und Tragik sind seit jeher wiederkehrende Themen, aus denen das Genre seine Relevanz und Aktualität bezieht.

Und FREDDA ist eine eigene Stimme im Nouveau Chanson. Die Leichtigkeit paart sich mit Melancholie, die Melodien besitzen eine ernste Feierlichkeit. In „Long“ treibt das Schlagzeug voran, der Bass pulsiert leise im Hintergrund, das Piano klingt fast, leicht nur, nach Italo-Western-Saloon. So badet sie ihren Chanson auch im Schlamm, ganz sanft, ohne dass die Eleganz und Schönheit ihrer Kompositionen in Gefahr geriete. Westerngitarren auch im folgenden „Aube“. Der Song beschreibt die letzten Momente der Tänzerin und Spionin Mata Hari aus personaler Perspektive. Mata Hari blickt auf ihr Leben zurück, erwartet die Schüsse des Hinrichtungskommandos, der Moment wird überblendet von FREDDAs Reflexionen. Als „freie Puritanerin“ und „dornige Königin“ wird Mata Hari besungen, und sie behält die Oberhand in dem Moment, in dem sie mit ihrem Tod zur Legende wird: „Diese Morgenröte ist die ihre“.

FREDDA mischt die sehnsuchtsvolle Sinnlichkeit des Chansons mit der erdigen Bodenständigkeit des Americana. Am ehesten kennen wir einen solchen Sound von Musikern aus dem kanadischen Québec, von MAUDE AUDET oder RICHARD SEGUIN, wo der Chanson ebenfalls auf Spielarten des amerikanischen Folk trifft. Aber man darf das Beschriebene nicht missverstehen: FREDDA trägt keinen Cowboyhut, der Bauernhof ist ein französischer, sie bleibt der Melodramatik und sanften Melodieführung des zeitgenössischen Chansons treu. Im Refrain von „Argent“ klingt ihr Gesang ganz weltentrückt. Die Bläser betten sich sanft in die warmen analogen Klänge. Eines der schönsten Alben des Jahres.

Beste Live-Platte: VILLAGERS OF IOANNINA CITY: Through Space and Time

Am 05. Mai 2021, mitten in Lockdown-Zeiten, streamte eine griechische Band, die in Deutschland bestenfalls Geheimtipp-Status genießt und erst zwei Studioalben zählt, ein Konzert. Live gefilmt und aufgenommen ein Jahr zuvor in Athen: Dort, wo auch schon Aischylos und Sophokles Denkwürdiges auf die Bühne brachten. Und es ereignete sich Folgendes (Ich übertreibe nur ein bisschen): Erwachsene Männer, die das Spektakel an den Bildschirmen verfolgten, lagen sich weinend in den Armen – und waren plötzlich in der Lage Kinder zu gebären. Es herrschte für kurze Zeit Weltfrieden. Nächstenliebe wurden zu einem höheren Kurs gehandelt als Gold und Platin. Auf dem Boden des Woodstock-Festivals bebte die Erde. Sogar Aristoteles stand für einen kurzen Moment von den Toten wieder auf – legte sich aber wieder ins Grab, nachdem er den Zustand der Welt betrachtet hatte. Und ein völlig überwältigter Leipziger namens Mirko Wenig schrieb auf Youtube einen Kommentar in schlechtem Englisch, der innerhalb weniger Stunden fast 500 Likes sammelte (Bitte mit sächsischem Akzent denken): „You have to release this as a live album. Sound, mood, atmosphere: everything here is perfect!“. Man sah tausende euphorisierte Fans, die Bengalos zündeten und textsicher mitsangen – und nicht, wie es das deutsche Publikum so oft fälschlicherweise tut, vor der Bühne unrythmisch mitklatschten. Man sah einen charismatischen Sänger und eine grandiose Lichtshow. Man sah, wie Orient und Okzident ein gemeinsames Kind zeugten. Man sah Liebe und Ekstase. Sogar der Weltgeist tanzte vor der Bühne. Und zum ersten Mal in der Geschichte der Menschheit verstand ein Musikwissenschaftler, warum der Dudelsack erfunden wurde: Nicht um Menschen zu quälen und zu foltern, sondern weil er hier plötzlich Sinn machte. Das war auch der Moment, in dem Roger Waters komplett dem politischen Wahnsinn verfiel – weil er unbewusst merkte, dass er ein solches Spektakel nicht mehr auf die Bühne wird bringen können. Die Band spielte Stoner Rock – Musik, geschaffen aus den Steinen von Stonehenge, aus den Ruinen der Akropolis. Aber sie spielte ihn wild und entfesselt und komplett eigenständig, mit Klarinettensolo und Flöten und Dudelsäcken und beschwörenden Gitarren und einem perfekt ausbalancierten Sound zwischen Schroffheit und ungebändigter Energie. Da wurde sogar Pan treu und heiratete kurz darauf eine katholische Priesterin. Seither gibt es einen gar nicht mal so kleinen Geheimbund namens „Zeugen der VILLAGERS OF IOANNINA CITY“, der alles daran setzt, dass diese Band eines Tages „Rock am Ring“ wird headlinen können – denn diese Band braucht die größte Bühne, die größten Boxen, den größten Background-Chor, die gewaltigste Lichtshow: und ein komplett fanatisches Publikum (Da sehe ich in Deutschland schwarz). Wer diese Band nachmittags als Opener verheizt, vergeht sich an den Göttern des RocknRoll. Das Dokument, auf das die Zeugen der Villagers ihren Eid schwören müssen, wurde schließlich erstmals im Februar 2023 historisch belegt: „Through Space and Time“. Es ist ein Live-Album 🦄.

Beste „Hurra, wir werden groß!“-Platte: MID CITY: Happy Ever After

Zum Glück gibt es sie noch: junge Rockbands, die daran glauben, dass sie groß werden können. Die ohne Gurt und Bremse so euphorisch durch die Wohnzimmer und über die Festivalbühnen krachen, dass einem der Schweiß von der Stirn rinnt. Und Euphorie ist das richtige Wort für die vier Australier von MID CITY. Ihr Indie-Rock kommt mit einer Überdosis Energie und Massenappeal daher. Hymnische Songs, massive Singalongs, treibende Rhythmen, raue und laut abgemischte Gitarren: Hier ist alles verdammt groß gedacht. Der Song „Happy Ever After“: ein Hit. „Compromise“: ein Hit. „Choke Mint“: ein Hit. „Car Wreck“: natürlich auch ein Hit. So könnte ich weitermachen und alle Songs des Albums aufzählen. Nur das ruhige „Someone like you“ fällt etwas ab, denn MID CITY sind immer dann am besten, wenn Sänger Joel Griffith nervös die Silben spuckt und dehnt und die Songs mit zittriger, aber kraftvoller und rotziger Stimme zum Höhepunkt treibt. Wenn die Gitarren machtvoll riffen und auf ihr Recht beharren, eigene Melodien zu den Hooks zu kredenzen. Wenn das Schlagzeug Treffer setzt wie ein Preisboxer-Känguru. Sie selbst sagen, dass sie zweieinhalb Jahre an dem Album geschrieben und gearbeitet haben. Vielleicht das Qualitätsgeheimnis: euphorischer, rasender Perfektionismus. Mit ihrer Euphorie sind MID CITY zum Glück nicht allein. Bands wie CORELLA, CVC und die ohnehin gehypten WET LEG könnten ein kleines (oder großes) Indie-Revival auslösen.

Beste „Wir geben noch nicht auf“-Platte: THE ALARM: Forwards

Seit Jahrzehnten kämpft THE ALARM-Frontmann Mike Peters gegen eine chronische Form von Leukämie, an deren Ausbruch er im September 2022 beinahe gestorben wäre. Auch seine Frau und Keyboarderin Jules Jones Peters war an Brustkrebs erkrankt und ist dem Tod von der Schippe gesprungen. Und was macht dieses musizierende Lazarett? Es nimmt zwischen all den Krankenhaus-Aufenthalten ein durch und durch optimistisches, lebenshungriges und Mut machendes Album auf. „Forwards“ bietet straighten, leidenschaftlichen Stadionrock mit kämpferischer Indie-Attitüde und durchweg starken Songs. Es ist das mittlerweile 21. Studioalbum der in den 80er Jahren gefeierten, später aber oft belächelten Band, deren markantestes Markenzeichen wohl ihre seltsamen Vokuhilas waren. Zugegeben: In seinen besten Zeiten sah Peters dem PUR-Frontmann Hartmut Engler nicht unähnlich. Eine Steilvorlage für hämische Kritiker, die die Band mehr als einmal abschreiben wollten.

THE ALARM galten in ihrer Blütezeit in den 80er Jahren als politische Band. Sie sangen, oft aus der Ich-Perspektive und autobiografisch gefärbt, von der Perspektivlosigkeit der Jugend zu Zeiten Margaret Thatchers, vom Arbeitskampf der Bergarbeiter, von Straßengangs und Armut. All das verpackten sie in energiegeladenen, eingängigen Rock, zunächst rau und punkig auf ihrem Debüt „Declaration“ von 1984, später auf große Stadionbühnen schielend, dem Mainstream-Rock nicht abgeneigt (PS: Dass ihre Stadionrock-Phase Ende der 80er Jahre so manche musikalische Banalität bereithielt, gehört zur Wahrheit). Auf der Habenseite der Waliser stehen sechs Millionen verkaufte Alben und 17 Singles in den britischen Charts. Das brachte ihnen Tourneen im Vorprogramm von U2 ein, mit denen sie persönlich befreundet sind – und mit denen sie oft verglichen werden.

Der Vergleich mit U2 ist nicht ganz fair, denn wo diese viel experimentierten und deutlicher auf das Radio schielten, bieten THE ALARM auf ihren besten Releases mehr Uptempo und Geradlinigkeit, ohne ihre Punkwurzeln zu verleugnen. Ein Kritiker von Allmusic schrieb einmal, dass sie jeden Song mit einer Leidenschaft aufnehmen, als wäre er der Höhepunkt ihres Live-Sets. Das traf auf viele frühere Alben nicht mehr zu. Doch nun ist die Energie wieder da, die Leidenschaft. Zu verständlich wäre es gewesen, wenn Mike Peters, körperlich geschwächt und um sein Überleben kämpfend, diese Momente in traurig-schmerzvolle Balladen übersetzt oder zumindest bittere, zynische Rocknummern geschrieben hätte. Aber nichts dergleichen. Der Texter und Hauptsongwriter zeigt, wie man mit den Themen Tod und Krankheit noch umgehen kann. Auch wenn Melancholie mitschwingt, auch wenn er mal nachdenklich wird, überwiegt auf „Forwards“ eine optimistische Grundstimmung. Und auch wenn er gelegentlich Bilanz zieht, etwa in „Love and Forgiveness“ um Vergebung bittet und sich für die ihm entgegengebrachte Liebe bedankt, ist das Album doch in die Zukunft gerichtet. In seinen dunkelsten Momenten feiert Peters das Wunder des Lebens.

Schon der titelgebende Opener „Forwards“ ist ein Song, der in den 80er Jahren auf großen Festivalbühnen funktioniert hätte, mit hallenden, atmosphärischen U2-Gitarren, wirbelnden Drums und einer feierlichen Stimmung. Ähnlich geht es mit „The Returning“ weiter. Ein marschierendes Schlagzeug, Peters fordernde Stimme: „Dream out loud if you want to stay alive/ May the spirits be your guide in the afterlife“. Dass mit dem treibenden „Another Way“ eine Absage an den Fatalismus folgt, passt gut ins Bild. „Hast Du die Nachricht erhalten, dass alles vorbei ist?/ Hast Du sie reden hören, dass es von hier aus keinen Ausweg gibt?“ Nicht mit Peters. „Das glaube ich nicht, es gibt immer einen anderen Weg. Ich bin bereit für das, was kommt!“, singt er. Und wer diesen Sound als altmodisch abtun will, als Relikt der 80er Jahre, der hat nicht zugehört, wie viele hochgelobte Nachwuchsbands in Großbritannien heute klingen: Sie klingen ähnlich. Die Produktion ist rau und kernig, gelegentlich wagt die Band Ausflüge in Americana, epische Balladen oder ins Psychedelische. Das ist eine gute, eine dringliche Indie-Rock-Platte altgedienter Veteranen.

2023, das Jahr in dem unser Haus randvoll mit Elsa-Merchandise ist. Doch bevor wir uns durch dieses Jahr wühlen, geht’s los mit der 2022er Resterampe:

Das wäre noch was für den Jahresrückblick 2022 gewesen, aber ich war zu spät dran. Mea maxima culpa.

BLACK MATH HORSEMAN: Black Math HorsemanBLACK MATH HORSEMAN hätten so viel Potenzial gehabt, lösten sich aber nach nur einem Album im Jahr 2009 wieder auf. Umso erfreulicher die Rückkehr, denn sie sind auch in diesem Jahrzehnt so aufregend wie damals.

ENGE STORE: Det høstes nå2022 haben sich im Herbst alle (inklusive mir) an HAAVARDs schönem Album gelabt. Die Magie von ULVERs „Kveldssanger“ lässt aber nur „Det høstes nå“ authentisch aufleben.

FAETOOTH: Remnants Of The VesselNach dem Ende von SUBROSA führen eigentlich THE OTOLITH deren Erbe fort. Eigentlich! Die junge Formation FAETOOTH aus Los Angeles denkt das Erbe SUBROSAs weiter und hat auf ihrem Debüt „Remnants Of The Vessel“ zum Sterben schöne Songs stehen – wie „Saturn Devouring His Song“ beweist.

HOLY FAWN: Dimensional BleedZart und heavy zugleich: Die – grob gesagt – perfekte Schnittmenge aus SIGUR RÓS und DEFTONES: Zeitgemäß, eigenständig, emotional, mitreißend. Ein – im besten Sinne des Wortes – echter Tearjerker.

JÓHANN JÓHANNSSON: Drone Mass2015 im New Yorker Metropolitan Museum of Modern Arts uraufgeführt, vier Jahre nach dem tragischen Tod JÓHANN JÓHANNSSONs veröffentlicht. Mit einer atemberaubenden Performance des THEATRE OF VOICES lotet „Drone Mass“ den Raum zwischen Neoklassik und Drone aus und schaut tief in die Seele.

LYKOTONON: Promethean PathologyDie Musiker hinter STORMKEEP, WAYFARER und BLOOD INCANTATION haben noch eine Band im Rennen, die in Sachen Innovation und Spannung die Nase vorn hat. Industrial Black Metal der ganz abgefuckten Sorte. Höllisch gut!

NAHTRUNAR: WolfsstundeDas arkane österreichische Black Metal-Projekt NAHTRUNAR erzeugt mit „Wolfsstunde“ exakt die  unvergleichlich winterliche Atmosphäre, die auf dem Cover zu sehen ist. Geheimnisvoll, dunkel, intensiv – kurz: Nicht von dieser Welt.

THE TEMPLE: Of Solitude TriumphantEin Bilderbuch-Epic Doom-Album, mit großartiger Gesangsleistung und gewaltigen Riffs. Trocknet die Tränen, wenn mal wieder die GRIFTEGARD-Phase angebrochen ist.

Jetzt aber genug der ollen Kamellen. Was war 2023 eigentlich alles los? So rein musikalisch?

Ganz schön viel. Ich traue mich auch gar nicht, zusammenzurechnen, wie viel ich für neues Vinyl ausgegeben habe. Sagen wir so, ich kann nicht behaupten, ein passiver Fan und Sammler gewesen zu sein, oder jemand, der sich nicht für neue Musik interessiert – und somit gab’s auch einige Überraschungen.

Gleich im März spielten sich LAMP OF MURMUUR mit „Saturnian Bloodstorm“ ins Herz. Wer braucht da schon ein neues IMMORTAL-Album bei dieser Qualität? Eben. Auch AFSKY, deren drittes Album „Om hundrede år“ ein Epos ans nächste reiht, hinterließen bleibenden Eindruck. Ein anderes Kaliber war SLIDHRs maximal brutales drittes Album „White Hart!“ und „Therizo“ v on TAUBRA, das traditionell ausgerichtete Nebenprojekt von AARAs Berg mit einem starken Gesangsbeitrag von ILHALUNGs R. Auch WOLVES IN THE THRONE ROOM haben mit ihrer EP „Crypt Of Ancestral Knowledge“ wieder Boden gut gemacht und das Beste Material seit 2011 parat. Unkonventioneller, aber auch hochklassig präsentierten sich WAYFARER mit ihrem düsteren Wild-West-USBM-Album „American Gothic“, dem es höchstens an der persönlichen Note fehlt. Im EISENWALD gings ebensfalls wieder bunt zu, FLUISTERAARS starteten eine gelungene EP-Serie mit mittelalterlich geprägtem LoFi-Geholze, während am Jahresende der schweizer Doppelpack OPHANIM und KVELGEYST das Black Metal-Genre gehörig aufmischte.

Aber EISENWALD konte 2023 nicht nur Black Metal. Die Solokünstlerin ELLEREVE debütierte mit ihrem tollen Album „Reminiscence“ und bewegte sich gekonnt zwischen Post Rock, etwas Doom und Folk und ist damit Europas Antwort auf EMMA RUTH RUNDLE und CHELSEA WOLFE. Die wildeste Frauenpower ließ MARTHE von sich hören, deren SOUTHERN LORD-Einstand „Further In Evil“ knackig zwischen Epic Metal, Crust und Black Metal liegt.

Und sonst so? Im Death Metal gab es mit NIGHTMARERs dissonantem Monolith „Deformity Adrift“, PESTIFERs komplexer EP „Defeat Of The Nemesis“ und SULPHUR AEONs epischem „Seven Crowns And Seven Seals“ ein paar Lichtblicke. VINSTAs „Freiweitn“ brachte mich parallel zum exzessivem abfeiern des Jodelns dazu, mal wieder die gesamte OPETH-Diskografie durchzuhören. Im Grindcore präsentierten sich die Veteranen ROTTEN SOUND mit „Apocalypse“ so energiegeladen wie lange nicht. FULL OF HELL, deren Album mit PRIMITIVE MAN eher fad war, brachten am Ende des Jahres mit ihrer Kollaboration mit NOTHING noch eine sehr intensive Zusammenarbeit namens „When No Birds Sing“ heraus, die beide Bands zumindest ein wenig abseits ihrer Komforzone zeigte. Daraus brechen auch THE AMENTA regelmäßig aus, die mit „Plague Of Locus“ eine ganz spezielle Cover-„EP“ im Angebot haben und deren Tracklist allein schon begeistert. Hässlich war auch war die Rückkehr von KHANATE mit dem neuen, deutlich ungenießbareren Album „To Be Cruel“ – Sludge für Leute, die sich selbst loswerden wollen. Welcome back!

Deutlich eingängiger und mit einem Händchen für packende Songs präsentierten sich  ROYAL THUNDER mit „Rebuilding The Mountain“ – inhaltliche Heaviness inklusive. Die gibt’s auch bei dem schottischen Post Rock-Trio HEALTHYLIVING, deren Sängerin Amayo López-Carromero eine der besten Gesangsperformances des Jahres liefert. Und auch SVALBARD überzeugten mit ihrem starken Post Metal-Album „The Weight Of The Mask“ und liefern Hits und was für Herz. Apropos Hits: Auch THE MENZINGERS sind zurück. Die Scrantoner Punkrocker haben auf „Some Of It Was True“ wieder einige sehr starke Nummern zum Mitsingen stehen. Nicht zu vergessen die rabiaten Hardcore-Punks von FILTH IS ETERNAL: „Find Out“ ist weniger brutal als die Vorgänger, geht aber unverschämt gut ins Ohr und in die Beine. Last but not least: Der vom Punk inspirierte Noiserock der Dubliner NAKED LUNGS, die mit „Doomscroll“ debütierten, ließ mein Herz als ehemaliger DAUGHTERS-Fan höherschlagen.

Und nun zur unvermeidlichen, völlig subjektiven Top 25:

25. BARONESS: StoneNach dem soundtechnisch unhörbaren und musikalisch sehr durchwachsenem „Gold & Grey“ hatte ich etwas Angst vor „Stone“, doch BARONESS lassen ihre Songwriting-Magie wieder aufleben und haben ein schön ausbalanciertes Album geschaffen, das eingängige Tracks und Experimente nahtlos verbinden kann. Welcome back!

24. ERSHETU: XibalbaAb in die Unterwelt! Mit ihrem Debüt „Xibalba“ schenken ERSHETU ihrem Publikum eine cineastische Reise mit vielseitiger Instrumentierung durch den Totenkult der Mayas. Mehr als nur ein Bonus: Lars Nedland veredelt das Album mit seiner bisher vielleicht besten Gesangsperformance.

23. ESBEN AND THE WITCH: Hold SacredESBEN AND THE WITCH feiern radikale Reduktion mit „Hold Sacred“: Nach fünf jahren liefert das Trio ein bildschönes Dreampop-Album, mal zart, mal kraftvoll, ganz auf Rachel Davies beschwörende Stimme zugeschnitten.

22. SÓL ÁN VARMA: Sól án varmaEin All-Star-Projekt vom who-is-who der isländischen Black Metal-Szene, speziell für das ROADBURN FESTIVAL geschrieben und uraufgeführt als eiskaltes, leidenschaftliches Doom-Black Metal-Gebräu? Wie könnte das nicht in dieser Liste landen?

21. THE LOVECRAFT SEXTET: The Horror CosmicVielseitig finsterer Darkjazz, gern elektronisch, oft analog, mit vielen verschiedenen Stimmen, einer Gänsehaut verschaffenden Klarinette und einem tollen Gesamtbild. Ganz klar, „The Horror Cosmic“ ist das bisher beste Album des umtriebigen Projekts.

20. GODFLESH: PurgeSechs Jahre nach „Post Self“ klingen GODFLESH so, als wären sie nie weg gewesen – und ganz nach GODFLESH. Klar, ein wenig Innovation wäre schön gewesen, aber „Purge“ ist ein packendes und vielschichtiges Spätwerk der Industrial-Legende.

19. MOOR: Heavy HeartSchön, dass Ercüment von TEPHRA wieder eine Band hat. Der traurige Hintergrund von MOORs Debütalbum, Krankheit und Tod, lädt „Heavy Heart“ zusätzlich auf. Eines der besten Post Metal-Alben der vergangenen Jahre.

18. LANKUM: False LankumDass LANKUM Irish Folk disruptieren ist keine Neuigkeit, die Neuinterpretationen klassischer Songs gehen auf „False Lankum“ aber besonders zu Herzen. Heavier als Metal, sogar und vor allem, wenn sie leise sind.

17. CONNY OCHS: Wahn und SinnCONNY OCHS erfindet sich auf „Wahn und Sinn“ bis zu einem gewissen Grad neu: Statt schöne, unprätentiöse Folksongs, gibt es stellenweise Chamber Pop und Avant Pop, die Texte sind sogar deutsch gehalten. Das Schönste daran ist, wie verflucht gut CONNY OCHS dieser neue Stil steht.

16. MANBRYNE: Interregnum: O pr​ó​bie wiary i jarzmie zw​ą​tpieniaDer neue Goldstandard im polnischen Black Metal, inklusive einer mitreißenden Gesangsleistung von S. (BLAZE OF PERDITION) und einem atemberaubenden Artwork. Höchst intensiv!

15. END: The Sin Of Human FrailtyEND reißen die Höllenpforten auf: Der pechschwarze, tonnenschwere Mix aus Metalcore und Hardcore-Punk funktioniert so gut, weil Bandleader Will Putney genau weiß, was er tut und die Regeln des Genres beherrscht.

14. DOWNFALL OF GAIA: Silhouettes Of Disgust„Silhouettes Of Disgust“ ist, dank gelungener Rückbesinnung auf die Crust-Wurzeln und Rückkehr von Ur-Gitarrist Peter Wolff, das bisher beste Album der an Highlights nicht gerade armen Diskografie von DOWNFALL OF GAIA. So fühlt sich Heimkommen an!

13.  ISKANDR: Spiritus SylvestrisAbseits vom Black Metal gibt es für Multiinstrumentalist O. noch eine Menge zu erkunden: ISKANDR wandeln mit „Spiritus Sylvestris“ auf den Spuren von DEAD CAN DANCE und s, ohne ihre eigene Identität zu verlieren.

12. CAROL ANNE MCGOWAN: AerDas ist maximal nieschig und kennt mal wieder keiner, aber UNBEDINGT anhören! Das Acapella-Album von CAROL ANNE MCGOWAN ist mal so unheimlich wie der Soundtrack eines Okkulten 70ies Horrorfilms, und mal so opulent wie neoklassische Chöre. Atemberaubend und voll subtiler Schönheit.

11. SIGUR RÓS: AttaNein, SIGUR RÓS haben anno 2023 keinen neuen Bandklassiker geschrieben. „Atta“ ist ähnlich leise und ruhig wie „Valtari“. Kein Wunder, da Kjartan Sveinsson nun wieder an Bord ist. Doch „Atta“ ist eines der Alben, die man 2023 dringend braucht: Eine Stunde lang die Verzweiflung hinter sich lassen, die diese Zeiten bergen, und einen Hauch Hoffnung spüren. Prädikat: Besonders wertvoll.

10. Рожь: ВсёAm 2. Januar war bereits klar, dass „Всё“ in meinen Top 10 2023 rumlungern würde. Рожь ist ein Geheimtipp, und es ist ein Skandal, dass nicht alle Post Black Metal-Fans dieses Album besitzen. Warum? Würde es ALTAR OF PLAGUES noch geben, sie würden wie Рожь klingen.

9. SANGRE DE MUERDAGO: O vento que lambe as miñas feridasMit reduzierter Besetzung und Instrumentierung dringen SANGRE DE MUERDAGO zum emotionalen Kern direkter als in der Vergangenheit vor, bleiben aber die verträumten Realisten, die wir lieben. Es mag nicht das beste Album, der Neofolk-Band sein, wirkt aber wie ein wärmendes Licht, das in einem Horrorjahr wie 2023 so dingend gebraucht wird.

8. AARA: Triade III – NyxAARA hauen ungebremst weiter großartige Alben raus. Das Finale der „Melmoth“-Trilogie ist gleichzeitig der stärkste Teil und gleichauf mit dem jetzt schon legendären „En Ergo Einai“.

7. EITRIN: EitrinEin Projekt, das aus Mitgliedern von BLUT AUS NORD, THROANE und MÜTTERLEIN besteht, kann gar nicht scheitern. EITRIN haben nebenbei noch eine ganz eigene Energie und punkten mit MÜTTERLEINs exzellenter Gesangsperformance.

6. HEXVESSEL: Polar VeilWas für ein sagenhafter Gitarrensound und was für ein mutiger Stilbruch – HEXVESSEL brauchen mit „Polar Veil“ etwas Anlauf, aber das zum Doom und Black Metal mutierte Album der Finnen spielt sich schnell ins kalte Herz und fasziniert nachhaltig.

5. BLUT AUS NORD: Disharmonium – NahabLetztes Jahr die Nummer eins, dieses Jahr wegen dem fehlenden Überraschungsmoment ein paar Plätze darunter. Das sollte aber nicht beirren, denn BLUT AUS NORD haben mit „Disharmonium – Nahab“ erneut ein zum Fürchten intensives Album aus dem Welten verdauenden Magen Nyarlathoteps geschaffen.

4. BELL WITCH: Future’s Shadow Pt. 1: The Clandestine GateKaum ein Album hat 2023 eine ähnliche Gravitas wie „Future’s Shadow Pt. 1: The Clandestine Gate“. BELL WITCHs neues Mammutwerk lässt sich Zeit, in der falschen Stimmung vielleicht sogar zu viel Zeit. Die ganz großen, epischen Momente beherrschen BELL WITCH wie kaum eine andere Formation und bringen heben (Funeral) Doom auf ein neues Niveau. Ein tief berührendes Album.

3. DØDHEIMSGARD: Black Medium CurrentIch bekomme allein schon Gänsehaut, wenn ich an dieses Album denke. Dass „Black Medium Current“ verdammt gut werden würde, war vorherzusehen, aber das? DØDHEIMSGARD sind nicht mehr nur weird, sondern auch sehr emotional und vulnerabel und gerade deshalb so gut wie nie zuvor.

2. GRIDLINK: Coronet JuniperGuten Grind gab es 2023 einigen, aber GRIDLINK sind allen anderen um Längen voraus, weil sie statt nur Lärm zu machen, auch noch emotionale und mitreißende Songs schreiben. Das ist inspirierend und pures Empowerment. Unfassbar energetisch, unfassbar geil.

1. DJUNAH: Femina FurensGanz klar die Nummer 1 in diesem Jahr. Donna Diane und Jared Kearns klingen wie eine ganze Armee und machen aus Noiserock große Kunst. Großes Emotionskino und dabei brachial wie ein Panzer. Dieses Album sollten alle gehört haben, die nur im Entferntesten Musik mögen.

Hier stehen nur fünf Alben, aber sie tun umso mehr weh, weil ich alle Bands eigentlich sehr mag. Wie dem auch sei, so richtig prall waren 2023 die folgenden, alphabetisch nach Künstlern sortierte Platten leider nicht:

CATTLE DECAPITATION: TerrasiteDie Death-Grind-Community mag das anders sehen, aber an das intensive „Death Atlas“ können  CATTLE DECAPITATION in keinem Bereich anschließen. Es klingt fast so als hätten sie ihren Ehrgeiz verloren, noch einen Draufzusetzen.

KATATONIA: Sky Void Of StarsIch hab’s echt versucht, viele Male. Von „Sky Void Of Stars“ blieb leider nichts haften und zeigt eine Band, die Dienst nach Vorschrift macht. Nach dem gelungenen „City Burials“ eine herbe Enttäuschung.

SWANS: The BeggarHand aufs Herz, so richtig Zeit und Energie habe ich in „The Beggar“ nicht investiert, obwohl ich SWANS sehr liebe. Gepackt hat mich der Erstkontakt ebensowenig wie zu „leaving meaning.“ – vielleicht hätte Michael Gira nach „The Glowing Man“ wirklich Schluss machen müssen.

THE OCEAN: HoloceneSorry Florian, aber die Zeit der Annäherung hat bei mir nicht funktioniert. „Holocene“ plätschert vor sich hin und öffnet sich auch nicht. Die Ausnahme ist „Unconformities“ mit einer göttlichen KARIN PARK. Wären nur alle Songs so geworden, dann hätten wir THE OCEAN in meinen Top 10 getroffen.

TIGER LOU: ActsDen Song „Runaway“ liebe ich wirklich, aber der Rest auf „Acts“, TIGER LOUs erstem Album seit sieben Jahren, ist erschreckend gesichtslos. Wo ist die Leidenschaft?

Analog zum 2022: Wenig Konzerte, dafür ausgesuchte. Heuer war sogar ein kleines Festival dabei, auf dem VOID gings entspannt und familiär zu. Trotzdem bin ich mit meinem Konzerthighlight 2023 sehr Mainstreamig unterwegs.

3. ROLO TOMASSI und HOLY FAWN, 11.02.2023, Feierwerk München

Nach meinem ersten Kinderfasching ein tolles Konzert, um mich wieder einzunorden. Bis heute Frage ich mich, wer besser war, ROLO TOMASSI oder HOLY FAWN. Ich bin mir noch immer nicht sicher. Egal: Das waren zwei sehr berührende und gleichzeitig wuchtige Auftritte. Die höllischen  Ohrwümer vom Nachmittag waren dann auch vergessen.

2. MISTHYRMING und DARVAZA, 04.12.2024, Backstage München.

Ich habe 80 Minuten nach einem gottverdammten Parkplatz in der am schlechtesten Schneegeräumten Stadt der Welt gesucht, die beiden Supportbands verpasst und extrem schlechte Laune. Aber hey, genau dafür ist doch diese Form von Black Metal da, richtig?

1. IRON MAIDEN, 31.07.2023, Olympiahalle München

Mein erstes Mal. Ich liebe Maiden seit ich 13 oder 14 bin, 27 Jahre später habe ich sie endlich live gesehen. Fulminante Show, exzellente Setlist und noch Tage später davon gezehrt.

Ich habe ein Midlifecrisisprojekt, etwas aus meiner Bucketlist: It’s all about drums, baby! Die Lernkurve ist derzeit noch steil, trotzdem ist es besonders herausfordernd, Sechzehnteln auf der Bass Drum zu spielen, wenn zuvor sicke Drummer wie Jamie St. Merat oder Nick Yacyshyn auf dem Plattenteller lagen. So oder so, ein bisschen Doom und Crust geht schon.

Und: Endlich wieder ein Termin bei Alexander Knierer, dem Mann meines Vertrauens, wenn es um einen zünftigen Inkday geht. Hoffentlich vergehen bis zum nächsten Termin nicht wieder drei Jahre.

„MAMMAL“ ist immer noch nicht fertig, aber immerhin lektoriert. Die letzte Überarbeitungsstufe fühlt sich so an, als wolle sie nie enden, als hätte ich Adiletten an und wollte auf den Mount Everest steigen. Mein auf kurzfristige Belohnung gepoltes Gehirn hat lieber Reviews und die Erstfassung des „MAMMAL“-Nachfolgers namens „WRONGDOERS“ geschrieben. Mein Anti-Ich reibt sich genüsslich die Hände. Herzlichen Dank auch. Zwei Romane überarbeiten? Kein Ding. Ja, ich glaube mein Anti-Ich sieht mich gern scheitern.

Noch ein paar Sätze zu einem Thema, das mich 2023 natürlich auch nicht kalt gelassen hat: So richtig überrascht es im Nachgang nicht, dass sich der Frontmann einer großen, deutschen Rockband als lüsterner Creep herausstellt. Aber klar, juristisch ist er einwandfrei. Am haarsträubendsten sind Teile der Fanbase dieser Band, die, wenn sie schon nichts von guter Musik verstehen, immerhin fit in Sachen Victimblaming sind. Dass es so ein „Ihr-könnt-mir-alle-nichts“-Verhalten nicht erst seit dem wiedererstarken von autokratischen und populistischen Politikern gibt – schon klar. Dennoch ist mein Empfinden schon so, dass Menschen mit Narzissmusstörung im Jahr 2023 ein noch größeres Selbstbewusstsein entwickelten und mit stolz geschwellter Brust ihre Siege einfahren. Siehe auch Hubert „Das ist mir nicht erinnerlich“ Aiwanger. Der hat übrigens auch eine menschlich eher schwierige Fanbase. Surprise, surprise.

Natürlich die Top 5 der schönsten Cover! (Jaja, die Alben stehen auch alle in meiner Top 10 – aber ich steh‘ halt auf das Gesamtpaket, OK?!)

5. DJUNAH: Femina FurensDas Albumkonzept in einem Bild perfekt eingefangen.

4. BLUT AUS NORD: Disharmonium – NahabMan meint, sie kämen jeden Moment aus dem Cover gekrochen.

3. SANGRE DE MUERDAGO: O vento que lambe as miñas feridasDie warmen Farben, die harmonischen Formen und die märchenhafte Darstellung: Rundum gelungen.

2. BELL WITCH: Future’s Shadow Pt. 1: The Clandestine GateEin Wimmelbild von biblischer Schwere. Hieronymus Bosch hätte sich Jordi Diaz Alamàs Cover vermutlich gerahmt und an die Wand gehängt.

1. HEXVESSEL: Polar VeilMärchenhaft schön von Sperber Illustrationen geschaffen. Nostalgisch und keine Spur von Kitsch. Mit großem Abstand das Albumcover des Jahres.

Einschlafbegleitung mit Kindern – dank zahlloser Podcasts (manchmal) ein Klacks! Hier die Top 5 der Podcasts 2023:

5. Seelenfänger

Ein Team junger Journalisten vom BR beleuchtet die Machenschaften kranker Sekten. Staffel 1 handelt vom Anastasia-Kult, Staffel 2 von der katholischen integrierten Gemeinde und Staffel 3 (2023) behandelt „Das System Shincheonji“.

4. Cui Bono: Wer hat Angst vorm Drachenlord?

War das noch 2022 oder schon 2023? Egal. Die meisten Metaller haben den Namen Rainer Winkler vermutlich schon mal gehört und mitbekommen, dass es sich dabei um den größten Fall von Cybermobbing in der Geschichte der BRD handelt. Wer nicht drin ist im Drachengame, hört die unglaublich spannende, exzellent recherchierte Story von Kherau Behroz vermutlich in einem Rutsch durch.

3. Bossettis Woche

Wortgewandt und mit klarem Blick sprechen Satirikerin Sarah Bossetti und ihre Gäste über das Zeitgeschehen.

2. Haschimitenfürst: Der Bobcast.

Die schönste Realitätsflucht, wenn die Welt mal wieder unerträglich ist. Nostalgie, Wohlfühlatmosphäre und jede Menge Witz mit Andreas Fröhlich und Kai Schwind.

1. Traumstation

Seit Jahren die unbestrittene Nummer 1! Ein extrem sympathisches Team aus Zürcher Psychoanalytikern und Psychiatern deutet in ihrer Freizeit eingesandte Träume.

Die Glotze bleibt aus! Die besten Bücher 2023:

3. Bov Bjerg: Der Vorweiner

Gallige Climate Fiction-Satire über Resteuropäer, die verlernt haben zu trauern und sich von Klimaflüchtlingen, z.B. aus den Niederlanden dabei helfen lassen.

2. Alex Schulman: Endstation Malma

Drei Zugfahrten nach Malma ohne die Chance auf Erlösung: Alex Schulman begleitet mit viel Empathie seine Figuren über 5 Jahrzehnte hinweg.

1. Jón Kalman Stefansson: Dein Fortsein ist Finsternis

Ein Mann ohne Gedächtnis erwacht in den dünnbesiedelten isländischen Westfjorden und lernt die Geschichten der Bewohner kennen. Jón Kalman Stefansson liebt seine Charaktere und deren Eigenarten, begleitet sie durch Freud und Leid und verknüpft ihre Lebenslinien kraftvoll und virtuos. Ein Roman, so wunderbar, dass er niemals enden dürfte.

Zum Abschluss noch eine Entschuldigung. Der Wille war da, die Zeit leider nicht. Über diese Alben hätte ich 2023 gerne etwas geschrieben:

CAROL ANNE MCGOWAN: Aer

DANIEL O’SULLIVAN: Rosarium

ESBEN AND THE WITCH: Hold Sacred

FULL OF HELL / NOTHING: When No Birds Sang

LANKUM: False Lankum

NAKED LUNGS: Doomscroll

SIGUR RÓS: Atta

SÓL ÁN VARMA: Sól án varma

SULPHUR AEON: Seven Crowns And Seven Seals

Also dann, Pfiatdi, 2023.

Musikalisch kann ich mich ebenfalls kaum beklagen. Gerade im Kurzformat erschienen in den vergangenen zwölf Monaten eine ganze Reihe starker Platten, welche es mir nicht einfach machten. ORBIT CULTURE sorgten auf „The Forgotten“ für konstant starken Nachschub, WALDGEFLÜSTER überraschten auf „Unter bronzenen Kronen“ mit der fantastischen Cover-Version „The Pit“ und von CYPECORE gab es einen abwechslungsreichen Zwischenhappen in Form von „Version 4.5: The Dark Chapter“, der vor allem im Songwriting frischen Wind brachte. Ebenfalls überzeugend waren „The Fear Of Fear“ aus dem Hause SPIRITBOX, die in sechs Songs ihre komplette Bandbreite abdeckten, das düstere „Necrotic Assimilation“ von WRATH OF LOGARIUS und der teils überraschende Nachschlag „Epilogue(s)“ von CELESTE. Der Titel für die beste EP geht aber an eine Formation, deren Kreativität keine Grenzen gesetzt scheinen.

Die beste EP 2023

THE CALLOUS DAOBOYS: God Smiles Upon The Callous Daoboys

Drei Tracks in 13 Minuten ist natürlich im Bestfall eigentlich nur ein kleiner Snack für zwischendurch. Aufgrund der schieren Fülle an Ideen und Wendungen machen THE CALLOUS DAOBOYS daraus aber ein Erlebnis für sich. Mit unverschämt eingängigen Gesangslinien, verspulten Synthesizern und ungezügeltem Wahnsinn lässt „God Smiles Upon The Callous Daoboys“ den Mathcore wieder aufleben und erinnert dabei nicht nur einmal an THE DILLINGER ESCAPE PLAN. Kreativität trifft auf Witz und technisches Können – stark!

Das beste Live-Album

ORPHANED LAND: A Heaven You May Create

Ehrlich gesagt ist “A Heaven You May Create” das einzige Live-Album, das ich dieses Jahr gehört habe. Ein wunderbares Monument, um 30 Jahre ORPHANED LAND zu feiern, ist es dank der gelungenen Songauswahl und des begleitenden Orchesters dennoch. Dass die Veröffentlichung von einer der schlimmsten Terrorattacken der letzten Jahre überschattet wurde, welche nun genau diesen Hass befeuert, gegen den die israelische Band seit ihrer Gründung anzukämpfen sucht, ist mehr als bitter. Relevanter als im Jahr 2023 ist die Botschaft dieser Stücke wohl nie gewesen, auch wenn der Titel dieses Mitschnitts wohl auf absehbare Zeit Wunschdenken bleiben muss.

Die 25 besten Alben 2023

Es ist immer wieder aufs Neue eine Qual, die besten Alben eines Jahrgangs auszuwählen. Zu den 114 Platten, die ich 2023 selbst besprochen habe, kommen zahllose andere, die mal mehr, mal weniger oft rotierten. Und trotzdem habe ich es nicht geschafft, allen potenziell interessanten Veröffentlichungen die Zeit zu geben, die sie verdient hätten. Ob eben schlicht zu wenig Zeit, bloßes Bauchgefühl oder diverse anderweitige Ursachen – die Gründe, weshalb es viele Scheiben letztendlich nicht in meine persönliche Topliste geschafft haben, könnten Seiten füllen.

Ganz unerwähnt lassen möchte ich einige Releases dennoch nicht: So haben AETHERIAN auf „At Storm’s Edge“ mit ihrem Melodeath von internationalem Format eigentlich rein gar nichts falsch gemacht. Auch AUGUST BURNS RED haben diesmal mit „Death Below“ den Schnitt knapp verpasst, obwohl sie vielen Genre-Veröffentlichungen eigentlich in Nichts nachstehen. Der Deathcore hatte zudem mit MENTAL CRUELTYs „Zwielicht“, TO THE GRAVEs „Director’s Cuts“ und DISTANTs „Heritage“ drei weitere respektable Veröffentlichungen am Start, wohingegen ich ENDs humorloses Metalcore-Inferno „The Sin Of Human Frailty“ schlicht zu spät für mich entdeckte.

Auch 2023 gab es eine ganze Menge starker Alben

Im Black Metal gab es mit AARAs „Triade III: Nyx“ und …AND OCEANS‚ „As In Gardens, So In Tombs“ zwei Platten, die auf packende Art und Weise Melodie mit Härte balancierten, wohingegen die atmosphärische Schiene durch WAYFARERs „American Gothic“ und AFSKYs „Om Hundrede År“ hochkarätig vertreten wurde. Für PANOPTICONs „The Rime Of Memory“ hatte ich hingegen zu wenig Zeit. Außerdem nicht unerwähnt bleiben sollten „Aftermath“ von ANGELUS APATRIDA, „Time Will Take Us All“ von ENTHEOS, „Heavy Heart“ von MOOR, „V: Bones Of The Extinct“ von LATE NIGHT VENTURE, „Den Tapte Krigen“ von BIZARREKULT sowie „Deities Of Deathlike Sleep“ von GRAND CADAVER.

25. IMPERIUM DEKADENZ: Into Sorrow Evermore

Ein Strudel aus Emotionen: Mit „Into Sorrow Evermore“ gelint IMPERIUM DEKADENZ endlich der große Wurf. Zwischen Schwermut und Aufbruch pendeln die acht Songs, die teils wunderschöne Melodien auffahren und doch die Ruppigkeit des Black Metals nie ganz aufgeben. Es ist ein Qualitätssprung, den ich nicht erwartet hatte, der mir aber schon Anfang 2023 zu verstehen gab, dass ich das Duo diesmal ganz sicher in der eigenen Bestenliste wiedersehen würde.

24. BARONESS: Stone

Was für eine schwere Geburt: nach dem Release einmal angehört und semi-enttäuscht zur Seite gelegt. Es dauerte viele Wochen, bis ich „Stone“ eine zweite, eine dritte, eine vierte Chance gegeben habe. Und jedes Mal erschloss sich das Album dann ein kleines Stück mehr. Nach dem enttäuschenden und schrecklich produzierten „Gold & Grey“ (2019) sind die US-Amerikaner endlich wieder zurück in der Spur, auch wenn bis zu „Blue Record“ (2009) und „Yellow & Green“ (2012) noch ein ganzes Stück fehlt.

23. TESSERACT: War Of Being

“War Of Being” ist ein weiteres Album, das erst gegen Ende des Jahres so richtig auf meinem Radar erschien. Was ich zunächst als nett, aber etwas steril abgestempelt hatte, fand dann seltsamerweise doch immer öfter den Weg in die Anlage. Die Prog-Arrangements TESSERACTs sind auf dem fünften Album so sauber wie nachvollziehbar – und dabei trotz härterer Ausbrüche beizeiten fast schon unaufgeregt. Trotzdem entwickelte „War Of Being“ mit jedem Durchlauf einen immer stärker wirkenden Sog: ein seltsames Gefühl aus Entspannung und Abenteuerlust. Irgendeinen Nerv haben die Briten bei mir wohl getroffen.

22. KATATONIA: Sky Void Of Stars

“City Burials” (2020) benötigte noch eine Weile, um mich einzufangen. Mit „Sky Void Of Stars” hatten mich KATATONIA recht schnell zurückgeholt. Die Atmosphäre ist dicht, die Balance aus progressiven Elementen, Melancholie und Tagträumerei nahezu perfekt ausbalanciert. Es mag auch mit etwas Abstand nicht mein Lieblingswerk der Band sein, so stark und souverän wie 2023 agierten die Schweden aber schon lange nicht mehr.

21. MARATHONMANN: Maniac

Klar, es ist schon ein Stilbruch: Der kantige Punk Rock der Vergangenheit ist auf einmal gar nicht mehr so rau. Stattdessen finden wir Synthesizer und 80er Flair an allen Ecken und Enden. Das ist eine Umstellung, die aber letzten Endes gut funktioniert, immerhin verschmelzen MARATHONMANN die eigene DNA mit den neuen Stilmitteln auf eine Weise, die überaus natürlich ist. Noch mag in diesem Stil nicht jeder Song in gleicher Weise ins Mark treffen und doch ist „Maniac“ ein Beleg dafür, dass sich Vergangenheit und Gegenwart durchaus gut ergänzen können.

20. AVATAR: Dance Devil Dance

Es ist deutlich zu spüren, wie befreit AVATAR auf „Dance Devil Dance“ agieren. Die Rock-Attitüde steht den Songs erstaunlich gut zu Gesicht, während es hier uns da genug Ausflüge in andere Genres gibt, um das treibende wie tanzbare Fundament interessant zu halten. Anarchie und Hysterie haben dabei ebenso ihren Platz wie das eine oder andere Gitarrensolo. Erfrischend und kreativ ist „Dance Devil Dance“ vielleicht das Rock-Album des Jahres – wer hier still sitzen bleibt, macht etwas falsch.

19. BURY TOMORROW: The Seventh Sun

Auf dem ersten Album mit runderneuertem Line-up präsentieren sich BURY TOMORROW erstaunlich befreit. Das Songwriting ist ungezwungener, orientiert sich nicht immer an haargenau denselben Strukturen und Keyboarder Tom Prendergast erweitert den Klargesang um ganz neue Farben. Dadurch können wir den Verlust des markanten Organs Jason Camerons tatsächlich leichter verschmerzen als gedacht. Ganz leichte Abnutzungserscheinungen trüben den Gesamteindruck zum Ende des Jahres nur unwesentlich: Wenn BURY TOMORROW so weitermachen, dürfen wir uns schon jetzt auf den Nachfolger von „The Seventh Sun“ freuen.

18. TO KILL ACHILLES: Recovery

Mit “Recovery” entwickeln TO KILL ACHILLES den Sound ihres Vorgängeralbums „Something To Remember Me By” (2021) bedacht und kompetent weiter. Der zusätzliche Klargesang findet nur sporadisch und wohldosiert Verwendung, schenkt dem melodischen Post Hardcore allerdings eine zusätzliche Facette. Zwischen den härteren und aggressiveren Ausbrüchen und den filigranen, sehr bedacht arrangierten Stücken wie „The Cave“ oder „Blue“ finden TO KILL ACHILLES das für sie perfekte Spannungsfeld. Mittels authentischer und emotionaler Texte geht das Quartett dabei nicht selten unter die Haut – auch ohne zugrundeliegendes Story-Konzept findet „Recovery“ die richtigen Worte. Hut ab!

17. UNPROCESSED: …And Everything In Between

Eines vorab: Nummer 17 ist eher als Platzhalter zu verstehen – zum Ende des Jahres hatte ich schlicht noch nicht genug Zeit, um „…And Everything In Between“ die Zeit zu geben, die es verdient hätte. Schon jetzt aber bin ich mir sicher, dass UNPROCESSED hier nicht nur ein verdammt starkes Prog-Album vorgelegt haben, sondern das bislang beste Werk ihrer Diskografie. Nach dem etwas zwiespältigen „Gold“ (2022), das mir zu sehr in Richtung Pop abwanderte, entdeckt das Quartett nun den Metal und damit die Härte neu, ohne die Lehren aus dem vorherigen Exkurs über Bord zu werfen. Das Resultat ist ein bisweilen exzentrisches, oft sehr eigenes Prog-Album, das definitiv Suchtpotenzial entwickeln kann.

16. NEBELKRÄHE: ephemer

NEBELKRÄHE schaffen auf ihrem Drittwerk das, woran so viele Bands scheitern: Sie finden ihre eigene Nische, ohne dabei zu verkopft oder konstruiert zu Werke zu gehen. Konventionen werden überwunden, Klangfarben des Black Metal durch zahlreiche Instrumente wie Blechbläser, Akkordeon oder Cello erweitert. Hinzu kommt eine extravagante Gesangsperformance, welche den interessanten und durchdachten Texten Leben einhaucht. „ephemer“ ist kein Album für jede Stunde des Tages, aber eines, in dem man sich nach kurzer Eingewöhnungszeit verlieren kann.

15. THY ART IS MURDER: Godlike

THY ART IS MURDER haben sicherlich ein turbulentes Jahr hinter sich. Nachdem sie kurz vor Album-Release Shouter CJ vor die Tür gesetzt und „Godlike“ innerhalb kürzester Zeit mit Tyler Miller (AVERSIONS CROWN) neu aufgenommen hatten, explodierten auf den Social-Media-Kanälen die Kommentarspalten. Gelitten hat die Platte darunter jedenfalls nicht: Millers Version ist von CJs Aufnahmen bestenfalls in minimalen Details zu unterscheiden. Ansonsten bewahren sich die Australier weiterhin Biss und Durchschlagskraft. „Godlike“ ist ein mächtiges und doch recht zugängliches Deathcore-Album, das hier und da wie in „Bermuda“ auch neue Facetten einfließen lässt. Kein Meisterwerk, aber so etwas wie „Comfort Food“, das immer dann in der Anlage landete, wenn es mal verlässlich groovend ballern musste.

14. THE ACACIA STRAIN: Failure Will Follow

Es sind rund 40 zermürbende Minuten, in denen THE ACACIA STRAIN den Deathcore sein lassen und sich ihrer zweiten großen Leidenschaft widmen. Zwischen schleppendem Doom und sumpfigem Sludge erreicht „Failure Will Follow“ ein Maß an Intensität, das ich in dieser Form nicht erwartetet hatte. Dabei bewegen sich die Musiker in atmosphärisch beklemmenden Dimensionen, die trotz des zähfließenden Grundcharakters eine ganze Menge zu entdecken bieten. THE ACACIA STRAIN haben sich damit definitiv ein kleines Monument errichtet.

13. DOWNFALL OF GAIA: Silhouettes Of Disgust

Kollege Christoph hat es eigentlich sehr gut auf den Punkt gebracht: Auf „Silhouettes Of Disgust“ sind DOWNFALL OF GAIA wütend, ängstlich, melancholisch, aber auch immer authentisch. Ob mir der ungezähmte Ansatz des aktuellen Werks nun besser zusagt als der ausladende des Vorgängers, ist allein stimmungsabhängig. Wie so oft in dem Genre zählt die Platte daher keineswegs zu meinen meistgehörten Alben des Jahres, aber zu jenen, die im richtigen Moment besonders unter die Haut gehen. Obwohl „Silhouettes Of Disgust“ für seinen verbitterten Grundcharakter recht gut ins Ohr geht, sind wir hier selbstverständlich weit von Easy-Listening entfernt; dafür sind DOWNFALL OF GAIA zu mutig, zu ungezügelt und in ihrer Herangehensweise zu inspiriert.

12. PERIPHERY: Periphery V: Djent Is Not A Genre

Kaum eine moderne Band verbindet spieltechnischen Anspruch und zuckersüße Gesangslinien so routiniert wie PERIPHERY. Das ist auch auf „Periphery V: Djent Is Not A Genre“ nicht anders, wobei ich mit etwas Abstand den Vorgänger „Periphery IV: HAIL STAN“ (2019) doch ein Stück lieber mag. Das mag an der etwas zu ausladenden Spielzeit des aktuellen Werks liegen oder an den zahlreichen Instrumental-Outros, die zwar atmosphärisch passen, allerdings die Laufzeit noch weiter aufblasen. Gerade im Streaming-Zeitalter setzen PERIPHERY damit aber ein Statement für das Gesamtwerk und gegen die Zerstückelung der Streaming-Rotation. Gut, dass die US-Amerikaner auch diesmal wieder genug Ideen haben, um uns bei der Stange zu halten.

11. IN FLAMES: Foregone

Es war jahrelang die große Krux im Hause IN FLAMES: Die richtige Balance aus Tradition und Moderne zu finden, schien den Schweden mit Blick auf die öffentliche Resonanz nie so richtig gelungen. Bis jetzt: Nachdem die Band auf „Foregone“ halbvergessene Trademarks und ihren Biss der Vergangenheit wiederentdeckt hatte, war man plötzlich doch wieder relevant. Dabei machen IN FLAMES eigentlich gar nicht so viel anders als in der Vergangenheit. Es gibt weiterhin Synthesizer und Klargesang, aber – und das ist wohl der Unterschied – der Schwerpunkt liegt nun wieder auf den Gitarren. Zwar verhindert das in der zweiten Hälfte nicht gänzlich das Abflauen der Spannungskurve, mit Hitmaterial wie „The Great Deceiver“, „State Of Slow Decay“ und „Meet Your Maker“ findet die Gruppe aber endlich die goldene Mischung aus alt und neu. Man darf sich auf die Zukunft freuen.

10. DYING WISH: Symptoms Of Survival

Metalcore, wie sie ihn heutzutage eigentlich nicht mehr machen. Aber es ist herrlich: DYING WISH haben die Riffs, sie haben den Drive und sie haben den Furor, um mich für eine gute halbe Stunde in der Zeit zurückzuschicken. Dank starker Vocals und pointiertem Songwriting lässt „Symptoms Of Survival” von Anfang bis Ende kein bisschen locker, weshalb die Platte schlussendlich mehr ist als ein Nostalgietrip. Es ist ein verdammt starkes Genre-Werk, das allein deshalb schon aus der Masse heraussticht, weil es eben so unverbraucht oldschool klingt.

9. INSOMNIUM: Anno 1696

Was für sie funktioniert, haben INSOMNIUM bereits vor einer Weile herausgefunden. Das hat neben konstanter Qualität natürlich auch zur Folge, dass sich über die Jahre etwas Routine eingeschlichen hat. Gänzlich frei davon ist „Anno 1696“ leider nicht, fesselt aber dennoch aufgrund des abwechslungsreichen Songwritings, das sich in den Dienst der zugrundeliegenden Konzept-Story stellt. Obwohl die acht Stücke der Platte auch einzeln funktionieren, entfalten sie erst im Verbund ihr vollständiges Potenzial, wenn etwa das stampfende „White Christ“ von der Ankunft des namengebenden Inquisitors kündet. „Anno 1696“ mag trotz allem kein Opus Magnum sein, ein rundes und vor allem packendes Werk ist den Finnen damit dennoch gelungen.

8. DÉCEMBRE NOIR: Your Sunset | My Sunrise

Ihren Stil haben DÉCEMBRE NOIR mittlerweile perfektioniert: Den melodischen Doom-Death des Quintetts erkennt man bereits anhand der charakteristischen Gitarrenleads sofort. Das ist kein Nachteil, denn obwohl „Your Sunset | My Sunrise“ als Nachfolger des ebenfalls starken „The Renaissance Of Hope“ (2020) keine wirklichen Überraschungen in der Hinterhand hat, treffen die sechs emotionalen und aufrichtigen Stücke ins Herz. Depression, Trauer und Sucht scheinen im Zentrum zu stehen – eine gefährliche Kombination, deren potenzielle Spirale DÉCEMBRE NOIR in gewohnt akribischer Manier vertonen: ein Album, das unter die Oberfläche blicken lässt und dabei auch die wunden Punkte nicht außer Acht lässt.

7. SHORES OF NULL: The Loss Of Beauty

Man kann “The Loss Of Beauty” sicherlich als Geheimtipp bezeichnen, doch würde ich gerne einen Schritt weitergehen. Das vierte Album der Italiener SHORES OF NULL ist für mich in Sachen Melodic Doom-Death sogar Pflichtprogramm, immerhin vereint die Band Melancholie, Düsternis und eine Spur Wärme in nicht weniger als elf packenden Stücken. Dabei findet Sänger Davide Straccione das richtige Maß an Melodramatik, um trotz Pathos nicht allzu dick aufzutragen. „The Loss Of Beauty“ zeigt Verwundbarkeit, ohne in Selbstmitleid zu versinken – ein wunderbares Album für den Herbst.

6. POLARIS: Fatalism

Es war nur Liebe auf den zweiten Blick: Anfangs war ich von „Fatalism“ sogar regelrecht enttäuscht: Trotz sanfter Evolution ist das Drittwerk der Australier nicht ganz so frisch und explosiv wie die beiden Vorgänger. Mit der Zeit entfalteten sich aber zusehend die Stärken POLARIS‘, die schlussendlich dafür sorgten, dass die Platte doch regelmäßig den Weg in die Anlage gefunden hat. Glanzstück auf „Fatalism“ sind dabei natürlich abermals die abwechslungsreichen Riffs gepaart mit der markanten Lead-Gitarre des 2023 leider verstorbenen Ryan Siews. Drive, Groove und Eingängigkeit: POLARIS haben all das und ein wunderbares Gespür für Melodie.

5. INVENT ANIMATE: Heavener

“Heavener” ist aus gutem Grund einer der wichtigsten Metalcore-Beiträge des Jahres. INVENT ANIMATE halten nicht nur die Balance zwischen Anspruch und Eigenständigkeit, sie nutzen dafür auch eigenes Vokabular. Während sich das Genre anno 2023 weiter in eine Sackgasse manövriert, erfindet sich das Quintett über eine gute Dreiviertelstunde beständig neu, ohne berechenbar zu werden. Spieltechnisch und gesanglich ist „Heavener“ ein Ausnahmewerk und ein Rüffel für all jene Querschläger, die Modernität mit stumpfen Powerchords, Octanecore-Refrains und platten Synths gleichsetzen.

4. ORBIT CULTURE: Descent

Von ihrem grundlegenden Erfolgsrezept weichen ORBIT CULTURE auf „Descent“ nicht ab, erweitern dieses aber dezent um neue Facetten, indem sie ihren Tracks etwa mit atmosphärischen Synth- und Gitarrenspuren einen plastischen Unterbau spendieren. Ansonsten agiert die Band gewohnt massiv, verbindet eingängige Gesangslinien mit drückenden Riffs, mächtigem Groove und einem Schuss Hetfield-Timbre. Melodischer Death Metal klang selten so gewaltig – und das über 50 Minuten ohne einen Ausrutscher. ORBIT CULTURE zeigen sich hier definitiv in der Form ihres Lebens.

3. SLEEP TOKEN: Take Me Back To Eden

TikTok-Hype hin oder her, SLEEP TOKEN haben sich in den vergangenen Jahren eine eigene Nische geschaffen, die zwischen Pop, RnB, Djent, Prog und Alternative Metal eine Menge frischen Wind mit sich bringt. Dabei entwickeln sich die Briten beständig weiter und nutzen den dritten Anlauf, um ehemals festgefahrene Strukturen ihres genre-fluiden Ansatzes aufzubrechen. Natürlich ist das extrem modern – und über weite Strecken verdammt eingängig; dank des starken Drummings und einer markanten Gesangsperformance bleibt „Take Me Back To Eden“ aber im Gedächtnis. Es hat schon seinen Grund, warum SLEEP TOKEN von Mike Portnoy (DREAM THEATER) bis hin zu Corey Taylor (SLIPKNOT) überaus prominente Fürsprecher für sich gewonnen haben.

2. THE OCEAN: Holocene

“Holocene” war für mich eine zunächst überraschend schwere Geburt: Obwohl ich dem neuen Songwriting-Ansatz der Berliner prinzipiell aufgeschlossen war, war mir das Album zunächst ein bisschen zu ruhig. Vor allem die erste Hälfte lässt sich enorm viel Zeit und lebt bisweilen stark von den – glücklicherweise starken – Synth-Landschaften. Die benötigte Zeit zur Annäherung war allerdings gut investiert: Als sich mir die Arrangements mit ihrer Vielzahl an Details zusehends erschlossen, entwickelte „Holocene“ bald einen gewissen Suchtfaktor, auch weil es eines dieser Werke ist, das im Gesamtverbund so viel besser funktioniert als die einzelnen Tracks voneinander losgelöst. Am Ende bleiben sich THE OCEAN also weiterhin treu, ohne sich im Kreis zu drehen.

1. SVALBARD: The Weight Of The Mask

“The Weight Of The Mask” ist ein ungemein intensives Album, das viele Gesichter kennt und doch geschlossen klingt. Wie SVALBARD das schaffen, ist eigentlich gar kein Hexenwerk: Die Briten mögen eine Menge Düsternis in sich tragen, wie die emotionalen und von Selbstzweifeln geplagten Texte verraten. Gleichzeitig setzen sie dieser Seite aber auch ihre eiserne Entschlossenheit entgegen, was sich in der packenden und unnachgiebigen Wall of Sound ihres Genre-Cocktails äußert. Post Hardcore vermengt das Quartett mit Shoegaze-, Crust- und Black-Metal-Spitzen, wodurch sich selbst ruhige Momente der Introspektion finden. Eine Gefühlsachterbahn also, wie sie aufwühlender kaum sein könnte, und deshalb auch zum Ende des Jahres noch ganz weit vorne mit dabei ist.

BEYOND THE BLACK: Beyond The Black

Besser als der Vorgänger, aber trotzdem nicht wirklich gut. Auf „Beyond The Black“ gibt es Metal von Schlager-Songwriter:innen für ein entsprechend weit gefasstes Publikum. Darf man gut finden und holt live sicherlich eine Menge Leute ab, mir ist es aber zu fad.

BEARTOOTH: The Surface

Caleb Shomo geht es besser, was auch seiner Musik anzumerken ist. „The Surface“ ist zum ersten Mal in der Karriere von BEARTOOTH durchzogen von Optimismus und Positivität. Leider gefiel mir die andere Seite in musikalischer Hinsicht besser: Das Rohe, Rotzige und Ungezügelte ging auf dem Weg verloren, weshalb die aktuelle Platte für mich leider zu glatt und zuckrig ausgefallen ist.

ZEAL & ARDOR am 19. August 2023 auf dem Summer Breeze 2023

„[…] Zu später Stunde bleibt die Moral folglich ungebrochen. Weil Gagneux in den erzwungenen Pausen fleißig Sympathiepunkte einheimst und weil ZEAL & ARDOR mit einem tight gespielten Set eine Dringlichkeit entwickeln, welche die Energie von der Bühne direkt ins Publikum zu übersetzen weiß. Die Stimmung ist daher bis zu den letzten Takten des aufrüttelnden „Baphomet“ geradezu euphorisch und setzt auf diese Weise ein dickes, fettes Ausrufezeichen hinter einen der besten Gigs der letzten Tage. […]“

DISILLUSION am 27. Januar 2023 im Backstage Club, München

“[…] Das frenetisch gefeierte „Alone I Stand In Fires“ oder das herrlich proggige „Alea“ sind ein Erlebnis, weil das abwechslungsreiche Drumming auf den Punkt ist und der leidenschaftliche Gesang ganz offenbar aus dem Herzen kommt. Dass zumindest atmosphärisch noch eine Schippe mehr geht, hätten wir daher gar nicht erwartet, als im introspektiven Mittelteil von „The Mountain“ unruhige Windböen aus den Lautsprechern pfeifen, während sich durch die dichten Nebelschwaden auf der Bühne ein klagendes Horn zu schälen beginnt. […]“

IOTUNN am 19. August 2023 auf dem Summer Breeze 2023

„[…] Dass IOTUNN in dieser Dreiviertelstunde gerade einmal fünf Songs präsentieren können, ist eigentlich der einzige Wermutstropfen dieser außergewöhnlichen Performance, die aber immerhin mit dem starken „Voyage Of The Garganey I“ ein würdiges Finale auffährt: Instrumental wie gesanglich spielt das Quintett heute in der absoluten Königsklasse, wodurch der heißeste Geheimtipp schlussendlich auch zu einem der absoluten Höhepunkte des Festivals avanciert.“

HEAVEN SHALL BURN am 17. Februar 2023 im Zenith, München

“[…] Dass man mit einer Show wie dieser im Jahr 2023 selbst das WACKEN OPEN AIR headlinen kann, versteht sich von selbst. Viel beeindruckender aber ist letzten Endes die Authentizität, mit welcher HEAVEN SHALL BURN jeden Abend aufs Neue die Bühne betreten. Selbst vor nahezu 6000 begeisterten Fans sprechen aus jedem Wort Marcus Bischoffs sowohl Aufrichtigkeit als auch Bescheidenheit. Deshalb ist es gar nicht so abwegig, dass ein zentrales Thema des heutigen Abends die Freundschaft war: zwischen den beteiligten Künstler:innen, aber auf abstrakter Ebene sogar zwischen den Bands und ihrem Publikum. […]“

CYPECORE am 29. April 2023 in der Backstage Halle, München

“[…] Dank des starken Stageactings, einer gut aufgelegten Band sowie eines ebenbürtigen Publikums, das die Temperaturen in der ausverkauften Backstage Halle zwischenzeitlich an den Rand des Erträglichen gebracht hatte, endet die Rückkehr CYPECOREs nach der langen Live-Pause folglich geradezu triumphal […]“

AMENRA am 17. August 2023 auf dem Summer Breeze 2023

“[…] Der Sound ist dabei exzellent, so dass wir zusehends in der Laut-Leise-Dynamik von Stücken wie „Diaken“ oder „A Solitary Reign“ versinken. Massive Riffwände sterben in zerbrechlichen und stillen Passagen, nur um sich alsbald wieder mit unvergleichlicher Wucht aufzubäumen. AMENRA live ist ganz großes Kino und zweifelsohne einer großen Höhepunkte an diesem zweiten Festivaltag.“

GOJIRA am 2. März 2023 im Zenith, München

„[…] Mit einem rund viertelstündigen Zugabeblock gewährt uns das spielfreudige Quartett nämlich einen üppigen Nachschlag, der mit goldfarbenem Lametta und dem starken „The Gift Of Guilt“ den Abend nicht minder eindrucksvoll zu Ende führt. Eindrucksvoll aufgrund der Show, aber auch aufgrund der makellosen Performance und des unermüdlichen Arbeitsethos GOJIRAs, für welches diese Show auch zum Sinnbild gereichen kann. […]“

SWALLOW THE SUN am 30. April 2023 in der Backstage Halle, München

„[…] Die stoische Art Kotamäkis, dessen warme Stimme nicht nur im umjubelten „Firelights“ direkt ins Herz geht, ist derweil keinesfalls mit Lustlosigkeit zu verwechseln. Vielmehr entweicht SWALLOW THE SUN unter ihren Kapuzen immer wieder mal ein kleines Lächeln angesichts der überwältigenden Reaktionen: Sei es die finnische Landesflagge, die in der ersten Reihe ausgebreitet wird oder die zahlreichen Arme, die den Musikern entgegengestreckt werden und welche Gründungsmitglied Juha Raivio immer wieder zu erwidern sucht. […]“

Der doppelte Familienzuwachs, der uns ganz schön auf Trab hält, aber auch so viel Leben und Freude ins Haus bringt: Willkommen, Veno und Kitana!

Trotz Dauerregens war auch der diesjährige Schwedenurlaub eine schöne Abwechslung zum Alltag – ein bisschen mehr Sonne wäre fürs nächste Mal dennoch wünschenswert.

Außerdem wie jedes Jahr das SUMMER BREEZE OPEN AIR (Link zum Festivalbericht), das aufgrund unseres selbstgesteckten engen Zeitplans unglaublich anstrengend ist und trotzdem so viel Spaß macht.

Nach fast 18 Jahren mussten wir uns im April von unserer Katzendame Puma trennen. Die vielleicht schwierigste Erfahrung in meinem Leben, nachdem wir doch fast die Hälfte davon gemeinsam verbracht hatten. <3

Zum Abschluss gibt’s wie jedes Jahr eine Reihe willkürlicher Auszeichnungen meinerseits.

Bestes Albumcover: INCANTATION: Unholy Deification

Schlechtestes Albumcover: SAVAGE GRACE: Sign Of The Cross

Meistgehörter Song: GLORYHAMMER – „Keeper of The Celestial Flame Of Abernathy“

Emotionalster Song: WALDGEFLÜSTER – „The Pit“

Beste Eigenproduktion: UNPROCESSED: …And Everything In Between

Unheiligste Atmosphäre: WRATH OF LOGARIUS: Necrotic Assimilation

Nostalgischstes Oldschool-Feeling: DYING WISH: Symptoms Of Survival

Bestes Drama: LORD OF THE LOST kommen beim ESC ohne deutsche Flagge auf die Bühne.

Bestes Comeback: NEBELKRÄHE: ephemer

Bestes Gimmick: Tintenfischkostüm bei „Death Throes Of The Terrorsquid” live (ALESTORM)

Beste Choreo: BABYMETAL

Schlimmster Stilbruch: WHILE SHE SLEEPS – “Self Hell”

Bester Albentitel: NANOWAR OF STEEL: “Dislike To False Metal”

Bester Songtitel: THE CALLOUS DAOBOYS – “Designer Shroud Of Turin”

Größter Hype: SLEEP TOKEN

Peinlichste Social-Media-Präsenz: Ronnie Radke (FALLING IN REVERSE)

Bester Breakdown: END – Gaping Wounds Of Earth

Beste Neuaufnahme: THY ART IS MURDER: Godlike (digital)

Beste LORNA SHORE-Imitation: MENTAL CRUELTY: Zwielicht

Metal of Honor: ORBIT CULTURE, die während der Hochwasser-Situation auf dem METAL DAYS Open Air spontan einen Pop-up-Gig in einer Bar organisierten und dort kostenlos Merch verteilten.

Dämlichster Trend: TikTok-Publikum auf Metalkonzerten

Größter Gierhals: alle Konzerthallen/Veranstalter mit Merch-Cut

Unfreundlichster Kundenservice: ELLENDE

Peinlichster Lustmolch: Till Lindemann (RAMMSTEIN)

Wertlosestes PR-Blabla: Christoph Schneider (RAMMSTEIN) nach den Enthüllungen um Till Lindemann, bevor auch er genau so weitermacht, als wäre nie etwas geschehen.

Peinlichste Lyrics: ARCHITECTS – Seeing Red

Erfolgreichste ESC-Teilnehmer: LORD OF THE LOST

Nebligste Bühnenshow: HEALTH

Größte Quasseltante (live): Attila Dorn (POWERWOLF)

Bester Entertainer: Manuel Gagneux (ZEAL & ARDOR) auf dem SUMMER BREEZE 2023

Familiärstes Festival: WISDOM TOOTH FESTIVAL

Beste Konzertlocation: Backstage München

Beste Security: Grabenschlampen

Beste Videospiele:

1. The Legend of Zelda: Tears Of The Kingdom (2023)
2. Immortality (2022)
3. Yakuza: Like A Dragon (2020)

Dazu kamen dieses Jahr so einige fantastische Konzerte, sowohl von alten Hasen wie HELSTAR, die sich auf der letzten Tour in überragender Form befanden, als auch der neuen Garde, allen voran VISIGOTH, die live eine  absolute Macht sind, wie ich im Mai in Essen erleben durfte. Überhaupt hat es gut getan, wieder wirklich regelmäßig Konzerte zu besuchen. Ich freue mich jetzt schon auf diverse potentielle Highlights nächstes Jahr.

Privat war 2023 eigentlich ein ziemlich gutes Jahr, klar, irgendwas ist ja immer aber alles in allem kann ich nicht klagen. Gesamtgesellschaftlich sieht es leider weiterhin düster aus. Aber dazu komme ich weiter unten noch, jetzt geht es erstmal um die schönste Hauptsache der Welt – die Musik.

Top Alben:

SMOULDER: Violent Creed Of Vengeance

Dass SMOULDER mit ihrem zweiten Album „Violent Creed Of Vengeance“ am Ende des Jahres ganz oben in meiner Gunst stehen würde, war eigentlich schon bei Release klar. Ich konnte mir nicht vorstellen, wer dieses großartige Stück Epic Metal noch überbieten sollte und so kam es dann auch. Der Wandel zu mehr kauzigem Power Metal und etwas weniger Doom steht der Band, und Sarah hat im Vergleich zum Debüt einen riesigen Schritt gemacht. Man kann diese Band einfach nur lieben.

Interview mit SMOULDER: Das Kollektiv wächst!

SACRED OUTCRY: Towers Of Gold

Und noch eine Band, deren Debüt ich schon ziemlich toll fand, die mich dann aber mit ihrem Zweitwerk so richtig umgehauen haben. Auf „Towers Of Gold“ haben SACRED OUTCRY einfach noch mal ne Schippe drauf gepackt und ein herausragendes Album in der Schnittmenge von epischem und symphonischen Power Metal geschaffen. Ganz großes Kino!

Interview mit  SACRED OUTCRY: Lasst mich euch die Geschichte der Sacred Chronicles erzählen!

THRONEHAMMER: Kingslayer

Schon beim ersten Hördurchlauf war mir klar, dass THRONEHAMMER mit ihrem dritten Album ihr bisher bestes Album und eines der ganz großem Highlights des Jahres geschaffen haben. Kat Shevil Gillham singt so vielseitig wie nie zuvor und jeder Song ist ein Treffern, angefangen beim völlig genialen Opener „Reign Of Steel“. Man hört die Einflüsse der Band, von PARADISE LOST über BOLT THROWER und CELTIC FROST deutlich heraus, doch THRONEHAMMER schmieden daraus ihre ganz eigenen, stählernen Hymnen. Dieses Album taucht zu Recht in sehr vielen Jahrespolls ganz weit vorne auf.

QUASARBORN: Novo oružje protiv bola

Mit ihrem dritten Album haben die Serbischen Prog-Thrasher sich erstmals mit einem Plattenlabel, in diesem Falle die Schweizer von Doc Gator Records, zusammengetan. Hoffen wir mal, dass dies der Band mehr Reichweite ermöglicht, denn mit „Novo oružje protiv bola“ haben QUASARBORN einen echten Knaller rausgehauen. Musikalisch hat die Band definitiv das Potential dazu, denn trotz des musikalischen Wahnsinns, ist „Novo oružje protiv bola“ stellenweise unglaublich eingängig.  Lasst euch von den serbischen Texten nicht abschrecken!

SULPHUR AEON: Seven Crowns And Seven Seals

SULPHUR AEON sind natürlich immer ein sicherer Kandidat für die Jahresbestenliste. Und das gilt auch mit ihrem vierten Album. Ihren epischen Death Metal mit leichten Black Metal-Versatzstücken und dieses Mal noch mehr Klargesang hat die Band perfektioniert. Zwar stehen die vorherigen Alben allesamt ein Stückchen höher in meiner Gunst, das ist bei SULPHUR AEON aber eher meckern auf hohem und akademischem Niveau. Denn natürlich fegen Cthulhus devoteste Jünger auch dieses Mal sämtliche Genre-Konkurrenz zur Seite.

URFAUST: Untergang

URFAUST geben sich nach zwanzig Jahren die Kugel und verabschieden sich mit einem Knall. Ohne große Vorankündigung hauen die beiden Niederländer im August mal schnell ihr siebtes und letztes Album raus. Und was für ein finsterer Brocken das passend betitelte „Untergang“ geworden ist. Die perfekte Symbiose aus Lo-Fi Black Metal und nicht zu viel Ambient. Kein Album für jede Zeit und Stimmung, zur richtigen Zeit, im dunkeln, bei Kerzenschein aber ein intensiver Trip!

THE NIGHT ETERNAL: Fatale

Nachdem THE NIGHT ETERNAL mit ihrem fantastischen Debüt „Moonlit Cross“ schon einen hohen Platz in meiner Top 10 des Jahres 2021 sichern konnten, war der Nachfolger „Fatale“ natürlich ein Blindkauf, da musste die limitierte Sammlerbox her, keine Frage. Und auch wenn sich „Fatale“ bisher nicht ganz so nachhaltig in meine Gehörgänge gefräst hat wie sein Vorgänger, so ist den Jungs mit ihrem Zweitwerk trotzdem ein weiteres, herausragendes Album gelungen.

LEGENDRY: Time Immortal Wept

Ich hatte es versäumt, mir „Time Immortal Wept“ direkt zum Release zu besorgen, wurde aber dank der Rezension des Kollegen Andi Holz so gerade noch rechtzeitig daran erinnert, diesen faux pas auszubügeln. Das Trio aus Pittsburgh hat sich im Vergleich zum schon tollen Vorgänger „The Wizard And The Tower Keep“ nochmal deutlich gesteigert und ein großartiges, wunderbar eigenwilliges, kauziges Epic Metal-Album mit jeder Menge Seventies Flair erschaffen.

PHANTOM CORPORATION: Fallout

So geht Abriss! Was für ein fantastischer Tritt in die Fresse in elf Akten. Für alles weitere verweise ich auf die ausgezeichnete Rezension von Andrea.

WYTCH HAZEL: IV: Sacrament

Mit dem letzten Album „III: Pentecost“ bin ich auf die britischen Classic Rocker WYTCH HAZEL aufmerksam geworden und hab die Band trotz der christlichen Texte sofort ins Herz geschlossen. Jesus hin, Erlösung her, diesen wunderbaren Melodien, diesen geradezu singenden Gitarren kann man sich einfach nicht entziehen. Die aktuelle Scheibe hat ein paar Durchläufe mehr gebraucht, mich dann im Laufe des Jahres doch noch gekriegt. Einfach nur wunderschöne Musik, welche die Seele streichelt.

Auch geil:

AHAB: The Coral Tombs
AUTOPSY: Ashes, Organs, Blood And Crypts
CIRITH UNGOL: Dark Parade
COMANIAC: None For All
CRUEL FORCE: Dawn Of The Axe
DARKLON: The Redeemer
ENDSTILLE: DetoNation
ENFORCED: War Remains
GATEKEEPER: From Western Shores
MEGATON SWORD: Might & Power
NIGHTMARER: Deformity Adrift
NOVA SKELLIS: Life Amongst The Damned
OWLBEAR: Chaos To The Realm
PRIMORDIAL: How It Ends
SORCERER: Reign Of The Reaper
TASKFORCE TOXICATOR: Laser Samurai
TRIUMPHER: Storming The Walls
VOMITORY: All Heads Are Gonna Roll
WAYFARER: American Gothic
WINGS OF STEEL: Gates Of Twilight

Leider trotz nicht enden wollender Jubelarien bisher nicht angehört:

CENTURY: The Conquest Of Time
CROWN LANDS: Fearless
MARTHE: Further In Evil
NINE ALTARS: The Eternal Penance
SPIDERGAWD: VI

Songs des Jahres:

SMOULDER: Spellforger
THRONEHAMMER: Reign Of Steel

Kompletter Vollrotz:

VIRGIN STEELE: The Passion Of Dionysus

Ey, David, lass es doch einfach gut sein. Bis einschließlich „The House Of Atreus Act II“ hast du mit VIRGIN STEELE ein unantastbares Vermächtnis geschaffen. Danach wurde es dünn… extrem dünn! Ich fand „The Black Light Bacchanalia“ aus 2010 schon absolut unwürdig, doch das diesjährige Machwerk „The Passion Of Dionysus“ legt das Niveau gleich nochmal mehrere Ebenen tiefer. Völlig belanglose, schwachbrüstig intonierte und produzierte Songs, einfach nur eine Schande für eine einst herausragende Band wie VIRGIN STEELE. Lieber in Würde sterben…

Neues Album einer Band, welches bei mir nicht so richtig zünden will, obwohl alle anderen es feiern:

JAG PANZER: The Hallowed

Versteht mich nicht falsch, eigentlich hat dieses Album in der Rubirk „Flop-Alben“ nichts, aber auch überhaupt nichts zu suchen. Eigentlich müsste die Scheibe doch in meiner Top 10, mindestens aber unter „Auch geil“ zu finden sein, oder? Oder??? Warum also, zündet „The Hallowed“ nicht bei mir? Waren meine Erwartungen zu hoch, nachdem alle Welt vom besten JAG PANZER seit mindestens „Thane To The Throne“ sprach, mir dann aber der Vorgänger „The Deviant Chord“ doch besser gefiel, Plastik-Produktion hin oder her? Ich weiß es nicht… Und ehrlich, natürlich bieten JAG PANZER auf „The Hallowed“ immer noch erstklassigen US Power Metal. Und trotzdem hat mich das Album nicht erreicht… nicht so, wie es mich erreichen sollte.

VULTURE und BÜTCHER am 14.01.2023 im Helvete, Oberhausen

HELSTAR und SÖLICITÖR am 18.04.2023 im Helvete, Oberhausen

VISIGOTH am 02.05.2023 im Turock, Oberhausen

ROCK HARD FESTIVAL 2023

Thrash Triple Threat mit PRIPJAT, HARLOTT und FABULOUS DESASTER am 07.07.2023 im MTC, Köln

THRONEHAMMER am 05.10.2023 im MTC, Köln

UNHOLY PASSION FEST am 02.12.2023 im Gebäude 9, Köln

Nach einem zweitägigen, beruflichen  Meeting in Paris noch einen Abend Zeit zu haben, die Sehenswürdigkeiten dieser wunderbaren Stadt zu Fuß zu erkunden. Vom Gare Du Nord zum Louvre, dann die Seine entlang bis zum Eifelturm, dort eine Bootstour und schließlich zurück zum Hotel mit einem kleinen Umweg über Montematre. Meine Füße haben mich gehasst, ich habe es trotzdem genossen. Tolle Eindrücke!

Mit meinem Sohn Robin auf sein erstes Konzert – HEAVYSAURUS in Köln! Auch 2024 sind wir wieder dabei, diesmal auch mit meiner Tochter.

Segeltörn ohne Segeln, dafür mit jeder Menge Munchkin und Whisky!

SEPULTURA hauen in den Sack. Nach „Quadra“ hatte ich gehofft, dass die Band noch das eine oder andere starke Album in sich hat. So bleibt die Hoffnung auf einen finalen Abirss auf der Abschiedstour Ende des Jahres.

Ernie hört mit Krachmucker TV auf.

R.I.P. BANG YOUR HEAD.

Meine eigene Performance für vampster, speziell im letzten Quartal 2023. Irgendwie fehlte mir trotz vorhandener Zeit häufig schlicht die Motivation, der Kopf war nicht frei.

Nicht, dass ich von der Band noch viel erwartet hätte aber der „exklusive Song für die deutschen Fans“ von MANOWAR „Laut Und Hart Stark Und Schnell“ war schon echt schlimm. Aber die Krone aufgesetzt hat dem ganzen, dass der Song exklusiv von BILD präsentiert wurde. Ausgerechnet von der fucking BILD, von MANOWAR mal eben zur „Heimat vieler Metal-Fans“ erhoben. Ernsthaft?

Die ganze Debatte um RAMMSTEIN bzw Till Lindemann. Es ist einfach nur traurig und ekelhaft, wie man versucht diesen notgeilen, widerwärtigen Mann zu verteidigen. Keine Frau muss „mit sowas rechnen“, wenn sie auf eine Backstageparty eingeladen wird. Frauen in solche Situationen zu bringen, bei denen es sich dann vielleicht streng juristisch nicht um Vergewaltigung oder sexuelle Nötigung handelt, in denen aber Situationen erzwungen werden, bei denen man nicht mehr von Konsens reden kann, ist mit nichts zu entschuldigen. Und wer sich das jetzt mit „Seht ihr, es gab kein Urteil also hat der arme Till auch nix gemacht“ schönredet ist entweder naiv, blind oder ein ignorantes, sexistisches Schwein. Es war Rezo, der dazu in etwa sagte „Ein Mann wie Till Lindemann hätte aufgrund seines Status ja kein Problem damit, Frauen zu finden, die freiwillig Sex mit ihm haben. Wer also dann trotzdem so ein System installiert, der will keinen Konsens, der will vergewaltigen“. Dem habe ich nichts hinzuzufügen.

Politisch und gesellschaftlich geht der Trend weiter abwärts. Neben dem grausamen Krieg Russlands gegen die Ukraine, der mit unverminderter Brutalität weitergeht scheint bei vielen inzwischen unter „ferner liefen“ zu rangieren. Dabei braucht die Ukraine unsere volle Unterstützung, bis zum Ende. Das Putin nicht an den Grenzen der Ukraine stoppen wird, sagt er ja inzwischen schon fast offen. Und trotzdem dürfen die Wagenknechte und andere Putin-Versteher von ganz links und ganz rechts weiterhin davon schwafeln, dass man ja jetzt endlich mal an den Verhandlungsgtisch müsse! Ich möchte brechen.

Seit dem 07. Oktober brennt der nahe Osten ebenfalls wieder lichterloh und auch hier, zeigt sich, dass es kaum noch Raum für Zwischentöne gibt. Imperialist oder Antisemit, dazwischen gibt es nichts mehr. Wenn schon einer sonst so hoffnungsvollen Band wie ORPHANED LAND die Zuversicht schwindet, dann sieht es wahrlich düster aus.

Und hier im warmen, sicheren Deutschland würde inzwischen fast ein Viertel der Bevölkerung Faschos wählen, in machen Ecken steht gar die Machtergreifung vor der Tür. Wie kann das sein? Es kann sich wirklich niemand mehr hinter Unwissen verstecken, wenn man die AFD wählt. Der Zug ist lange abgefahren, entgleist und in eine Schlucht gestürzt. Ja, die Situation wird auch hier nicht einfacher, die Inflation macht allen zu schaffen, die allgemeine wirtschaftliche Lage ist nicht erfreulich. Trotzdem geht es uns hier immer noch gut, wir haben einen robusten Arbeitsmarkt, auf dem man sich in fast allen Bereichen die Jobs aussuchen kann. Und bei allem Ärger, allen Streitereien und natürlich auch Fehlern – unsere Regierung ist lange nicht so schlecht, wie Opposition und Springer-Presse sie machen. Die Kommunikation ist allerdings eine Katastrophe. Und das jetzt beim Sparen wieder als allererstes ganz untern angefangen wird, der deutsche Geldadel aber weiter unangetastet bleibt ist ein fatales Signal, welches den blaubraunen vermutlich weitere Stimmen einbringen wird. So langsam bekomme ich wirklich Angst, denn der CDU unter Merz traue ich nicht von 12 bis Mittag, dass sie ihre Brandmauer geschlossen hält.

Die Newcomer des Jahre:

NOVA SKELLIS
PHANTOM CORPORATION
WINGS OF STEEL

Film des Jahres:

„Dungeons And Dragons: Ehre unter Dieben„
2000 es schonmal eine „Dungeons And Dragons“  Verfilmung und diese war katastrophal schlecht. 23 Jahre später: Wie aus dem Nichts sehe ich im Kino den Trailer für einen neuen „Dungeons And Dragons“-Film und sofort war mir klar: Das wird ganz, ganz großartig! Und der Film hat gehalten, was der Trailer versprach. Der Film war so gut, dass ich Ihn mir gleich zweimal im Kino angesehen habe, zuerst im englischen Original mit meiner Rollenspieler-Nerdbubble, dann nochmal auf Deutsch mit meinem Sohn. „Dungeons And Dragons: Ehre unter Dieben“ funktioniert als Komödie genau so gut wie als Fantasy-Geschichte, ist teilweise zum schreien komisch, ohne dabei platt zu wirken, sprich: Der Film macht alles richtig, was sein 2000er Vorgänger noch falsch gemacht hat. Schade, dass der Film an den Kinokassen wohl nicht all zu erfolgreich war.

Ebenfalls ziemlich gut fand ich neben dem neuesten „Scream„-Film (nicht so gut wie der grandiose Vorgänger, der zu den Top 3 des Franchise gezählt werden muss, trotzdem sehr gut, bin aber auch Fanboy) übrigens „Indiana Jones und das Rad des Schicksals„. Ich kann mir nicht erklären, wie man als genereller Fan des Franchise diesen Film nicht zumindest gut finden kann. Der größte Teil der „Kritik“ kam gefühlt ja eh wieder aus der „Alle neuen Filme sind woke und sowieso scheisse weil früher war alles besser und heutige Filme sind nur gut, wenn sie gemacht sind wie Filme von früher“-Bubble, die ich einfach nicht ernst nehmen kann. Was zum Teufel war am letzten Indy „zu woke“? Leute, kommt klar…

Sonstiges:

Endlich regelmäßig Pen&Paper Rollenspiel! Knapp dreißig Jahre beschäftige ich mich jetzt schon mit diesem Hobby aber eine so regelmäßig spielende Gruppe wie aktuell hatte ich tatsächlich noch nie.

Auch PC-Gaming erlebte dieses Jahr ein Revival bei mir und das größtenteils durch die Anschaffung meines Steam Decks. Ich liebe den Handheld-Gaming PC und kann es kaum erwarten, endlich „Cyberpunk 2077“ zu spielen. Inzwischen ist es ja größtenteils bugfrei 😉

ABSOLUTE TOPSCHEIBE 2023

CROWN LANDS: Fearless

Danke, danke, danke! Zwei kanadische Nerds lassen mit ihrem zweiten Album den immer noch spürbaren Verlust von RUSH (R.I.P. Neal Peart), der bedeutendsten Progrockband aus Maple Leaf Country, etwas weniger schmerzvoll erscheinen. Sanfte Spuren von LED ZEPPELIN (und irgendwie auch GRETA VAN FLEET) schimmern zwar noch unverkennbar durch, ansonsten findet man auf “Fearless” ausschließlich perfekt rezipierte Siebziger- und Frühachtziger-Spielkunst im Stile der drei Ikonen Lee, Lifeson und Peart, die CROWN LANDS vom 18-minütigen Epos ‘Starlifter: Fearless Pt. II’ bis zum samtenen Abschluss ‘Citadel’ auf liebe- und würdevollste Weise auf diesem 10-Punkte-Meisterwerk festgehalten haben. Danke, danke, danke!

WEITERE JAHRESHIGHLIGHTS 2023

RIVERSIDE: ID.Entity

A propos R.I.P.: Nach dem düsteren “Wasteland”, mit dem RIVERSIDE den plötzlichen Herztod von Originalgitarrist Piotr Grudziński verarbeitet haben, besinnt sich die polnische Proggröße auf dem darauffolgenden “ID.Entity” wieder ihrer eigenen Identität und nimmt sich zugleich auf behutsame Weise jenem komplexen Thema mit seinen unterschiedlichen Facetten in unserer postfaktischen Welt an. Und das in sieben kleinen Artefakten, in der sich RIVERSIDE auf ihrer achten Studioscheibe stets traumhaft sicher zwischen technischer und songdienlicher Raffinesse, einfühlsamen Arrangements und teils überraschenden, aber im Kontext schlüssigen Wendungen und Übergängen bewegen. Ihr wollt aus dem Gesamtkunstwerk nur einen Song anchecken? Eigentlich unmöglich, aber fangt ruhig mal mit dem mehrteiligen ‘The Place Where I Belong’ an. Die anderen Songs werden sicherlich dann bald folgen…

THRONEHAMMER: Kingslayer

In Sachen Epik kommt in diesem Jahr niemand an “Kingslayer” vorbei, denn mit dem dritten Album ist THRONEHAMMER der ganz große Wurf gelungen! Das fränkisch-britische Bataillon bringt in einem ausgewogenen Klangkontext sowohl die monströs-riffbetonte Doom-Komponente des eisigen Erstlings “Usurper Of The Oaken Throne” als auch die eingängigere Verspieltheit von “Incantation Rites” kongenial zusammen und gibt dazu jedem einzelnen der überlangen Schlachtvertonungen einen eigenen, charakteristischen Richtungsschwenk mit Hommage-Charakter (u.a. dürfen sich PARADISE LOST, BOLT THROWER, SLAYER und CELTIC FROST angesprochen fühlen). Spiel, Spaß und Spannung heißt hier: Kill, Slay, Erase!

TEMPLE OF DREAD: Beyond Acheron

Der friesisch herbe und thrashverzierte Old School Death Metal von TEMPLE OF DREAD geht auch 2023 in die nächste Runde. Und alle Jahre wieder muss man attestieren, dass die norddeutschen Jungs nochmal einen draufpacken konnten. “Beyond Acheron” (natürlich wieder knietief in der griechischem Mythologie versunken) knallt dir nicht nur in Stücken wie ‘Carnality Device’ oder ‘All-Consuming Fire’ wie gewohnt einen vor den Latz, sondern überrascht diesmal auch mit MELECHESH-artigen Rhythmuspatterns und Harmonien (‚Damnation‘) sowie orchestralem Bombast (‚World Below‘), die sich allesamt bestens in das Todesgerüst einfügen. Unterm Strich springt die abwechslungsreichste und ausgefeilteste Scheibe aus dem Hause TEMPLE OF DREAD heraus, mit der das rumpelnde Trio munter den Weg nach oben weiter voranschreitet.

KATATONIA: Sky Void Of Stars

Ich muss zugeben, dass ich als Die Hard-KATATONIA-Fan für “Sky Void Of Stars” vergleichsweise länger gebraucht habe, um Zugang zum Material zu bekommen. Was im Nachgang aber für die Qualität des neunten Studiofabrikats gesprochen hat: harte, angedoomte Anders Nyström-Riffs werden hier auf elegante und harmonische Weise in weiche, pop- und postrocknahe Arrangements eingebettet, woraus filigrane, technisch gehobenere Deprirocknummern mit sorgsam mitfühlendem Unterton entstehen. Dabei unverkennbar und stilprägend: Jonas Renkse, der sich auf dem Napalm Records-Einstand zu gesanglichen und kompositorischen Höchstleistungen aufschwingt. “Sky Void Of Stars” ist ein rundum wundervolles Stück Schwarzkunst, mit dem die Band mit dem schwarzen Symbolvogel ihren Ruf als innovative Vorreiter des melancholischen Metallverarbeitungsgewerbes untermauert.

JAG PANZER: The Hallowed

Eine der dienstältesten Stahlschmieden Amerikas haut mit “The Hallowed” ein furioses Heavy Metal-Geschoss und ihr bestes Album seit “Mechanized Warfare” heraus. Dass es dazu gekommen ist, hat mehrere Gründe:

1. Der nun fest etablierte Ken Rodarte hat den Altmeistern mit seinem lebendigen und mannschaftsdienlichen Gitarrenspiel eine Frischzellenkur verpasst

2. Drummer Rikard Stjernquist hat sich diesmal für eine straightere und kraftvollere Auslegung seines Jobs entschieden

3. was auch durch Ken Mary’s fabelhafte und organische Produktionsarbeit optimal zur Geltung kommt

4. Harry Conklin ist Harry Conklin und sogar noch einen Tick besser

5. das Wichtigste: nahezu durchwegs bärenstarke Songs im typischen JAG PANZER-Heavy Metaljargon, die akribisch ausgearbeitet worden sind und in unterschiedlichen Ausprägungen jeden einzelnen Aspekt der postapokalyptischen “The Hallowed”-Story in ausgezeichneter Weise wiedergeben

SATURNUS: The Storm Within

Wie konnten SATURNUS bislang an mir vorbeigehen? Vielleicht weil sie die letzten elf Jahre von der Bildfläche verschwunden waren und seit der Milleniumswende nur drei Alben veröffentlicht haben? Vielleicht weil ihre vorangegangen 5 Langspielveröffentlichungen nicht in dem Maße den Fokus auf die niederländische Death/Doom-Combo legen konnte, wie es jetzt “The Storm Within” tut? Wie auch immer: alle Freunde der gepflegten Langsamkeit, die auch einen starken Hang zu klagevollen My Dying Bride-Melodiebögen haben und ebenso gelegentlichen Funeral Doom-Avancen was abgewinnen können, brauchen unbedingt dieses Album. Nie war 2023 ein sanftes Abdriften in die gepflegte Tristesse stilvoller!

EREMIT: Wearer Of Numerous Forms

Das i-Tüpfelchen in dem zwölfmonatigen und reichlich bestückten Doomzyklus heißt “Wearer Of Numerous Forms”. In jenem bringen Osnabrücks Slowest EREMIT ihre Trilogie über den Einsiedler auf den unendlichen Weiten der hohen See mit einem ambitionierten Mammut(doppel)album zu einem Finale furioso. Bedeutet in diesem Kontext: Fieser Sludge, dronige Weiten, lavaförmiger Tonstillstand! Und das nicht nur beim 63minütigen (!) ‘Conflicting Aspects Of Reality’, dem ersten von drei überlangen Stücken, in denen der hypnotische Entschleunigungsprozess zudem durch den punktuellen Einsatz einer phänomenal schauerlichen Trompete begleitet wird. Kaufpflicht für alle Tunnelblicker!

UND ANDERE SEHR GUTE SCHEIBEN (in alphabetischer Reihenfolge)

AHAB: The Coral Tombs

AUTOPSY: Ashes, Organs, Blood And Crypts

BLOOD CEREMONY: The Old Ways Remain

CARDINALS FOLLY: Live By The Sword

CRYPTOPSY: As Gomorrah Burns

DIABOLIC NIGHT: Beneath The Crimson Prophecy

DOOL :Visions Of Summerland (Live At Arminius Church Rottterdam)

FIRMAMENT: We Don’t Rise We Just Fall

IN FLAMES: Foregone

IRON VOID: IV

LEGENDRY: Time Immortal Wept

MALOKARPATAN: Vertumnus Caesar

MORNE: Engraved With Pain

NINE ALTARS: The Eternal Penance

PRIMORDIAL: How It Ends

RIVAL SONS: Darkfighter

RUNEMAGICK: Beyond The Cenotaph Of Mankind

Sadus: The Shadow Inside

SPECTRAL SOULS: Towards Extinction

SULPHUR AEON: Seven Crowns And Seven Seals

TANITH: Voyage

THE NIGHT ETERNAL: Fatale

THRON: Dust

VOMITORY: All Heads Are Gonna Roll

WOLVENNEST: The Dark Path To The Light

VIRGIN STEELE: The Passion Of Dionysus

Nichts erwartet und trotzdem enttäuscht worden! Das muss man auch erst mal schaffen! VIRGIN STEELE haben mit „The Passion Of Dionysus“ jedoch genau dieses Kunststück vollbracht und ihre eigene langjährige Demontage auf ein neues Level gezogen. Die Band um Strippenzieher David De Feis, die Ende der Achtziger in Sachen heroischer Epic Metal amerikanischer Couleur fast auf Augenhöhe mit Manowar waren, ist mittlerweile nur noch ein schlecht gezeichneter Schatten seiner Selbst und man fragt sich hier 80 spröde Minuten lang, wie es dazu kommen konnte: uninspiriertes Keyboardgetipse (kann Spuren von saftlosen Gitarren enthalten) und dazu wirre Gesangslinien vom Mainman himself, die scheinbar von allen guten Geistern verlassen zu sein scheinen, sind die grausligen Bestandteile dessen, was VIRGIN STEELE uns anno 2023 als „Songs“ verkaufen wollen. Setzen, sechs!

Unter die Kategorie „von dieser Scheibe hab ich mir wesentlich mehr erwartet“ fällt u.a.:

HOST: IX

HEAVY LOAD: Riders Of The Ancient Storm

HELL OVER HAMMABURG

MORNE, THE RUINS OF BEVERAST

BRAINCRUSHER IN HELL

BÖLZER, AFSKY

DARK EASTER METAL MEETING

TRIUMPH OF DEATH

KEEP IT TRUE XXIII

VISIGOTH, PAGAN ALTAR, FIFTH ANGEL, GEOFF TATE

DESERTFEST BERLIN

UNCLE ACID & THE DEADBEATS, MESSA

CHAOS DESCENDS FESTIVAL

ULI JON ROTH, BLACK CURSE

BRUTAL ASSAULT

BENEDICTION, ZEAL & ARDOR, ENSLAVED, BIOHAZARD

STORM CRUSHER FESTIVAL

DEPRESSIVE AGE, RIOT V, ATLANTEAN KODEX

KEEP IT TRUE RISING 3

EVIL INVADERS, WATCHTOWER

ROCK IM WALD

SMOKE BLOW

HAMMER OF DOOM FESTIVAL

MY DYING BRIDE, ARD

NIGHTS OF THE POSSESSED

CRUEL FORCE, NOCTURNAL WITCH, HORNS OF DOMINATION

EINZELGIGS

DISILLUSION (Backstage, München), WUCAN (Backstage, München), BRUTUS (Colos-Saal, Aschaffenburg), VENATOR (Golden Nugget, Nürnberg), LIFE OF AGONY (Hirsch, Nürnberg), RIVERSIDE (Täubchenthal, Leipzig), SODOM (Airport Obertraubling)

Frankens dienstälteste Metalradiosendung ZOSH!, in der ich nun schon seit fast 20 Jahren Teil des Redaktionsteams bin, wurde 35 und wir haben dazu ein denkwürdiges Geburtstagskonzert veranstaltet. THRONEHAMMER, THRON und POWERTRYP haben dabei mit fabelhaften Auftritten den fast ausverkauften Kunstverein (Nürnberg) zum Beben gebracht! Die Vampster-Buddies Markus und Andrea waren ebenfalls vor Ort und haben kräftig mitgeknipst:

Fotos THRONEHAMMER

Fotos THRON

Fotos POWERTRYP

Der in Deutschland seit Jahren wiederaufkeimende Rechtspopulismus und Antisemitismus wird in stärkerem und verantwortungslosem Maße von bürgerlichen Parteien in die Mitte der Gesellschaft hineintragen und manifestiert sich weiter in den AfD-Wahlergebnissen. Danke Söder, Aiwanger und Merz ! Fuck AfD!

„Ein Fallschirm, der sich nicht öffnet. Unter die rasselnden Raupen eines Panzers zu geraten. Die Eier von einem Watussi abgebissen zu bekommen, so möchte ich mal sterben.“

(Frank Drebin, Spezialeinheit)

Besonders viel verändert hat sich bei meinen Vorlieben diesbezüglich nicht – Black Metal, Epic Metal, ein bisschen Folk und Punk, und immer noch darf es gerne eher Underground und eher verschroben mit „Fuck Off“-Attitüde sein; aber immer sehr melodisch bitte! Haltung jedoch ist mir wichtiger geworden – wer z.B. meint, die Bühne mit Rechtsextremen teilen zu müssen, kann mir gestohlen bleiben.

Ich habe also in jeder freien Minute in sehr, sehr viel reingehört, einige unglückliche Impulskäufe getätigt, einiges Großartiges entdeckt und dann wie blöde totgehört – alles wie immer. Und am Ende bleiben diesmal 25 Alben übrig, die hier erwähnt werden wollen:

1. RANÂ: Richtfeuer

Warum „Richtfeuer“ mein Album des Jahres ist, habe ich im Großen und Ganzen schon in meiner Rezension beschrieben: RANÂ sind antifaschistisch, kämpferisch und dreckig – und gleichzeitig erhaben, episch und voller Weltschmerz. Das ist in einem Jahr, in dem global und national gesehen weiter alles den Bach runtergeht und Rechtsextreme überall in Führungspositionen drängen, enthusiastisch gewählt vom nationalistischen Otto-Normal-Idioten, dann doch recht wohltuend.

2. LANKUM: False Lankum

LANKUM begleiten mich jetzt auch schon fast l0 Jahre lang, seit ihrem ersten Album. Ich bin nicht unbedingt der Meinung, dass sie beständig besser geworden seien (vermisse die Pub-Songs der ersten beiden Alben und bin kein großer Fan von Drones und Ambient-Sounds), aber schlechter werden sie natürlich auch nicht, und es imponiert mir, wie man im Mainstream erfolgreich und gleichzeitig so integer bleiben kann; so ist „False Lankum“ eines der am meisten gespielten Alben 2023 geworden – und hat neben der ersten Single „Go Dig My Grave“, einem überlangen Doom-Drone-Folk-Song, mit „Lord Abore and Mary Flynn“ die wohl schönste und traurigste Liebesballade aller Zeiten drauf.

3. LE PROCHAIN HIVER: Talvi

Meine Underground-Black-Metal-Überraschung des Jahres kommt aus Frankreich und hat mich vor allem mit seiner Liebe zu Melodie und Bombast (und mit einem Gitarrensound wie Schnee) begeistert. Man stelle sich vielleicht eine Mischung aus 90er-Black- und Gothic-Metal und den frühen Alben von QNTAL vor – und landet mitten in einem nostalgischen Wintertraum, in dem man selbst ein depressiver Sechzehnjähriger ist, der das „Beauty and the Beast“-Gesangskonzept im dunklen Metal für die größte künstlerische Innovation aller Zeiten hält. Wunderschön! (Hier geht’s zur Bandcamp-Seite!)

4. PASCOW: Sieben

Das ist wirklich langsam unheimlich: Über 20 Jahre Bandgeschichte, live immer noch eine Wucht und die Alben werden immer besser. „Sieben“ ist das beste Werk von PASCOW, unglaublich wütend und melancholisch, dabei aber immer mit dem Blick für die Party. Und für den Song über Hermes Phettberg und das dezent anarchistische Metalpunk-Video zur ersten Single „Mailand“ (gedreht in Düsseldorf) liebe ich „Sieben“ ganz besonders.

5. THRONEHAMMER: Kingslayer

Der Grower des Jahres! Es hat bestimmt fünf Durchläufe gebraucht, aber dann hat‘s geklickt, und wie! Der „Kingslayer“ macht süchtig, walzt alles nieder, hat den perfekten Klang und eine unfassbar geile Stimme – und wartet mit Comic-Artwork und einer klaren antifaschistischen Haltung auf. Und dann kommt die Sängerin auch noch aus Durham!

6. ØXN: Cyrm

Radie Peat von LANKUM hat während der Corona-Pandemie mit Katie Kim, Spud Murphy und Eleanor Myler dieses Nebenprojekt gegründet – und sein Debüt ist ein unglaublich intensives Stück „Doom Folk“ geworden, quasi wie LANKUM mit zusätzlicher Rock-Instrumentierung (und ohne Männer-Stimmen), unglaublich fett produziert, faszinierend düster. Gebt euch nur mal das packende Video zu „Cruel Mother“ – eine intensivere Steigerung innerhalb eines Liedes habe ich selten gehört, noch dazu in Verbindung mit diesem Text…

7. MEGATON SWORD: Might & Power

Was hat mir dieses Album Freude bereitet! Epic Metal mit Groove und 80s-Rock-Schlagseite kann richtig großartig klingen.

8. SMOULDER: Violent Creed Of Vengeance

Lustige Anekdote: Im September fahre ich mit meiner Band zu einem Plattenladen in Hamburg, um dort ein Akustik-Konzert zu geben und trage stolz mein neues „Dragonslayer“-Shirt von SMOULDER. Sagt der Plattenladenbesitzer: „Ach, witzig, die Sängerin von denen ist gerade bei uns im Laden.“ Und was soll ich sagen – war sie tatsächlich. Und hat sich sehr gefreut, das Shirt zum ersten Mal live zu sehen. Für unseren Auftritt konnte sie dann zwar nicht bleiben, aber wir machen auch keinen geilen Trad Metal, das passt schon. „Violent Creed Of Vengeance“ jedenfalls ist das bemerkenswerte Zeugnis einer Band, die genau weiß, wie nerdiger Epic Metal anno 2023 zu klingen hat.

9. AARA: Triade III: Nyx

Meine Lieblinge von AARA haben mit dem Abschluss ihrer „Melmoth“-Trilogie mal wieder ein Meisterwerk geschaffen. Ich kenne keine andere Black-Metal-Band, die eine derartige Leidenschaft transportiert, mühelos so viele schöne Melodien am Stück aus dem Ärmel schüttelt und dabei noch ballert wie nichts Gutes. Herrlich!

10. LEGENDRY: Time Immortal Wept

Apropos nerdiger Epic Metal – so kann der natürlich auch klingen. Wie eine Mischung aus alten CARAVAN und MANILLA ROAD nämlich. Das ist mal richtig was für Liebhaber und hat sich den letzten freien Top-Ten-Platz deshalb redlich verdient.

11. AFSKY: Om Hundrede Ar

Social Media ist ja sowohl Segen als auch Fluch – wenn, wie im Falle von AFSKY, das Bild von der Band durch desolate Außendarstellung kaputt gemacht wird, fällt es schwer, die Musik weiter so gut zu finden wie man das mal getan hat. Trotzdem ist „Om Hundrede Ar“ das bisher beste Werk der Band und kann hier nicht unerwähnt bleiben.

12. GRIFT: Dolt Land

Tja, ich war ein bisschen enttäuscht von „Dolt Land“ – hab es aber sehr oft gehört. Und ich liebe einfach Erik Gädeförs verschrobene Kompromisslosigkeit und Naturverbundenheit (und dieses wunderschöne Artwork). Ab nach Kinnekulle!

13. NEBELKRÄHE: ephemer

Was ist das denn, bitte? Black Metal mit weißgeschminkten Gesichtern, aber ansonsten völlig unkonventionell (dieses Artwork allein schon!); Gesang, der mich in seiner schamlosen Expressivität an ANGIZIA erinnert; Riffs zwischen Groove und Epik, hier und da eine wunderschöne Melodie, sogar mit Bläsern, Streichern oder Akkordion gespielt… Und zu allem Überfluss noch Haltung und Konzept, die mich in meiner Lebenssituation einfach total abholen – eine echte Überraschung!

14. OROMET: Oromet

Es gab eine Phase dieses Jahr, da habe ich verzweifelt nach richtig gutem Funeral Doom bzw. Death Doom gesucht – und kaum was gefunden, das mich ähnlich mitnimmt wie meine Lieblinge aus dem Genre, nämlich LOSS und OPHIS. OROMET aber habe ich dadurch gefunden, und die haben etwas ganz Spezielles, nämlich die Gabe, Funeral Doom und pure Schönheit miteinander verschmelzen zu lassen; ein wundervolles Album für Sonnenuntergänge im Spätsommer.

15. TENHI: Valkama

Gut, „Valkama“ ist für seine Schwere vielleicht etwas zu lang – aber dafür intensiver, erhabener und melancholischer als so mancher Doom Metal; ein wunderschönes Album, das seine Höhepunkte nach und nach preis gibt und dabei nachhaltig bewegt.

16. 1476: In Exile

Trotz meines eher ambivalent gehaltenen Reviews (oder gerade deshalb?) hat mich „In Exile“ so häufig und tief bewegt, dass es hier genannt werden muss. Und spätestens mit diesem sympathisch dilettantischen Heimvideo hatten sie mich…

17. NOCTE OBDUCTA: Karwoche (Die Sonne der Toten pulsiert)

Dies das Ananas, „Karwoche“ ist einfach geil.

18. CENTURY: The Conquest Of Time

Einfach geil ist auch dieses Old-School-Heavy-Metal-Album aus Schweden. Von einer Zeitmaschine aus den 80ern direkt ins Jahr 2023 gebeamt und über die Facebook-Seite von SMOULDER direkt in mein Herz. So kann‘s manchmal gehen!

19. HOLY LOCUST: Beneath The Turning Wheel

HOLY LOCUST spielen einen Stil, der noch relativ neu ist – eine Art epischen Folk Crust, aber komplett mit Bluegrass-Instrumenten dargeboten und ungemein düster und melancholisch. Erfunden wurde das von der Band BLACKBIRD RAUM, bei der HOLY-LOCUST-Sängerin Summer Newman mittlerweile auch singt, und HOLY LOCUST kommen auf „Beneath The Turning Wheel“ fast schon an die großen Vorbilder ran.

20. MARTHE: Further In Evil

„Antifaschistisch, misanthropisch, feministisch“ sei das Ein-Frauen-Projekt MARTHE aus Italien, und so klingt es dann auch: „Further In Evil“ ist eine faszinierend dreckige Auseinandersetzung mit der eigenen Finsternis und ein eigenwilliges Kleinod, das gewürdigt werden will.

21. DUESENJAEGER: Die Gespenster und der Schnee

„Haben wir 2004, oder was?!“ Ebenso lang wie PASCOW begeistern diese älteren Herren mein Punk-Herz bereits. Ihr neuestes Album klingt kompromisslos nach früher, nach Schmerz und Sehnsucht und Gespenstern und Schnee.

22. THE MARY WALLOPERS: Irish Rock’n’Roll

Das zweite Album der einzigen legitimen Nachfolger der POGUES und der DUBLINERS ist qualitativ durchaus genauso geraten wie das letztes Jahr von mir weitaus höher eingestufte Debüt – aber die Songauswahl gefällt mir alles in allem weniger gut. Egal, endlich eine geile Studio-Version von „Hot Asphalt“ und Eigenkompositionen – wobei mit „The Idler“ eine mit besonders coolem Text und einem Video daher kommt.

23. YELLOW EYES: Master’s Murmur

Mit Dungeon Synth kann man mich wirklich jagen, aber wenn YELLOW EYES plötzlich ohne Vorwarnung ein Album rausbringen, das Dungeon Synth mit Black Metal, Ambient und Schafgeblöke (!) vermischt, bin ich dabei. „Gold Door To Blindness“ ist einer der besten Songs des Jahres! (Und ganz nebenbei gibt mir diese Veröffentlichung Gelegenheit dazu, auf SUNRISE PATRIOT MOTION hinzuweisen, ein geniales Nebenprojekt von YELLOW EYES, das ich letztes Jahr leider übersehen habe.)

24. NOEKK: Byron

NOEKK sind eine Konstante für mich, auch wenn mir der Vorgänger „The White Lady“ auf lange Sicht etwas zu zahm war. „Byron“ hingegen, erneut komplett in Eigenregie veröffentlicht, rockt wieder – und vergisst dabei aber Melodie und Atmosphäre nicht. Es ist mir ein Rätsel, wieso diese Band kein größeres Publikum findet.

25. BRETWALDAS OF HEATHEN DOOM: Summoning The Gatekeepers

Die BRETWALDAS sind zwei ältere Herren aus England, die gerne mal einen trinken und dann mal eben das Album aufnehmen, das DARKTHRONE seit Jahren gerne aufnehmen würden. (Hier geht’s zum Bandcamp!)

…lasse ich die anderen Rubriken mal wieder aus, weil ich u.a. kaum auf Konzerte gehen konnte und ein Erlebnis-Ranking wirklich schwierig finde. Auf Musik bezogen war es aber auf jeden Fall der reine Wahnsinn, mit meiner Band spontan beim „Angst macht keinen Lärm“-Fest in Wiesbaden auftreten zu dürfen, dem „Keep It True“ des deutschsprachigen Indie-/Emo-Punks, sprich: Man steht da auf der Bühne und spielt vor 1500-2000 Leuten, und hinterher treten noch LOVE A, TURBOSTAAT und PASCOW auf.

Überhaupt meine Band: „Böse Wetter“, unser drittes Album, ist am 29.9.2023 erschienen und hat viele gute Kritiken und ein sehr gutes Release-Konzert erhalten. Das ist wunderschön bis großartig – auch die Tatsache, dass wir wieder Konzerte spielen konnten, und siehe da, es hat sich seit 2018 einfach gar nichts verändert in den linken Läden der Republik, nur ein paar neue Wörter sieht man hier und da an den Wänden. Ist ja auch kein Wunder.

Nicht unerwähnt lassen möchte ich außerdem zwei großartige EPs: 1. „Come Into Your Power“ von BLACKBIRD RAUM ist von mir erst skeptisch begutachtet worden, aber das neue Line-Up, das Bandkopf Caspian da um sich geschart hat, kann es mit dem alten voll aufnehmen, und die Songs sind eh klasse. 2. Dass IMPURE WILHELMINA einfach mal noch zwei Songs aus ihren „Antidote„-Sessions übrig hatten, die keinen Deut schlechter sind als dieses Über-Album, haben sie zum Anlass genommen, sie zusammen mit drei beeindruckend schönen Cover-Versionen als EP zu veröffentlichen. „Dead Decades“ ist ein Muss für Liebhaber melancholischer Rockmusik.

Ein Muss für Liebhaber gnadenlosen Lo-Fi-Wahnsinns mit Ohrwurmgarantie und kompositorischer Klasse ist hingegen ein Metal-Nerd namens „Abysmal Specter“, den ich nach Redaktionsschluss entdeckt und liebgewonnen habe. Vor allem sein unter dem Namen CURTA’N WALL veröffentlichtes Album „Siege Ubsessed!“ hat es mir angetan, aber auch bei BLOODY KEEP und OLD NICK sollten Menschen, die glauben, im Black Metal schon alles gehört zu haben, durchaus mal ein Ohr riskieren.

Zu guter Letzt bleibt mir in diesen dunklen Zeiten nur noch, dem großen Shane MacGowan eine friedliche Ruhe mit einem nie versiegenden Strom aus Whiskey zu wünschen sowie Kraft und Solidarität an alle Arbeits- und anderen Kämpfer zu schicken – mit Jan Böhmermann und dem hartnäckigsten Ohrwurm des Jahres. Glückauf!

Eine wie auch immer geartete Affinität zu harter Musik und der dazugehörigen Subkultur sollen die drei Damen dem Vernehmen nach ja haben – schreiben sie doch nicht nur ihre Band als Anspielung auf die Straight-Edge-Hardcore-Szene gerne mal xboygeniusx, sondern haben auch T-Shirt-Designs in stilisierter Heavy-Metal-Optik im Verkauf.

Von Phoebe Bridgers gibt es einen nicen „Musicians on Musicians“-Deeptalk mit METALLICAs Lars Ulrich. Zudem ist die Künstlerin auf der exklusiven The Metallica Blacklist vertreten.

Dem boygenius-Worshipping im neuen Rolling Stone Magazin kann man unter anderem entnehmen, dass die christlich aufgewachsene Julien Baker mit der norwegischen Black-Metal-Legende MAYHEM vertraut ist.

In Interviews und in ihrem Werk geben sich die drei Damen von boygenius regelmäßig sattelfest, was die Pop- und Rockgeschichte angeht – kein Wunder, schließlich haben wir es hier mit ernstzunehmenden Künstlerinnen zu tun und nicht etwa mit einer Trulla wie dem Pop-Sternchen ZARA LARSSON. Das stöckelte kürzlich bei einer Preisverleihung in Schweden in einem kurzen Designer-Cocktailkleidchen herum, auf dem das Artwork von BURZUMs „Filosofem“-Album zitiert wurde (der Count lacht noch immer in seinem französischen Versteck). LARSSONs Kommentar: „Oopsie, ich hatte keine Ahnung. Ich fand einfach, meine Klamotten sehen cool aus.“

boygenius sind da aus einem anderen Holz geschnitzt. Man kann davon ausgehen, dass die drei meinungsstarken Musikerinnen genau wissen, was sie tun und wen sie feiern und supporten.

Umso verstörender, wenn man im selben Musikclip von „Not Strong Enough“ Julien Baker eine Leiter herabklettern sieht und der Blick frontal auf den Aufnäher fällt, den sie auf ihrer Jacke trägt. „Deutscher Schwarz Metall Untergrund“ steht da zu lesen, darüber gekreuzt ein Henkerbeil und ein Dolch oder Bajonett und der in Frakturschrift und Versalien geschriebene Bandname WEHRHAMMER. Und dabei handelt es sich nicht um irgendeine Finstercombo.

Dieses gleichermaßen bedeutungslose wie ärgerliche Ein-Mann-Projekt aus dem rheinischen Oberhausen ist eine NSBM-Band – und wir sprechen hier von lupenreinem Nazi Black Metal. Metal Archives sortiert das umtriebige Projekt ganz klar unter „War, Hate, National Socialism, Anti-Judeo-Christianity, Racism“ ein, was bei Albumtiteln wie „Blut und Ehre“, „Deutsche Sturmtruppen“, „Ein Reich wird kommen“ und „In Ehren Deutscher Krieger“ wenig überrascht.

Die seit 1993 aktiven WEHRHAMMER haben Kollaborationen mit anderen offen rechtsradikalen Bands wie TOTENBURG und DER STÜRMER gemacht und covern gerne mal Lieder von Gruppen wie LANDSER und STÖRKRAFT.

Songtitel wie „Nigger“, „White Power“, „Heinrich Himmler“ und „Heil Black Metal“ sprechen Klartext, der auch an einer möglichen Sprachbarriere nicht scheitern sollte.

Weitere Beiträge von WEHRHAMMER lauten etwa „Deutsches Reich“, „Arische Kämpfer“, „Herrenrasse“, „Deutsche Treue“, „Heilgruß dem deutschen Reich“, „Wenn wir die Herrscher sind“ und „Abfahrt an Gleis 8“.

Es wäre sicher mal nett gewesen, mit Phoebe Bridgers bei einem gegrillten Heilbutt an Kokosnussreis mit Yuzu-Aioli und einem frisch gepressten Orangensaft über CORONER und die Schweizer Old-School-Metal Szene zu quatschen und zu erfahren, wie sie über das „Death Cult“-Demo denkt, das seinerzeit von Tom G. Warrior eingesungen wurde; und ob auch sie im Rückblick enttäuscht war über das Gastspiel von Tommy Vetterli bei KREATOR, das sich auf dem Papier so vielversprechend angelassen hatte …

Noch interessanter wäre freilich zu wissen, was Julien Baker dazu bewogen hat, sich den Patch einer widerwärtigen deutschen Nazi-Black-Metal-Kapelle auf ihre Jacke zu nähen. Auf unsere Anfrage vor Veröffentlichung dieses Beitrags haben sich aber leider weder Julien Baker noch boygenius dazu geäußert – am 23. März erreichte uns eine Stellungnahme vom Label Universal Music.

Stellungnahme von Universal Music

Julien Baker hat den Aufnäher unwissentlich in einem schwedischen Indie-Plattenladen gekauft, ohne etwas über die Band oder ihre politische Einstellung zu wissen – als Fan von Metal-Musik fiel ihr lediglich das Design ins Auge. Als sie von uns, den deutschen Labelpartner*innen, auf die Bedeutung des Aufnähers aufmerksam gemacht wurde, hat sich die Band sofort dazu entschlossen, das Video zu „not strong enough“ bearbeiten zu lassen, um den ursprünglichen Wortlaut und das Design des Patches zu ändern. Als lebenslange Unterstützerinnen von Anti-Nazi-Bewegungen sind Julien und boygenius eindeutig gegen Nazis. Sie waren überrascht und bestürzt, als sie erfahren haben, dass der Plattenladen Neo-Nazi-Band-Merchandise im Sortiment führt. Der Aufnäher in seiner ursprünglichen Form wird derzeit aus dem Video – und natürlich von der Jacke selbst! – entfernt.

https://www.rollingstone.de/rolling-stone-maerz-boygenius-inhalt-2558657/

Wie üblich gibt es bei mir keine Best Of-Hitparade. Ich habe viele der gefeierten Super-Alben gar nicht gehört. Wie soll man da werten, welche denn nun die besten sind? So gibt es hier wieder die meist gehörten Alben des Jahres. Und beim Durchscrollen meiner Artikel auf vampster ist es wieder mal erstaunlich, wie viel tolle Alben es gab. Die teils durch neuere tolle Alben etwas zurückgerutscht sind. Ohne Ranking eine kleine Reise durch das vergangene Jahr.

Dass SAXON mit „Carpe Diem“ Dauergast im Autoradio werden, hatte ich nicht erwartet. Aber mit ihrem Corona-Album haben sie mich gut unterhalten. Ein tolles Gute Laune-Album haben WUCAN mit „Heretic Tongues“ abgeliefert. MARILLION haben mich mit „An Hour Before It´s Dark“ total erreicht und durch manchen emotionalen Moment geschickt, passend zum Titel meist abends in Ruhe gehört. Patrick fällt es leicht, mich in versteckten Ecken zu erreichen. Mit „Perfect Light“ haben mich 40 WATT SUN in dunklen Stunden begleitet. Musik, zum Heulen schön!

Richtig emotional wurde es natürlich mit dem musikalischen Nachlass „In The Lonely Light Of Mourning“ von ERIC WAGNER. Viele Freunde auf dem Album, viele Erinnerungen an die harten Stunden von der Nachricht, dass Eric ins Krankenhaus musste bis zu seinem schnellen Tod. Rest in Peace big boy! Nur für ruhige Abendstunden und sehr persönliche Saiten berührend haben mich die Hamburg City Doom-Buddies von B.S.T. ordentlich durch gerührt und tun dies weiterhin allein beim Gedanken an das Album „Herbst“.

Aber Doom ist nicht nur zum Trauern da. MESSA haben mich voll gekriegt mit ihrem fantastischen Album „Close“. Meinen totalen Gute Laune-Doom haben aber ganz klar ALUNAH mit „Strange Machine“ abgeliefert. Aber so ehrlich wollen wir sein, hauptsächlich wegen dem fantastischen Gesang von Siân Greenaway. Auch FAMYNE haben ihr „The Ground Below“ hartnäckig im Player verankert. DARKHER haben mich mit „The Buried Storm“ erfolgreich in mystische Welten entführt.

Natürlich haben mich als Fan seit der ersten NEMESIS Demo-Stunden CANDLEMASS erfolgreich beglückt mit „Sweet Evil Sun“. Ja ja, nichts neues, aber eine gute Mischung aus allem, wofür die Doomhelden stehen. Zudem liebe ich den erdigen Gesang von Johan. Nicht weniger oft lief AVATARIUM´s „Death Where Is Your Sting“, ein tolles Album, auch gern für ruhige Abendstunden. Die Blues Rock-Schwestern von LARKING POE haben mich mit „Blood Harmony“ entzückt. Sollte es mal ohne Gesang sein, dann waren LONG DISTANCE CALLING ganz vorn mit dem fantastischen Album „Eraser“ mit seiner so wichtigen Aussage.

Ja ja, auch hier lief unendlich die neue OZZY, wobei ich sie zugegeben hauptsächlich wegen der beiden Songs mit TONY IOMMI gehört habe. Hätte man ruhig beide auf eine LP-Seite packen können, das hätte mir die Lauferei zum Plattenspieler erspart. Erfreulich, nach so vielen Jahren erst eine gesetzte Band doch noch für sich entdecken zu können, besser spät als nie! Bei mir haben das GARBAGE geschafft mit ihrer „Anthology“. Und ja, auch wenn ich es nie zugeben würde: ich hab richtig oft LOREENA MCKENNIT´s Weihnachtsalbum „Under A Winters Moon“ gehört. Einfach weil ich die erzählte Geschichte so toll fand, selbst mein Kater Gandalf hätte sie schon mitsprechen können.

Erfreulich die Ausflüge von Golden Core Records in verstaubte Metal-Schubladen. Ich weiß, nicht jede*r versteht, warum man uraltes Zeug ausgraben muss, wo es doch so viele gute neue Bands gibt. Aber für mich selbst ist das immer wieder eine Zeitreise durch die eigene Plattensammlung und auch durch die eigenen Anfangstage in eigenen Bands wie bei der „Heavy Metal Things“- oder der „Sound Action„-Reihe. Ich find es klasse, was Neudi und das ZYX-Team da machen, musste mal gesagt werden!

Äh nein, Flopps gab es nicht. Das Leben ist zu kurz für schlechte oder falsche Musik!

Viele Konzerte gab es für mich nicht. Ich war der, der immer noch mit Maske rumgehüpft ist!

Den Auftakt nach der Corona-Pause machten für mich Alan und PRIMORDIAL in Hamburg, der Jackie wurde aber erst später beim HEADBANGERS geteilt. Gewinner des Abends waren aber natürlich Juha und SWALLOW THE SUN. Es gibt nur wenige Bands, die mich so bei der Hand nehmen und in ihre Musik ziehen.

Tanzen mit Kollege Daniel in Oberhausen, wurde echt mal Zeit! Äh ja, den Dancefloor beschallten CROSS VAULT, WHEEL und THRONEHAMMER.

Dass ein Konzertbesuch steht oder fällt mit seiner Begleitung ist bekannt. Ganz groß der Abend in Bremen mit Kai, loveliest Promoter ever, und MARILLION. Essen beim Inder, ein fantastisches Konzert einer fantastischen Band mit interessanten Menschen, frieren in der Nacht, weil man nicht aufhört zu labern. Gerne wieder!

Ganz groß der Abend in Hamburg im Fundbureau mit B.S.T. und THRONEHAMMER, Knuddeln mit der Doomfamilie. Und das erste Metalkonzert mit meiner Tochter, sie wollte gleich die harte Doom-Dröhnung, weil ich das ja so sehr mag.

Zitat nach der Show: „Die Musik war schon komisch, die verstehe ich nicht. Aber die Musiker waren alle sehr nett“!

Nette Musiker hatte ich dann noch ohne Ende in Oldenburg mit THE SKULL. Was für ein schöner, familiärer Abend mit Freunden, die ich so lange nicht gesehen hatte. Zugegeben, ich war unsicher, wie es für mich ist ohne Eric. Aber Karl (Ex-CORROSION OF CONFORMITY, LEADFOOT) hat alle Sorgen weggefegt, was dem sympathischen Teddybär eh nicht schwer fällt. Das nächste Wiedersehen wird nicht nochmal 20 Jahre dauern! Er hat mit starkem Gesang und seiner fröhlichen Ausstrahlung gepunktet, die Jungs haben super abgeliefert, Bla und Knuddeln mit Ron, die Nacht nach der Show war viel zu kurz. Daumen hoch auch für das sympathische Team im MTS Records!

Tja, lobpreisen würde ich gern das tolle Wochenende beim HEADBANGERS OPEN AIR. Eigentlich sollte hier der Bericht sein! Egal, das HOA zeigte wieder seinen vollen gewohnten Charme, viele seit Jahren vertraute Gesichter vor, auf und hinter der Bühne, Party mit DUN RINGILL und PENTAGRAM. Für mich immer noch das beste Festival. Es ist zum Heulen, dass ich dieses Jahr nicht dort sein kann!

Ah ja, viel Spaß hatte ich auch mit Bluesman WALTER TROUT! Endlich mal wieder in der Bluesgarage sein, viele Songs vom aktuellen Album „Ride“, gespielt von einer total sympathischen Band. Ein toller Abend!

Endlich wieder die alte Band WELL OF SOULS reaktiviert, wurde echt Zeit! Immerhin hat mich ein WOS-Auftritt zu Vampster gebracht! Mal schauen, wohin die Reise mit neuen Freunden geht!

Sagen wir es so: Die Welt wird immer verrückter, irrer, unerträglicher! Warum? Das weiß jeder für sich selber, egal wohin man schaut.

Vampster macht auf Livestyle und Schickimicki, da trinkt man doch gern mal wieder im Dienst oder widmet man sich wohligen Düften! Auch nach über 20 Jahren macht es immer noch Spaß dabei zu sein!

Gleich folgt die Top 20, aber ein paar Alben daneben sollten zusätzlich erwähnt werden:

Ein starkes Jahr hatten NoEvDia, die wenig veröffentlicht, aber immer überzeugt haben: VERBERIS („Adumbration Of The Veiled Logos„) und KATHAARIA („To Be Shunned By All… As Centres Of Pestilence„) waren absolute Überraschungen, ihr Standig haben DEATHSPELL OMEGA mit „The Long Defeat“ verteidigt, allerdings ohne die versprochenen neuen Akzente zu setzen, während GEVURAH mit „Gehinnom“ zwar gegen seinen Vorgänger verlor, aber dennoch brillante Musik bot.

Weiterhin unverzichtbar im Black Metal: COLDWORLD mit ihrem Kammerspiel „Isolation„. Auch das Debüt „Dreams Of Fragmentation“ der US-Ukrainischen Post Black Metal-Band CAILLEACH CALLING ging unter die Haut und katapultiert mich regelmäßig ins All. CELESTE versöhnten mit dem konfrontativen, musikalisch wie visuell mutigen „Assassine(s)„, das mit „Elle se répète froidement“ einen der intensivsten Tracks des Jahres beinhaltete. Irgendwie in das Genre passen auch THE LOVECRAFT SEXTET, denn immerhin „Miserere“ glänzt mit einer schwarzmetallisch finsteren, dichten Atmosphäre. Ihr erstes Album 2022, „Nights Of Lust“, das unglaublich sexy zwischen Wave und Jazz balanciert, darf übrigens auch nicht unerwähnt bleiben.

Leichter wurde es im Frühjahr mit HÄLLAS, die mit „Isle Of Wisdom“ prinzipiell alles für ein AOTY hatten – außer Klassikerpozential. „Excerpts from a Futures Past“ ist eben unerreicht. Apropos leicht: Sogar im Blackgaze gab es eine Perle zu vermelden: EINVIGIs „Yö Kulje Kanssani“ lädt zum fliegen ein und hat dennoch jede Menge Power. THE NEPTUNE POWER FEDERATION bekamen mich mit „Le demon de l’amour“ nicht zum Schweben, aber zum Hüpfen mit ihrem breiten Zugeständnis an Rock And Roll-Kitsch und einer unfassbaren Stimme. Und schließlich sind da WOVENHAND, deren erstes Album seit 2016, „Silver Sash„, wie eine Best Of von David Eugene Edwards klingt und trotzdem frisch und unverbraucht wirkt. Apropos „Legende“: HAAVARD, ja, genau, der, der maßgeblich die Musik in ULVERs Frühphase geprägt hat, liefert wunderschöne Realitätsflucht auf seinem selbstbetitelten Akusik-Debüt – das allerdings KEIN neues „Kveldssanger“ geworden ist und trotzdem im Gedächtnis und vor allem im Herzen bleibt.

Und nun zur unvermeidlichen, völlig subjektiven Top 20:

20. ANTIGAMA: Whiteout

Endlich wieder Krach! Endlich wieder E-N-E-R-G-I-E-!-!-! „Whiteout“ mag nicht so legendär sein wie „Meteor“, ANTIGAMA halten das Niveau aber deutlich über dem Rest der Grindcore-Szene und vereint diejenigen, die diese Musik eher ursprünglich präferieren mit denjenigen, die es etwas moderner mögen.

19. WORMROT: Hiss

Noch mehr Grind – und was für ein Kaliber! WORMROT laden zum jüngsten Gericht und schonen weder die anderen, noch sich selbst. Ich glaube, Grindcore war noch nie so bitter, melancholisch, trostlos und gleichzeitig so befreiend und schon gar nicht cineastisch. Und dann natürlich dieses Artwork. Das Ergebnis ist 32 Minuten echte Katharsis mit high-level Energy!

18. WALLFAHRER: Den Menschen so Fern

German’s best hidden secret. Das deutsche Duo WALLFAHRER ist ein echtes Underground-Phänomen und muss sich mit ihrem aggressiv-atmosphärisch-melodischen Black Metal definitiv nicht hinter anderen Akteuren in dieser Liste verstecken. „Den Menschen so Fern“ hat alles, was ein zeitgemäßes Black Metal-Album braucht: Unglaubliche Riffs, Epik, Wut, starke Instrumentalarbeit, Attitüde und kluge Lyrics. Und jetzt ab zu https://wallfahrer.bandcamp.com/

17. PESTILENT HEX: The Ashen Abhorrence

Wie aus dem Nichts kamen PESTILENT HEX mit einem Album, das so unoriginell und gleichzeitig so verdammt gut geschrieben und performt ist, dass man gar nicht anders kann, als es zu lieben – zumindest, wenn man den symphonischen Black Metal der 1990er auch knapp dreißig Jahre später noch feiert. Da kann man nur hoffen, dass „The Ashen Abhorrence“ kein einmaliger Ausflug in diese Zeit ist.

16. ARNY MARGRET: They Only Talk About The Weather

Mit 21 Jahren so ein Debütalbum vorzulegen, grenzt an ein Wunder. ARNY MARGRET lebt in den tiefsten isländischen Westfjorden und schafft mit ihrem leisen Album das, was viele Black Metal-Bands nicht können: Den Winter zu vertonen. Allerdings auf ganz andere Art und Weise: „They Only Talk About The Weather“ ist genau das Album für diesen Moment, wenn der Sturm tobt und man drinnen auf der Couch mit einer Tasse Tee nach draußen stiert. Wundervolles Songmaterial, vor allem auf der B-Seite, und einen betörend schöne Stimme, und fertig ist ein leises Herbsthighlight.

15. PRESS CLUB: Endless Motion

Jedes Jahr gibt es dieses eine Punkrock-Album, und 2022 ist es „Endless Motion“. Und eigentlich ist es weit mehr als nur Punkrock – PRESS CLUB bauen hier so gekonnt Indie und Post Punk ein, dass die Songs frisch und originell wirken und trotzdem diese Leichtigkeit versprühen, die ich im Punkrock liebe. Das ergibt zehn Songs und zehn Volltreffer, vor allem „Cancelled“ und „I Can Change“. Und live sind Frontfrau Nat Foster und ihre Männer auch noch unschlagbar – was will man mehr?

14. GGGOLDDD: This Shame Should Not Be Mine

Absolut bewundernswert, mit welcher Direktheit und welchem Mut Frontfrau Milena Eva auf diesem intimen, ungeschönten Album eine schreckliche Erfahrung verarbeitet. „This Shame Should Not Be Mine“ ist stellenweise unerträglich intensiv, aber daher so unvergleichlich kraftvoll. Künstlerisch waren GGGOLDDD nie konfrontativer und gleichzeitig berührbarer. Schwer verdaulich, und daher kostet es immer etwas Überwindung, das Album aufzulegen, aber es lohnt sich jedes Mal.

13. AARA: Triade II – Hemera

Alle, die „Melmoth, der Wanderer“ wegen dieser Triade endlich lesen wollen und über die Neuübersetzung stolpern, die via Book On Demands veröffentlicht worden ist: Stopp. Nicht kaufen. Lieber im Antiquariat eine alte Auflage suchen. AARA haben dieses Problem nicht, denn mit „Triade II – Hemera“ sind sie wieder mal allen anderen Meilenweit voraus. Teil 2 der Trilogie ist wieder feurig, leidenschaftlich und anspruchsvoll. „Triade III – Nyx“ kann da gar nicht früh genug kommen.

12. CRIPPLED BLACK PHOENIX: Banefyre

Schon beim Blick aufs Cover wird klar, dass CRIPPLED BLACK PHOENIX ein hintergründiges Album im Gepäck haben. „Banefyre“ ist nicht nur das längste Werk des Kollektivs, sondern auch stilistisch sehr breit gefächert und doch in sich geschlossen, sodass die hundert Minuten Musik wie im Flug vergehen. Mit Joel Segerstedt als neuem Frontmann zeigen sich CRIPPLED BLACK PHOENIX in außergewöhnlich starker Form und halten das Niveau von „Great Escape“ und „Ellengaest“ locker.

10. 40 WATT SUN: Perfect Light

„Perfect Light“ ist die Definition eines „Slow Burners“, und doch ist mit „Reveal“ ein Stück darauf, das mich sofort tief berührt hat. Und ich bin immer noch bewegt von dieser Stimme, diesen Texten, diesen Melodien. In seiner Gänze habe ich das dritte Album von Patrick Walkers neuer Band indes noch nicht erschlossen. Es kann nur selten wirklich genossen werden, weil die Stimmung einfach passen muss. Doch wenn sie passt, kann „Perfect Light“ zu Tränen rühren. Einfach wundervoll.

10. PURE WRATH: Hymn To The Woeful Hearts

PURE WRATH überzeugen nicht nur mit einem originellen Konzept, sie schaffen es kulturelle Barrieren einzureißen und bringen die jüngere indonesische Geschichte auch westlichen Hörern nahe. Dass Ryo daneben noch extrem gute Riffs schreibt und spannende Arrangements beherrscht, lässt „Hymn To The Woeful Hearts“ zu einem echten Ausnahmewerk im atmosphärischen Black Metal werden.

9. WHITE WARD: False Light

Zu was die Ukrainer WHITE WARD imstande sind, durfte man schon zu Zeiten von „Futility Report“ vermuten, doch das dritte Werk „False Light“ übertrifft sämtliche Erwartungen. Das ist mehr als nur explosiver Post Black Metal, der auf Darkjazz trifft, „False Light“ ist eine ganzheitliche Reise in die Dunkelheit, in die totale Bitterkeit, die auch Einflüsse aus Neofolk, Post Punk und Sludge zulässt. Als wäre die musikalische Qualität nicht schon ausreichend, ist „False Light“ zudem ein Zeitzeugnis, denn das Konzept von „False Light“ passt auch auf der Metaebene zum schrecklichen Krieg, der seit fast einem Jahr tobt. Слава Україні!

8. ALELA DIANE: Looking Glass

Es ist kein großes Geheimnis, dass ich ein Faible für Singer-Songwriterinnen habe – je nahbarer, desto besser. Und ALELA DIANE ist eine, die am Boden geblieben ist. Noch mehr: Sie ist eine, die angekommen ist. „Looking Glass“ ist eine Reflexion und gleichzeitig eine Reflektion. Und in dieser kunstvollen, subtilen Direktheit liegt eine unglaubliche Kraft. Und dann sind da die Songs, mal Americana und Folk, mal Artpop. Ich frage mich ernsthaft, ob es man bessere Songs als „Howling Wind“, All The Light“ oder „Moth In The Light“ schreiben kann. Und in diesem Jahr gab es kein schöneres Lied als „Of Love“ zu hören.

7. AEVITERNE: The Ailing Facade

Ach ja, Death Metal gibt es ja auch noch. Zugegeben, diese Musik konnte mich in den letzten Jahren immer weniger mitreißen. Doch ein Album – das allerdings auch kein reiner Genrebeitrag ist – begeistert dann doch: „The Ailing Facade“ des FLOURISHING-Nachfolgers AEVITERNE ist unkonventionell und dabei aggressiv und abgründig – nichts aus diesem Genre klingt boshafter, brutaler und kälter, auch wegen Einflüssen aus Industrial und Post Metal. Dieses Drumming und diese unglaublichen Vocals! Neben ULCERATE endlich eine weitere Band mit ganz eigenem Charakter, die das Genre von Grund auf neu prägen kann.

6. ZOLA JESUS: Arkhon

Die dunkle Königin ZOLA JESUS und ihr zweiter Anlauf, ein Popalbum zu schreiben – dieses Mal ohne Major im Nacken. Das Ergebnis ist ein nahezu perfektes, emotionsgeladenes Album mit überlebensgroßen Songs zwischen Drama und verschrobener Introvertiertheit. „Arkhon“ ist schlicht atemberaubend.

5. ROLO TOMASSI: Where Myth Becomes Memory

Ja, „Time Will Die And Love Will Bury It“ bleibt unangefochten die Nummer eins in der Diskografie von ROLO TOMASSI und ist ein definitiver moderner Klassiker, aber „Where Myth Becomes Memory“ schließt den Reifeprozess des Band außergewöhnlich gut ab. Gerade in ihren leisen Momenten brillieren die Geschwister Eva Korman und James Spence samt Band, und es ist vollkommen egal, dass hier und da Post Rockige-Klischees bedient werden. Unter uns gesagt: Hier finden ROLO TOMASSI erst zu wahrer Größe. Das ist Mut, das ist organisches Wachstum, das ist ganz großes Kino.

4. MISþYRMING: Með hamri

Kurz vor Jahresende ist da dieser Hammer, der die Top 20 zermalmt. Auf ihrem dritten Album fletschen MISþYRMING wie gehabt ihre Zähne und hämmern sich an die Spitze des Black Metals weltweit. „Með harmi“ gibt dieser Musik ihre Gefährlichkeit zurück, ihre Kraft, ihre Unangepasstheit und bleibt weit, weit entfernt von jeglichen Stereotypen.

3. LOCRIAN: New Catastrophism + Ghost Frontiers

Die glorreiche Rückkehr von LOCRIAN – und ich hatte schon nicht mehr daran geglaubt. „New Catastrophism“ ist dabei mehr als nur eine Entschädigung für sieben Jahre Wartezeit. Das volle Album plus die dazugehörigen EP sprengt die Grenzen aus Noise und Drone, wie eben nur LOCRIAN es können. Diese Tiefe in Sound, Aussage, Konzept erschafft mehr als nur Musik. „New Catastrophism“ ist eine verstörende Installation, ein Mahnmal in einer Gesellschaft, die einfach nichts dazulernen will und auf die kommenden Generationen – pardon – scheißt.

2. BRUTUS: Unison Life

Die U-Kurve des Glücks, die hier (vielleicht) auf dem Cover abgebildet ist, besagt, dass die Talsohle statistisch gesehen bei 43,9 Jahren liegt. Ergo habe ich noch gute 3,7 Jahre der Abwärtsspirale vor mir. BRUTUS, die definitiv das leidenschaftlichste Album ablieferten, das ich 2022 gehört habe, schaffen es jedes Mal aufs Neue, dass ich mich wie 45 fühle – auf dem Weg nach oben!

1. BLUT AUS NORD: Disharmonium – Undreamable Abysses + Lovecraftian Echoes

Meisterhafter, in Ton gebannter Horror. So vielschichtig, komplex und außerweltlich, dass man hier sogar von Einzigartigkeit sprechend kann. Auch abseits der Lovecraft-Thematik wird hier ein Tor in eine völlig neue Welt aufgestoßen. Licht aus, Kopfhörer auf, erleben, fühlen, eins werden mit dem Schatten. Aufregender kann Musik nicht sein. Ich stehe zu dieser These: Derzeit kann niemand V. und BLUT AUS NORD das Wasser reichen. Wirklich niemand.

THE GATHERING: Beautiful Distortion

Seit so vielen Jahren sind THE GATHERING aus meinem Leben nicht wegzudenken, und wie sehr habe ich mich über ihre Reunion gefreut… die leider ein blutleeres Album auswirft, mit ein paar guten Stellen aber keinem einzigen Song, der zur Gänze begeistert. Ein gutes hatte mein Frust dann doch: Ich habe „Disclosure“ mit diesen meisterhaften Gesangslinien wiederentdeckt (Silje Wergeland passt nämlich exzellent zu THE GATHERING!) und es hat sich zu meinem meistgehörten Album im Frühjahr 2022 entwickelt.

IN THE WOODS…: Diversum

Adieu, ihr avantgardistisch-verschrobenen Norweger. Stattdessen ist da jetzt diese lahme Gothic-Doom Metal-Band, die denselben Namen trägt, wie diejenigen, die „Omnio“ geschrieben haben. Dass sich IN THE WOODS… in diese Richtung entwickelt haben ist dabei nicht ganz überraschend, aber trotzdem bitter.

IMPERIAL TRIUMPHANT: Spirit Of Ecstasy

Zu viel des (aufgesetzten) Wahnsinns. Das, was „Alphaville“ so genial werden ließ zu potenzieren, ging leider nach hinten los – viel mehr als ein Schwanzvergleich ist dieses Album leider nicht geworden.

DARKTHRONE: Astral Fortress

Ist das noch schrullig oder schon albern? DARKTHRONE verlieren sich mehr und mehr in der Kauz-Metal-Ecke, die für ein paar Alben ganz nett war, aber jetzt scheint die Luft raus zu sein, ein paar nette Riffs hin- oder her. Ein Trostpflaster gibt es dann doch: Das schön-verschrobene Artwork.

NORNA: Star Is Way, Way Is Eye

Immer wenn ein ex-BREACH-Mitglied mit neuer Musik auf sich aufmerksam macht, ist die Freude groß, doch NORNA können den Erwartungen absolut nicht gerecht werden. Tomas Liljedal schreibt Riffs von beachtlicher Heaviness, aber leider hat „Star Is Way, Way Is Eye“ ansonsten nicht viel zu bieten.

Sechs- oder siebenmal habe ich in diesem Jahr das Haus verlassen, um Bands live zu sehen. Zeit ist ein knappes Gut, jedes Mal ausgehen ist eine kleine logistische Herausforderung mit zwei kleinen Kindern zu Hause. Umso sorgfältiger suchte ich die Shows aus. Prämisse: Ich liebe die Band über alles oder ich habe die Band noch nie gesehen. Entsprechend gab es auch keine bösen Überraschungen.

Beste Shows in genau dieser Reihenfolge:

1 .THE MENZINGERS mit ihrem sagenhaften Songwriting-Gespür und ihrer Leidenschaft auf der Bühne.

2. PRESS CLUB mit, naja, ihrem sagenhaften Songwriting-Gespür und ihrer Leidenschaft auf der Bühne.

3. CRIPPLED BLACK PHOENIX mit einer brillanten Setlist und die das Gefühl hinterließen, dass nach zwei Stunden Show eine weitere Stunde eigentlich schon noch hätte kommen dürfen.

4 Vampster-Babys in einem Jahr – und eins davon lebt unter meinem Dach. Ich greife gerne in die Klischeekiste, wenn ich behaupte, dass Kinder Hoffnung geben, vor allem in einem global so finsteren Jahr wie diesem. Vor allem aber bedeuten sie, Verantwortung für die gesamte Welt zu übernehmen, wenn sie nicht nur die Scherben aufsammeln sollen, die unsere Generation und die zuvor hinterlassen haben.

Einhergehend mit der Erweiterung der Familie sind natürlich zahllose Erlebnisse zu verzeichnen, in jegliche Richtung. Persönlich war 2022 daher ein  intensives Jahr zwischen dem größten Glück und totaler Überforderung mit einer täglichen Erweiterung und Überschreitung der persönlichen Grenzen.

Daher sind auch zwischenmenschliche Beziehungen von einer On-Off-Mentalität geprägt, sprich: Ich merke, wie gut das Alleinsein tut und brauche einfach mehr Einsamkeit statt Geselligkeit. Und ich nehme sie mir auch. Und es fühlt sich gut an. Die schönsten Momente daher: Mit schlafendem Baby in der Trage quer durch die Wälder zu streifen, Gedanken, die aufkommen, herausströmen lassen, aus denen so manche Idee und Vision wächst.

Eher Schock als Enttäuschung des Jahres: Die Causa SCOTT KELLY.

Es ist ungemein befreiend, keine großen Erwartungen an das kommende Jahr zu haben.

Da hat man zwei Jahre lang mit der gottverdammten Pandemie und all ihren Randerscheinungen gekämpft und letztes Jahr gab es dann noch ne Flut dazu, aus der wir, dem Gehörnten sei Dank, ziemlich glimpflich mit etwas Wasser im Keller davon gekommen sind, viele andere aber nicht. Und 2022 hat nichts Besseres zu tun, als schon im Februar sehr laut „Hold my beer“ zu brüllen?!

Global gesehen war 2022 also eher mal beschissen. Abgesehen vom furchtbaren Angriffskrieg Putins auf die Ukraine, der mit nichts, aber auch wirklich gar nichts zu rechtfertigen ist, ist auch in Sachen Klimaschutz irgendwie alles Mist, teilweise bedingt durch die unmittelbaren Folgen des Krieges und seine Auswirkungen auf unsere Energieversorgung, größtenteils aber wegen der fortgesetzen Bräsigkeit der Entscheidungsträger.

Nun ja, zumindest persönlich war 2022 nach der kompletten Shitshow 2021 und den generell für mich eher bescheidenen letzten fünf Jahren tatsächlich mal ein Aufwärtstrend erkennbar. Insgesamt mehr Licht als Schatten und vor allem, endlich wieder Konzerte und Festivals!

Musikalisch war auch 2022 wieder ein starkes Jahr mit jeder Menge großartiger Musik. Weit mehr großartige Musik als ich wirklich zu würdigen im Stande war. Das eine oder andere Album hat dann aber doch bleibenden Eindruck hinterlassen.

Die zehn besten Alben des Jahres:

Am Ende war das Rennen so eng, das ich mich eigentlich gar nicht so richtig festlegen mag, wer nun die Nase vorne hatte, das britische Urgestein SATAN mit „Earth Infernal„, dem nun schon vierten Kracher seit der Reunion oder doch die deutschen Epic/Doom/Prog Hopefulls LORD VIGO, die ihren Sound mit „We Shall Overcome“ um weitere Facetten bereichert haben und ein wahrhaftig großes Science Fiction Epos zustande gebracht haben.

Den mittelalten Herren dicht auf den Fersen war da Melissa Moore mit dem Debüt ihrer Band SONJA, welche sie zwar bereits vor Ihrem Rauswurf bei ABSU gegründet hat, mit der sie aber jetzt richtig durchstarten will. Und man kann nur hoffen, dass ihr das auchgelingt, denn „Loud Arriver“ ist für mich das heißeste Debütalbum des Jahres geworden und steckt voller düsterer Hits. Ich hatte nach dem Demo schon hohe Erwartungen, die haben SONJA aber mindestens erfüllt, eher noch übertroffen. Vielleicht das Ohrwurm-Album des Jahres!

Kurz vor dem Ende des Jahres stieß ich dann auf DOOMOCRACY aus Griechenland, deren anspruchsvoller, leicht vertrackter aber dennoch eingängiger und packender Epic Doom so unfassbar gut ist, dass es mich maßlos ärgert, die Truppe nicht schon früher entdeckt zu haben. Immerhin ist „Unorthodox“ schon das dritte Album der Band. Und dieses Album muss man als Fan von Doom und Epic Metal auf jeden Fall gehört haben.

Ebenfalls erst dieses Jahr, wenn auch bereits zu Beginn, bin ich auf MOLTEN CHAINS aus Wien gestoßen. Die Band um Mastermind Brenton Weir kombiniert klassischen Heavy Metal, Prog, Death und Black Metal zu einem völlig eigenen, obskuren Sound, mit dem man vermutlich niemals auf der Mainstage in Wacken landen wird, dafür aber mit „Orisons Of Vengeance“ DAS Underground Higlhight des Jahres abgeleifert hat.

SANHEDRIN wiederum habe ich nun schon seit ein paar Jahren auf dem Schirm. Nach zwei starken Alben konnte die band einen Deal mit Metalblade Records ergattern, was der Band, welche mich dieses Jahr in Dortmund auch von ihren Live-Fähigkeiten überzeugen konnte, hoffentlich einen wohlverdienten Schub in Sachen Popularität gibt. Mit „Lights On“ hat die Band jedenfalls ihr bisher reifstes Album veröffentlicht. Acht starke Songs zwischen Hard Rock und Heavy Metal, mehr braucht es garnicht, um eines der stärksten Alben des Jahres abzuliefern.

Eine Bestenliste ohne Thrash Metal-Album? No way! Es war der Kollege Andi Dollinger, welcher mich mit seiner Rezension auf „Excessive Outburst Of Depravity„, das achte Album von PROTECTOR, aufmerksam machte. Brachialer aber niemals zu stumpfer Thrash klassischer Teutonen-Prägung. Live konnte ich die Band zusammen mit DEATH STRIKE und SPHINX dieses Jahr in Wermelskirchen begutachten, wo – wie auf Platte – keine Gefangenen gemacht wurden.

ULTHA flogen auch schon eine Weile so am Rande meines Radars herum, durch den freundlichen Stupsers eines Users aus dem Deaf Forever Forum hab ich dann pünktlich zum Release an einem Bandcamp-Friday zugeschlagen und mir „All That Has Never Been Through“ auf CD gekauft. Und auch wenn ich immer noch nicht sicher bin, ob ich die „Belong“ EP nicht noch ein Stückchen besser finde, so ist „All That Has Never Been Through“ definitiv mein Black Metal-Highlight des Jahres, welches die Band Anfang Dezember auf dem UNHOLY PASSION FEST in voller Länge zelebrierte. Beeindruckend!

Um mal Martin van Drunen zu zitieren: Die alten Hasen wissen wie die Peitsche klatscht! Das galt dieses Jahr insbesondere für SAXON, die mit ihrem ungefähr viertelvordrölfzigsten Album „Carpe Diem“ ein Werk ohne Ausfälle, dafür mit einigen echten Hits auf die Reihe gekriegt haben. Unser Redaktions-Dino Frank war zwar nur so mittel begeistert, das ist aber ganz klar eher Altersstarrsinn oder einsetzende Taubheit. Nur ein Spaß Frank, hab dich lieb 😉

Last but not least hätten wir dann noch mein Death Metal-Highlight des Jahres. Schon recht früh im Jahr haben SENTIENT HORROR mich mit ihrem Drittwerk „Rites Of Gore“ ganz massiv glattgebügelt. Es kamen im Laufe des Jahres zwar noch diverse Genre-Alben hinzu, die am Thron kratzen konnten, letztendlich hat sich dieses kompakte, brachiale, groovige Monster aber an der Spitze gehalten.

Vierundzwanzig weitere Empfehlungen in alphabetischer Reihenfolge:

Ihr wollt mehr? Natürlich wollt ihr das! Einige dieser Alben sind knapp an der Top Ten gescheitert, andere erschienen so spät und haben noch nicht so viele Durchläufe bei mir gemacht, um Berücksichtigung bei der Top Ten zu finden.

ANIMALIZE: Meat We´re Made Of
AUTOPSY: Morbidity Triumphant
CAUCHEMAR: Rosa Mystica
CRITICAL EXTRAVASATION: Order Of Decadence
ELUSIVE GOD: Trapped In A Future Unknown
ERUPTION: Tellurian Rapture
HÖWLER: Descendants Of Evil
IMHA TARIKAT: Hearts Unchained – At War With A Passionless World
INTENT: Exile
MIDNIGHT: Let There Be Witchery
RIOT CITY: Electric Elite
SACRAL NIGHT: Le Diademe D’Argent
SCALPTURE: Feldwärts
SLAUGHTERDAY: Tyrants Of Doom
SORDID BLADE: Every Battle has Its Glory
SPHINX: Deathstroke
STRATOVARIUS: Survive
SUMERIAN TOMBS: s/t
SUMERLANDS: Dreamkiller
SUPPRESSION: The Sorrow Of Soul Through Flesh
THEM: Fear City
TRAITOR: Exiled To The Surface
VENATOR: Echoes From The Gutter
WHITE WARD: False Light

Hatte ich dieses Jahr wirklich keine Zeit für 😉 Es hat sich aber auch keines angeboten. Bestimmten Dingen gehe ich halt von vorneherein aus dem Weg und von den Alben, die ich gehört habe, hat mich keines so sehr enttäuscht, dass es eine Nennung hier verdient hätte. Oder wie es ein gewisser Metal-Youtuber so schön sagt „Die Zeit ist zu schade für Scheiße!“

Endlich! Wieder! Konzerte!

Nach zwei Jahren pandemiebedingter Pause durfte ich ja bereits letztes Jahr beim ROCK HARD FESTIVAL ONEDAY wieder erste Konzertluft schnuppern, doch dieses Jahr ging es endlich wieder so richtig los, endlich wieder Konzerte, alles fast wie früher.

Das erste Konzert des Jahres war die Epic Metal Night im Helvete in Oberhausen. Die als Headliner eingeplanten WHEEL fielen coronabdingt leider kurzfristig aus dafür haben insbesondere die Franzosen HÜRLEMENT an diesem Abend die Bude abgerissen. Einfach nur ehrlicher, authentischer Heavy Metal! Und die Maniacs im Publikum sind ausgerastet!

Weitere Highlights waren das Return Of The Riff Fest in Dortmund mit KNIFE, SANHEDRIN, VULTURE und STALLION, das Doom-Triumvirat THRONEHAMMER, WHEEL und CROSS VAULT in Oberhausen , IRON MAIDEN in Köln, PROTECTOR und SPHINX in Wermelskirchen sowie ULTHA und UNRU auf dem UNHOLY PASSION FEST.

Ganz weit vorne dieses Jahr waren aber mein weites Wohnzimmer, das ROCK HARD FESTIVAL, welches pünktlich mit meinem neuen Lebensabschnitt zusammenfiel und bei dem ich neben großartigen Auftritten viele bekannte Gesichter treffen konnte. Es hat mir so verdammt gefehlt!

Und dann war da noch das RIFFING FOR TOLERANCE Festival am 19. November in Köln. Veranstaltet von den Kölner Thrashern PRIPJAT, die ihre Wurzeln in der Ukraine haben und dieses Festival veranstalteten um Geld für einen guten Zweck zu sammeln. Dass das natürlich mehr war, als einfach nur ein Festival, muss ich wohl niemandem erzählen.  Es freut mich, dass die Veranstaltung ausverkauft war und vor allem PRIPJAT, SPACE CHASER und STALLION den Club Volta in Köln so richtig zum kochen gebracht haben.

Sehr schade war, dass viele Konzerte und Festivals, vor allem im kleineren und mittleren Bereich dieses Jahr abgesagt werden mussten, weil der Vorverkauf so schlecht lief. Das ist natürlich alles erklärbar, weshalb ich die ganzen „Kriegt eure Ärsche hoch“-Aufrufe nur bedingt nachvollziehen konnte. Zum einen war da das totale Überangebot mit Ansage, weil natürlich alle Bands, die in den letzten Jahren nicht touren konnten ihre verpassten Tourneen nachholen wollten. Das wäre so schon sportlich gewesen, schließlich hatten viele Leute noch große Stapel mit Tickets aus den letzten zwei Jahren zu Hause liegen.

Dazu kam bei vielen Menschen eine gewisse coronabdingte Vorsicht, sei es, die Angst, sich anzustecken oder eben das Abwarten mit dem Ticketkauf, falls doch wieder abgesagt wird – was dann letztendlich in einigen Fällen genau dazu führte, nicht wegen Corona, sondern wegen schlechtem Vorverkauf. Aber natürlich haben der Krieg und die daraus folgende Inflation und Energiekrise bei vielen Menschen schlicht und ergreifend auch dafür gesorgt, dass deutlich weniger Geld zur Verfügung stand. Und speziell, wenn man eine Familie (mit) zu ernähren hat, setzt man da halt eben Prioritäten.

Hoffen wir einfach, dass 2023 in dieser Hinsicht besser wird. Ich freue mich jedenfalls schon auf viele weitere Konzerte und Festivals in 2023!

Manchmal nimmt das Leben komische Abzweigungen. Diese neue Abzweigung, die mein Leben dieses Jahr genommen hat war sicher nicht das, was ich mir vielleicht vor einigen Jahren noch vorgestellt habe. Und doch bin ich froh, diese Abzweigung genommen zu haben. Es wird nicht einfach aber es kann nach den letzten Jahren nur besser werden.

Endlich wieder Konzerte! Nach zwei langen Jahren endlich wieder gemeinsam unseren geliebten Metal zelebrieren, gemeinsam die Faust hoch reißen, gemeinsam mitgröhlen, gemeinsam schwitzen!

In der Silvesternacht kommt es zu Ausschreitungen und die üblichen Verdächtigen verfallen gleich wieder in den ausgelutschten „Die schlecht integrierten Ausländer sind schuld!!!!“ Chor ein. Dass die Lage vielleicht doch ein wenig komplexer ist, dass man solche Taten verurteilen und natürlich bestrafen muss, trotzdem aber anerkennen kann, dass die Ursachen dafür etwas komplizierter sind als „So sind die jungen Araber halt *hitlerbärtchensmily*“? Ne, lass mal lieber die üblichen Reflexe bedienen und über die angeblich völlig verfehlte Einwanderungs- und Integrationspolitik reden. Es macht mich einfach nur noch wütend und müde zugleich…

Das Klimaaktivisten – so sehr man über deren Methoden auch streiten mag – von einigen Grenzdebilen tatsächlich mit linksradikalen Terroristen gleichgesetzt werden, dass man diese Menschen teilweise allen erstes in Präventivhaft (allgemein so ein Wort aus Orwells schlimmsten Träumen) nimmt und aus dem selben Lager gleichzeitig donnerndes Schweigen und/oder Verharmlosung erfolgt, wenn bewaffnete Spinner mit Verbindungen ins Militär und andere staatliche Organe sowie Zugang zu Waffen ernsthaft den Umsturz planen, dann muss man sich schon ernsthaft fragen, ob aus der rechtsterroristischen Vergangenheit der letzten Dekaden überhaupt nicht gelernt wurde und ob manch einer ob der bereits laufenden Klimakatastrophe den Schuss immer noch nicht gehört hat.

FDP tritt in die Regierung ein, nur um dann Opposition zu spielen. Wobei… um das als Enttäuschung zu verbuchen, hätte man ja etwas anderes erwarten müssen.

Was Putins Überfall auf die Ukraine angeht, so erscheint mir das Wort „Enttäuschung“ auf der einen Seite zu mild, auf der anderen Seite auch unpassend. Ja, viel zu viele Menschen – auch ich – waren trotz allem, was man über Russland unter Putin weiß, trotz der Annektion der Krim in 2014 – übrigens der eigentliche Beginn dieses Krieges, der 24. Februar war „nur“ eine Eskalation – irgendwie überrascht davon, dass dieser Größenwahnsinnige tatsächlich in die Ukraine einmarschiert ist. Doch die warnenden Stimmen gab es nicht erst seit gestern, wir alle wollten sie nur nicht hören. Hoffen wir alle, dass die mutigen Ukrainer diesen Despoten ins eine Schranken weisen. Dafür sollten wir alles tun, was nötig ist. Slava Ukraini!

Die Newcomer des Jahre:

MOLTEN CHAINS
SONJA
SPHINX

Erkenntnis des Jahres:

Nur weil man wieder mehr Alben kauft, heißt das nicht automatisch, dass man auch in selbigem Maße mehr Zeit hat, diese zu hören.

1. ETHEL CAIN: Preacher’s Daughter

ETHEL CAIN hat das intensivste Album des Jahres aufgenommen. Und dieses Debüt ist ein kleines Wunder. Erst 24 Lenze zählt die Trans-Frau aus Florida, macht fast alles selbst, unterstützt wurde sie bei den Aufnahmen lediglich von einem Freund. Ihr Sound ist bombastisch und reduziert zugleich: American Gothic und Folk Noir bilden das Grundgerüst, die Melodien sind beim ersten Hören melancholisch und einschmeichelnd. Doch davon darf man sich nicht täuschen lassen. Es ist ein Konzeptalbum über Schmerz und Gewalt, auch über Sex: die grausame Lebensgeschichte einer Frau, die in einem pietistischen Milieu aufwächst, von Zuhause weg läuft, schließlich in den Händen eines psychopathischen Kannibalen endet. Es ist eine Abrechnung mit dem amerikanischen Traum: CAIN selbst wuchs in den Südstaaten der USA auf, als Trans-Frau in einem Trump-Wähler-Milieu.

So mischen sich schwere Drone-Gitarren in die dunklen Balladen, lässt CAIN die teuflische Ambient-Nummer „Ptolemea“ als geisterhaftes Intermezzo beginnen, aber als dröhnenden Doom Metal mit hallenden Drums enden. Nein, auf einen Stil festklopfen lässt sie sich nicht. „American Teenager“ kommt als luftiger Folk Pop daher, den letzten Werken von Taylor Swift nicht unähnlich. Aber ein verdammt guter Song! „Gibson Girl“ ist eine gnadenlos verschleppte RnB-Nummer über toxischen Sex. „You wanna fuck me right now/ You wanna see me on my knees/ You wanna rip these clothes off/ And hurt me// And if you hate me/ Please don’t tell me/ Just let the lights bleed/ All over me“, singt CAIN. Mit fortschreitender Spieldauer werden die Stücke düsterer und verstörender, hört man Insekten schwirren und verzerrte Stimmen, die durch eine Nebelwand aus dem Jenseits hallen. Gelegentlich wird die Musikerin auch den Genres Sadcore und Dream Pop zugeordnet: „Southern Trauma Core“ wäre vielleicht der passendere Begriff.

CAIN macht es dem Hörer nicht zu leicht. Gern streckt sie ihre ausladenden Kompositionen auf sieben bis neun Minuten. Eine harmonische Ballade wie „Western Nights“ hat eine wunderschöne Melodie, die Stimme einschmeichelnd über dem Piano, ist aber zugleich geprägt von flehender Traurigkeit. Sie flieht mit ihrem Liebhaber auf dem Motorrad auf einen Road Trip, er prügelt sich in Bars, der Sex ist brutal und lieblos. Sie kann nicht von ihm lassen. Das schwül-erotische „Family Tree“, ein Höhepunkt des Albums, mischt romantische Bilder mit Szenen von Gewalt: Sie fleht ihren Lover an, sie auf einem Schimmel mit hinunter zum Fluss zu nehmen, um sie reinzuwaschen. Denn sie selbst ist nicht nur Opfer, sondern auch Täterin. „I’ve killed before and I’ll kill again/ Take the noose off, wrap it tight around my hand/ They say heaven hath no fury like a woman scorned/ And baby hell don’t scare me, I’ve been times before“, singt CAIN. Mit jeder enttäuschten Beziehung, mit jedem geplatzten Traum kehrt die Erzählerin aus ihren Kurzepen in die Hölle zurück: bis sie diesen Ort nicht mehr verlassen wird.

Eine sinnlichere und erotischere Stimme hat man in diesem Jahr nicht gehört: ihr Stimmumfang reicht von dunklem Sprechgesang bis hin zu glockenklarem Vibrato. Attitüde hat CAIN mehr als jede Black-Metal-Band. Gern spielt die Musikerin mit sakralen Symbolen, da brennt auch schon mal eine Kirche. „God loves you, but not enough to save you./ So, baby girl, good luck taking care of yourself“. Das alles ist ausgereift komponiert und gut getextet, so verführerisch wie abgründig. Im abschließenden „Strangers“ besingt sie aus der Ich-Perspektive, wie sie als „Tiefkühlbraut“ von ihrem mörderischen Liebhaber verspeist wird. EMMA RUTH RUNDLE, NICK CAVE und LANA DEL REY bekommen Konkurrenz: Wer CAIN auf ihren Social-Media-Kanälen folgt, wird feststellen, dass sich dahinter eine sehr humorvolle Person verbirgt. Es ist ein Jammer, dass es dieses Album nicht auf physischem Tonträger gibt. Trotzdem: Anhören und staunen! Lange wird sie kein Geheimtipp mehr bleiben.

2. AUTHOR & PUNISHER: Krüller

AUTHOR & PUNISHER ist eigentlich Musik für Leute, die sagen: „Das neue Album ist Scheiße, da hat sich eine Melodie eingeschlichen“! Seit 2004 schon bastelt der Maschinenbau-Ingenieur Tristan Shone mit allerlei selbstgebautem Equipment an seiner eigenen Vision des Sci-Fi-Industrial-Metal, bestehend aus kakophonischem Lärm, synthetischen Flächen, Drone-Geräuschen und schmerzverzerrtem Gesang. Wer sich auf dieses Abenteuer einlässt, schleppt sich durch einen Morast aus Öl und Blut, während Cyclone-Zombies an den Beinen zerren und das Sperrfeuer von Kampfdrohnen in den Ohren trommelt: Es ist der ideale Soundtrack für die Apokalypse.

Nun ist etwas passiert, was sich auf dem vorherigen Album bereits angedeutet hat. Shone hat tatsächlich ein halbwegs melodisches Album aufgenommen! Er wühlt nicht nur im Gedärm der Maschinen, es zeigen sich nachvollziehbare Songs und Harmonien. Auf „Krüller“ werden Erinnerungen an Bands wie ALICE IN CHAINS wach (Man höre „Maiden Star“), wenn auch zwischen eisernen Lefzen zerfetzt. Da zeichnen die Synthies neoklassische Strukturen, die an Soundtracks wie Bladerunner erinnern. Schönheit dringt durch das Stachdeldrahtgeflecht. Und für harmonieliebende Menschen ist diese Musik nicht mehr der unbesiegbare Endgegner.

So zeigen sich Songs wie das eröffnende „Drone Carrying Dread“ direkt, ich wage das Wort gar nicht in den Mund zu nehmen: zugänglich. Manchmal klingt das sogar, als hätten die verstorbenen Helden der Grunge-Bewegung in der Unterwelt eine neue Band gegründet, um uns in diesen bitteren, von Krieg und Krise zerfressenen Zeiten einen mutmachenden Gruß zu schicken. Bewegen wir uns, bei der immer kürzeren Abfolge an Katastrophen und Brutalitäten, nicht selbst längst in einer apokalyptischen Welt?

Das ist nämlich eine bittere Pointe dieses Albums. Shone muss gar keine fernen Zukunftsszenarien zeichnen, um uns mit in den Höllenschlund zu reißen. Zwar sind die Texte an Science-Fiction-Autor*innen wie Olivia Butler geschult. Aber einige seiner Zeilen lesen sich wie Kommentare auf das aktuelle Zeitgeschehen. Shone, keine Frage, ist ein politisch denkender Mensch: So ist der Song „Blacksmith“ zum Beispiel den schwarzen Frauen der US-Bürgerrechtsbewegung gewidmet. Und Bürgerkriegs-Szenarien werden geweckt, wenn er in „Centurio“ einen römischen Legionären wieder auferstehen lässt, nur um ihn anschließend zu begraben: „Wiedergeborener Zenturio/ Amerikanische Läsion/ Verlorener Zenturio/ Wut auf den Straßen/ Fäulnis in der Saat/ Jeder ist verletzt/ Krieg, den niemand braucht/ Plünderung der Hallen/ Verzweifelte Befreiung/ Sieh, wie er fällt/ Gib den Frieden zurück.“

Nein: Harmonie hat Shone auch mit seinem neuen Album nicht im Sinn. Entsprechend ist dieser Sound immer noch so brachial, so zäh und quälend, dass ungeübte Hörer weinend zusammenbrechen werden. Dagegen sind viele andere Bands unter dem Banner „Industrial Metal“ Schlagermusik (Liebe RAMMSTEIN-Fans, fühlt Ihr Euch etwa angesprochen?). Die schönste Beschreibung für dieses melodische Inferno fand ein Punkrock-Magazin: „Cyborg music driven by metal fingers, but the human heart is still intact“.

3. BRUTUS: Unison Life

Niemand im Rock-Genre spielt derzeit so Schlagzeug wie Stefanie Mannaerts! Niemand spielt so präzise, so variabel und so wuchtig wie die akademisch geschulte Drummerin. Würde sie ein rein instrumentales Soloalbum aufnehmen, auf dem nichts zu hören wäre außer Snares, TomToms und Cymbals, ich würde es begeistert kaufen. Und auch ihr Schreigesang ist einzigartig. An diesem entscheidet sich seit je, wer devoter Anhänger der Band ist und wer genervt die Austaste sucht: Sie wandelt zwischen Zerbrechlichkeit und leicht übersteuertem Kreischen, nicht selten klingt die Stimme kratzig, rau und jenseits der Belastungsgrenze. Aber Fakt ist auch, dass man kaum mehr Emotionen mit einer menschlichen Stimme transportieren kann. So flehend, so wütend und voller Inbrunst, dann wieder den Hörer mit sanften Melodien umscheichelnd: Wer bitte schafft das sonst noch auf so nachdrückliche Art?

BRUTUS aus Belgien haben auf ihrem dritten Album „Unison Life“ die Meisterprüfung mit Auszeichnung bestanden. Noch immer durchwirbeln sie den Hörer mit ihrem Tsunami aus überbordenden Gefühlen und überwältigen ihn mit einer Klangwand, vor der selbst Hollywood-Komponist Hans Zimmer ehrfürchtig niederknien würde. Dass sie dies als Trio schaffen, nur mit Gitarren, Schlagzeug, Bass und Gesang, ist beeindruckend. Was hier an turmhoch flirrenden Gitarrenwänden, treibenden Rhythmen und Nackenbrecher-Hardcore-Riffs auf den Hörer niederbricht, muss man erst einmal verarbeiten. Und doch hat sich gegenüber den Vorgängern etwas verändert: Die Kompositionen sind zugänglicher, nicht selten schälen sich schöne Melodien aus dem brachialen Gewitter. So sind Songs wie „What Have We Done“ oder das aggressiv nach vorn preschende „Dust“ tatsächlich kleine Hits. Zartheit trifft auf Urgewalt: Hier werden Bulldozer auf einem rohen Ei balanciert. Genre-Debatten sind müßig. Ist das nun Progressive Metal, Post Hardcore, Alternative oder Art Punk? BRUTUS sind BRUTUS. Und haben hiermit vielleicht DAS Metal-Album des Jahres vorgelegt!

4. WORMROT: HISS

Ja ja, ich kenne die Debatten. Ist das hier noch Grindcore – oder schon Pop? In einem Genre, das außer „Knüppel aus dem Sack“ wenig duldet, reichern WORMROT ihre Wutausbrüche mit Violinen und Klargesang an, bieten jazzige Rhythmen und biegen auch mal in Richtung Alternative Hardcore ab, wie wir ihn zuletzt von TURNSTILE zu hören bekamen. „Ausverkauf“ rufen da jene, für die sich Grindcore stets anhören muss, als habe man eine Klospülung betätigt. Alles Quatsch. Trotz aller Harmonien hat die Band aus Singapur das galligste Album des Jahres veröffentlicht. Sie führen letztendlich fort, was die Urväter NAPALM DEATH dem Grind ins Fährtenbuch schrieben: stets offen zu sein, sich nicht von irgendwelchen Genre-Erwartungen limitieren zu lassen. Das hier ist Grindcore, der auch auf größeren Bühnen funktionieren würde. Das hier ist die beste Hass-Platte des Jahres! Und vielleicht die ehrlichste Pop-Platte. Möge uns die Band nach dem Weggang von Sänger Arif erhalten bleiben!

5. FANTASTIC NEGRITO: White Jesus Black Problems

Seit Jahren liefert der in den westlichen USA beheimatete Xavier Amin Dphrepaulezz alias FANTASTIC NEGRITO phantastische Platten ab, die ganz tief in der Ursuppe des Rock and Roll rühren: Blues, Soul, Funk, Gospel und R&B verbindet er zu einem Sound, den man im weitesten Sinne als „Roots Rock“ bezeichnen kann. Doch seine Musik sticht heraus. Sie ist funkelnder und wilder als jene der Konkurrenz, die Hammond-Orgeln klingen verspielter und neckischer, die weiblichen Backing-Chöre tönen süßer. Auch seiner Stimme legt er keinerlei Fesseln an. Von tief knurrendem Blues-Gesang bis zu hohem Falsetto wird hier alles geboten, oft auch innerhalb eines Songs. Dazu eine exzellent groovende Rhythmus-Section und Arrangements, die bis ins kleinste Fingerschnippen ausgefeilt sind. Diese übersprudelnde Kreativität hat ihm bereits zwei Grammys eingebracht – auch vorliegendes Album ist wieder ein Gourmet-Happen in Sachen erdiger, aber schillernder Rockmusik.

„White Jesus Black Problems“ ist ein Konzeptalbum, auf dem Dphrepaulezz eine schier unglaubliche Familiengeschichte zum Ausgangspunkt macht. Im Jahr 1759 verliebt sich in Virginia eine schottische Dienstmagd in einen dunkelhäutigen Sklaven, der auf einer Baumwoll-Plantage schuftet: eine verbotene Liebe, sie mündet in ein Gerichtsverfahren und in eine Verurteilung. FANTASTIC NEGRITO ist der Ur-Ur-Ur-Ur-Ur-Ur-Ur-Enkel des Paares.

Doch diesen schweren Stoff über Rassismus und die dunkle Geschichte Amerikas packt der Musiker in eine bunte Rock-Operette voller euphorisierender Melodien. Fast schon beschwingt kommen bittersüße Roots-Hymnen wie „Highest Bidder“ daher, „They Go Low“ ist eine funkige Nummer mit infektiösem Refrain, „Man With No Name“ verbindet Louisiana-Blues mit schrillem 70s-Glam-Rock. Die Klammer dieses Albums sind Liebe und Hoffnung. Selten klang Musik mit politischer Botschaft unverkrampfter. Eine sympathische Schrulligkeit trägt dazu bei, dass Dphrepaulezz auch für die Indie-Szene anschlussfähig bleibt: Nein, hier klingt nichts antiquiert, die Musik passt wunderbar in die heutige Zeit. Nebenbei ist der 54jährige noch ein exzellenter Gitarrist.

6. SPANISH LOVE SONGS: Brave Faces, Etc.

What happened to Punkrock? Dieses Album ist ein Monolith der Bitterkeit. Und ich habe Verständnis für jeden, der mir sagt, es sei unhörbar. SPANISH LOVE SONGS haben den druckvollen Emo-Punk ihres letzten Albums „Brave Faces Everyone“ von 2020 deutlich entschlackt und in ein akustisches Gewand gekleidet, das gelegentlich auch mit kleinen elektronischen Spielereien aufwartet. Wo aber bei anderen Bands eine Art Lagerfeuer-Atmosphäre entsteht, hat es hier den gegenteiligen Effekt. Die Songs klingen in den Neuinterpretationen umarmender und pathetischer, die Melodien hymnischer – und erdrückend schwermütig. So singt Frontmann Dylan Slocum mit zitternder und zerbrechlicher Stimme (sie kippt auch manchmal ins Weinerliche) Zeilen wie „We are losers forever“ oder „Cause half our friends are dead./ The other half are depressed.“ Begleitet wird er von sanften Pianos, sehr zurückgelehnten Drum-Patterns und harmonischen Chorgesängen, die sich aber nie in den Vordergrund drängen. Die Gitarren sind zwar meist elektrisch verzerrt und hallend, haben hier aber die Funktion, die Balladen mit melodischen Mustern zu verzieren wie einen kunstvollen Trauerschleier.

Diese Traurigkeit! Hier wird Moll nicht häppchenweise serviert, sondern als extragroße Portion mit einem Aufschlag bitterer Sahne. Kein Album klang in diesem Jahr so niederschmetternd. Und doch auch angenehm. Denn das Ganze würde nicht funktionieren, wären Songs wie „Routine Pain“, „Generation Loss“ und „Losers“ (diese Titel sagen eigentlich alles) nicht kleine Perlen, die hier liebevoll und behutsam neu arrangiert werden. Das gelingt nicht in jedem Moment, manchmal legt sich der Pathos grabesschwer auf die Arrangements. Aber doch sehr oft. Die Texte zeichnen das Bild einer Generation, die sich, ermattet und resigniert, von Job zu Job schleppt, gegen den sozialen Abstieg kämpft, gegen Depressionen und Tablettensucht: wem fällt es schwer, hier nicht nur amerikanische Zustände wiederzufinden, sondern auch deutsche? Es ist eine Generation, für die das Leben teils unerträglich geworden ist. SPANISH LOVE SONGS wären keine Punk-Band, wäre nicht doch hin und wieder ein Aufbäumen zu spüren: etwa, wenn sich der Gesang flehend und leicht grollend über die instrumentale Kulisse erhebt. Man darf auch den feinen Humor nicht übersehen, den Slocum in seine Texte packt. „Self-Destruction (As a Sensible Career Choice)“ ist zum Beispiel ein Song betitelt.

„Brave Faces“ ist ein ideales Lebenskrisen-Album, das mir in manch dunklem Moment 2022 Trost gespendet hat. Warum? Ich weiß es nicht. Weil die dunklen Töne manchmal den meisten Trost spenden: und wenn es das Gefühl ist, mit seinen Problemen nicht allein zu sein? Oder ist es die Katharsis, die sich daraus ergibt, in bitterer Galle zu baden? Julia Engelmann würde vielleicht dichten: „Man muss durch das Tal der Tränen gehen, um wieder Konfetti zu sehen“. KATATONIA haben im Kampf um den Titel „traurigste Band der Welt“ einen ernstzunehmenden Gegner gefunden.

7. EMILY WELLS: Regards to the End

Fällt das Wort „Progressive“, denke ich nicht zuerst an jene Bands, die im Prog Rock der 70s fischen und schlimmstenfalls über Zauberer und Zwerge singen. Progressive ist zum Beispiel das hier: Musik, die komplex ist, aber offen, im Grunde schwer greifbar, mitunter collagenhaft. Ein Abenteuer auf verschlungenen Pfaden. Und hoch emotional. Orchestraler Pop, der aber auch in der Avantgarde Kunst wühlt, sich anfühlt wie der Gang durch eine New Yorker Kunstgalerie verschiedenster Epochen, während sich die eigenen Traumata in den Gemälden spiegeln.

Mit „Regards to the End“ legt die 41jährige EMILY WELLS bereits ihre zwölfte Veröffentlichung vor. Eine Multi-Instrumentalistin und Sängerin, in klassischer Komposition geschult. Sie arbeitet mit Loops und wabernden Synthies, lässt dann wieder ein Flügelhorn erklingen, Geigen und Bläser. Obwohl ihre Stimme gelegentlich an Kate Bush erinnert, manchmal elfenhaft schwebt, hat diese Musik nichts weltabgewandtes, sondern ist auch politischer Kommentar: aber nicht, ohne die Sinnlichkeit und Verletzlichkeit des menschlichen Körpers zu vergessen. Wells schafft ein Requiem für die Opfer der ersten Aids-Welle, als diese Diagnose noch sicheres Todesurteil war und Ausgrenzung bedeutete. Ihre Melancholie paart sich mit Wut und Begehren. „Ich bin nur ein Feuer“, singt sie, „…und ich brenne alles nieder, was in meiner Sicht ist!“ In ihren Songs variiert sie oft wenige Grundmotive, sie bleiben skizzenhaft und sind dennoch erhaben. „Schönheit, aus dem Schmutz geboren“, schrieb die Nerd-Fibel Pitchfork.

8. BLACK MIDI: Hellfire

Apropos: Waren wir gerade beim Thema „Progressive“? An „Hellfire“ von BLACK MIDI führt in diesem Jahr kein Weg vorbei. Nicht, weil das Londoner Trio mit mathematischer Genauigkeit und Finesse musiziert: das auch. Sondern, weil da mehr ist. BLACK MIDI präsentieren ihre Fingerfertigkeiten mit diabolischem Grinsen, die Texte, oft mit boshaftem Sprechgesang vorgetragen, sind abgründig. Ein Konzeptalbum über die Hölle: Frontmann Geordie Greep erzählte vor Veröffentlichung des Albums, dass er dabei auch an eine Simpsons-Folge dachte, in der sich Homer im Fegefeuer wiederfand. Witz ist folglich eine weitere Konstante: in diesem Fall Aberwitz.

Ihr Streifzug durch die Hölle ist ein Streifzug durch die Genres. Ganz gleich, ob sie Prog Rock zitieren, Punk, Speed Metal, Flamenco oder Mariachi: Das alles wird selbstbewusst und stilsicher dargeboten. Ist das anstrengend? Auf jeden Fall. Ist das ein Vergnügen? Selbstverständlich, wenn auch nicht für alle Hörer. Kein Album für Puristen? Doch, denn mit ähnlichem Aberwitz kann man diesen Sound bestenfalls bei Frank Zappa hören. Oder DEVIN TOWNSEND, der Wahnsinn ähnlich überzeugend in Szene setzt. Im Song „Sugar/Tzu“ muss ein Wrestler nach dem tödlichen Ausgang eines Kampfes im Gefängnis Millionen Briefe verheirateter Frauen lesen: Der Text lässt offen, ob es sich um einen Albtraum handelt. Ein ganz fieses Hörvergnügen: eben ein Survival Trip durch die Hölle.

9. OCEANS OF SLUMBER: Starlight and Ash

Ich gebe es ja zu: eigentlich ist „Starlight and Ash“, das mittlerweile fünfte Album von OCEANS OF SLUMBER, eine kleine Enttäuschung. Auch auf früheren Alben war der progressive Extreme-Metal der Texaner geprägt von der Stimme Cammie Beverlys: die Frontfrau singt so ausdrucksstark wie leidenschaftlich und bringt jede Menge Soul in den Sound ein. Definitiv eine der besten Sängerinnen, die das Metal-Genre zu bieten hat. Unpassend schienen mir auf den Vorgänger-Alben hingegen so manche Blastbeat-Attacke und so mancher Death-Metal-Growl. Umso mehr freute ich mich, dass die Band auf ihrem neuen Werk einen rockigeren Weg einschlägt und frühere Ausflüge in den Death Metal hinter sich lässt, denn eingängige Nummern wie „Suffer the Last Bridge“ schienen mir stets am stärksten.

Aber das Songmaterial zündet nicht so wie erwartet, das Tempo ist oft getragen, weshalb mitunter die Dynamik fehlt, auch Füllmaterial hat sich eingeschlichen. Warum sich das Album dennoch auf meiner Bestenliste findet? Trotz der genannten Schwächen sind OCEANS OF SLUMBER weiterhin ein außergewöhnliches Hörerlebnis, der Gesang bleibt Weltklasse, und mit etwas Geduld entpuppt sich das Album als gute Kost für nächtliche Spaziergänge in melancholischer Stimmung. Erneut beweist die Band auch ihre Könnerschaft in Sachen Cover-Versionen: „House of the Rising Sun“, der oft durchgenudelte Oldie der Animals, verwandelt sich in ihren Händen in eine stimmungsvolle Folk-Ballade mit schwermütiger Violine. Weiterhin eine Band mit zentnerweise Potential: das sie erneut nicht voll abruft. AVATARIUM, die auf ähnliche Weise ausdrucksstarken Frauen-Gesang mit getragenen Rhythmen und doomig-schweren Gitarren verbinden, haben wohl in diesem Jahr mit „Death, Where Is Your Sting“ das bessere Album aufgenommen. OCEANS OF SLUMBER bleiben für mich das größere Versprechen für die Zukunft.

10. BLOODY HEELS: Rotten Romance

Dieses Album, im Sommer erschienen, ist in den Szene-Magazinen komplett untergegangen. Die Rezensionen waren wohlwollend, aber nicht überschwänglich, und so droht die Band übersehen zu werden. Das ist Jammerschade, denn die Jungs aus dem lettischen Riga liefern etwas, was in ihrem Genre Seltenheitswert hat: Wiedererkennungswert. Sie reichern Glam Metal und Hard Rock mit einem Gothic-Touch an, rühren auch modernen Alternative dazu, es finden sich Spuren progressiven Ami-Metals darin. Sänger Vicky White (jaja, albernes Pseudonym) hat ein charismatisches Organ, das trotz rauchigem Raspelns zielsicher die Oktavenleiter in höchste Höhen erklimmt. Und dann wieder in tieferen Stimmlagen angenehm croont.

Statt Party-Hymnen gibt es hier Songs, die einen melancholischen Grundton haben, aber auch die abgründige Erotik einer Band wie THE CULT verströmen: Musik, die eher nach samtenen Kissen klingt als nach Haarspray-Overkill. Songs wie „Dream Killers“ sind bärenstarkes Kraftfutter, „The Velvet“ ist die beste Goth-Ballade, die Billy Idol nie geschrieben hat, „Mirror Mirror“ erinnert an die Hardrock-Phase von ARMORED SAINT. Ungewöhnlich die Harmonien im Refrain von „Crow’s Lullaby“. Die Produktion: bombastisch und wuchtig. All die Einflüsse klingen nicht nach Stückwerk, sondern organisch und rund: BLOODY HEELS-Sound. Wer wissen will, was diese Band auszeichnet, vergleiche das aktuelle Album mit dem Vorgänger „Ignite The Sky“ von 2020, denn dort ging die Band noch weit konventioneller zu Werk. Hier haben wir ein modernes, ausgefeiltes Hard-Rock-Juwel, das viele hochgelobte Mitbewerber alt aussehen lässt. Beeindruckend! Nur gemerkt haben das noch nicht so viele.

2022 war für mich ein spannendes Jahr: Selten zuvor habe ich so viele neue Menschen kennengelernt, Begegnungen, aus denen sich teils neue Freundschaften ergaben, selten habe ich so viel erlebt. Aber auch: Schlaflose Nächte, Zukunftssorgen, zu viele gerauchte Zigaretten; aus Gründen, auf die ich hier nicht näher eingehen will. Emotional teils eine wahnwitzige Achterbahn-Fahrt, und es ist keine neue Erkenntnis, das sich das Seelenleben auch auf den Musikgeschmack auswirkt: Wer meine Jahres-Bestenliste auf einer Metaebene analysiert, wird darin mehr Innerlichkeit erkennen, viel Melancholie, aber auch Chaos, Grenzgänger und musikalische Extreme. Und ich habe in meinem Leben einiges geändert, ja ändern müssen. Die wichtigste Entscheidung: Seit Mitte Mai trinke ich keinen Alkohol mehr, nachdem der Konsum in Corona-Zeiten komplett aus der Bahn geriet. Ohne professionelle Hilfe wäre ich nicht davon losgekommen.

Viele Rezensionen, die ich 2021 für VAMPSTER schrieb, sind tatsächlich mit einem ordentlichen Pegel entstanden: Erschreckend ist, dass man es ihnen nicht anmerkt, denn ich funktionierte auch nach sieben Bier noch gut. Die Glorifizierung von Alkohol-Exzessen im Metal ist ein eigenes Thema, das an dieser Stelle nicht erschöpfend abgehandelt werden kann. Mein teils intensives Nachtleben hat sich durch den Verzicht trotzdem nicht geändert, denn die schöne Erkenntnis ist, dass man auch mit 0,0 Promille in Clubs, auf Konzerte und auf Festivals gehen kann. Man trifft mich auch heute noch gelegentlich früh um sieben im Flowerpower, Leipzigs berüchtigter Absturz-Kneipe. Aber seid gewarnt: Egal, was Ihr mir anvertraut. Ich bin jetzt einer der Wenigen dort, die sich am folgenden Tag noch an die Inhalte der Gespräche erinnern können. Gefährlich! Ich werde natürlich taktvoll sein und Euch Eure eigenen peinlichen Geschichten am folgenden Tag nicht auf die Nase binden.

Ich bin auf die dunkle Seite gewechselt und habe SPOTIFY für mich entdeckt. Und keine Sorge: Nach wie vor kaufe ich mir die wichtigsten Alben auf Vinyl oder CD. Es gibt gute Gründe, weshalb wir den Streaming-Dienst hier selten verlinken: vor allem die teils unterirdische Bezahlung der Musiker und Komponisten. Aber natürlich hat es Vorteile, fast alle neuen Alben -und viele Klassiker- jederzeit und überall zur Verfügung zu haben.

Die Art, Musik zu hören, ändert sich durch SPOTIFY, und zwar nicht zum Besseren. Das kann ich auch an meinem eigenen Streaming-Verhalten beobachten. Der Schwerpunkt liegt eher auf einzelnen Songs statt auf Alben (das Playlist-Prinzip), die Aufmerksamkeits-Spanne nimmt durch das Überangebot ab. Es ist kein Geheimnis, dass viele Pop-Titel heute auf Streaming-Hörgewohnheiten zugeschnitten werden: Sie verraten ihr Geheimnis fast komplett in den ersten 30 Sekunden, verzichten auf lange Intros und sich steigernden Spannungsaufbau. Auch aus finanzieller Sicht lohnt es sich für die Interpreten eher, kurze Titel zu schreiben statt längere, da sich die Höhe der Vergütung an der Zahl der Streams pro Song orientiert. So wirkt sich das Streaming bereits auf den Kompositions-Prozess aus.

Aus journalistischer Sicht aber ist SPOTIFY ein Totalausfall, zumindest nach meinem Empfinden. Die Möglichkeiten, Interpreten zu verlinken und in Text-Formate einzubetten, sind wenig attraktiv. Und redaktionell wird BANDCAMP tausendmal besser betreut. Deshalb will ich hier einige Playlists empfehlen, die ich in liebevoller Recherche-Arbeit zusammengestellt habe: und die mir nicht ganz unwichtig sind. Wahrgenommen wurden sie bisher nicht. Sollte das so bleiben: okay, ich mache das ja auch für mich. Sollte sich das ändern: umso besser ;-).

Mirkos 2022-SPOTIFY-PLAYLISTS:

FEMALE PIONEERS IN SOUL, ROCK + BLUES. Gern übersehen und teils vergessen: Die Pionier-Funktion von -oft afroamerikanischen- Musikerinnen für die Rockmusik. Der Schwerpunkt liegt hier auf den 40er bis 70er Jahren. Doch manche der Musikerinnen waren auch schon in den 20er Jahren aktiv.

FEMALE ANGER: Weibliche Wut. Eine Playlist mit wütenden und anklagenden Songs und ein Streifzug durch verschiedene Genres. Ja: auch Hip Hop ist dabei, Pop (ganz wunderbar: „Don’t Hurt Yourself“ von Beyonce) und natürlich Punk. Eine feministische Playlist.

DIVERSITY IN HEAVY ROCK + METAL. Eine Playlist, die keiner näheren Begründung bedarf. Metal-Songs aus allen Teilen der Welt mit vielen Genre-sprengenden Grenzgängern.

Women in Metal and Extreme Music – Female Singers. Eine Hardrock-, Psychedelic- und Metal-Playlist, die -ich erwähne es gern- fast ohne Symphonic Metal und Feenstaub auskommt. Weil es darum geht, Szene-Klischees zu brechen statt zu bedienen.

Music Festivals: MORE WOMEN ON STAGE! Female Rock + Indie. Rock-Festivals werden -das ist bekannt- immer noch brutalst von männlichen Acts dominiert. Veranstalter rechtfertigen es auch damit, dass sie keine Bands mit Musikerinnen oder Solo-Künstlerinnen finden. Hier sind mehr als 400 derzeit aktive Acts, die von Frauen angeführt werden: aus den Bereichen Indie, Alternative, Folk, Country, Punk und Metal. Darunter viele Newcomer*innen mit Debüts. Aber man kennt viele Acts doch noch gar nicht? Stimmt. Und deshalb kann man ihnen keine Bühne bieten? Leute, ich habe Rammstein in ihren Anfängen vor wenigen hundert Fans auf einem Thüringischen Acker spielen sehen! Damals kannte die auch noch keiner.

HEAVY BUT SENSITIVE: Es soll Menschen geben, die harte Gitarrenmusik noch immer mit Machismo verwechseln. Das ist natürlich Quatsch. Diese Playlist zeigt eine andere Seite vornehmlich männlicher Musiker: Innerlichkeit, Verletzlichkeit, Sensibilität. Viele der Acts bewegen sich in der Schnittmenge von Metal, Prog und Goth. Es wäre eine Überlegung wert, ob da schon eine eigene Bewegung entstanden ist („It’s time to raise the flag of depth!“).

Dank der vierten Schwangerschaft kam ich zu weniger Alben, als ich das gerne gehabt hätte – zu einigen musikalischen Reisen reichte es 2022 dennoch:

1. IN APHELION – „Moribund“

2. DARKTHRONE – „Astral Fortress“

3. KVAEN – „The great below“

4. ULTRA SILVAM – „The Sanctity of Death“

5. JONATHAN HULTÉN – „The Forest Sessions“

6. GHOST – „Impera“

7. COBRA CULT – „Don’t kill the dark“

8. SIGH – „Shiki“

9. EYE OF MORDOR – „The Old Master“

10. MÄRVEL – „Graces came with Malice“

AMBERIAN DAWN – „Take a chance“ (eine katastrophale akustische Verunglimpfung von ABBA für garantiertes Ohrenbluten).

NECROPHOBIC am MEH SUFF-Festival in Hüttikon, September 2022. Sowieso das am besten organisierte Festival mit der nettesten Security, muss man auch mal wieder sagen.

IRON MAIDEN im Hallenstadion Zürich – wenn das Publikum zwar zahlreich ist, aber eben „Metal“ und nicht so wie bei RAMMSTEIN.

RAMMSTEIN im Letzigrund Zürich – aber einfach zu viele besoffene Mainstream-Menschen im Publikum und unhöfliche Security.

Eigene Hochzeit in Stockholm und die Geburt meines vierten Sohnes.

Kein neues NIFELHEIM-Album! Argh!

Dass die Schweiz in Sachen Mutterschutz ein Entwicklungsland ist. Wer nicht am Arbeitsplatz gebärt (weil sie bis zur Entbindung arbeitet), der wird der Mutterschaftsurlaub auf 14 Wochen gekürzt.

Gerüchten zufolge gibt es 2023 ein neues VOMITORY-Album, vorsichtige Vorfreude herrscht…

Das musikalische Resümee der vergangenen zwölf Monate wiederum ist eine andere Geschichte. Nach der regelrechten Flut im Vorjahr landeten nun wieder etwas weniger EPs auf meinem Tisch. Gutklassige Releases waren dennoch dabei: V/HAZE MIASMA eröffneten 2022 etwa mit „Nebula“ in atmosphärischer Art und Weise, OCEANS wurden mit der „Hell Is Where The Heart Is“-Reihe gar zum treuen Begleiter, ALLT setzten mit „The Seed Of Self-Destruction“ im Metalcore neue Impulse und DÉCEMBRE NOIR gelang es mit „Pale Serenades“ darüber hinaus, vier Stücke mit prominenter Gastriege komplett neu zu erfinden – allein für die Synth-Wave-Interpretation von „Small.Town.Depression“ hätte die Formation einen kleinen Sonderpreis verdient.

Die beste EP 2022

DARK FOREST: Ridge & Furrow

Die beste EP des Jahres kam für mich persönlich aber komplett aus dem Nichts: Reingehört habe ich in „Ridge & Furrow“ ehrlich gesagt nur, weil Kollege Andreas in seiner Kritik aus dem Schwärmen gar nicht mehr herauskam. Dem von ihm betitelte „Feuerwerk an guter Laune“ konnte schließlich auch ich mich nicht entziehen. Die Melodien, der Gesang, die gesamte Atmosphäre zwischen Idylle und Aufbruch wirken regelrecht ansteckend und wischen jeglichen Anflug von Trübsal einfach beiseite. Dank Kurzformat also die ideale Medizin, um eben mal die Stimmung zu heben.

Das beste Live-Album

ARCHITECTS: For Those That Wish To Exist At Abbey Road

“For Those That Wish To Exist At Abbey Road” ist keineswegs das beste Live-Album aller Zeiten – genau genommen wurde es ja auch nur im Studio und ohne Publikum aufgenommen. Aufgrund der hinzugenommenen Orchestrierung entwickelt das Material von „For Those That Wish To Exist“ (2021) jedoch eine unglaubliche Energie. Das macht aus einem eigentlich mäßigen Album kein Meisterwerk, hebt den Großteil der Songs allerdings auf ein neues Level – fast so, als wären die Songs von Anfang an mit Orchester im Hinterkopf konzipiert worden.

Die 25 besten Alben 2022

Es wird schlicht nicht einfacher. 122 Alben habe ich dieses Jahr selbst besprochen, von den einfach nur privat gehörten Platten ganz zu schweigen. Wie soll man aus dieser Flut an Veröffentlichungen die besten herauspicken? In manchen Jahrgängen ist es einfach, zumindest die großen Highlights direkt zu benennen. Diesmal aber wird es fast zur Qual: Verschiedenste Genres, Alben für unterschiedliche Jahreszeiten oder Stimmungslagen. Leichte Kost, die entsprechend oft im Player landet, trifft auf komplexe oder mental fordernde Werke, die vielleicht nur selten liefen, aber mir nicht minder bedeutsam waren.

Der große Unterschied zum letzten Jahr ist also, dass 2022 nicht einmal die Spitze unangefochten scheint. DAS Ausnahmealbum gab es für mich diesmal leider nicht. Dafür eine ganze Menge an starken Platten, die leider nicht alle in meinen Top 25 Platz haben und doch nicht komplett ohne Erwähnung bleiben sollten. BLUT AUS NORDs „Disharmonium – Undreamable Abysses“ etwa ist die perfekte Vertonung des Lovecraft-Mythos. Ein in vielerlei Hinsicht beeindruckendes Werk für seine Nische, das aber auch genau deshalb für mich außer Konkurrenz läuft.

Einige sichere Kandidaten waren letztendlich zu routiniert unterwegs

SOILWORK („Övergivenheten“) und AMORPHIS („Halo“) hingegen waren gut, aber weit von ihrer Topform entfernt; ARCH ENEMY („Deceivers“) und MESHUGGAH („Immutable“) zu routiniert und kalkuliert, um nachhaltig begeistern zu können. Den Schnitt verpasst haben zudem die wiedererstarkten MACHINE HEAD („Of Kingdom And Crown“), das kurzweilige „We Are The Apocalypse“ (DARK FUNERAL), die überraschend mächtigen CHELSEA GRIN („Suffer In Hell“) und die Thrash-Veteranen KREATOR („Hate über alles“), die mich in Teilen, aber nicht durchweg begeistern konnten.

Im Frühjahr hatte ich außerdem viel Spaß mit MOTIONLESS IN WHITEs „Scoring The End of The World“, das trotz Synth-Overkill und hart modernem Einschlag ein paar echte Ohrwürmer mitbringt – letzten Endes aber etwas zu seicht und kurzlebig. Ganz knapp nicht in den Top 25: GAEREA („Mirage“), GRIMA („Frostbitten„), PURE WRATH („Hymn To The Woeful Hearts„), PORT NOIR („Cuts„) sowie FIT FOR AN AUTOPSY („Oh What The Future Holds„).

25. OBSIDIOUS: Iconic

Die Nähe ist durchaus zu spüren, doch OBSIDIOUS sind weit mehr als ein OBSCURA-Ableger. Nicht zuletzt dank Sänger Javi Perera, der neben kraftvollen Growls auch eine erhabene Singstimme besitzt, grenzen sich die Musiker von ihrer ehemaligen Band ab. „Iconic“ ist stilistisch weiter gefasst und vereint somit die spieltechnische Raffinesse des Progressive / Tech Deaths mit symphonischen Elementen sowie Klangfarben des Power Metals. Kurzum, es gibt eine ganze Menge zu entdecken – und da ich mich erst in den letzten Wochen des Jahres intensiver mit der Platte beschäftigen konnte, habe ich selbst jetzt noch nicht alle Ecken dieses spannenden Albums erkundet.

24. ALLEGAEON: DAMNUM

ALLEGAEON erweitern ihren Sound durch neue Einflüsse: Das macht “DAMNUM” zum bislang abwechslungsreichsten Werk, weil feinere Details auf den Vorgängern nun neue Prominenz erlangen. Die Death-Metal-Band agiert dadurch deutlich progressiver, indem sie neben den immer wieder auftauchenden Konzertgitarren auch verstärkt Klargesang in ihr Repertoire aufnimmt. Und doch bleibt die Handschrift der US-Amerikaner weiterhin erkennbar: ALLEGAEON opfern also keineswegs die gemeinsame Vision der Band. Vielleicht nicht die stärkste Platte des Quintetts, aber dennoch auf gewohnt hohem Niveau.

23. AARA: Triade II: Hemera

Es gab dieses Jahr eine ganze Menge starker Black-Metal-Veröffentlichungen. Was mich allerdings an AARA einmal mehr fasziniert, ist diese Leichtigkeit, mit der das Gespann Wildheit und Melodie zusammenführt. „Triade II: Hemera“ ist unnachgiebig und stürmisch, beizeiten roh und doch irgendwie berührend. Das ist beim derzeitigen Veröffentlichungstempo AARAs keine Selbstverständlichkeit, vor allem weil der zweite Teil der Trilogie kaum Zeit zum Atmen lässt. Hoffentlich behält das Finale dieses Niveau bei.

22. FREEDOM OF FEAR: Carpathia

Noch sind die Australier FREEDOM OF FEAR ein echter Geheimtipp: Der technische, aber doch melodische Death Metal ist dank schwarzmetallischer Einflüsse und atmosphärischer Synth-Untermalung so abwechslungsreich wie fordernd, bleibt dabei allerdings stets schlüssig. „Carpathia“ ist bei allem Furor – Sängerin Jade ist diesbezüglich genauso maßgebend wie die starke Performance von Session-Drummer HANNES GROSSMANN – keineswegs überwältigend – fast schon eine Schande, dass die Platte dieses Jahr weitgehend unter dem Radar geflogen ist.

21. IBARAKI: Rashomon

Ich weiß immer noch nicht, wer auf die Idee kam, IBARAKI als Black-Metal-Projekt zu bewerben, denn trotz IHSAHNs Mitwirken und durchaus vorhandenen schwarzmetallischen Einflüssen ist „Rashomon“ deutlich breiter und vor allem progressiver aufgestellt. Matthew Heafys Solo-Projekt flirtet dabei in Auszügen sogar mit älteren OPETH – zumindest instrumental. Gesanglich ist das sonst durchaus modern gehaltene Album dagegen ein zweischneidiges Schwert. Weniger der Klargesang als die extremen Vocals sind dabei Stein des Anstoßes: Für frostigen Black-Metal-Anstrich klingt Heafy schlicht zu brachial nach Metalcore, was dem Material nicht immer perfekt zu Gesicht steht. Eine facettenreiche Platte bleibt „Rashomon“ trotz kleinerer Abstriche aber in jedem Fall.

20. CELESTE: Assassine(s)

Auf “Assassine(s)” sortieren CELESTE ihre Prioritäten neu: Moderner produziert mit weniger Fokus auf die schwarzmetallischen Einflüsse markiert das neue Studioalbum durchaus eine Veränderung. Ihre stilbildende Essenz geben die Franzosen aber dennoch nicht auf, obwohl die Musik in Teilen nicht mehr ganz so düster und hoffnungslos erscheint wie die bisherige Diskografie der Band. Dafür gestaltet sich „Assassine(s)“ nach kurzer Eingewöhnungsphase griffiger als erwartet, während das Material einen fast schon hypnotischen Sog entwickelt.

19.  THE CALLOUS DAOBOYS: Celebrity Therapist

Zwischen Chaos und Wahnsinn bringen THE CALLOUS DAOBOYS den Mathcore wieder zurück auf die Landkarte. Erinnerungen an THE DILLINGER ESCAPE PLAN werden wach, wenn die Formation auf jegliche Konvention pfeift und schlicht ihr eigenes Ding durchzieht. Das macht „Celebrity Therapist“ so unberechenbar wie anstrengend – in Dauerschleife anhören kann man das Zweitwerk wohl nicht, obwohl sich zwischendurch doch immer wieder ein paar unglaublich eingängige Melodien eingeschlichen haben. Man muss das Ganze somit dosiert genießen, um von diesem konzentrierten Adrenalinschub nicht überwältigt zu werden.

18. OUR LOSS IS TOTAL: I

Kurz vor Jahresende kam relativ unerwartet „I“ um die Ecke. Mit ihrem Post Black Metal-Projekt OUR LOSS IS TOTAL hinterlassen Musiker aus dem NEAERA-Umfeld zusammen mit HEAVEN SHALL BURN-Sänger Marcus Bischoff eine Schneise der Verwüstung: Während die Musiker vor trister und unwirtlicher Atmosphäre die Grenze zwischen Post und Black Metal verschwimmen lassen, blitzen immer wieder die Wurzeln der Bandmitglieder durch: in der Handschrift der Gitarristen, in der massiven Produktion und in Bischoffs fiesen Vocals. Massiv!

17. COUNTERPARTS: A Eulogy For Those Still Here

Emotionaler und intensiver als COUNTERPARTS auf „A Eulogy For Those Still Here” kann man Melodic Hardcore kaum intonieren. Das Energielevel bleibt folglich die meiste Zeit am Anschlag – die ruhigen Passagen dienen somit vorwiegend dem allgemeinen Luftholen, damit es anschließend wieder ohne Kompromiss, aber mit viel Leidenschaft weitergehen kann. Dass der emotionale Höhepunkt mit „Whispers Of Your Death“ direkt am Anfang steht, ist etwas schade, doch angesichts der kurzen Spieldauer letzten Endes kein allzu großes Manko.

16. DISILLUSION: Ayam

Egal, wo man dieses Jahr hinblickte, DISILLUSION heimsten fast überall Topwertungen ein. Deshalb fühle ich fast so etwas wie Rechtfertigungsdruck, weil „Ayam“ hier nun so weit unten sitzt. Die Situation ist schlicht eine ähnliche wie bei „The Liberation“ (2019): Ich finde die Platte ziemlich gut, aber sie erreicht mich emotional immer noch nicht zu Einhundertprozent, wie es beispielsweise „Back To Times Of Splendor“ (2004) tut. Es ist somit ein langer und mühsamer Prozess: Mit jedem Hören kommen wir uns ein wenig näher, aber noch ist nicht absehbar, ob es irgendwann endgültig klickt. Deshalb sitzt „Ayam“ derzeit auf der 16 mit mittel- bis langfristiger Tendenz nach oben.

15. FIT FOR A KING: The Hell We Create

Zugegeben, “The Hell We Create” ist ein enorm risikofreies Album. Was der Platte aber an Innovation fehlt, machen FIT FOR A KING durch effektives Songwriting, abwechslungsreiches Drumming und – auf lyrischer Ebene – aufrichtige Botschaften wett. Allein gegen Ende verliert die Formation durch diese Vorgehensweise ein wenig an Schwung, da mir dann doch irgendwo das unverbrauchte Element fehlt. Für klassischen Metalcore waren die US-Amerikaner dieses Jahr dennoch eine verlässliche Anlaufstelle.

14. STRAY FROM THE PATH: Euthanasia

Auf „Euthanasia“ wird mit harten Bandagen gekämpft: STRAY FROM THE PATH lassen von Anfang bis Ende nicht locker und verleihen ihrem modernen Hardcore dadurch eine beeindruckende Dringlichkeit. Dank tief gestimmter Gitarren, mörderischem Groove und einem Drew York in Bestform mutieren die zehn Track zum erbarmungslosen Abrisskommando. Keine Platte für besinnliche Stunden, aber der ideale Begleiter, um sich nach einem miesen Tag ordentlich auszukotzen.

13. ZEAL & ARDOR: Zeal & Ardor

Viele Jahre sind ZEAL & ARDOR schlicht an mir vorübergegangen, bis ich nun 2022 aufgrund der zahlreichen euphorischen Kritiken dann doch mal ein Ohr riskiert habe. Obwohl Gospel, Blues und Soul nun wirklich nicht zu meinen Faibles zählen, ist die Art und Weise, wie „Zeal & Ardor“ diese Genres mit Black Metal und anderen extremeren Spielarten verschmelzen lässt, absolut packend. Die Songs sind dabei durchweg kompakt gehalten, entwickeln aber im Verbund mit den ruhigen, gesangsbetonten Passagen eine elektrisierende Energie. Gleichzeitig zeigen sich ZEAL & ARDOR durchaus offen für weitere Einflüsse, was das Drittwerk letzten Endes zu einer ziemlich einzigartigen Erfahrung macht.

12. MUSE: Will Of The People

MUSE mussten gerade in den letzten zehn Jahren viel Kritik einstecken. In gewisser Weise wirkt „Will Of The People“ wie die verspätete Reaktion auf all die Schelte: Das kompakt gehaltene Album deckt so ziemlich die komplette Bandbreite des Trios ab: MUSE vereinen Glam Rock, 80er Synths und sogar Metal-Anleihen mit ihrer charakteristischen Megalomanie. Wenn es also dieses Jahr eingängig und rockig sein sollte, landeten meistens die Briten in der Anlage. So stark wie 2022 war die Band lange nicht mehr.

11. WHITE WARD: False Light

So richtig für mich entdeckt habe ich sowohl „False Light“ als auch WHITE WARD generell erst gegen Ende des Jahres. Die Fusion aus Post Black Metal, Darkjazz und weiteren Anleihen hat mich dann aber umgehend gepackt – nicht nur, weil die Mixtur alles andere als alltäglich ist, sondern weil die verschiedenen Elemente wunderbar ineinandergreifen. „False Light“ wirkt stellenweise bedrückend, aber nie hoffnungslos; die Ukrainer geben ihren Stücken Raum zur Entfaltung und nehmen sich auch mal stark zurück, damit man diese ganz spezielle Atmosphäre voll umfänglich aufsaugen kann.

10. KARG: Resignation

Obwohl KARG mit “Resignation” die bandeigene Handschrift nicht neu denken, bleiben sie doch im Gedächtnis: Über vier ausladende Kompositionen hinweg besticht Mastermind J.J. mit Feingefühl und Liebe zum Detail, die den emotionalen Texten auch in musikalischer Hinsicht Leben schenken. Vereinzelte Stilmittel wie Gastauftritte, Violine oder Glockenspiel sind überdies mehr als nur schmückendes Beiwerk, sondern runden das nachdenkliche Album in stimmiger Weise ab.

9. THE GLOOM IN THE CORNER: Trinity

“Trinity” ist eine vollgepackte Metalcore-Wundertüte, die aufgrund ihrer zahlreichen genrefremden Einflüsse schnell zu einem der originellsten Genre-Beiträge der letzten Jahre avanciert. Der Grund dafür ist schnell gefunden: THE GLOOM IN THE CORNER sind eine Konzept-Band, die mit jeder Veröffentlichung den eigens geschaffenen Mythos weiterspinnt. Das hat teils Musical- und Hörspielqualitäten und kann natürlich auch mal am Rande zur Reizüberflutung enden – für das Genre aber ist „Trinity“ ein echter Augenöffner.

8. ROLO TOMASSI: Where Myth Becomes Memory

Dass ROLO TOMASSI den Mathcore hinter sich lassen, kann ich gut verkraften, wenn das Resultat so stark ausfällt wie „Where Myth Becomes Memory“. Vor allem das Songwriting bleibt von Anfang bis Ende so abwechslungsreich wie spannend. Harte, teils noisige Parts haben genauso ihren Platz wie zerbrechliche und gefühlvolle Momente. Und dazwischen füllen die Briten das komplette Spektrum aus und halten das Ganze mit einigen wundervollen Melodien zusammen. Um die Zukunft des Quintetts mache ich mir also keinerlei Sorgen.

7. CULT OF LUNA: The Long Road North

Auf “The Long Road North” trifft blanke Brutalität auf abstrakte Schönheit: Obwohl CULT OF LUNA ihren massiven Post-Metal-Wänden treu bleiben, tritt nun mehr Wärme durch die Fugen. Das hält das Erfolgsrezept auch diesmal wieder lebendig – nicht jede Minute dieses ausladenden Werks ist revolutionär, doch packend bleibt das Material zumeist dennoch. Vielleicht mag „The Long Road North“ in seiner Gesamtheit nicht der größte Meilenstein der Bandgeschichte sein, in seinen besten Momenten aber erklingen die Schweden so gut wie nie zuvor.

6. THE DEVIL WEARS PRADA: Color Decay

THE DEVIL WEARS PRADA zeigen mit “Color Decay” durchaus eindrucksvoll, wie man als Metalcore-Band sein musikalisches Spektrum erweitern kann, ohne sich selbst zu verbiegen oder die eigenen Trademarks zu verwässern. Dabei nimmt die Band zwar nicht komplett den Fuß vom Gas, erlaubt sich aber neue Freiheiten – ein reifes und absolut rundes Album, das ich in dieser Qualität nicht erwartet hatte.

5. BRUTUS: Unison Life

Was soll ich noch groß zu BRUTUS hinzufügen? Im Prinzip hat Kollege Captain Chaos in seiner Kritik zu „Unison Life“ alles bereits auf den Punkt gebracht. Dem Trio gelingt ein abwechslungsreiches Album voller Emotionen, ohne kitschig oder infantil zu wirken. Mit neu gewonnener Reife heben die Belgier sich und ihren eigenen Stilmix auf ein komplett neues Niveau. Beeindruckend!

4. SHADOW OF INTENT: Elegy

SHADOW OF INTENT lassen den reinen Deathcore hinter sich und erweitern auf „Elegy“ ihren Horizont. Indem die US-Amerikaner die symphonischen Elemente sowie das dominante und modern gehaltene Death-Metal-Fundament geschickt ausbalancieren, kann das Album selbst über 60 Minuten ohne Längen bestehen. Technische und fordernde Tracks wechseln sich ab mit symphonisch gehaltenen Hymnen, während die Melodien immer genug Halt geben, um zwischendurch durchatmen zu können. Die gelebte DIY-Attitüde ist da letztlich nur die Kirsche auf der Torte.

3. BLEED FROM WITHIN: Shrine

Im Frühjahr noch mutmaßte ich, dass „Shrine“ eventuell das Metalcore-Album des Jahres sein könnte. Eine Einschätzung, die ich nun Ende 2022 nochmals unterstreichen kann. Denn auch wenn BLEED FROM WITHIN diesmal das Rad nicht neu erfinden, bleiben sie frisch und alles andere als berechenbar. Tatsächlich gelingt es den Schotten, immer die richtige Balance zu finden: Metalcore-Urgewalt trifft auf filigrane Streicher, Experimentierfreude auf klassische Trademarks. In einer Szene, die sich immer mehr angleicht, formen BLEED FROM WITHIN in beeindruckender Weise eine eigene Identität.

2. THE HALO EFFECT: Days Of The Lost

Einerseits mutet es schon etwas seltsam an, dass ein Album wie „Days Of The Lost“, welches eigentlich nichts wirklich Neues bieten kann, am Ende so weit oben landet. Gleichzeitig ist genau das aber die Stärke der schwedischen Supergroup: THE HALO EFFECT spielen ihren Göteborger Melodeath exakt so, wie ich es vor 15 bis 20 Jahren kennen und lieben gelernt habe. Ein Nostalgietrip voller Hits, den all das auszeichnet, was ich an diesem Genre so liebe – „Feel What I Believe“.

1. LORNA SHORE: Pain Remains

Es hatte sich im Verlauf des Jahres abgezeichnet, dass am Ende LORNA SHORE ganz oben auf dem Treppchen stehen würden. Dabei ist „Pain Remains“ aller Klasse zum Trotz kein unfehlbarer Siegeszug geworden: Die massive Produktion ist bisweilen grenzwertig, die Platte als Gesamtwerk ein Stück zu lang und nun machen sich zum Ende des Jahres auch die ersten leichten Abnutzungserscheinungen bemerkbar.

Und dennoch lief kein Album öfter als LORNA SHOREs vierter Full-Length-Beitrag. Wenn die US-Amerikaner sich von ihrer besten Seite zeigen, dann gelingt ihnen ein explosiver Mix aus Härte, Melodie und Theatralik, wie wir ihn in solch einer Intensität schon lange nicht mehr gehört haben. Insbesondere der dreiteilige Titeltrack zum Abschluss ist ein Glanzstück symphonischen Deathcores. Nicht unumstritten also, doch trotzdem in entscheidender Weise prägend für mein Musikjahr.

BLIND CHANNEL: Lifestyles Of The Sick & Dangerous

Es ist schon ein kleines Kunstwerk, in 35 Minuten so wenige frische Ideen unterzubringen, wie es BLIND CHANNEL tun. Vorhersehbare Strukturen, Riffs und Melodien vom Reißbrett sowie das Unvermögen, bei elf Versuchen auch nur einen einzigen einprägsamen Moment heraufzubeschwören. „Lifestyles of the Sick & Dangerous“ könnte als Grabinschrift eines einst frischen Genres dienen, hätte der Nu Metal nicht ausgerechnet in den letzten zwei Jahren einen zweiten Frühling erlebt.

ARCHITECTS: The Classic Symptoms Of A Broken Spirit

ARCHITECTS setzen die Schere an, allerdings an den falschen Enden: Indem sie beide Extreme ihres Sounds zusammenstutzen, bleibt letztendlich nur der kleinste gemeinsame Nenner übrig. Elf Songs, die nahezu alle gleich klingen und all das vermissen lassen, was die Briten einst an die Spitze des Genres katapultierte. Nach dem zwiespältigen „For Those That Wish To Exist“ (2021) ist “The Classic Symptoms Of A Broken Spirit” der endgültige Beleg, dass die einstigen Trendsetter heutzutage nurmehr Mitläufer sind. Das Schlimmste aber ist, dass die Platte an sich keine komplette Katastrophe ist – gemessen an den Möglichkeiten des Quintetts allerdings ist sie schlicht eine Beleidigung.

PARKWAY DRIVE: Darker Still

Im Nachgang wurde klar, warum „Darker Still“ klingt, wie es klingt: Es ist das Produkt einer Band, die fast an sich und dem Ballast, den sie jahrelang mit sich herumgeschleppt hat, zerbrochen ist. Insofern ist es fast schon ein Wunder, dass überhaupt ein halbwegs schlüssiges Resultat dabei herausgekommen ist. Problematisch bleibt jedoch auch dann, dass Ambition und Realität immer weiter auseinanderklaffen. Während sich PARKWAY DRIVE um Abwechslung bemühen, fehlt ihnen das richtige Werkzeug. Winston McCall ist ein fantastischer Frontmann und Shouter, doch nur ein unterdurchschnittlicher Sänger, während das Feuer der Vergangenheit vielerorts nur noch sporadisch aufglimmt.

2022 war das Jahr, in dem die Live-Shows zurückkehrten. Was viele zunächst nicht auf dem Schirm hatten, waren allerdings die Ausmaße, die das Ganze im Herbst und Winter annehmen würde: Kaum ein Wochentag ohne Nachholshow oder neue Tour, teils sogar mit bis zu drei konkurrierenden Konzerten am gleichen Tag. Das Überangebot brachte, wie hinlänglich bekannt, ganz eigene Probleme mit sich. Dennoch blieben mir einige der zahlreichen Gigs ganz besonders in Erinnerung.

DARK TRANQUILLITY am 18.04.2022 im Backstage Werk, München

Was am Ostermontag im Münchner Backstage vor sich ging, war nichts anderes als eine 80-minütige Ehrerbietung an die schwedische Melodeath-Institution. Aus gutem Grund allerdings, denn mit einem abwechslungsreichen wie hitgespickten Set, einer gut eingespielten Band und dem stets grundsympathischen Mikael Stanne am Mikro kann es live fast gar nicht besser werden. Obwohl mir DARK TRANQUILLITY in diesem Jahr ganze dreimal über den Weg liefen, war es doch die eigene Headliner-Show, die mich am meisten mitreißen konnte. Fantastisch!

BRAINSTORM am 16.09.2022 in der Backstage Halle, München

Was auf den ersten Blick fast schon deprimierend wirkte, wandelte sich letztlich zu einem der schönsten Konzertabende des Jahres: Nach eigener Schätzung fanden nicht einmal 100 Besucher:innen den Weg zur „Brainrage Over Europe“-Tour ins Münchner Backstage. Da aber sowohl Bands als auch Fans unglaublich viel Lust hatten, endete die Show für uns mit einem breiten Grinsen im Gesicht. Ein beherzter wie sympathischer Auftritt vor einem wunderbaren, wenn auch erlesenen, Publikum – und damit ein kleiner Höhepunkt in meinem persönlichen Konzertjahr.

BLEED FROM WITHIN am 12.12.2022 im Hansa 39, München

Ausverkauftes Haus, rappelvolle Hütte, verrücktes Publikum, hochmotivierte Band. Was BLEED FROM WITHIN zum Jahresende nochmal ermöglichten, ist in Worten schwer adäquat wiederzugeben. Mit einer kurzen, aber dafür hochintensiven Show ließen die Briten keinen Stein auf dem anderen, auch weil das Material des aktuellen Albums „Shrine“ (2022) live noch mächtiger wirkt als auf Platte.

IMMINENCE am 11.05.2022 im Backstage Werk, München

„Intensiv, vielfältig, schweißtreibend“, lautete das Fazit im Frühjahr. Es ist durchaus beeindruckend, wie sehr sich IMMINENCE über die letzten Jahre zum Headlining-Act gemausert haben. Dank des starken aktuellen Albums „Heaven In Hiding“ (2021) und ihrem charismatischen Frontmann Eddie Berg servierten die Schweden ein nahezu perfekt getaktetes Set, bei dem bald niemand mehr stillstehen konnte.

SOEN am 10.09.2022 in der Backstage Halle, München

Mit Stil und Klasse führten SOEN durch ein Set voller großer Momente, ohne allerdings das persönliche Element außer Acht zu lassen. Gleichzeitig wurde jeder Song zur Entdeckungsreise, auch weil neben dem guten Sound die spieltechnische Leistung makellos war. Es muss nicht immer Bombast sein: Die Schweden zeigten, wie man mit einer bodenständigen und sympathischen Art trotzdem die Anwesenden in Euphorie versetzen kann.

Nach drei Jahren Zwangspause endlich wieder das Festival-Flair aufsaugen zu können. Das SUMMER BREEZE 2022 hatte zwar wettertechnisch mit allen Extremen zu kämpfen, war jedoch auch diesmal wieder trotz seiner Größe ein herrlich entspanntes und wunderbar familiäres Festival.

Russlands Angriffskrieg gegen die Ukraine sowie all jene, welche die Invasion mitsamt Kriegsverbrechen und Terror gegen die zivile Bevölkerung als gerechtfertigt ansehen.

Zum Abschluss gibt’s wie jedes Jahr eine Reihe willkürlicher Auszeichnungen meinerseits.

Bestes Albumcover: WORMROT: Hiss

Schlechtestes Albumcover: MESHUGGAH: Immutable

Albumcover Sonderpreis: RODY WALKER: Velocicopter

Meistgehörter Song: SHADOW OF INTENT – From Ruins…We Rise

Emotionalster Song: COUNTERPARTS – Whispers of Your Death

Beste Eigenproduktion: SHADOW OF INTENT: Elegy

Beste Neuaufnahme / Bestes Re-Release: MORS PRINCIPIUM EST: Liberate The Unborn Inhumanity

Unheiligste Atmosphäre: BLUT AUS NORD: Disharmonium – Undreamable Abysses

Beste Neuinterpretation (Song): DÉCEMBRE NOIR – Small.Town.Depression

Bester Newcomer: THE HALO EFFECT

Bestes Drama: Mick Gordon vs. Bethesda (“Doom Eternal”-Soundtrack)

George-Lucas-Award für mieseste Neuauflage: WHILE SHE SLEEPS: Sleeps Society (Special Edition)

Bestes Gimmick: NEKROGOBLIKON (John Goblikon)

Schlimmster Schlagersong: RAMMSTEIN – Adieu

Bester Songtitel: COUNTERPARTS – Whispers of Your Death

Größter Hype: LORNA SHORE

Bester Breakdown: FIT FOR A KING – End (The Other Side)

Beste IN FLAMES-Imitation: THEREIN: The Void Affinity

Dämlichster Trend: „Golden Circle“-Tickets auf Live-Shows

Metal of Honor: Manuel Gagneux (ZEAL & ARDOR), der einen Fan kurzerhand auf die Gästeliste setzen ließ, weil jener sich kein Ticket für die Show leisten konnte.

Nebligste Bühnenshow: HUMANITY’S LAST BREATH

Größte Quasseltante (live): Atilla Dorn (POWERWOLF)

Beste Videospiele: 1. Elden Ring 2. Dark Souls: Remastered 3. Hades

HAILSTONE, DESERTED FEAR, Juze Backnang, 22.03.2022

Gespannt war ich ja schon, wie das erste Konzert nach Corona-Zwangspause wohl werden wird. Wie viele Leute werden an diesem Abend im März wohl kommen, wie ist das nun mit der Maske, oder doch ohne? Kurz: es hat fantastisch funktioniert – mit Maske (auf Wunsch der Juze-Betreiber, an den sich die meisten Anwesenden auch gehalten haben), einem begeisterten Publikum und mit HAILSTONE und DESERTED FEAR zwei Bands, die hungrig und mit jeder Menge Spielfreude auf die Bühne kamen. Das war ein perfekter Konzertabend – und Headbangen mit Maske funktioniert tadellos!

MANTAR, Im Wizemann, Stuttgart, 30.09.2022

Keine Ahnung, wie MANTAR das machen: Zwei Typen auf einer Bühne. Einer am Schlagzeug. Der andere an Gitarre und Mikro. Und kaum ist das Intro verklungen, bricht die musikalische Hölle los. Respekt, MANTAR, das ist schon eine Klasse für sich, was ihr da macht. So war es auch an diesem Septemberabend in Stuttgart, an dem VALBORG eröffneten. Auch wenn ich musikalisch und mit deren gesamter Attitüde nichts anfangen kann, hatten sie zumindest einen fetten Sound. Der Dank geht also in erster Linie an MANTAR und den Soundmenschen. Ein freundliches Fuck You geht dafür an die Person am Licht, die das Fotografieren dank Dauer-Stroboskop im Nebel nahezu unmöglich machte 😉

WOLFHEART, INSOMNIUM, BORKNAGAR, MOONSPELL, LKA, Stuttgart, 06.10.2022

Pandemie hin, schwierige Zeiten für Konzertveranstalter her: An einem Donnerstagabend fünf Bands in Stuttgart spielen zu lassen, ist so oder so keine allzu gute Idee. Zumindest für die erste Band nicht: HINAYANA fielen nicht nur für uns aus – die Anfangszeiten bei solch einem Package sind einfach zu ambitioniert. Los ging es bei uns also mit WOLFHEART, die mit fetten Oberarmen und ebenso fettem Sound überzeugten. INSOMNIUM waren erfreulicherweise auch wieder mehr zum Musik machen aufgelegt – stand der INSOMNIUM-Auftritt im November 2019 in der Ludwigsburger Rockfabrik doch eher das Posen für die vielen Smartphone-Kameras im Vordergrund. BORKNAGAR waren ambitioniert, I.C.S. Vortex stimmlich aber nicht ganz auf der Höhe. Dafür räumten MOONSPELL ab: Die Portugiesen verzichteten diesmal auf eine aufwändigere Show und präsentierten sich als überzeugende, authentische Band ohne große Gesten und Schnickschnack. That’s Metal!