Klar, das Tourpaket bestehend aus IN VAIN und NEPHYLIM im Vorprogramm ist ohnehin schon attraktiv, wird durch den auffallend humanen Preis von 35,-€ an der Abendkasse jedoch für Szenekenner zum absoluten Pflichttermin. Dabei sieht die Backstage Halle am frühen Abend noch vergleichsweise dünn besiedelt aus: Zwischen Merchandise-Spot am hinteren Ende und der Bühne klafft ein riesiges Loch, welches sich erst im Verlauf des ersten Acts zunehmend, doch schlussendlich bis auf den letzten Meter füllen soll.

NEPHYLIM

Es ist ein Bild der Götter: Mit Kriegsbemalung im Gesicht und verhärteter Miene hebt Frontmann Tijn Bosters nicht etwa das Horn, sondern die Thermosflasche, um den Münchner Fans die eigene Wertschätzung auszudrücken. Immerhin haben NEPHYLIM damit bei uns auf Anhieb gewonnen, macht dieses unprätentiöse Auftreten doch gleichzeitig enorm sympathisch.

Gepaart mit dem sonst routinierten Stageacting wissen wir so schnell, woran wir sind: Massiv angelegten Melodic Death Metal haben die Niederländer mitgebracht, der nach einer kurzen Unsicherheit zu Beginn des Sets alsbald fest im Sattel sitzt. Dazu kann man die Faust recken oder die Haarpracht kreisen lassen, wie es die Band auf den Brettern so schön vormacht.

Für den heutigen Abend sind NEPHYLIM wohl der ideale Support-Act

Dazu animiert werden die Münchner:innen immer wieder durch motivierenden Zuspruch Tijn Bosters, der das zum Ende des Sets doch zahlreich erschienene Publikum richtig zu lesen weiß: Hier steht keine Hörerschaft, die allzu scharf auf Circle Pit und Kardio ist, weshalb stattdessen zum Finale von „Fractured Existence“ kollektiv die Nackenwirbel knacken dürfen. Eine kleine stilistische Auflockerung gab es kurz zuvor in „Withered“, wo NEPHYLIM ein wenig Klargesang einstreuten, ansonsten bleibt die Gruppe auf Kurs: Melodisch, mächtig und mit Nachdruck – kurzum, für den heutigen Abend wohl der ideale Einstieg.

NEPHYLIM Setlist – ca. 42 Min.

1. Travail Pt. I – Anima (Intro)
2. Travail Pt. II – Animus
3. Amaranth
4. Withered
5. Fractured Existence
6. Inner Paradigm
7. Grand Denial

Fotogalerie: NEPHYLIM

IN VAIN

Brechend voll ist es mittlerweile in der Backstage Halle, als IN VAIN ihren Changeover beenden. Zwar steht das Schlagzeug rechterhand des erhöhten IOTUNN-Sets relativ unscheinbar am Rand, ansonsten deutet von Licht über Ton bis hin zur Atmosphäre in der Lokalität alles auf einen gleichberechtigten Act hin. Headliner der Herzen? Das kann man wohl so sehen, wenn man sich die Reaktionen der Münchner:innen auf den eleganten Stilmix der Norweger ansieht.

Wir nehmen uns ja nicht einmal davon aus: Diese Melange aus melodischem Black und progressivem Death Metal, um es vereinfacht auszudrücken, entwickelt bereits in „Shadows Flap Their Black Wings“ eine unerwartete Dringlichkeit, sich in der Musik mit seinen hypnotischen Loops und Riffs fallen zu lassen. Garniert wird der Auftritt IN VAINs durch perfekt gesetzten Klargesang, welchen der exzentrisch agierende Kjetil Alver Lund alleine schultern könnte, doch durch den phasenweise vierstimmigen Einsatz in „Blood We Shed“ oder „Hymne Til Havet“ erst so richtig unter die Haut geht.

IN VAIN lassen keine Zeit für Leerlauf

Rockige Soli brechen den Groove auf, in „Captivating Solitude“ schießen die Fäuste nach oben, die Lund eine nach der anderen abklatscht. Irgendwie schaffen es IN VAIN mit dem brachialen „Seekers Of The Truth“ sogar, für ein paar längere Augenblicke einen kleinen Pit losbrechen zu lassen. Ansonsten konzentriert sich die Menge aber vorwiegend auf die ehrfurchtsvolle Huldigung dieser stimmig konzipierten Darbietung, welche in 60 Minuten kaum Zeit für Leerlauf, dafür umso mehr für packende Arrangements à la „Season Of Unrest“ oder „Against The Grain“ lässt.

IN VAIN Setlist – ca. 60 Min.

1. Shadows Flap Their Black Wings
2. Blood We Shed
3. Hymne Til Havet
4. Season Of Unrest
5. Captivating Solitude
6. Seekers Of The Truth
7. At The Going Down Of The Sun
8. Image Of Time
9. Against The Grain

Fotogalerie: IN VAIN

IOTUNN

Im vergangenen Jahr noch mussten IOTUNN bei ihrem Münchner Gastspiel im Vorprogramm DARK TRANQUILLITYs auf einen essentiellen Baustein verzichten: Sänger Jón Aldará fiel aus persönlichen Gründen aus, wurde von Morton Bering Bryld (HEIDRA) aber formidabel vertreten. Und dennoch fehlte etwas im Vergleich zu unserem ersten Aufeinandertreffen auf dem SUMMER BREEZE OPEN AIR 2023. Was genau das entscheidende Quäntchen ausmacht, können wir heute mit Bestimmtheit sagen.

Nicht allein die markante Stimme des Frontmanns ist hier ausschlaggebend, obschon sie gerade in den tieferen Regionen mit viel Volumen ertönt. Tatsächlich ist es das theatralische Stageacting Aldarás, das der Show IOTUNNs den entscheidenden Schliff verpasst: Mit der Kapuze tief ins Gesicht gezogen sucht der Sänger die Dunkelheit nach einem Zeichen ab und lässt dabei die Finger elegant im Strahl der Taschenlampe tanzen, welche am Mikroständer montiert die Hallendecke ausleuchtet.

IOTUNN-Sänger Jón Aldarás Theatralik erfüllt die Bühne mit Leben

Den Lichtkegel lässt Jón Aldará später noch im Showfinale suchend über die Köpfe der Zuschauer:innen schweifen, bevor er sein Ziel in Jesper Gräs‘ Gitarre gefunden zu haben scheint, indem er dessen Solo in „Laihem’s Golden Pits“ ins improvisierte Scheinwerferlicht rückt. Diese kleinen Dinge sind es, die letztlich die Aufmerksamkeit des Publikums steuern und somit der Bühnenpräsenz IOTUNNs zusätzliches Leben einhauchen.

In der Folge können sich die Gebrüder Gräs in gleichen Teilen auf ihre Gitarrenarbeit sowie das Haareschütteln konzentrieren, das oftmals erstaunlich synchron gelingt und noch dazu den Takt vorgeben könnte, wäre nicht Drummer Bjørn Wind Andersen bereits mit präzisem Spiel zur Stelle. Überhaupt sind die fünf Musiker heute hervorragend eingespielt und agieren auf den Punkt, was natürlich einem Koloss wie „The Tower Of Cosmic Nihility“ nur guttun kann.

Den ausladenden Stücken verhelfen IOTUNN live zu majestätischer Größe

Doch auch den epischen Stücken wie „Safe Across The Endless Night“ mit seinen ergreifenden Leadgitarren oder das dramatische „The Anguished Ethereal“ verhelfen IOTUNN im Live-Format zu majestätischer Größe. Selbiges gilt natürlich für die Publikumslieblinge „Mistland“ und „I Feel The Night“, welches spontane Jubelschreie begleiten und die bei den Münchner:innen auch textlich gut zu sitzen scheinen.

Zwischen Ehrfurcht und Huldigung bewegt sich die Resonanz im Folgenden und das aus gutem Grund: Songwriterisch und spieltechnisch sind IOTUNN präzise wie ein Uhrwerk, ohne das Gefühl für die eigenen Kompositionen aus den Augen zu verlieren. Der einzige Wermutstropfen heute Abend liegt somit ausgerechnet im zuvor so sehnlichst vermissten Baustein Aldará, der natürlich eine insgesamt starke Leistung abliefert, doch gesundheitlich heute nicht ganz auf der Höhe scheint: In den knappen Ansagen zwischen den Stücken bekräftigt sich der Eindruck, der sonst vor allem in den hohen Stimmregionen zutage tritt. Etwas heiser scheint das Organ des Frontmanns zu sein, was der Hall auf dem Mikrofon zwar leicht kaschieren, doch nicht gänzlich überdecken kann.

IOTUNN dürfte ihr goldenes Zeitalter erst noch bevorstehen

Nichtsdestotrotz ist das Dargebotene eine Klasse für sich: IOTUNN fesseln von Anfang bis Ende, wodurch die eigentlich üppige Spielzeit wie im Flug vergeht. Abschied nehmen wollen die Fans in der bayerischen Landeshauptstadt nach dieser Vorstellung eigentlich noch nicht, zufriedene Gesichter sehen wir auf dem Weg nach draußen dennoch in jeder Ecke. Dass sich eine ganze Schar davon sogleich um den Merchandise-Tisch am Hallen-Ende schart, dient uns schließlich als letzter Beleg dafür, dass der dänisch-färoischen Gruppe ihr goldenes Zeitalter noch bevorstehen dürfte. Das Ende der Fahnenstange ist mit einer proppevollen Backstage Halle nach lediglich zwei Full-Length-Alben schließlich sicherlich noch nicht erreicht.

IOTUNN: Kinship

• Empfehlung
• Reviews

vonFlorian Schaffer

21. Oktober 2024

IOTUNN Setlist – ca. 90 Min.

1. Twilight
2. Mistland
3. Safe Across The Endless Night
4. I Feel The Night
5. Kinship Elegiac
6. Earth To Sky
7. The Tower Of Cosmic Nihility
8. The Anguished Ethereal
9. Laihem’s Golden Pits

Fotogalerie: IOTUNN

Fotos: Tatjana Braun (https://www.instagram.com/tbraun_photography/)

Es ist eine Lösung, die einerseits zweckmäßig klingt – gutes Marketingpotenzial inklusive – und in der Praxis zumindest ein ordentliches Resultat liefert, obschon die Beiden die unverkennbare Klangfarbe ihres Vorgängers kaum erreichen. Im Gegenzug bleiben NEKROGOBLIKON stilistisch den Eskapaden der jüngeren Vergangenheit treu, indem Melodeath-Riffing mit folkigen Rhythmen und Synthesizern vermengt werden.

„The Boiling Sea“ ist kauzig, kurzweilig, doch auch berechenbar

Dementsprechend einfach lässt sich zum losgelösten „Show Me Your Goblin“ das Tanzbein schwingen, auch weil der Refrain so unverschämt catchy aus den Lautsprechern schallt. Dieses Rezept ist zugleich das Fundament der kompletten EP: „The Boiling Sea“ ist kauzig, kurzweilig, doch auch berechenbarer, als wir es von NEKROGOBLIKON gewöhnt sind. Gerade ein bissigeres Stück mit Tempo und Elan hätte der Platte daher gutgetan. Originell wird es immerhin mit der REEL BIG FISH-Kollaboration „Secret Elephant“, wo die beschwingten Blechbläser spritzig und damit absolut ansteckend wirken.

Ansonsten lässt das Songwriting ohne den langjährigen Bandkopf jedoch die ausgefallenen Momente vermissen, welche das unverwechselbare Profil der Gruppe schärften. Einzig der Titeltrack definiert sich durch erratische Stimmungsschwankungen und freche Einschübe; nur im Ohr bleibt letzten Endes wenig davon.

NEKROGOBLIKON entzaubern sich ein wenig

Komplettiert wird das Paket durch fünf Live-Mitschnitte solcher Klassiker wie „No One Survives“, „Powercore“ oder „Prince Of The Land Of Stench“, deren Qualität eigentlich in Ordnung wäre, doch die aufgrund des kaum hörbaren Publikums und besonders der mäßigen Screams ohne saubere Diktion dem runderneuerten Line-up keinen Gefallen tun. Ein wenig entzaubern sich NEKROGOBLIKON mit „The Boiling Sea“ also, obwohl die grüne Fratze letztlich auch mit neuer Stimme noch ein paar launige Minuten verspricht.

Veröffentlichungstermin: 17.04.2026

Spielzeit: 42:32

Line-Up

Grady James Welch (John Goblikon) – Vocals
Dickie Allen – Vocals
Joe “Diamond“ Nelson – Gitarre
Alex “Goldberg” Alereza – Gitarre
Aaron “Raptor” Minich – Keyboards
Eric William Brown – Drums

Produziert von Jason Suecof

Label: Eigenproduktion

Homepage: https://www.nekrogoblikonofficial.com/
Facebook: https://www.facebook.com/nekrogoblikon/
Instagram: https://www.instagram.com/nekrogoblikonofficial
Bandcamp: https://nekrogoblikon.bandcamp.com

NEKROGOBLIKON “The Boiling Sea” Tracklist

1. Show Me Your Goblin (Video bei YouTube)
2. Fiend (Video bei YouTube)
3. Closer to the Sun
4. Secret Elephant feat. REEL BIG FISH (Video bei YouTube)
5. Dead-ish
6. The Boiling Sea
7. Prince of the Land of Stench (Live)
8. No One Survives (Live)
9. Powercore (Live)
10. The Magic Spider (Live)
11. This Is It (Live)

THE GROGGY DOGS spielen Celtic-Folk-Punk der alkoholhaltigen Sorte

Natürlich funktioniert das Prinzip „Je peinlicher das Image, desto größer das Interesse“ noch immer. Und so fand sich der Rezensent dieser Zeilen – also ich – nach einem deprimierenden Pflegeheimbesuch plötzlich dabei wieder, doch auf den verlinkten Song zu klicken. Das Ergebnis: ein überraschend breites Grinsen. Aber seid gewarnt: Ob man das nun für weit angenehmer oder noch schlimmer als generischen Metal hält, hängt in Zweifel vom richtigen Alkoholpegel ab.

Die Stimme ist nicht schön, aber schön versoffen, das Tempo hoch – und dann ist da dieses Instrument, das man wirklich mögen muss. Töne, die gequetscht, gefiedelt und herausgepresst werden, als würde jemand eine leckgeschlagene Kogge mit Gewalt wieder flottmachen. Richtig: das Schifferklavier. Laut, unermüdlich und im Dauerduell mit der Geige von Fatima Caballero Ramirez, die ebenso hartnäckig im Hirn kreist, bis einem schwindelig wird. Dudeldideldumdidei. Aua. Und doch ist sofort rauszuhören: Die Harmonien so wieselflink kreisen zu lassen, erfordert Kunstfertigkeit. Das ist mehr als nur trockener Schiffszwieback.

Damit wäre die Zielgruppe für dieses Album auch ziemlich schnell umrissen. Das spanische Räuber-Sextett spielt flotten Celtic-Folk-Punk, irgendwo zwischen FLOGGING MOLLY, DROPKICK MURPHYS, FIDDLERS GREEN und den schnelleren THE POGUES. Und man kann nicht behaupten, dass sie das auf subtile Weise tun. Denn inhaltlich sind sie ziemlich monothematisch unterwegs: Elf Trinklieder bekommen wir aufgetischt, in denen mehr Alkohol fließt als im Bierkönig. Was, die Band heißt „Die beschwipsten Hunde“? Ich hätte es auch ahnen können.

Man könnte sogar meinen, diesem Album lag ein Trinkspiel zugrunde: Wie oft bekommt man in einem Song ein alkoholisches Getränk untergebracht? Wer im Studio keine Idee hatte, musste trinken. Meine Güte, wie oft kann man über die Distanz eines ganzen Albums ein alkoholisches Getränk aufzählen? Über elf Songs hinweg wird jedenfalls mit bewundernswerter Konsequenz nicht wirklich variiert. Rum ist die Grundkonstante. Wenn kein Rum getrunken wird, dann wird Grog getrunken. Und wenn kein Grog getrunken wird, dann wird eben wieder Rum getrunken. Dieses Album ist ein rollendes Rumfass.

Die Melodien lehnen sich an klassische Shantys an

Nun bin ich weit davon entfernt, den Suff verklären zu wollen. Ich selbst trinke seit vier Jahren keinen Alkohol mehr – und weiß aus eigener Erfahrung, wie viel Schaden er anrichten kann. Entsprechend sehe ich mich in der etwas ungewöhnlichen Situation, dieses Album – hahaha – nüchtern bewerten zu müssen. Dabei wäre es vermutlich angemessener gewesen, es komplett im Delirium zu rezensieren.

Und ich würde nicht ausschließen, dass so mancher Hörer hier nach wenigen Minuten zur Anlage stürmt, um völlig entnervt und mit kreisendem Kopf die Stopp-Taste zu drücken. Die Eigenkompositionen lehnen sich stark an klassische Shantys an, die Melodien sind maximal eingängig. Auf ihren beiden Vorgängeralben haben die Spanier noch viele Traditionals gespielt – darunter natürlich auch das berühmt-berüchtigte „Drunken Sailor“. Ich werfe euch nur wenige Zeilen vor den Bug und schwöre, ihr habt einen fiesen Ohrwurm für Wochen: „What will we do with a drunken sailor?/ What will we do with a drunken sailor?/ What will we do with a drunken sailor?/ Early in the morning!“ Bitteschön!

Shantys waren nie für Feinschmecker gedacht, sondern für Mannschaften auf Segelschiffen des 19. Jahrhunderts, die im Takt arbeiten mussten – etwa beim Segelsetzen, Ankerhieven oder Tauziehen. Entsprechend simpel sind Aufbau und Wirkung: einfache Melodien, klare Refrains, maximale Wiederholung. Einer gibt vor, der Chor antwortet. Genau dieses Prinzip treiben die GROGGY DOGS auf die Spitze.

Eine gewisse Abnutzungsgefahr ist nicht von der Hand zu weisen: Die Songs sind oft sehr ähnlich gebaut, zumal hier durchgehend hohes Tempo gefahren wird. Die Segel werden nur selten eingezogen, um der Mannschaft eine Verschnaufpause zu gönnen. Diese Kogge pflügt so schnell durchs Wasser, dass sie so manches Speedboot versenkt. Abwechslung bieten Songs wie „Go To Sea No More“, die melodisch eher der Irish-Folk-Ballade verwandt sind.

Die Folkinstrumente sind mit Chuzpe gespielt

Auch kann man der Band streng genommen vorwerfen, dass sie diese Art von Folk ein Stück weit missversteht. Folk lebt eben auch von Brüchen, von sozialen Themen und dem, was zwischen den Zeilen mitschwingt. Die emotionale Tiefe der POGUES – etwa in der todtraurigen Auswanderer-Hymne „Thousands Are Sailing“ – findet sich hier kaum. Es fehlen die genauen Beobachtungen, die Details, das Allzumenschliche.

Andererseits hat diese Band durchaus ihre Qualitäten. Die Folkinstrumente sind hier keineswegs nur Alibi, sondern im Mix klar präsent – und sie werden mit ordentlich Chuzpe gespielt. Schön dreckig, rau und im schwindelerregenden Tempo schießen Violine und Schifferklavier aus den Boxen. Der Punk im Sound ist durchaus vorhanden, Energie und Spielfreude stimmen. Auch die Rockinstrumente sind sauber produziert und druckvoll.

Zudem sind die GROGGYS deutlich dem Gesetz des Offbeat verpflichtet: Der Sound hat neben Alkohol auch deutlich Ska im Blut. Nur dass die kurzen, stoßartigen Akzente hier von den Folk-Instrumenten gesetzt werden, nicht von der Gitarre. Das bewahrt die Band davor, in allzu seichten SANTIANO-Gewässern auf Grund zu laufen. Die Instrumentalparts greifen auch klar auf traditionelle irisch-keltische Folk-Muster zurück – schnelle, verzierte Melodielinien, die in der Spielpraxis oft deutlich komplexer sind, als sie zunächst wirken. THE CHIEFTAINS sind mit an Bord. Gerade der Irish Folk ist hier superkompetent und lebendig gespielt.

Das Album wirft einige Hits für die Partyplaylist ab

Fakt ist: Dieses Album wirft für die Zielgruppe durchaus einige Hits ab, die sich direkt auf die Trinkspiel-Playlist setzen lassen. Das mit schnellen Ska-Rhythmen versehene Trinklied „One Last Toast“, das noch schnellere – öhm – Trinklied „Fifteen Men on a Dead Man’s Chest“ oder die im Jig-Feeling hüpfende Volkstanz-Nummer „The Sea for the Free“ (6/8-Rhythmus?), zu der man natürlich auch trinken kann, sind kompetent dargeboten, komplett drüber – und machen durchaus Laune.

Und so stellt sich gar nicht die Frage, wie viele Leser mich Kielholen wollen, wenn ich dieses Album auf „Empfehlung“ setze, statt mit dem Daumen nach unten zu zeigen. Denn ich habe ja beschrieben, was hier passiert. Wer schon beim Wort „Schifferklavier“ reflexartig zum Eimer greifen muss, soll mir bitte nicht in den Ausguck steigen, wenn er sich das Album versehentlich in die heimische Kajüte holt.

Weil die Texte auch konsequent auf Übertreibung setzen und kein Klischee auslassen – Outlaws werden glorifiziert, Papageien kommentieren das Geschehen, Schiffe gehen spektakulär zu Bruch – und am Ende landet alles zuverlässig im Reich der trinkfesten Legende –, kann man der Band kaum vorwerfen, hier Authentizität vorzugaukeln, wo keine ist. Sie wissen genau, was sie da tun. Wenn das Schiff kein stolzer Dreimaster ist, sondern ein Gummiboot – auch egal. Es gibt schlechtere Soundtracks, um über die Reling zu kotzen. Dass das Ganze live noch einmal eine Ecke mehr Spaß machen dürfte, ist eh klar. Ich vergebe stabile 7,5 Promille.

Er trug nie Orden und kümmerte sich nicht um Befehle,
ein wildes Herz, das für keine Königsfahne segelte.
Keine Krone, vor der man sich verbeugte. Kein Schiff, das ihm gehörte –
nur Feuer in den Augen und ein furchterregender Name.

Er tanzte mit den Stürmen, lachte mitten im Kampf,
sein Schatten war lang im bleichen Mondlicht.
Mit Spucke und Feuer beherrschte er die Flamme,
der Beste am Grill – ohne jede verdammte Scham.

Hebt das Glas auf Woodenhand Sam,
den Kühnsten, der segelte, ohne sich einen Dreck zu scheren!
Er grillte wie ein König und trank jedes Unheil weg –
verdammt, wir trinken heute auf seinen Namen.

THE GROGGY DOGS „No Grog No Glory“-Tracklist

1. Storms Ahead!
2. All Hands on Deck (Video bei Youtube)
3. One Last Toast (Video bei Youtube)
4. Fifteen Men on a Deadman’s Chest
5. Roll The Grog Around
6. The Ballad of Woodenhand Sam
7. Seven Seas of Grog
8. The Sea for The Free
9. Go To Sea No More
10. Roll The Woodpile Down
11. The Keelhauling Set

VÖ: 24. April 2026

Spielzeit: 42:12

Label: Eigenverlag

Line-Up:

Cap’n Mauro – Vocals & Guitar
Fátima “The Voodoo Witch” – Violine
Charlie “The Cook” – Bass
Lucas “The Deadman” – Drums
Naoki “The Castaway” – Keyboards, Akkordeon

Mehr im Netz:

Instagram: https://www.instagram.com/thegroggydogs
Bandcamp: https://thegroggydogs.bandcamp.com/music
Offizielle Webseite: https://www.thegroggydogs.com/

Jedenfalls dann, wenn man mit der Entwicklung des Quartetts konform geht: Musikalisch lässt die Formation die teils harten Spitzen und aggressiven Bretter von „You’re Hellcome“ (2023) nämlich im Schrank, um die launige, melodiebetonte Seite des eigenen Sounds ins Zentrum zu rücken. Damit einher geht ein stärkerer Fokus auf Sebastian Fischers Klargesang, welcher ein glückliches Händchen für einprägsame Hooks beweist.

„Press Start“ zeigt SAMURAI PIZZA CATS facettenreich und kurzweilig

Ohrwürmer haben SAMURAI PIZZA CATS zuhauf in der Hinterhand, während gleichzeitig das Modern (Post-)Metalcore-Fundament Einflüsse aus allen Richtungen aufzusaugen scheint. Scratches, futuristische Synthesizer und poppige Akzente mischen den Opener „Pandastruck“ auf, wohingegen „Ramen-Man“ seine schwachbrüstige Bridge durch kauzige J-Pop-Vibes inklusive Gastbeitrag der Idol-Gruppe BABYBEARD wettmacht.

„T-Rex(plosion)“ prägt wiederum der charmante Gesang Jessie Williams‘ (ANKOR), so dass der präsente Alternative-Rock-Einfluss nur eine von vielen Facetten darstellt, die „Press Start“ so kurzweilig werden lässt. Die Electronic-Rock-Hook in „Fear No Slice“ schließlich ist nicht nur tanzbar, sondern trägt tatsächlich einen Hauch ELECTRIC CALLBOY in sich – eine Referenz, die sich in Daniel Haniß‘ Gitarrenarbeit ohnehin immer wieder herauslesen lässt.

SAMURAI PIZZA CATS experimentieren viel, lassen ihre aggressive Seite aber in der Schublade

Dass bei so viel Wandelbarkeit mit den 80er- und Wave-Ausflügen von „Error 808“ auch ein weniger spannendes Experiment den Weg auf „Press Start“ gefunden hat, lässt sich verschmerzen. Dafür entschädigen SAMURAI PIZZA CATS mit oftmals umso geschmeidigerem Songwriting, das im aufbauenden „Super Zero“ dank seiner catchy Gesangslinie die Grenzen zum Kitsch bewusst auszureizen scheint.

Allein die extremere Seite des Debüts kommt auf dem Folgewerk etwas zu kurz, was der Scheibe letztendlich ein noch schärferes Profil und generell etwas Fleisch auf den Rippen hätte schenken können. Als Album ist „Press Start“ eben laufzeitbedingt auch eine magere Angelegenheit – schließlich versteht man unter der Shrinkflation auf dem Teller für gewöhnlich nicht den unseres Plattenspielers.

Veröffentlichungstermin: 27.03.2026

Spielzeit: 29:57

Album-Line-Up

Sebastian Fischer – Vocals
Daniel Haniß – Gitarre
Stefan Reufer – Bass
Stefan Buchwald – Drums

Band-Line-Up 2026

Sebastian Fischer – Vocals
Daniel Haniß – Gitarre
Stefan Reufer – Bass
Robin Scheer – Drums

Produziert von SAMURAI PIZZA CATS und Christoph Wieczorek

Label: Century Media

Facebook: https://www.facebook.com/samuraipizzacats
Instagram: https://www.instagram.com/samuraipizzacats/
Bandcamp: https://centurymedia.bandcamp.com/album/press-start-24-bit-hd-audio

SAMURAI PIZZA CATS “Press Start” Tracklist

1. Insert Coin
2. Pandastruck (Video bei YouTube)
3. T-Rex(plosion) (feat. Ankor) (Video bei YouTube)
4. Fear No Slice (Video bei YouTube)
5. Error 808
6. Level Up
7. Ramen-Man (feat. BABYBEARD)
8. Penguin Supreme
9. Super Zero  (Video bei YouTube)
10. City of Gold  (Video bei YouTube)
11. Thanks for Playing
12. Pizza Homicide – STVW Version

ASTRAYA schaffen auf „Atropine“ auch in kurzen Songs beeindruckende Spannungsaufbauten.

Wirklich giftig klingt die Band aus Stuttgart auf ihrem zweiten Album allerdings nicht. Ist sie also ein eher Mittel gegen den Weltschmerz? „Atropine“ mäandert jedenfalls zwischen THE GATHERING zu Zeiten von „The West Pole“, späten ANATHEMA und zeitgenössischen Künstlerinnen wie ELLEREVE. Das ergibt emotionale Musik zwischen Progressive und Post Rock mit einem Hauch Metal. Schon die Eröffnung „A Spark Within“ entwickelt sich in dreieinhalb Minuten von einem reduzierten Stück hin zu einem leidenschaftlich-epischen Song, bei dem die Gitarren sich umgarnen, ohne auf Twin-Leads zu setzen, während die Rhythmus-Einheit subtil aber bestimmt groovt und Sängerin Melina Abele in sphärische Höhen vordringt.

Dass „Lighthouse“ recht beherzt mit schweren Riffs beginnt und dann eine melodiösere, luftigere Richtung nimmt, funktioniert ebenso gut, wie „In Devotion“, das leise und träumerisch startet, dann zunehmend heavier wird und in ein Gitarrensolo mündet, das ebenso leidenschaftlich und verspielt ist, wie Ricardo Amorims Soli bei MOONSPELL. Hier und auch im folgenden „A Theory Of Time“ klingt Melina Abele nach Silje Wergeland bei THE GATHERING durch ihre Stimmfärbung und Melodieführung und verschafft mehr als nur einmal Gänsehaut. Der Song schafft ebenso wie die Stücke zuvor, in relativ kurzer Zeit einen starken Aufbau und fließt organisch ein sehr gefühlvolles Finale. Überhaupt schaffen ASTRAYA viele gute Steigerungen, siehe „Desendant Of A Dead Man“ oder „Valley Of The Dead Part II“.

Etwas mehr Selbstbewusstsein und etwas weniger Understatement hätte „Atropine“ gutgetan, denn ASTRAYA haben viel Talent.

ASTRAYA feilschen nicht um Aufmerksamkeit und bleiben häufig zurückhaltend, und hier hätte „Atropine“ etwas offensiver und mutiger sein dürfen, denn die fünfköpfige Band hat viel zu bieten. Gerade in der zweiten Hälfte verlieren sich ASTRAYA dadurch zwischendurch immer wieder in der Gleichförmigkeit. Melina Abele, so schön ihre Stimme auch über den Songs schwebt, hätte etwas mehr Variation liefern dürfen, einige Stücke fließen zu unaufgeregt vor sich hin und nicht immer hat die Band die Heaviness im Griff: „In The Pale Glow Of Torches“, wirkt mit seinen abrupten Tempo- und Stimmungswechseln zwischendurch etwas konfus, fängt sich aber wieder und fließt mit tollen Harmonien dem Ende entgegen. Gitarrist Tim Suske, der als Soundingenieur für den Mix zuständig ist, lässt „Atropine“ organisch wirken, etwas wuchtiger und differenzierter hätte das Soundbild aber sein dürfen.

Das Atropin steht auf der Liste der unentbehrlichen Arzneimittel der WHO. Ist nun auch „Atropine“ ein unentbehrliches Album geworden? Nicht zwingend. Aber nicht falsch verstehen: ASTRAYA haben wirklich schöne und auch bewegende Momente auf ihrem Album stehen und stellenweise müssen die Hörer*innen ein wenig nach dem Besonderen in der Musik suchen. Wer sich aber Zeit für „Atropine“ nimmt, findet vieles im Unperfekten, das unter die Haut geht, wie das versteckte KATATONIA-Flair im abschließenden Titelsong. Hörer*innen der oben genannten Künstler*innen, die Lust auf eine frische Band in diesem Bereich haben, dürfen ASTRAYA gerne eine Chance geben.

Wertung: 7 von 10 Hausapotheken

VÖ: 24. April 2026

Spielzeit: 45:01

Line-Up:
Melina Abele – Vocals
Benny Gölz – Guitar
Tim Suske – Guitar
Tobias Hänsel – Bass
Klaus Wintermayr – Drums

Label: These Hands Melt

ASTRAYA „Atropine“ Tracklist:

1. A Spark Within (Official Video bei Youtube) 
2. Lighthouse
3. In Devotion
4. A Theory Of Time (Official Video bei Youtube)
5. Descendant Of A Dead Man
6. Valley Of The Damned Part I
7. In The Pale Glow Of Torches
8. Arrival
9. Valley Of The Damned Part II
10. Atropine

Mehr im Netz:

https://www.astrayaband.com/
https://astraya.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/astrayaband/
https://www.facebook.com/astrayaband/
https://astraya.bigcartel.com/

„The Ghost Of A Future Dead“: ein Vermächtnis

Ursprünglich sollte das Album „The Dissonant Void“ heißen, die Band änderte den Titel aber etwas später in „The Ghost Of A Future Dead“ – und alleine dieser Albumtitel kann einem eine Gänsehaut über den Rücken jagen. Mich hat diese Veröffentlichung schon berührt, ohne dass ich einen Song daraus gehört habe. Denn der Titel könnte eine Vorahnung sein: Mit diesen Songs spricht der Geist, die Persönlichkeit von jemandem zu uns, zu einer Zeit, in der diese Person bereits tot ist.

In diesem Album steckt so viel AT THE GATES, dass klar wird, wie sehr diese Band fehlen wird

Musikalisch ist „The Ghost Of A Future Dead“ so typisch AT THE GATES, dass es wehtut, es anzuhören. Spätestens als im Opener „The Fever Mask“ diese typischen zweistimmigen AT THE GATES Gitarrenmelodien zu hören sind, musste ich eine erste Träne wegblinzeln. Und es bleibt so emotional: „The Dissonant Void“ braucht nur ein nicht mal zehnsekündiges Intro, um eine dichte, düstere Stimmung zu schaffen, bevor man wieder mittendrin ist in dieser seltsamen, wehmütigen und fassungslosen Stimmung, in der man gleichzeitig froh ist, zuhören zu dürfen. Der Song erinnert noch am ehesten an die beiden letzten Alben „The Nightmare of Being“ und „To Drink From The Night Itself„, leicht dissonante Gitarren, Breaks, überraschende Übergänge, hier fassen AT THE GATES nochmal ihr Spätwerk und ihre progressive Seite zusammen.

„Det Oerhorda“ beginnt ungewohnt, mit Soundsamples wie aus einem Horrorfilm, biegt dann ab in Richtung „Slaughter Of The Soul“, um schließlich was ganz Neues zu machen: So hymnisch hat man AT THE GATES noch nie gehört. Natürlich sind die Schweden auch dabei so weit, wie es nur geht, entfernt von dem, was gerne als (Metal)-Hymne gilt: Das ist kein stumpfer, möglichst eingängiger Mitgröhltrack, sondern majestätisch, ergreifend, erhaben, einschüchternd, ja vielleicht sogar angsteinflößend. Auf Deutsch bedeutet der Songtitel übrigens: „Das Schreckliche“. „In Dark Distorsion“ ist zu einhundert Prozent AT THE GATES und bringt alle Trademarks dieser außergewöhnlichen Band nochmal auf den Punkt: Melodien, die direkt ins Herz gehen, eine ungebändigte Kraft, und mit der Rückkehr von Anders Björler im Jahr 2022 wieder einige Thrash-Riffs, die da treffen, wo’s wehtut.

„The Ghost Of A Future Dead“ wird lange, sehr lange nachhallen

Es ist Absicht, dass nach dem ruhigen, düsteren Instrumental „Forgangligheten“ (zu deutsch Vergänglichkeit) mit „Black Hole Emission“ einer der wütendsten AT THE GATES Songs überhaupt folgt. Dieses Album endet nicht mit einer Trauerfeier, einem sanften Ausfaden, sondern mit einem Statement. Die Band sagte, auf diesem Album sei alles so, wie Tomas es sich gewünscht hatte. Er wollte offenbar auch einen ganz besonderen Schlusspunkt setzen. Das ist ihm, Anders und Jonas Björler, Martin Larsson und Adrian Erlandsson gelungen. „The Ghost Of A Future Dead“ ist nicht das erste Album von AT THE GATES, das in die Geschichte eingeht. Es nimmt dort einen ebenso wichtigen Platz ein wie „Slaughter Of The Soul“.

Und am besten hört man sich „The Ghost Of A Future Dead“ an, wenn die Sonne untergeht. Denn „The Red in The Sky is Ours“ – und niemand kann es uns wegnehmen. Genausowenig wie die Erinnerungen, die wir mit Tomas Lindberg, seiner Stimme und den Songs von AT THE GATES verbinden.

Übrigens, wenn man das Cover aufmerksam anschaut, bemerkt man, dass Folgendes draufsteht:

the GHOST
AT THE GATES
of a FUTURE DEAD

Ob und was das bedeuten mag, kann man sich ja selbst überlegen, ein kleiner Kunstgriff ist die Gestaltung aber allemal.

AT THE GATES „The Ghost Of A Future Dead“ Tracklist

1. The Fever Mask (03:12) (Video bei YouTube)
2. The Dissonant Void (02:47) (Video bei YouTube)
3. Det Oerhörda (03:35)
4. A Ritual of Waste (03:35)
5. In Dark Distortion (03:50)
6. Of Interstellar Death (03:45)
7. Tomb of Heaven (03:53)
8. Parasitical Hive (04:34)
9. The Unfathomable (04:07)
10. The Phantom Gospel (02:44)
11. Förgängligheten (02:41)
12. Black Hole Emission (03:39)

VÖ: 24. April 2026

Label: Century Media Records

Line-Up:

• Tomas Lindberg – Vocals
• Jonas Björler – Bass
• Anders Björler – Guitars
• Martin Larsson – Guitars
• Adrian Erlandsson – Drums

Mehr im Netz:

atthegates.se

facebook.com/AtTheGatesOfficial

instagram.com/atthegates_official/

Auf „To Become The Endless Static“ reichern AVERSIO HUMANITATIS pessimistischen, zeitgenössischen Black Metal mit  dissonantem Death Metal an.

Ohne Vorwarnung prescht „Long Stretch The Shadow“ vor, mit Blast Beats, dissonanten Riffs, die eine klaustrophobische Stimmung ausstrahlen, sowie bitterbösen Vocals, und reduzieren nach anderthalb furiosen Minuten die Geschwindigkeit deutlich und fokussiert sich auf Atmosphäre. „To Become The Endless Static“ steckt dadurch gleich am Anfang das Feld ab. Es wird schnell klar, dass AVERSIO HUMANITATIS ein dichtes Album geschrieben haben, dessen soghafte Energie die Rezipienten in ein schwarzes Loch zu ziehen droht. Trotz Fokus auf Blast Beats und sägenden Gitarren sind die sechs Songs nicht eindimensional: in den meisten Songs gibt es kurze Einschübe, die zumindest ein wenig Luft zum atmen lassen. Meist dominiert aber der Furor. Zwar fühlt sich „Blackened Mold Marrow“ so an, als wäre man in einem Strudel gefangen, der einen hinabzieht, aber die Grundidee des Songs ist so mitreißend, mangelnde Variation über fünf Minuten nicht ermüdet.

Mit „Strange Angle“, dem längsten Stück von „To Become The Endless Static“, bauen AVERSIO HUMANITATIS in der ersten Hälfte eine fast schon absurde Geschwindigkeitssteigerung auf, die dann in sich zusammenfällt und eine kriechende zähe Masse verwandelt. Im Anschluss lassen „The White Noise Is Calling“ und „Collapsing Into The Resonance“ zwischendurch ein wenig Harmonie erahnen, schrauben sich dann wieder in den Wahnsinn, der physisch und psychisch spürbar ist. „To Become The Endless Static“ als Ganzes schafft wie der Vorgänger das Kunststück, depersonalisiert und persönlich zugleich zu wirken. Beklemmung und Raserei werden beinahe real spürbar im Lauf dieser 35 Minuten. Zwischen den Tönen verortet sich ein Nihilismus, der jenseits allen Schmerzes liegt. Das alles ist sehr intensiv, sehr erschöpfend, und so gut die Songs geschrieben und gespielt sind, es kostet etwas Überwindung, dieses Album zu hören. Taucht man aber ein, gibt es kaum einen Weg aus dieser bildgestörten Welt.

Das Eintauchen in „To Become The Endless Static“ kostet Überwindung, aber AVERSIO HUMANITATIS haben ihr Publikum fest im Griff.

AVERSIO HUMANITATIS gehören nicht zu den produktivsten Bands der zeitgenössischen Black- und Death Metal-Szene. „To Become The Endless Static“ erscheint sechs Jahre nach dem zweiten Album „Behold The Silent Dwellers“, die Arbeit und Hingabe, die darin steckt, ist aber spürbar. Die Band aus Madrid lässt sich Zeit im Songwriting und liefert ein kurzes, aber wirkmächtiges Album ab, dessen Komplexität nach und nach erarbeitet werden will. Mit hervorragender instrumentaler Arbeit und einem Sound – von Gitarrist Simon da Silva persönlich – der speziell im Bereich der Gitarren durch Mark und Bein geht, ist dieses Album quasi unschlagbar und muss sich nicht hinter Bands wie MISþYRMING, PANZERFAUST, SPECTRAL WOUND oder SELBST verstecken. Dass „To Become The Endless Static“ mit sechs Songs in 35 Minuten sehr kompakt ist, ist indes kein Nachteil. AVERSIO HUMANITATIS‘ Musik ist so intensiv, dass diese relativ kleine Dosis absolut ausreichend ist, zumal es über die gesamte Spielzeit keine Atempause gibt. Sofern die Hörer*innen durch die tägliche digitale Hölle noch nicht zu genüge im Strudel des Wahnsinns gelandet sind, dieses statische Rauschen gibt ihnen den Rest. Bon voyage.

Wertung: 4,5 von 6 Flimmerkisten

VÖ: 24. April 2026

Spielzeit: 34:30

Line-Up:
A. – Bass & Vocals
S. – Guitars
D. – Guitars
J. – Drums

Label: Debemur Morti Productions

AVERSIO HUMANITATIS „To Become The Endless Static“ Tracklist:

1. Long Stretch The Shadows
2. To Become The Endless Static (Official Video bei Youtube)
3. Blackened Mold Marrow (Official Video bei Youtube)
4. Strange Angles
5. The White Noise Is Calling
6. Collapsing Into The Resonance

Mehr im Netz:

https://aversiohumanitatis.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/aversiohumanitatisofficial/
https://www.facebook.com/aversiohumanitatis/

Begleitet werden KREATOR nämlich von CARCASS und EXODUS, die beide selbst im Heavy Metal nahezu ikonischen Status genießen. Dagegen wirken NAILS geradezu Grün hinter den Ohren, obgleich das Trio seinerseits am 20-jährigen Jubiläum kratzt.

NAILS

Folglich müssen die US-Amerikaner auch nicht um die Gunst derjenigen betteln, die pünktlich angereist sind. So richtig voll wird es nämlich in der vorderen Hälfte der teils abgehängten Halle erst zum Ende des halbstündigen Sets, was allerdings keinesfalls den Einsatz des Anheizers schmälern soll. Auf der großen Bühne kann die recht statische Performance einerseits nicht die Intensität einer räudigen Clubshow entfalten, dank des massiven wie rohen Soundmixes ertönen NAILS dennoch überaus mächtig.

Dabei drückt die Band oftmals das Gaspedal bis zum Boden, fällt in „Lacking The Ability To Process Empathy“ jedoch auch mal auf drückenden Groove zurück. In den Seitenflügeln des Zenith beäugt man diesen bissigen Mix aus Grindcore und Hardcore tatsächlich eher skeptisch, dafür ist unmittelbar vor der Bühne in Windeseile etwas Bewegung zu erkennen.

NAILS liefern eine intensive Vorstellung

Klar, mit Melodie und Finesse können NAILS am frühen Abend weniger aufwarten, dafür führt Mastermind Todd Jones das Abrisskommando mit Härte und Konsequenz in die bayerische Landeshauptstadt. Wie sehr sich die Musiker indes selbst aufputschen, ist an Drummer Carlos Cruz abzulesen, den es im abschließenden „Unsilent Death“ für Teile des Stücks nicht mehr auf dem Hocker hält. Eine intensive Vorstellung, die nur zum Ende des Sets die ersten Zeichen der Abnutzung nicht länger verbergen kann.

NAILS: Every Bridge Burning

• Reviews

vonChristoph

30. August 2024

NAILS Setlist – ca. 28 Min.

1. Suffering Soul
2. Lacking The Ability To Process Empathy
3. Conform
4. Scum Will Rise
5. Violence Is Forever
6. God’s Cold Hands
7. Wide Open Wound
8. Made To Make You Fail
9. I Can’t Turn it Off
10. I Will Not Follow
11. Endless Resistance
12. You Will Never Be One Of Us
13. Unsilent Death

Fotogalerie: NAILS

EXODUS

Dass mit EXODUS nicht irgendeine Formation den zweiten Support-Slot füllt, ist verschiedenen Zeichen abzulesen. Da wäre natürlich der tosende Jubel aus dem Publikum, als das Quintett endlich die Bühne betritt, oder die gewaltigen Sprechchöre, welche das Set ab Song Nummer zwei konstant begleiten. Doch selbst so Detailfragen wie die überraschend dynamische Lichtuntermalung reflektieren das Standing, welches die Thrash-Urgesteine genießen.

Ihren Status wissen EXODUS darüber hinaus für sich zu nutzen: Zwar beginnt die Band mit dem aktuellen „3111“ relativ gemäßigt, setzt dann aber vor allem auf ihre Klassiker. „Bonded By Blood“ macht im Anschluss Nägel mit Köpfen – das erste von gleich drei Stücken des Debütalbums aus dem Jahr 1985. Kein bisschen gealtert sind dabei die flinken Gitarrensoli, die Gitarrist Gary Holt unter ekstatischem Beifall zum Besten gibt.

EXODUS haben sichtlich Spaß auf der Bühne

Wie viel Spaß die Musiker selbst auf den Brettern haben, beobachten wir wiederum in „Blacklist“, wo sich Frontmann Rob Dukes kurzerhand Holts Plektron schnappt, um während Lee Altus‘ Solo selbst die Saiten der Rhythmusgitarre anzuschlagen. Ganz so sympathisch wie diese Einlage ist das ständige Spucken des Sängers im Gegenzug nicht. Ob man die eigenen Körperflüssigkeiten wirklich im Minuten Takt auf die Böden von Bühne und Fotograben entleeren muss?

Wenigstens macht Dukes ansonsten seine Sache ganz ordentlich, auch wenn er sich für unseren Geschmack die Plattitüden gerne sparen könnte: Alberne Singspiele und Lobhudelei müssen nicht sein, wenn die Fans EXODUS ohnehin aus der Hand fressen. So stürzt sich das – selbstverständlich – „lauteste Publikum in Europa“ – zu „The Toxic Waltz“ einmal mehr in den Pit, nachdem die Band zuvor verschmitzt SLAYERs „Raining Blood“ angeteasert hatte.

EXODUS Setlist – ca. 45 Min.

1. 3111
2. Bonded By Blood
3. Deathamphetamine
4. Blacklist
5. Goliath
6. A Lesson In Violence
7. The Toxic Waltz
8. Strike Of The Beast

Fotogalerie: EXODUS

CARCASS

Im Glanz alter Tage baden sicherlich auch CARCASS, deren Setlist sich bis auf zwei Ausnahmen komplett auf die 90er Jahre und damit die Zeit vor dem damaligen Split stützt. Strategisch gesehen ist das ein kluger Schachzug, denn wie wir den Reaktionen im Zenith ablesen können, ist es exakt jene Ära der Briten, die man in der bayerischen Landeshauptstadt besonders ins Herz geschlossen hat.

Vielleicht ist der anfängliche Jubel nach dem Einstieg „Unfit For Human Consumption“ vom „Surgical Steel“-Album (2013) aus diesem Grund nicht ganz so euphorisch, wie ihn EXODUS erlebten. Das allerdings ändert sich im Handumdrehen, sobald Klassiker wie „Incarnated Solvent Abuse“ oder „Death Certificate“ angestimmt werden.

Jeff Walker wirkt mit weißem Hemd und Kurzhaarschnitt nicht wie der typische Metal-Frontmann

Der Soundmix im Zenith ist in unserer Ecke leider etwas verwaschen, sodass der bluesige Touch von „Dance Of Ixtab“ verloren geht. Grundsätzlich aber haben wir schon Schlimmeres erlebt, so dass der charakteristische Stilmix der Band Wirkung zeigen kann – solange es jedenfalls nicht gar so ruppig und grindy wird wie in „Exhume To Consume“.

Dass Jeff Walker im weißen Hemd und Kurzhaarschnitt auf den ersten Blick mittlerweile mehr wie Versicherungsvertreter denn klassischer Metal-Frontmann wirkt, hat indes durchaus seinen Charme. Insbesondere weil der Bassist und Sänger bodenständig und sympathisch durch den Abend führt und sogar das Wohlergehen der Zuschauer:innen im Blick hat, indem er hier und da seine Wasserflaschen mit den ersten Reihen teilten.

Einen besonderen Applaus darf schließlich Tour-Drummer Waltteri Väyrynen (OPETH) einheimsen, welcher den kurzfristig ausgefallenen Dan Wilding ersetzt und keinen unwesentlichen Anteil daran trägt, dass die Fans liebgewonnene Stücke wie „Heartwork“ heute ohne Abstriche genießen dürfen. 

CARCASS Setlist – ca. 45 Min.

1. Unfit For Human Consumption
2. Buried Dreams
3. Incarnated Solvent Abuse
4. No Love Lost
5. Death Certificate
6. Dance Of Ixtab
7. Genital Grinder
8. Exhume To Consume
9. Corporal Jigsore Quandary
10. Heartwork

Fotogalerie: CARCASS

KREATOR

Unser letztes Aufeinandertreffen mag eine ganze Weile her sein, doch lebten wir seither natürlich nicht hinter dem Mond. Deshalb sind wir umso gespannter auf die aktuelle Tourproduktion des Headliners, der auch heute wieder um eine passende Einstimmung bemüht ist. Zu den Klängen von Barry McGuires „Eve of Destruction“ erzählt ein animiertes Filmchen im Schnelldurchgang die blutrünstige Seite der menschlichen Geschichte nach. Die Referenzen auf historische Ereignisse und Werke sind zahlreich und klug miteinander verwoben, obschon ein kleiner Beigeschmack bleibt, wenn weltberühmte Gemälde wie Thomas Coles „The Course Of Empire“ oder Eugène Delacroixs „Die Freiheit führt das Volk“ wohl mithilfe generativer KI in Zeichentrick übersetzt werden.

Allzu lange darüber sinnieren können wir jedoch nicht, schließlich gibt das kurz darauf fallende Leinen den Blick frei auf eine pompöse Bühnendekoration, die von zwei plastischen Dämonen eingerahmt wird. Den Blick zieht aber das überdimensionale Pendant im Zentrum auf sich, dessen Augen in verschiedenen Farben leuchten und das stets nur einen Wimpernschlag davon entfernt scheint, Drummer Ventor in den Schlund der Hölle hinabzuziehen.

Feurige Spezialeffekte gehören bei KREATOR zum guten Ton

Vollendet wird die Szenerie selbstverständlich durch diverse Spezialeffekte, die natürlich bei einer Arena-Show mittlerweile zum guten Ton gehören: CO2-Kanonen und Flammenwerfer sorgen für das Spektakel, das Stücke wie den Opener „Seven Serpents“ oder die ebenfalls aktuelle Single „Satanic Anarchy“ begleiten. So stimmig das visuelle Drumherum gestaltet ist, so gelungen ist der Soundmix im Zenith: Die Lead-Gitarre kann sich während der melodiebetonten Stücke mit Leichtigkeit behaupten, während es den energischen Tracks älterer Bauart keineswegs an Durchschlagskraft fehlt.

Folglich ist die Stimmung in der Halle schnell am Optimum angelangt: Erprobtes Material à la „Hail To The Hordes“ begleiten tausende Fäuste, während sich die Münchner:innen auf Bitten KREATORs für „Enemy Of God“ frühzeitig zur ersten Wall of Death versammeln. Dass die Thrash-Veteranen dem Stück erst den Auftakt von „Coma Of Souls“ vorschalten, scheint ein wenig irreführend, bringt die ekstatischen Anhänger:innen allerdings nicht aus dem Konzept. Im Gegenteil, erhebt man sodann im dringlichen „People Of The Lie“ inbrünstig die Stimmen, um Frontmann Mille die eigene Verbundenheit auszudrücken.

Für „Loyal To The Grave“ tauscht KREATOR-Sänger Mille die Gitarre gegen dunkle Engelsflügel

Zwischen dem sympathischen Gitarristen und seiner Gefolgschaft scheint die Chemie ohnehin zu stimmen. Trotz manch kitschiger Ansage bleibt das Zenith am Ball und leistet selbst dann anständig Folge, als sich der Sänger zum rabiaten „Betrayer“ einen durchgehenden Strom an Crowdsurfern wünscht. Das Tempo halten KREATOR im weiteren Verlauf hoch, entlohnen Publikumseinsatz mit Showeinlagen, die von Fackelträgern, brennenden Puppen bis hin zu lodernden Feuerleisten am Bühnenrand reichen.

Die Gitarre indes tauscht Mille für die Hymne „Loyal To The Grave“ gegen einen Satz dunkler Engelsflügel ein, während den zweiten Sechssaiter so lange Bassist Frédéric Leclerq bedient. Skurril, doch ein bisschen Pathos passt irgendwie auch zum traditionell geprägten Song. Bissiger zeigen sich KREATOR bald in „Tränenpalast“, das nicht zuletzt dank Britta Görtz‘ (HIRAES) packender Gastdarbietung in Erinnerung bleibt.

KREATOR gelingt die Balance aus Alt und Neu

Zwischen kompromisslosen Oldies wie „Endless Pain“ und dem abschließenden Evergreen „Pleasure To Kill“ dürfen freilich die Hits für die breitere Masse nicht fehlen: „666 – World Divided“ und das unkaputtbare „Violent Revolution“ sorgen auf der Zielgeraden für Auflockerung, so dass KREATOR nach rund 85 Minuten auf eine sichtlich zufriedene Meute blicken dürften.

Tatsächlich gelingt die Balance der beiden Seiten aus unserer Sicht ausgesprochen gut: Längen oder gar Eintönigkeit umschifft das Quartett geradezu routiniert, während showtechnische Schauwerte das Gesamtpaket stimmig abrunden. Sind KREATOR also 2026 eine bessere Band als noch damals vor 20 Jahren? Das wollen wir an dieser Stelle nicht entscheiden. Gewiss können wir jedoch feststellen, dass die Essener Urgesteine über zwei Dekaden in Würde zum hochklassigen Arena-Act gereift sind – und wir bis zum nächsten Wiedersehen sicherlich nicht nochmals so viel Zeit verstreifen lassen.

KREATOR: Krushers Of The World

• Empfehlung
• Reviews

vonagony&ecstasy

18. Januar 2026

KREATOR – ca. 85 Min.

1. Seven Serpents
2. Hail To The Hordes
3. Coma of Souls / Enemy Of God
4. Satanic Anarchy
5. Hate Über Alles
6. People Of The Lie
7. Betrayer
8. Krushers Of The World
9. Hordes Of Chaos
10. Satan is Real
11. Loyal To The Grave
12. Phantom Antichrist
13. Tränenpalast
14. Endless Pain
15. 666 – World Divided
16. Violent Revolution
17. Pleasure To Kill

Fotogalerie: KREATOR

Fotos: Tatjana Braun (https://www.instagram.com/tbraun_photography/)

Es ist sein drittes Album und bereits sein Meisterwerk, soviel ist klar, denn was hier an Melodie, Atmosphäre und fetten Beats aufgefahren wird, ist ganz einfach nicht mehr zu toppen: Die Lieder, allesamt 3-4 Minuten lang, vereinen zärtliche, sehnsuchtsvolle Akustik-Gitarren, entrückte Flötentöne, perfekt gebaute 90er-Jahre-Black-Metal-Riffs, fieses Gekrächze und angenehm unperfekten, aber stets passenden Klargesang mit einer Ästhetik, die zwar original aus Norwegen der 90er stammen könnte, aber stets subtil gebrochen wird, so dass die Gefühle, die der weinende Ork transportieren will, nicht überschattet werden können von irgendeiner Form von Redundanz.

Ugh!

Wobei die Flasche Cola, die er im brillianten Video zur Hitsingle „Three Winters Away“ schwingt, schon mehr als nur eine subtile Brechung der Ästhetik darstellt. Macht aber nichts: Auch solcherlei Manöver funktionieren im Kosmos KEKHT ARÄKH, dafür ist die Musik einfach zu echt und schön und abwechslungsreich: Mal fühle ich mich zurückversetzt in „Stormblast“-Zeiten („Mörker över Mörker“), mal meine ich, ein 25 Jahre altes Indie-Folk-Stück zu hören („Genom Sorgen“), dann wieder bin ich einfach nur entzückt von der cleveren Idee, Cloud-Rap-Beats mit Rumpel-Schlagzeug und Blastbeats zu mischen.

I said: Ugh!

Das ist aber nur ein Teil des Erfolgsrezepts, viel wichtiger sind die Clean Vocals, vor allem von Crying Orc selbst, aber auch vom Norweger „Spöke“ (von VS–55) und Stargast „Bladee“, einem mir bis dato völlig unbekannten Helden der mir bis dato ebenfalls völlig unbekannten Cloud-Rap-Szene, denn ich bin ja, s.o., ein alter Mann. Jedenfalls: Was Bladee in „Eternal Martyr“ macht, ist wirklich herzzerreißend und das Feature letztlich völlig logisch, schaut man sich mal Videos von dem Typen an – er sieht aus wie Crying Orc selbst, nur halt ohne Schminke, und bewegt sich auch so. Faszinierend, schräg, interessant, und ja, ich merke selber, dass ich total cringe klinge.

„Morning Star“ ist große Kunst mit großem Gefühl

Überhaupt, cringe: Das ist das hier ja eigentlich komplett, aber gerade darin, gerade in dem Mut sein Herz so kompromisslos zu öffnen und eine Ästhetik des totalen Kitsches zu nehmen, es irgendwie zu schaffen, dem Ganzen den Kitsch zu nehmen, indem er ironisiert und übertrieben wird, bis nur noch das Gefühl selber übrig bleibt, das ist große Kunst und funktioniert für mich so gut, dass ich „Morning star“ ganz unironisch jetzt schon auf dem Treppchen sehe am Ende des Jahres.

Spielzeit: 50:12 Min.

Label: Sacred Bones Records

https://kekhtarakh.bandcamp.com/album/morning-star

Veröffentlichungsdatum: 27.03.2026

Tracklist – KEKHT ARÄKH – „Morning Star“

01. Wänderer
02. Castle
03. Lament
04. Genom Sorgen (Ft. VS–55)
05. Angest
06. Mörker Över Mörker
07. Three Winters Away
08. Drömsång
09. Raven King
10. Vigil
11. Eternal Martyr (Ft. Bladee)
12. Trollsång (Ft. Spöke)
13. Land Av Evig Natt L
14. Land Av Evig Natt Ll
15. Gates
16. Morning Star
17. Outro (Ft. Varg2)

Es ist somit wenig überraschend, dass dieses Album kälter und brutaler klingt, als das, was PURE WRATH zuvor veröffentlichten, und gerade das schreckt im ersten Moment ein wenig ab. „Hymn To The Woeful Hearts“ hatte diese leidenschaftlichen, mitreißenden Momente, diese Melancholie und den Hauch des Vergangenen in sich, die dieses Album so atemberaubend machten. In „Bleak Days Ahead“ muss man dies zunächst suchen. Aber keine Sorge, Januaryo Hardys Handschrift ist noch immer zu gegenwärtig. Die Melancholie ist nur ein wenig vergraben unter der brutalen Oberfläche und es mag daher ein wenig dauern, bis sich „Bleak Days Ahead“ öffnet.

„Bleak Days Ahead“ ist kälter und aggressiver als das Vorgängeralbum, aber PURE WRATH verstecken viele Facetten unter der schroffen Oberfläche.

Dass PURE WRATH eine neue konzeptuelle Ausrichtung wagen, wirkt sich nicht nur in Sachen Aggression auf die Musik aus. Aus „Bleak Days Ahead“ schälen sich einige neue Facetten heraus. Eine Noir-Atmosphäre durch Mellotron und Saxophon schiebt sich behutsam dazu, verdrängt die subtilen folkloristischen Elemente indes nicht ganz. Weil Hardy seine Kompositionen jederzeit fest im Griff hat, funktionieren die teils langen Kompositionen problemlos. Dabei ist das Album recht klar gegliedert: die ersten beiden Stücke, „Bleak Days Ahead Pt. I“, respektive „Pt. II“ sind kalt, aggressiv und impulsiv, während die restlichen drei Songs introvertierter und vielschichtiger sind.

„Haven Of Echoes“ lässt sich einige Minuten lang Zeit, bevor es die Zähne zeigt, und doch überwiegen hier die düstere Atmosphäre und eine bedrohliche Aura. „Spectral Insomnia“ ist der rasantere Teil der zweiten Hälfte, besticht mit schneidenden Riffs und schnellem Blast Beat-Drumming sowie einer völlig entfesselten Stimme. Ab der Mitte leitet dieser Song das Ende von „Bleak Days Ahead“ ein, mit Hammond-Orgeln und getragenem, trauernden Cleangesang und einem furiosen Finale, das in Sachen Emotionalität an den Vorgänger beim Vorgänger andockt.

Immer spürbar auf „Bleak Days Ahead“: Die Emotionalität und Authentizität von PURE WRATH.

Besonders wird vor allem „Opaque Mist“, das mit dem Gastgesang von Andrew Rodin (STONED JESUS) und Trip Hop-Beats beginnt, switcht in Richtung KATATONIA und schickt einen letzten Blast Beat mit ergreifenden Harmonien dem Ende entgegen, als gäbe es dennoch die trotzige Hoffnung auf ein besseres Leben. Gerade dieses Finale macht den Gesamteindruck dieses Albums so komplett, obwohl es völlig anders beginnt, als es begonnen hat. Es ist sicherlich keine Heldenreise, aber es sieht die Dinge im zweiten Akt in einem anderen Licht. Was aber immer spürbar bleibt: die Emotionalität und die Authentizität.

Wer WHITE WARD und ULTHA liebt, sollte spätestens für „Bleak Days Ahead“ bei PURE WRATH einsteigen. Das vierzigminütige Album hat erstaunlich viele Facetten und fließt von Wut hin zur Trauer und will trotz allem nicht die Hoffnung aufgeben, dass bessere Tage kommen – allen Anzeichen zum Trotz. Dass mit Drummer Yurii Ciel und Gastsänger Andrew Rodin zwei ukrainische Musiker an Bord sind, festigt diesen Eindruck auch auf der Metaebene. Januaryo Hardy selbst baut mit diesem Album sein songschreiberisches wie technisches Können aus – auch in Bezug auf Produktion und Tontechnik. „Bleak Days Ahead“ klingt voll und rund, aber auch kratzig und fies, und nicht zuletzt beeindruckt das Artwork nachhaltig. Einzig die Emotionalität und das Konzept des Vorgängers werden hier nicht ganz erreicht. Und doch ist eindeutig: Trostlose Zeiten mögen sich ankündigen, aber zumindest künstlerisch wird die Zukunft für PURE WRATH auch weiterhin rosig sein.

Wertung: 8 von 10 Hochfunktionale Depressionen

VÖ: 24. April 2026

Spielzeit: 41:12

Line-Up:
Januaryo Hardy – Vocals, guitars, bass, piano, synths, soundscapes
Yurii Ciel (CAILLEACH CALLING) – All drums, whispers („Opaque Mist“)
Dany Tee (LOS MALES DEL MUNDO) – Foreword („Haven of Echoes“)
P.F. – Saxophone („Bleak Days Ahead, Pt. I“)
Tandani Mutaqim (WARKVLT) – Throat singing („Bleak Days Ahead, Pt. II“)
Andrew Rodin (STONED JESUS) – Backing vocals

Label: Debemur Mort Productions

PURE WRATH „Bleak Days Ahead“ Tracklist:

1. Bleak Days Ahead, Pt. 1
2. Bleak Days Ahead, Pt. 2
3. Haven Of Echoes (Official Video bei Youtube) 
4. Spectral Insomnia (Official Video bei Youtube)
5. Opaque Mist

Mehr im Netz:

https://purewrath.bandcamp.com/
https://www.facebook.com/purewrath
https://www.instagram.com/purewrathofficial

Die Gitarrenarbeit im Titeltrack oder „Great Pain“ wiederum bewegt sich in der Nähe des ALLEGAEON-Debüts „Fragments Of Form And Function“ (2010), was durchaus seinen Grund hat, wurde MIRE doch von deren Ex-Gitarrist Ryan Glisan ins Leben gerufen. Eine latente Industrial-Note schwingt derweil im Gesang Benton McKibbens mit, welcher seine Screams durch melodischere Techniken ergänzt, so dass klar gesungene Refrains keinen Seltenheitscharakter besitzen. Den Höhepunkt hierbei bildet „Send Us“, wo McKibbens in der Hook eine Stimmfarbe erreicht, die völlig unerwartet an BORKNAGARs Lars Nedland erinnert.

„Pale Reflection“ steht MIREs Debütalbum in nichts nach

Den größten Teil der Laufzeit verbringt „Pale Reflection“ im Midtempo, was MIRE keinen schwerfälligen, doch einen drückenden Charakter verleiht. In Verbindung mit den präzise getakteten Drums und Riffs könnten phasenweise gar SCARVE als Referenz dienen – obgleich Parallelen wohl nur zu deren gedrosselten Kompositionen gezogen werden können. Im Gesamten gehen MIRE nämlich geordneter ans Werk, wodurch es den vier Musikern überdies gelingt, die einzelnen Versatzstücke schlüssig miteinander zu verbinden.

Weder der präsente Gesang noch die cleveren Gitarrenarrangements überschatten die jeweils anderen Komponenten. Das Resultat ist mit „Pale Reflection“ ein Zweitwerk, das seinem Vorgänger in nichts nachsteht, sondern mit Elementen aus Death, Thrash, Groove, Industrial und Progressive sein eigenes Süppchen kocht – ohne Zwänge oder Altlasten ist das Ergebnis schlicht erfrischend: Moderner Metal neu gedacht.

Veröffentlichungstermin: 10.04.2026

Spielzeit: 42:11

Line-Up

Benton McKibben – Vocals
JP Andrade – Drums
Nick Hipa – Guitar
Ryan Glisan – Guitar & Bass

Produziert von Grant McFarland und Carson Slovak

Label: Eigenproduktion

Homepage: https://thebandmire.net/
Facebook: https://www.facebook.com/thebandMIRE/
Instagram: https://www.instagram.com/thebandmire
Bandcamp: https://thebandmire.bandcamp.com/

MIRE “Pale Reflection” Tracklist

1. Pale Reflection (Video bei YouTube)
2. Cultures of Violence (Video bei YouTube)
3. The Master (Video bei YouTube)
4. Where I Belong
5. Great Pain
6. Human Condition
7. Significance Plague
8. Which One Am I
9. Send Us

Navigation

Samstag, 4. April 2026

Defocus | Stepfather Fred | Necrotted | Parasite Inc. | Samurai Pizza Cats | Rage | J.B.O.

Sonntag, 5. April 2026

The Defect | Stain The Canvas | Avralize | Butcher Babies | The Browning | Infected Rain | Ignite | TBS

Fazit / Impressionen

Öfter mal was Neues. Jedenfalls für uns, denn in Oberndorf am Neckar hat sich das Prozedere schon längst eingespielt, wie der Slogan auf dem großen Banner zu verstehen gibt: „Traditionell hart zu Ostern“, lautet das Motto, dem wir selbst an diesem Jahr zum ersten Mal Folge leisten wollen. Zwei Tage lang verwandelt sich die hiesige Neckarhalle – eine Multifunktions- und Sportstätte – zum Treffpunkt der baden-württembergschen Metalszene: ein etabliertes Get-together, wo man sich größtenteils kennt und das sich auch im Line-up widerspiegelt.

Regionale wie internationale Acts sorgen für ein bunt gemischtes Programm, das in seiner Stilvielfalt auch die Besucherschaft abbildet: Vom Deathcore-Szene-Kid bis zum traditionellen Metalhead reicht das Publikum; vom in Würde ergrauten Veteranen mit reich bestickter Kutte bis zum kleinsten Nachwuchs, der sich offenbar schon im Wiegenalter mit der Pommesgabel vertraut machen durfte. Kurzum, ein Ort, an dem auch wir uns als Auswärtige wie zu Hause fühlen dürfen.

Samstag, 4. April 2026

^{(zurück zur Navigation)}

Wie leicht uns das letztendlich fällt, ist auch den Rahmenbedingungen zuzuschreiben: Trotz baubedingter Straßensperrung und einem Wegfall zahlreicher Parkplätze war die Kommunikation der Veranstalter vorab so proaktiv wie transparent. Die kommunizierten Ausweichflächen in Hallennähe erreichen wir ohne Zwischenfälle, sodass wir pünktlich zum Einlass vor den Toren stehen, wo bereits eine ganze Schar an Fans geduldig auf den Startschuss wartet, so sie denn nicht an einem der drei Food Trucks frühzeitig das leibliche Wohl sicherstellen.

Von Mac’n’Cheese-Pasta-Variationen über Wraps und Loaded Fries bis hin zu Klassikern wie Currywurst oder Burger reicht die Auswahl, letztere immerhin auch als vegane Option verfügbar. Im Innenbereich wiederum darf man sein Erspartes wahlweise gegen kühle Erfrischungen oder trockene und saubere Textilien eintauschen, was an diesem Wochenende rege in Kauf genommen wird: Die Menschentrauben vor dem Band- und Festivalmerchandise sind zu Stoßzeiten beachtlich, insbesondere wenn einer der Acts gerade einen packenden Auftritt hinter sich gebracht hat.

DEFOCUS

^{(zurück zur Navigation)}

Elan ist derweil das passende Stichwort für DEFOCUS, welche die Rolle des Anheizers mit Enthusiasmus annehmen. In der Literatur spräche man wohl von Sturm und Drang, im Fachjargon kämen uns dagegen Attribute wie ungezügelt in den Sinn. Los geht es nämlich mit einem klitzekleinen Drumsolo, bevor Bassist Bambam mit einem Urschrei auf die Bretter sprintet, der selbst ohne Verstärker bis in die hinteren Ecken der Neckarhalle zu hören ist.

Diese Energie spiegelt sich gleichermaßen im Songmaterial des Quartetts, deren Post Metalcore in „Flatlines“ mit Djent-Groove loslegt und diese Intensität bis zum Ende hin beibehält. Die klar gesungene Hook von „Coma“ bleibt somit die Ausnahme, schließlich haben DEFOCUS mit dem Publikum einiges vor. Immerhin sei man hier in einer Sporthalle, weshalb man im Circlepit doch „für die 4x800m-Staffel trainieren“ könne.

DEFOCUS sind erfahren genug, um müde Gliedmaßen in Bewegung zu setzen

Geübt wird das in „Watch Me Bleed“ mit ähnlichem Einsatz wie zu „Disease“, wo die Wall of Death dank pointiert gesetzter Snare-Bombs noch mehr Nachdruck erhält. Dass es in der sich langsam füllenden Halle auf Anhieb drunter und drüber geht, liegt auch am Zutun der Band. Erfahren genug sind DEFOCUS mittlerweile, um müde Gliedmaßen in Bewegung zu setzen – und wenn dazu Bassist Bambam mit den Fans selbst ein paar Runden im Zentrum drehen muss, dann ist das für den unermüdlichen Musiker eben Pflicht- und nicht Wahlaufgabe.

DEFOCUS: There Is A Place For Me On Earth

• Reviews

vonFlorian Schaffer

7. März 2024

DEFOCUS Setlist – ca. 30 Min.

1. Flatlines
2. Coma
3. Disease
4. Biased
5. Let The Bond Be My Grave
6. Watch Me Bleed
7. Crooked Mind

Fotogalerie: DEFOCUS

STEPFATHER FRED

^{(zurück zur Navigation)}

Dass STEPFATHER FRED im Anschluss einen Gang zurückschalten, kommt uns durchaus gelegen: Ein wenig Abwechslung hält das Programm frisch, zumal die Band keinesfalls den Kuschelkurs einschlägt. Im Gegenteil: Die Vorzüge der Alternative / Heavy Rock-Band kommen früh zum Tragen und machen sich insbesondere beim Gesang bemerkbar. Frontmann Bastis raue Stimme hat genug Reibeisen-Charme, um auch in großen Sälen bestehen zu können.

Rückendeckung erhält der Sänger dabei von Gitarrist Simon, dessen Riffing während „Tripped My Demon“ in Richtung Groove Metal schielt, aber in der Stadion-Hymne „Blue Pride“ auch ordentlich (Hard-)Rock-Spirit versprüht. Mit diesem Mix finden STEPFATHER FRED den Draht zum Publikum ohne größere Umwege, so dass sich die Oberndorfer in „Cocaine“ bereitwillig als Backgroundchor einspannen lassen. Das Megafon in dessen Finale packt Fronter Basti indes schnell wieder weg, um zu den angedeuteten orientalischen Vibes im Intro von „Queen of Mine“ mit atmosphärischem Untertongesang zu überraschen.

Als Gesamtpaket sind STEPFATHER FRED ziemlich abwechslungsreich

Nicht nur gekonnt, sondern zugleich abwechslungsreich präsentiert sich somit das Gesamtpaket, das es selbst wohl kaum erwarten kann, den neu gewonnenen Fans ein weiteres Ständchen zu spielen: Vor dem letzten Song händigt die Band ein paar Konzert-Flyer an die vorderen Reihen aus – ein cleverer Schachzug, um den unberechenbaren Algorithmen der großen Social-Media-Plattformen ein Schnippchen zu schlagen.

STEPFATHER FRED Setlist – ca. 30 Min.

1. The One
2. Collecting Faith
3. Tripped My Demon
4. Blue Pride
5. Cocaine
6. Queen Of Mine
7. Relief

Fotogalerie: STEPFATHER FRED

NECROTTED

^{(zurück zur Navigation)}

Premiere am frühen Abend: Nicht nur das neue Backdrop dürfen wir begutachten, auch die aktuelle Single „Circus Sapiens“ gibt es erstmals live auf die Ohren. Wie stolz NECROTTED auf ihr neues Studioalbum „We Are The Gods That Tear Ourselves Apart” sind, ist darüber der Songauswahl zu entnehmen. Knapp drei Wochen vor Release serviert uns die Abtsgmünder Death Metal-Band eine repräsentative Auswahl der Platte, die genauso mit Zug nach vorne stürmen („Deus Ex“) wie zum gepflegten Nackenworkout anregen kann („Fat God“).

Allein den finalen Rülpser in Letzterem hat man sich für die Studioversion gespart, ist aber in seiner Ungezwungenheit irgendwie charakteristisch für NECROTTED. So unbarmherzig die Musik, so viel Spaß hat das Quintett auf der Bühne. Dabei hat die Gruppe durchaus ein Augenmerk auf die richtige Balance, so dass die Darbietung nie ins Lächerliche abdriftet.

NECROTTED-Frontmann Fabian Fink ist bestens aufgelegt

Shouter Fabian Fink ist stimmlich bestens aufgelegt und meistert auch die giftigen Screams im melodischen Finale von „Sow Sorrow For Victory“ ohne Mühe. Sympathisch auch die Frank Mullen-Hommage (ex-SUFFOCATION), indem Fink die Blastbeats seines Kollegen Markus Braun mit der ikonischen „Chop“-Geste begleitet. Mehr kann man eigentlich nicht tun, um die Vorfreude auf das kommende Studiowerk zu schüren – in unserem Fall hat es jedenfalls geklappt.

NECROTTED: Imperium

• Reviews

vonFlorian Schaffer

15. Mai 2024

Fotogalerie: NECROTTED

PARASITE INC.

^{(zurück zur Navigation)}

Auf eine treue Fanbasis können PARASITE INC. zählen. So viel ist jedenfalls schnell klar, wenn wir den Blick durch die Neckarhalle schweifen lassen. Mit den Räumlichkeiten ist die Melodic Death Metal-Band nach ihrem Gastspiel im Jahr 2023 ohnehin bereits vertraut, so dass der Einstieg mit dem energischen Doppel „First Born“ sowie „Armageddon in 16 to 9“ direkt in die Vollen geht.

Die letzten Hemmungen hingegen treibt Bassist Lou dem EASTER CROSS aus: Das Infield solle kollektiv in die Hocke gehen, um dann zu „Follow The Blind“ umso höher zu springen. Ein beliebter Festivalklassiker, dieses Spielchen, aber zugleich ungemein effektiv. Denn ab diesem Augenblick ist das Publikum voll im Jetzt angekommen: In „Dead Or Alive“ sorgt man nun für stimmliche Rückendeckung, formiert sich für „Once And For All“ zur Wall of Death und setzt im Hit „Cyan Night Dreams“ den Pit konsequent fort.

PARASITE INC. stehen heute nur zu dritt auf der Bühne

Genug Hitmaterial haben PARASITE INC. sowieso in der Hinterhand, sei es das melodisch-rockige „Sunset Overdrive“ oder der Evergreen „The Pulse Of The Dead“. Irritierend ist derweil nur das Bild auf der Bühne selbst, wo die Band heute nur zu dritt die Instrumente beackert. Dadurch klafft im ohnehin recht statischen Bild eine zusätzliche Lücke, die sich auch musikalisch bemerkbar macht: Mit Ausnahme der Soli, die Sänger Kai Bigler übernimmt, läuft die Leadgitarre als Backing Track mit.

Wir sind ehrlich: Gerade im Melodic Death Metal fühlt sich das für uns nicht richtig an, wollen aber gleichzeitig die Kirche im Dorf lassen. Schließlich sind PARASITE INC. heute bei weitem nicht die einzige Formation, die lediglich mit einer Live-Gitarre angereist ist.

PARASITE INC.: Cyan Night Dreams

• Reviews

vonFlorian Schaffer

10. September 2022

PARASITE INC. Setlist – ca. 45 Min.

1. First Born
2. Armageddon in 16 to 9
3. Follow The Blind
4. Headfuck Rollercoaster
5. Sunset Overdrive
6. Dead And Alive
7. Once And For All
8. Cyan Night Dreams
9. The Pulse Of The Dead
10. When All Is Said

Fotogalerie: PARASITE INC.

SAMURAI PIZZA CATS

^{(zurück zur Navigation)}

„Starte das Spiel!“, schallt es nach dem Digimon-Intro „Leb deinen Traum“ energisch aus den Boxen: Das „Unreal Tournament-Kid“ aka der „echte Gangster“ mag ein Internet-Meme aus frühen Zeiten sein, bringt die Energie jedoch auf den Punkt, die sodann das EASTER CROSS übermannt. Zwar sind SAMURAI PIZZA CATS in Abwesenheit von Gitarrist Daniel Haniß (ELECTRIC CALLBOY) mit Ersatz angereist, lassen sich davon jedoch keine Steine in den Weg legen.

Als stecke man immer noch voll Adrenalin vom eigenen „Samurai Pizza Fest“ aus der Vorwoche, fegt die Band von der ersten Sekunde an über die Bühne. Federführend ist hier natürlich Sänger Sebastian Fischer, der direkt zum einleitenden „Pandastruck“ den gemeinsamen Sprung aus der Hocke anordnet. Festivalspielchen als Eisbrecher sind, wie wir bereits gelernt haben, ein probates Mittel. Wie sehr sich das bezahlt macht, beobachten wir im Folgenden, wo sich zu „Falling Down“ der Circle Pit in Bewegung setzt.

Die Fans feiern SAMURAI PIZZA CATS wie einen Headliner

Um das Getümmel im Zentrum navigieren immer wieder furchtlose Crowdsurfer – so dass wir uns zwischenzeitlich mit einem prüfenden Blick auf das Tagesprogramm rückversichern, nicht bereits vor dem heutigen Headliner zu stehen. Denn wie ein solcher werden SAMURAI PIZZA CATS in der Neckarhalle gefeiert, was Frontmann Fischer für einen Augenblick ebenfalls die Sprache verschlägt. Die Freude über das turbulente Treiben vor den Brettern ist den vier Musikern jedenfalls ins Gesicht geschrieben, zumal die angereisten Fans nicht nur mit älteren Stücken à la „The Wolf In Me“ vertraut sind, sondern mit „Ramen-Man“ oder „T-Rex(plosion)“ selbst das aktuelle Material textsicher begleiten.

Genau deshalb ist es allerdings schwer nachvollziehbar, warum SAMURAI PIZZA CATS nach dem Über-Hit „Pizza Homicide“ vorzeitig die Segel streichen und so knapp zehn Minuten Spielzeit ungenutzt lassen. Später anfangen und früher aufhören, das hat das EASTER CROSS gemessen an Einsatz und Resonanz der Besucherschaft sicherlich nicht verdient.

SAMURAI PIZZA CATS: „Wir wollen, dass die Leute den Vibe spüren und alles andere vergessen“

• Empfehlung
• Interviews

vonChristina Willems

25. März 2026

SAMURAI PIZZA CATS Setlist – ca. 40 Min.

1. Pandastruck
2. Outcast
3. Falling Down
4. Fear No Slice
5. You’re Hellcome
6. The Wolf In Me
7. Ramen-Man
8. T-Rex(plosion)
9. Super Zero
10. Pizza Homicide

Fotogalerie: SAMURAI PIZZA CATS

RAGE

^{(zurück zur Navigation)}

Einer völlig anderen Generation wiederum sind RAGE entsprungen, die aber selbst nach vier Dekaden im Geschäft immer noch spritzig wirken. Das essentielle Bindeglied ist hierbei Jean Bormann, dessen unbändige Energie alleine ganze Arenen füllen könnte. Der Gitarrist beackert nicht nur jeden Zentimeter der Bühne, um die eindrucksvolle Mähne fliegen zu lassen, sondern schenkt den Stücken der Band mittels beherzter Screams hier und da fast schon jugendlichen Elan.

Auf diese Weise schlagen RAGE elegant die Brücke zwischen Moderne und Tradition, so dass das Live-Trio die zuvor schon ausgelassene Stimmung in der Neckarhalle bestens für sich zunutze machen kann. Befeuert wird all das durch pointierte Thrash-Anleihen in „Innovation“ oder dem treibenden Auftakt „Under A Black Crown“. Gleichzeitig halten die Mannen um Frontmann Peavy ihre Klassiker frisch: „Refuge“ überrascht durch einen unverkrampften Reggae-Einschub, während „Solitary Man“ und „Nevermore“ mit besonders viel Nachdruck aus den Boxen schallen.

RAGE treffen mit ihrer Songauswahl den Nerv des Publikums

Wie sehr RAGE mit diesem Gleichgewicht aus Evergreens, Singalongs sowie treibenden Riffs und Soli den Nerv des Publikums treffen, ist früh den Gesichtern der Fans abzulesen und später auch im Zentrum der Lokalität zu erkennen, wo sich der zunächst kuschelige Pit immer weiter auszudehnen scheint. Konsequenterweise beweist das EASTER CROSS erst im obligatorischen „Higher Than The Sky“, dann in der Zugabe „Freedom“ seine Textsicherheit, während ein ekstatischer Fan das Durcheinander in der Mitte mit zahllosen Seifenblasen füttert.

Spätestens hier sowie im folgenden „Straight To Hell“ wird deutlich, wie frappierend das Indoor-Festival einem Mikrokosmos großer Open-Air-Veranstaltungen gleicht: Den Klassiker aus „Der Schuch des Manitu“ hält so mancher Besucher in Bild und Ton fest, obgleich in einem Fall lediglich ein „Nintendo DS“-Gerät zur Hand schien. Eigentlich schade, dass nach einer Stunde mit dem obligatorischen „Don’t Fear The Winter“ bereits wieder Schluss ist – mit RAGE auf der Bühne hätten wir freiwillig noch ein paar Minuten länger gemacht.

RAGE Setlist – ca. 60 Min.

1. Under A Black Crown
2. Innovation
3. Nevermore
4. Until I Die
5. A New Land
6. Solitary Man
7. Refuge
8. End Of All Days
9. Higher Than The Sky
——————————
10. Freedom
11. Straight To Hell
12. Don’t Fear The Winter

Fotogalerie: RAGE

J.B.O.

^{(zurück zur Navigation)}

Man muss das Billing eines Festivals nicht studieren, um in Erfahrung zu bringen, ob sich J.B.O. die Ehre geben werden. Schließlich ist deren Fangemeine für gewöhnlich unschwer zu erkennen: Schon seit dem Vormittag machen pinke Bademäntel und ähnlich gefärbte Textilien den beschaulichen Ort unsicher, versammeln sich zum letzten Programmpunkt des Tages jedoch geschlossen vor der Bühne der Neckarhalle.

Allein dort aushalten wollen es viele Besucher:innen die nächsten anderthalb Stunden nicht: Dass sich der Saal mit fortschreitender Spieldauer des Headliners doch spürbar leert, mag in Teilen der späten Stunde zuzuschreiben sein, spiegelt jedoch auch relativ akkurat den Auftritt der fränkischen Fun-Metal-Band wider. Denn überspringen will der Funke heute nicht so recht, so dass die „Tour Of The Rising Fun“ letztlich eher eine gegensätzliche Tendenz aufweist.

Die übliche J.B.O.-Sause will auf dem EASTER CROSS nicht in Schwung kommen

Dabei beginnt die Show mit rosafarbenem Flitter und Luftschlangen noch so bunt und unbeschwert wie eh und je: Klassiker à la „Arschloch und Spaß dabei“ oder das kurzweilige Medley aus Stücken des Debütalbums (1995) liefern eigentlich die Steilvorlage für einen gewohnt kauzigen Auftritt des Quartetts. Nur anders als in „Ich will Spaß“ verkündet, bleibt das Gaspedal weit weg vom Bodenblech.

Warum die Sause auf dem EASTER CROSS nicht in Schwung kommen will, liegt sicherlich auch an der Songauswahl: So zieht das stumpfe „Bussi“ nach dem unbeschwerten Auftakt mit einem Mal sämtliche Energie aus der Halle, die selbst der Evergreen „Bolle“ nicht mehr zurückholen kann. In der Folge verpuffen sowohl das ruppige „Gänseblümchen“ als auch die Deutschrock-Parodie „Stinkefinger“ im Nichts, anstatt den Moshpit anzuheizen.

J.B.O. scheinen heute überwiegend im Autopiloten unterwegs zu sein

Besser aufgenommen werden dagegen die Trinkhymne „Mach noch eins auf“ sowie das unkaputtbare „Ein guter Tag zum Sterben“, bei dem Gitarrist und Sänger Vito den Hansi Kürsch mimt: Wie bei der BLIND GUARDIAN-Ballade „The Bard’s Song (In The Forest)“ überlässt der Frontmann den Fans das Wort, die das Stück Schulter an Schulter schunkelnd in beachtlicher Lautstärke rezitieren. Warum Vito also diesem Höhepunkt durch die mehrminütige Erläuterung einer Textzeile komplett den Garaus macht, bleibt für uns völlig unverständlich.

Überhaupt scheinen J.B.O. heute abseits des Bass- und Schlagzeug-Solos, bei welchem der gut gelaunte Wolfram Kellner brillieren darf, etwas neben der Spur. Als wäre die Formation im Autopiloten unterwegs, fehlt schlicht die Spritzigkeit auf der Bühne, die in Abwesenheit der Backgroundsänger noch deutlicher zutage tritt. Wuselt es sonst an allen Ecken und Enden, sind heute eine Handvoll rosafarbene Luftballons das höchste der Gefühle.

Mehr als Dienst nach Vorschrift ist heute nicht drin

Dass die vier Blödel-Metaller zum Abschluss der Nacht und als letzte Zugabe also ausgerechnet „Ein Fest“ beschwören, trägt fast schon ironischen Charakter, hatten wir doch eigentlich genau das vom Headliner des ersten Festivaltags erwartet und am Ende nur Dienst nach Vorschrift bekommen – schade.

J.B.O. Setlist – ca. 90 Min.

1. Vito wir machen Krach
2. Arschloch und Spaß dabei
3. Ich will Spaß
4. “Explizite Lyrik”-Medley
5. Bussi
6. Bolle
7. Gänseblümchen
8. Metal Was My First Love
9. Stinkefinger
10. Mach noch eins auf!
11. Bass & Drum Solo
12. Geh mer halt zu Slayer
13. Ein guter Tag zum Sterben
14. Vier Finger für ein Hallelujah
15. Verteidiger des Blödsinns
16. Wacken ist nur einmal im Jahr
————————
17. Alles nur geklaut
18. Ein Fest

Fotogalerie: J.B.O.

Sonntag, 5. April 2026

^{(zurück zur Navigation)}

Auf das traditionelle Osterfrühstück mit der Familie müssen wir dieses Jahr verzichten, dafür wartet als Entschädigung ein kunterbuntes Osternest auf uns: Als wäre es ein heimlicher Wettstreit der Generationen führt das Billing des zweiten Tags mit THE BUTCHER SISTERS eine weitere Spaßband an – nur eben mit dem Finger fest am Puls der Zeit, wo Memes und surrealer Brainrot den Inhalt des Crossover-Mixes bestimmen.

Für konservativer veranlagte Naturen dürfen IGNITE den Co-Headline-Slot füllen, während es an diesem Sonntag ansonsten spürbar moderner zur Sache geht: Von INFECTED RAIN bis THE BROWNING erstreckt sich das Programm, so dass es gerade für die Feierwütigen unter den Besucher:innen eigentlich keine Ausrede geben sollte.

THE DEFECT

^{(zurück zur Navigation)}

Dafür sorgt außerdem der Auftakt mit THE DEFECT: Das Nebenprojekt, das THE BROWNINGs Jonny McBee gemeinsam mit seiner Frau Moon ins Leben rief, funktioniert auf der Bühne per Definition hervorragend. Bratende Gitarren, drückende Rhythmen und eingängige Synthesizer bilden das Rückgrat des elektronischen Alternative Metals, dessen Dreh- und Angelpunkt aber doch der sphärische Klargesang der Fronterin bleibt.

Zwar streut Moon hier und da selbst vereinzelt harsche Vocals bei, in der Regel kommt diese Rolle jedoch ihrem Ehegatten zu, der sich in „Annihilate“ und „Immortal“ energisch zu Wort meldet. Simpel, doch effektiv lautet die Devise, die ab dem Breakdown von „Eternal“ sogar den ersten stattlichen Pit vom Stapel bricht.

Hin und wieder keift Sängerin Moon selbst ins Mikro

Eine runde Sache also, wäre da nicht Geschichte mit dem effektbeladenen Gesang, der uns erst recht stutzig macht, als Moon McBee doch mal ins Mikro keift. Dann ist sie nämlich plötzlich kaum zu hören, während die Singstimme in studiogleicher Perfektion alles andere überstrahlt.

Der Verdacht, dass hier wohl ein begleitender Backing Track dominant nach vorne gemischt wurde, erhärtet sich beim neuen Stück „Stay Away“, wo hörbare Übergänge nicht ganz zur Darbietung passen. Insgesamt zwar ein kurzweiliger Auftritt, den wir wohl allerdings nur mit Bauchschmerzen als wirkliche Live-Performance werten könnten.

THE DEFECT: DEATH X DESTINY

• Reviews

vonFlorian Schaffer

22. Februar 2025

THE DEFECT Setlist – ca. 25 Min.

1. Annihilate
2. Immortal
3. Lost In The Shadows
4. Broken Minds
5. Run
6. Eternal (What Do You See?)
7. Stay Away

Fotogalerie: THE DEFECT

STAIN THE CANVAS

^{(zurück zur Navigation)}

Die großen Vorbilder blitzen an allen Ecken und Enden hindurch, auch wenn STAIN THE CANVAS im Live-Format überraschend giftig klingen. Sowohl in der Ästhetik als auch dem Hang zum genrefluiden Songwriting meinen wir BRING ME THE HORIZON herauslesen zu können. Mit dem Unterschied jedoch, dass die Italiener zwar kreativ nicht ganz so ungezügelt agieren, dafür aber ihre Post Hardcore-Wurzeln beizeiten umso galliger intonieren.

Kurioserweise kommen uns während der ersten Minuten tatsächlich sogar punktuell LORNA SHORE in den Sinn, so energisch schreit Bryan Marte ins Mikrofon. Dass es bei dieser einen Assoziation bleibt, soll der Band nicht zum Nachteil gereichen, zeigt sie uns doch mit jedem Song eine neue Facette ihres Sounds: So greift Bassist Luca Giorgi in „Gattini“ für eine Rapeinlage selbst zum Mikrofon, während „Seal My Soul“ mit seinem klar gesungenen Refrain sogar mit Hitpotenzial daherkommt.

Frontmann Bryan erkundet höchstpersönlich den Circle Pit

Zwischen den Stücken zeigen sich STAIN THE CANVAS eher kurz angebunden, ohne jedoch überheblich zu wirken. Das Gegenteil ist der Fall, wie uns Frontmann Bryan zum Abschluss beweisen will, indem er höchstselbst im Circle Pit auf Tuchfühlung geht und das Publikum immer und immer weiter zu einer zusätzlichen Runde anstachelt, nur um schlussendlich den allerletzten Breakdown verschmitzt durch Rick Astleys „Never Gonna Give You Up“ zu ersetzen. Manche Dinge werden eben nie alt.

Fotogalerie: STAIN THE CANVAS

AVRALIZE

^{(zurück zur Navigation)}

Erst vor zwei Wochen verschlug es AVRALIZE für einen Festivalauftritt nach Taiwan. Keine Frage, dass bei den Rückkehrern heute also „Wanderlust“ auf der Setlist steht und mit einem beachtlichen Circle Pit gewürdigt wird: Obwohl sich das Quartett mit seinem aktuellen Studioalbum „Liminal“ (2025) des Modern Metalcore-Korsetts zusehends entledigt hat, bleibt der bunte Stilmix packend.

Das spiegelt sich in der Reaktion des EASTER CROSS, welches die verspielten Gitarren und wilden Breaks von „Medicine“ ebenso ins Herz schließt wie die die unverkrampften Strophen von „Bite My Tongue“. Im Takt springen kann man hier schließlich weiterhin ausgelassen und auch eine Wall of Death packen AVRALIZE zum Ende geschickt in den Song. Das funktioniert, weil das aktuelle Material live spürbar kraftvoller wirkt als in der Studioversion.

Mit AVRALIZE vergeht die Zeit wie im Flug

Daher können die neuen Kompositionen, die den Großteil des Sets stellen, selbst neben erprobten Brechern wie „Lotus“ bestehen. Überhaupt vergeht die gute halbe Stunde in der Neckarhalle wie im Flug, was auch an der kurzweiligen Performance der Band aus Rottweil liegt: Sympathisch und authentisch geben sich AVRALIZE auf den Brettern, wobei vor allem Frontmann Severin Sailer in seiner Rolle aufzugehen scheint. Klammerte sich der Sänger früher bisweilen an seinen Mikrofonständer, nennt er nun die komplette Bühne sein zu Hause. Schön, dass am Ostersonntag so viel Enthusiasmus auf die gleiche Menge Gegenliebe stößt.

AVRALIZE: Liminal

• Empfehlung
• Reviews

vonFlorian Schaffer

14. November 2025

AVRALIZE Setlist – ca. 35 Min.

1. Medicine
2. Wanderlust
3. Lotus
4. Bite My Tongue
5. Liminal
6. Canvas
7. Helium
8. Upside Down

Fotogalerie: AVRALIZE

BUTCHER BABIES

^{(zurück zur Navigation)}

Um ähnlich viel Anerkennung müssen die BUTCHER BABIES derweil kämpfen: Im Vergleich zu den Quasi-Lokalmatadoren hat sich die Arena eine knappe halbe Stunde später spürbar geleert. Allzu dramatisch fällt der Publikumsschwund glücklicherweise nicht aus, weshalb die Stimmung in der Neckarhalle keinen nennenswerten Dämpfer erfährt.

Einen nicht zu unterschätzenden Anteil daran trägt freilich Heidi Shepherd, deren harsche Vocals im kompromisslosen Einstieg „Backstreets Of Tennessee“ mindestens so makellos sind wie das sorgfältig aufgetragene Make-up im Gesicht. Bremsen lässt sich die Shouterin darüber hinaus sowieso nicht, sondern erklimmt im kernigen „Monsters Ball“ früh den Wellenbrecher, um den Fans in den vorderen Reihen eigenhändig Feuer unterm Hintern zu machen.

BUTCHER BABIES-Sängerin Heidi Shepherd hat ihr Stageacting sichtlich perfektioniert

Keine Frage, Shepherd ist eine erfahrene und überaus routinierte Frontfrau, deren Publikumsdialog in der Konsequenz oftmals arg einstudiert wirkt, die dafür jedoch ihr energisches Stageacting bis ins letzte Detail perfektioniert hat. Mit beispielloser Präsenz füllt sie nicht nur jeden Zentimeter der Bühne, sondern später auch das Auge des Circle Pits, welcher sich unermüdlich um die blonde Mähne im Zentrum dreht.

Dass die BUTCHER BABIES nach Besetzungswechsel also auch ohne ihre einstige Doppelspitze gut funktionieren, wollen wir angesichts dieser Performance nicht weiter anzweifeln. Ganz ohne Zugeständnis geht es allerdings nicht: Gerade die klar gesungenen Hooks von „Red Thunder“ und „Sincerity“ begleiten heute prominent platzierte Backing Tracks, die wohl etwas mehr Volumen beisteuern sollen.

BUTCHER BABIES Setlist – ca. 45 Min.

1. Backstreets Of Tennessee
2. Red Thunder
3. Monsters Ball
4. Sincerity
5. Beaver Cage
6. It’s Killin’ Time, Baby!
7. Lost In Your Touch
8. Black Dove
9. Spittin’ Teeth
10. Drum Solo
11. Magnolia Blvd.

Fotogalerie: BUTCHER BABIES

THE BROWNING

^{(zurück zur Navigation)}

Mit der Lokalität durfte sich Mastermind Jonny McBee bereits am Nachmittag vertraut machen. Im Vergleich zum Anheizer-Slot mit THE DEFECT blickt der Frontmann nun allerdings auf eine vollgepackte Arena, die sodann zur Tanzfläche umfunktioniert wird. Gefeiert wird heute nicht etwa die Wiederauferstehung Jesu, sondern die des Debütalbums „Burn This World“ (2011), dem das Trio zum 15-jährigen eine Neuaufnahme spendiert hatte.

Dementsprechend beginnen THE BROWNING die erste Hälfte des Sets mit einer kleinen Zeitreise: „No Escape“ und „Not Alone“ zeigen die Marschrichtung des Electronic Deathcore auf, welcher massive Riffs, mörderischen Groove und tanzbare Synth-Einschübe miteinander verbindet. Dazu passend setzt die Band auf Nebel, erratische Lichter und indirekte Beleuchtung, um die althergebrachte Sporthalle für 45 Minuten in einen angesagten Nachtclub zu verwandeln.

THE BROWNING haben ihr Publikum fest in der Hand

Passend dazu wummert der Bass mit besonders viel Nachdruck, so dass sich während der Show gar ein längst vergessener, herzförmiger Gasluftballon aus dem Gebälk löst und sanft zu Boden segelt. Die Trance-Vibes von „Bloodlust“ sorgen in der Zwischenzeit für regelrechte Eskalation im Zentrum, wo die Oberndorfer:innen wahlweise im Takt springen oder sich gleich in den Moshpit stürzen.

Als etwa zur Hälfte mit „Wake Up“ die erste Zäsur folgt, haben THE BROWNING ihr Publikum ohnehin schon längst in der Hand, weshalb die Auswahl aktueller Stücke von „Hivemind“ über „Deveiver“ bis hin zu „Poison“ zum regelrechten Siegeszug wird. Den stimmungstechnischen Höhepunkt erreicht das Set aber während einer Coverversion: Dass man hierzulande und vor einem feierwütigen Publikum mit EIFFEL 65s „Blue (Da Ba Dee)“ nur gewinnen kann, ist sicherlich kein Geheimnis.

THE BROWNING: OMNI

• Reviews

vonFlorian Schaffer

29. November 2024

Fotogalerie: THE BROWNING

INFECTED RAIN

^{(zurück zur Navigation)}

Der Intro-Track “Mutation Phase” lässt bereits durchblicken, was INFECTED RAIN im Schilde führen: Bevor die Nu / Alternative Metal-Band jedoch auf dem EASTER CROSS ihre neue Ära einleiten kann, gilt es erstmal die Technik zum Laufen zu bringen. Aus der Distanz scheinen es die beiden LED-Screens zu sein, die zunächst etwas Zicken machen und so für die zehnminütige Verspätung verantwortlich sind.

Als es dann letzten Endes losgeht, präsentieren uns die Moldauer tatsächlich ein neues Gesicht: So perfekt ausgeklügelt und abgestimmt war die begleitende visuelle Untermalung bislang noch nie, obschon wir das Quartett um Sängerin Lena Scissorhands bereits einige Male live erleben durften.

INFECTED RAIN kommen heute nicht so richtig in Fahrt

Leider fehlt es im Gegenzug heute an Spritzigkeit: Gitarrist Vidick fegt zwar wie der Wirbelwind über die Bühne, so dass wir uns manchmal fragen, wie der Mann bei all den Drehungen überhaupt noch sein Instrument bedienen will.

Im Gesamten will der Funke allerdings nicht so recht überspringen: Der Ton in der Neckarhalle ist während des Sets auffallend leise, wohingegen Fronterin Lena Scissorhands gesundheitlich angeschlagen klingt. Zu hören ist das jedenfalls immer dann, wenn sie ihre Singstimme erhebt, die in „The Answer Is You“ oder „Dying Light“ hörbar heiser – doch immerhin live – ertönt.

Für „The Realm of Chaos“ gibt sich BUTCHER BABIES-Sängerin Heidi die Ehre

Ferner wird selbst der Sprung aus der Hocke in Zweitgenanntem nicht zum ersehnten Eisbrecher, wenngleich es schwer ist, einen einzigen ausschlaggebenden Grund für die gedämpfte Atmosphäre in der Halle auszumachen. Grundsätzlich agiert Scissorhands nämlich wie ihre Mitstreiter:innen gleichermaßen routiniert wie engagiert, während INFECTED RAIN mit dem Klassiker Orphan Soul“ sogar einen Ausflug in frühere Schaffensperioden wagen.

Dass für „The Realm Of Chaos” zudem Heidi Shepherd (BUTCHER BABIES) auf die Bretter zurückkehrt, ist ein schöner Touch, den Lena Scissorhands mit Blick auf die Gastsängerin entsprechend zu würdigen weiß: Endlich könne man den Song so aufführen, wie er ursprünglich konzipiert wurde. Ein schönes Geschenk an die Fans – schade, dass INFECTED RAIN auf dem EASTER CROSS ansonsten nicht so zwingend auftreten, wie wir es in der Vergangenheit von der Gruppe gewohnt waren.

INFECTED RAIN: Time

• Empfehlung
• Reviews

vonFlorian Schaffer

10. Februar 2024

INFECTED RAIN Setlist – ca. 50 Min.

1. Mutation Phase
2. The Answer Is You
3. Dying Light
4. Fighter
5. Orphan Soul
6. Stranger
7. The Realm Of Chaos
8. Never To Return
9. Because I Let You

Fotogalerie: INFECTED RAIN

IGNITE

^{(zurück zur Navigation)}

Streng genommen sind sie ja die einzige richtige Core-Band an diesem Festivaltag: Entsprechend fallen IGNITE stilistisch zwar aus dem Rahmen, trotz traditionsverbundener Ausrichtung aber nicht aus der Zeit. Im Gegenteil sogar, denn dem unverschämt nach vorne preschenden Melodic Hardcore-Punk können wir uns kaum entziehen, zumal wohl keine andere Formation an diesem Osterwochenende so viel aufrichtige Spielfreude zeigt wie die US-Amerikaner.

Geradezu unablässig sind die vier Musiker unterwegs, während sie zeitgleich den Blickkontakt mit den Fans suchen. Entsprechend dauert es nicht lange, bis sich langsam der erste kleine Pit formiert, der nur dann zum Stehen kommt, wenn der rundum sympathische Eli Santana ein paar Worte an die Anhängerschaft richtet.

Bodenständig und sympathisch: IGNITE leben für die Musik

Dessen Forderungen bleiben in der Folge keineswegs ungehört, so dass das Infield in „Let It Burn“ bald auf und ab springt oder sogar selbst die Stimme erhebt. „Bleeding“ nimmt Santana nämlich zum Anlass, um am Wellenbrecher das Mikrofon durchzureichen. „Who Sold Out Now?“ fragen IGNITE im Anschluss und erhalten die eindeutige Rückmeldung. Sicherlich nicht das bodenständige Quartett aus Orange County, das für das Finale sogar einen Fan auf die Bühne holt.

Nicht ganz klar war zuvor, was sich der gute Mann von seinen Helden erhofft hatte, wir vermuten jedoch, dass es hier primär um ein Foto ging. Nun aber steht der Metalhead plötzlich mit Brett Rasmussens Bass in der Hand vor 2000 gut gelaunten Besucher:innen und darf spontanen eine Lektion Musikunterricht genießen.

IGNITE verkörpern das, was Live-Shows so magisch macht

Zwar muss Rasmussen am Ende des Tages doch wieder selbst Hand anlegen, sein ersehntes Foto hingegen darf sich der Fan letztlich doch noch abholen, nachdem Frontmann Eli Santana von seinem verdienten Bad in der Menge zurückgekehrt war. Kurzum, ohne Pomp und Schnickschnack verkörpern IGNITE exakt das, was Live-Shows in ihrem Kern so magisch macht.

IGNITE: Ignite

• Reviews

vonMarkus

8. Juni 2022

Fotogalerie: IGNITE

THE BUTCHER SISTERS / TBS

^{(zurück zur Navigation)}

A propos Magie: Für den Headline-Slot hat sich das EASTER CROSS regelrechte Mulitalente ins Haus geholt. Ihre „Rap, Rock und Zaubershow“ starten THE BUTCHER SISTERS aka TBS heute direkt mit einem verblüffenden Trick, indem sich die fünf Musiker aus dem Nichts auf der Bühne materialisieren. Wie genau diese Illusion funktioniert, erfahren wir zwar nicht – ein echter Zauberer bewahrt seine Geheimnisse, ihr versteht -, letztlich scheint man hier jedoch die Methoden des Magier-Duos Siegfried & Joy einfach umgekehrt zu haben.

Deren Parade-Praktik beherrschen TBS selbstverständlich ebenfalls, wobei im Laufe der 70-minütigen Show vorwiegend Bierdosen verschwinden sollen. Eine ganze Reihe davon erwischt es schon im Opener „Bierosaufus Ex“, wo Shouter Stroppo den kühlen Gerstensaft als Treibstoff für den Breakdown benötigt. Letztlich nur ein kleiner Vorwand, wie uns scheint, um die vorderen Reihen inklusive Fotografen einer schäumenden Bierdusche zu unterziehen.

TBS zeichnen sich wiederholt durch ihre Entertainerqualitäten aus

Zumindest die Fans baden augenscheinlich gerne im Gesöff, schließlich handelt es sich hierbei nur um den Beginn einer riesengroßen Sause, die eigentlich permanent am Rande der Eskalation zu stehen scheint. Die Texte zwischen Saufgelage und Zeitgeist kennt das EASTER CROSS bis zur letzten Silbe, so dass Rapper Alex in „Herr Dokter“ eigentlich auch das Mikrofon beiseitelegen oder im zuvor bemühten magischen Zylinder gegen eine zusätzliche Bierdose hätte tauschen können.

Was TBS auszeichnet, sind derweil die Entertainer-Qualitäten, die Stroppo auch heute wieder per passendem Dialekt an die Zielregion anpasst, auf der einen sowie die begleitende Dramaturgie auf der anderen Seite. Ob nun ein eingeschobener Sketch vor „Cityroller“ den Song ankündigt oder Frontmann Alex anhand von Stroppo mit dem „geteilten Mann“ den berühmtesten aller Zaubertricks performt; sein Programm hält das Quintett frisch, indem es offensichtlich dämliche Pointen mit unberechenbaren Twists verknüpft. Kurzum, obwohl wir die Band erst im vergangenen Jahr erlebt haben, dürfen wir uns über neue Gags und eine geschmeidigere Setlist mit weniger Leerlauf freuen.

TBS-Shouter Stroppo reitet auf dem Bananenpferdeboot über die Menge

Dabei füllt die Gruppe ihr Programm auch ohne einen Live-Klassiker wie „UGA UGA BAM BAM“ mit zahllosen Hits, die vom Singalong „Reiner“ über das bewährte „Sonnenbrille“ bis hin zum Hit „White Monster“ reichen. Dass in letzterem die Wall of Death knallhart mit Rick Astley getrollt wird, wusste man dank Social Media schon vorab, ins offene Messer läuft die Fanschar trotzdem mit breitem Grinsen im Gesicht. Kurios: Bekämen wir jedes Mal einen Euro, wenn eine Band auf dem EASTER CROSS ihr Publikum rickrollt, dann hätten wir nun zwei Euro. Das ist nicht viel, aber es ist seltsam, dass es zweimal passiert ist.

Was sich im weiteren Verlauf der Show abspielt, ist indes gar nicht so einfach in wenige Worte zu fassen: Während auf den Brettern Sänger Alex mit der Akustikgitarre eine Interpretation von Christina Aguileras „Genie In A Bottle“ wiedergibt und Stroppo im Cowboyhut zur Country-Rock-Nummer „Klettergerüst“ einen Ausritt mit dem Bananenpferdeboot wagt, geht es in der Menge selbst mindestens genauso bekloppt zu.

Der Zugabenblock ist für TBS die Kür eines völlig außer Rand und Band geratenen Abends

So bekommt der singende Cowboy erst spontane Gesellschaft von einem weiblichen Fan, stürzt aber dann während der Nummer von seinem unförmigen Gaul und mitten in das jubelnde Publikum. Dort sichten wir außerdem den von der Band liebevoll getauften „Adidas-Man“, welcher sich das Logo des Sportartikelherstellers in mühsamer Detailarbeit in die Brust rasiert hat. Der spontane Gastauftritt der KING NUGGET GANG für den „Nudelsong“ gerät bei so viel Tohuwabohu fast schon zur Randnotiz.

Der Zugabenblock aus „Drachentöter“ und „Baggersee“ ist schlussendlich die Kür eines völlig außer Rand und Band geratenen Abends, der mit einem riesigen Wasserball, Luftschlangen und einem Geständnis sein Ende findet: „Wer hat ins Wasser gepisst?“, lautet die abschließende Frage, die sodann eine überraschende Wendung offenbart. Glaubt man dem EASTER CROSS 2026, dann ist hier niemand unschuldig. Das mag freilich nur im übertragenen Sinn Geltung haben, doch dass gleich eine ganze Arena kollektiv die Scham ablegt? Das ist das Werk von TBS und damit wohl auch der größte Zaubertrick von allen.

THE BUTCHER SISTERS: „Dieses Album spaltet die Menschen – mit einer Axt“

• Empfehlung
• Interviews

vonChristina Willems

18. Januar 2026

TBS Setlist – ca. 70 Min.

1. Bierosaufus Ex
2. Herr Dokter
3. Bierdurst
4. Rainer
5. Sonnenbrille
6. White Monster
7. Genie In A Bottle
8. Klettergerüst
9. City Roller
10. Bauchtasche
11. Nudelsong
12. Freitag
——————
13. Drachentöter
14. Baggersee

Fotogalerie: TBS

Lokaler Touch trifft internationales Flair: Das EASTER CROSS ist eine Institution der regionalen Metalszene

^{(zurück zur Navigation)}

Das Motto „Traditionell hart zu Ostern“ nimmt es ja eigentlich schon vorweg: Das EASTER CROSS ist nicht erst seit gestern eine wichtige Institution der regionalen Metalszene, deren Einfluss sich Stück für Stück jedoch auch über die Landesgrenzen hinaus ausbreitet. Begründet ist das im eigentlich recht einfach gestrickten Erfolgsrezept, das sich auf ein musikalisch breit gefächertes Line-up stützt und dieses mit gleichermaßen lokalem Touch sowie internationalem Flair abrundet. Ansonsten ist es das Miteinander, das im Mittelpunkt der Veranstaltung steht: faire Preise, kurze Wege, freundliche Helfer:innen sowie eingespielte Abläufe sorgen für eine Wohlfühlatmosphäre.

Selbst ohne riesengroßes Rahmenprogramm, findet sich abseits der Shows ein wenig Ablenkung: Sei es das gemütliche Stöbern im Merchandise-Eck oder beim ungezwungenen Plausch vor den Toren, wo sich inmitten der Verpflegungsstände stets willige Gesprächspartner:innen finden lassen.

Nur direkt vor der Bühne lief nicht alles rund

Bei einem derart eingespielten Team, ist es somit verwunderlich, warum am zweiten Tag ausgerechnet die Bühnensecurity durch wiederholte Unachtsamkeit aufgefallen war: Dass Crowdsurfer:innen am Ende ihrer Reise schlicht auf den Boden krachen, darf einfach nicht passieren und bedarf künftig unbedingt sorgsamerer Aufmerksamkeit, um ein böses Ende für den Einzelnen zu vermeiden.

Glücklicherweise ist das EASTER CROSS selbst als Veranstaltung weit von einem solchen entfernt. Mit SKINDRED, CONSVMER und dem Mittelalter-Rap-Duo MITTEL ALTA haben die Veranstalter schließlich schon die ersten Acts für die nächste Auflage bestätigt. Stattfinden wird diese zur selben Zeit, am selben Ort: Das Osterwochenende in Oberndorf haben wir uns in der Folge direkt mit leuchtendem Stift im Kalender markiert. Denn was aus unserer Perspektive diesmal etwas völlig Neues war, möge auch für uns bald ebenfalls Tradition sein.

EASTER CROSS 2027: Termin, Tickets und Bands – erste Information zum Indoor-Festival an Ostern

• Weekly Metal News
• News

vonFlorian Schaffer

15. April 2026

Fotogalerie: Impressionen

^{(zurück zur Navigation)}

Fotos: Tatjana Braun (https://www.instagram.com/tbraun_photography/)

Entsprechend beginnt das gitarrengestützte Intro mit einem erschütternden Schrei, bevor ATREYU in „Dead“ tatsächlich die Fäuste ballen. Mit Melodeath-Einschlag und einem akustischen Zwischenpart bewegt sich das Stück zwischen IN FLAMES und BULLET FOR MY VALENTINE, während sogar Sänger Brandon Saller in den Strophen ein paar Screams beisteuert. Für uns Hörer ist das ein Segen, da Kollege Port McKnight im harschen Spektrum für ein komplettes Album leider die Bandbreite fehlt. Das unterstreicht später noch „In The Dark“, welches sich aber schnell vom IN FLAMES-artigen Brecher zum kitschigen Kuschelrocker samt Chören und Saxofon wandelt.

ATREYU fahren auf „The End Is Not The End“ etwas öfter die Ellenbogen aus

Energischer geht hingegen „Ego Death“ zu Werke, das mit Hardcore-Einschlag stark beginnt, bis der poppige Refrain das Stück mit vollem Schwung gegen die Wand setzt. Eingängige Singalongs haben sich ferner nicht aus der bandeigenen DNA verabschiedet, obschon ATREYU die Stadionrock-Ambitionen spürbar zurückgeschraubt haben. Dennoch setzt „Break Me“ auf moderne US-Rock-Riffs, deren Groove auf natürliche Weise in die klar gesungene Hook überleitet. Noch plakativer ist der Airplay-Fokus in „All For You“ zu spüren, wo das Quintett dem Arena-Sound schlussendlich doch nicht auskommt.

Aktuelle Fans der US-Amerikaner müssen sich somit keinesfalls auf ein blaues Wunder gefasst machen. Reich an süßlichen Melodien ist „The End Is Not The End“ weiterhin, wobei nun eben die Zugänglichkeit durch häufigere Einschübe der härteren Gangart kontrastiert wird. „Glass Eater“ ist ein gutes Beispiel hierfür, „Death Rattle“ ein weiteres, wo ATREYU ein wenig die Ellenbogen ausfahren.

Ihren Kuschelkurs haben ATREYU nur teilweise aufgegeben

Mit Akustikgitarren und poppigem Schunkel-Rhythmus geht „Afterglow“ indes auf Kuschelkurs, nachdem es die Powerballade „Wait My Love, I’ll Be Home“ bereits im vorherigen Verlauf mit dem Pathos übertrieben hatte. Dass allein diese beiden Stücke ausreichen, um die Marketing-Abteilung Lügen zu strafen, versteht sich von selbst, insbesondere wenn man zum Vergleich mit „The Curse“ (2004) das Frühwerk der Band heranzieht.

Andererseits sind ATREYU schon lange nicht mehr dieselbe Band wie damals, weshalb diese aktuelle Entwicklung, die härtere Klänge nicht mehr scheut wie der Teufel das Weihwasser, uns grundsätzlich positiv stimmt. Insbesondere, weil die fünf Musiker noch lange nicht ans aufhören denken, wie sich zumindest vom Titel ihres zehnten Studioalbums ableiten lässt.

Veröffentlichungstermin: 24.04.2026

Spielzeit: 45:08

Line-Up

Brandon Saller – Lead Vocals
Dan Jacobs – Guitar
Travis Miguel – Guitar
Porter McKnight – Bass/Vocals
Kyle Rosa – Drums

Produziert von Matthew Pauling

Label: Spinefarm Records

Homepage: https://www.atreyuofficial.com/
Facebook: https://www.facebook.com/Atreyu
Instagram: https://www.instagram.com/atreyuofficial/

ATREYU “The End Is Not The End” Tracklist

1. The End Is Not The End
2. Break The Glass
3. Dead (Video bei YouTube)
4. Break Me
5. All For You (Video bei YouTube)
6. Ghost In Me
7. Glass Eater
8. Wait My Love, I’ll Be Home Soon
9. Ego Death (Video bei YouTube)
10. Death Rattle
11. Children Of Light
12. In The Dark
13. Afterglow

„Doodswens“ ist ein transformatives Album, mit dem die Band eine ursprüngliche Kraft entstehen lässt.

Die niederländische Band, deren Name übersetzt „Todeswunsch“ bedeutet, lässt auf den ersten Blick auf ein anderes Mindset schließen. DOODSWENS widerstehen aber und fokussieren sich darauf, so zu leben, dass es egal ist, ob morgen schon der Tod wartet, weil das Leben völlig ausgekostet wurde. Das ist spürbar in der Energie, die in den Songs liegt. Bandleaderin, Sängerin und Drummerin I. drischt und schreit voller Inbrunst, die Riffs von P. (OSSAERT, DÖDSRIT) sind primitiv aber im allergrößten Fall absolut treffsicher. Die Art des Black Metals, den DOODSWENS spielen, ist völlig frei von Innovationen und reiht sich zwischen zeitgenössischen Bands wie ASAGRAUM und CULTUS PROFANO ein, die ihrerseits der Schule der zweiten Welle (denke DARKTHRONE) aus einer zeitgemäßeren und auch weiblicheren Perspektive Tribut zollen, natürlich nicht im Sinne von Symphonic Metal mit wallenden Kleidern, sondern mit einer ursprünglichen, schwefelig-pechschwarzen Aura.

Das Ergebnis ist unvergleichlich kraftvoll und direkt: Auch wenn die Songs mal über sechs Minuten dauern, repetitive Langeweile gibt es keine auf diesem Album. Egal ob es kompakte, punkige und leicht thrashige Black Metal-Songs („Verrot“, „Devil’s Stone“, „Vlaamse Vloek“) sind, oder ob die DOODSWENS etwas atmosphärischer und langsam vorgehen („She Carries The Curse“), fast immer schafft es das Trio, dass die Musik wirklich berührt und unter die Haut geht. Dabei sind die Songs so gut geschrieben, dass es schnell klick macht. Besonders trifft das auf „These Wounds Never Healed“ zu, das sich nach einem schleppenden Start erst in eine epische Richtung entwickelt und dann an Geschwindigkeit gewinnt.

DOODSWENS pusten den Staub vom Black Metal der zweiten Welle: „Doodswens“ ist ein frisches und fast schon kathartisches Album.

„Doodswens“ ist völlig unoriginell und somit wird es die Zeit zeigen müssen, ob dieses Album auch langfristig begeistern kann. Immerhin sind die Songs gespickt mit erstklassigen Riffs, soliden Arrangements und einer starken Gesangsperformance. Zwar sind nicht alle Songs auf gleichbleibend hohem Niveau, Ausfälle gibt es aber keine. Und verglichen mit so mancher schlecht gealterten Genregröße ist hier noch Feuer und Leidenschaft zu spüren. Die Energie, mit der sich DOODSWENS trotzig der grauen Wolke entgegenstellen, ist bemerkenswert. Nicht zuletzt deshalb ist ihr zweites Album ein sehr kraftvolles, beinahe kathartisches Werk, das laut gehört werden will und bei gewissen Personengruppen besondere Resonanz finden wird – bei denjenigen, die sich der grauen Wolke eben nicht hingeben wollen, egal wie dicht sie über dem Haupt schwebt. Starkes Album!

Wertung: 5,5 von 7 Wunschzettel

VÖ: 17. April 2026

Spielzeit: 37:30

Line-Up:
I. – Drums, Vocals
R. – Bass
P. – Guitar

Label: Svart Records

DOODSWENS „Doodswens“ Tracklist:

1. Driven By Death (Official Video bei Youtube) 
2. Verrot
3. The Black Flame (Official Video bei Youtube) 
4. These Wounds Never Healed
5. She Carries The Curse
6. Devil’s Stone
7. Vlaamse Vloek

DOODSWENS „Doodswens“ Full Album Stream bei Youtube 

Mehr im Netz:

https://doodswensband.bandcamp.com
https://www.instagram.com/doodswens.band
https://www.facebook.com/DoodswensOfficial/

@doodswensband

Und so beginnt das Album: Das Instrumentalstück „One Man Wall Of Death“ – nebenbei bemerkt ein Anwärter auf den Songtitel des Jahres – startet mit comichaften Samples und einem tonnenschweren Riff, bevor die Düsternis, durchzogen langsam einsickert, begleitet von diesen bizarren Dialogfetzen nach Art von Hammer-Filmen der 1960er und einem krachenden Noise-Crescendo. Die Samples sind es auch, die CRIPPLED BLACK PHOENIX durch das Album hindurch ziehen und die das bizarre Theater zusammenhalten. Und der Vorhang, der hier gelüftet wird, lässt auf der Bühne allerhand wilde Charaktere, respektive Songs tanzen.

Laute und krachende Songs sind auf „Sceaduhelm“ in der Unterzahl: CRIPPLED BLACK PHOENIX fokussieren sich auf Melancholie.

Atmosphärisch und todtraurig ist das alles, cool und doch mit der ungebremsten Kraft des Rock And Roll. Ein wenig so, als wäre die Schwärze von „Ellengaest“ zurückgekehrt. „Sceaduhelm“ ist dabei kompakter und weniger verkopft als sein Vorgänger. Greaves schenkt sich die Dienste eines Frontmannes in diesen Songs, mit Joel Segerstedt hat es offensichtlich nicht dauerhaft funktioniert. Neben ihm sind vor allem Sängerin und Lyrikerin Belinda Kordic, Lucy Marshall an den Tasten, Gitarrist Andy Taylor und Wes Wasley am Bass zu hören. In dieser Besetzung entsteht gleich zu Beginn der krachende Hit „Ravenettes“, das dreckig wie die eingängigen Stücke vom Nebenprojekt JOHNNY THE BOY ist, aber auch etwas Extravaganz atmen.t

Die lauten, angriffslustigen Songs sind in der Unterzahl, und doch ist der beste Song des Albums sehr wuchtig. CRIPPLED BLACK PHOENIX haben mit der unglaublichen Gothrock/Post Punk-Nummer „Vampire Grave“ bei der Ryan Patterson (FOTOCRIME) wieder zu hören ist, ein unverschämt sexy und cooles Stück auf „Sceaduhelm“. Zumeist gibt es melancholische, düstere Songs zu hören, wie das tieftraurige „Things Start Falling Apart“ mit Sänger Justin Storms, dessen Uptempo-Finale etwas zu abrupt kommt, oder auch „Under The Eye“, auf dem Belinda Kordic so gut wie noch nie singt – beschwörend, todtraurig und voller Größe.

CRIPPLED BLACK PHOENIX große stilistische Varianz und gleichzeitige Stimmigkeit lassen „Sceaduhelm“ wie im Flug vergehen.

„Colder And Colder“ verdient seinen Titel zurecht. Mit Wave-Gitarren, pumpendem Bass und dem unterkühlten Gesang von Justin Storms lässt dieses Stück einen Schauer über den Rücken laufen, das leise „Tired To The Bone“ ergänzt das perfekt, gewürzt mit etwas innerem Frieden. „No Epitaph – The Precipice“ mit Americana-Flair und Ryan Pattersons tiefem Gesang, hat einen sensationell coolen Refrain und entwickelt sich zu einem kraftvollen Song, der am Ende die Post Rock-Dynamik aus CRIPPLED BLACK PHOENIX’ Vergangenheit aufleben lässt. Wenn am Ende mit dem beinahe doomigen, von erhabenen Harmonien überlagerten „Beautiful Destroyer“ das Album seinen tristen Schlusspunkt findet, wirkt es gar nicht so, als wären bereits 66 Minuten vergangen.

„Sceaduhelm“ gelingt ein Kunststück: Trotz großer stilistischer Varianz, zwischen todtraurigen, in sich gekehrten Songs und lauten, brachialen Stücken fließen die zwölf Songs ineinander über und erschaffen ein Album, das facettenreich wie geschlossen wirkt. Das geschieht einerseits durch die generell düstere Ausrichtung der Songs, aber auch durch den Sound, der durch das Drumming, die Gitarren und Iver Sandøys Mix gut zusammengehalten wird. Dreieinhalb Jahre nach „Banefyre“ hat Justin Graves ein beeindruckend vielseitiges doch kompaktes Album geschaffen, das nur in der Mitte mit „Hollows End“ und „Dropout“ einen kleinen Einbruch hat. „Sceaduhelm“ berührt mit seinen melancholischen Songs und reißt mit den lauten Stücken mit, und es feiert die vielen Facetten einer oftmals unterschätzten Band – mit Songs wie diesen müssen sich CRIPPLED BLACK PHOENIX definitiv nicht im Schatten verstecken.

Wertung: 10 von 12 Schattenspiele

VÖ: 17. April 2026

Spielzeit: 66:20

Line-Up:
Justin Greaves – Guitars, Drums, Melotron, Synths Samples
Wes Wasley – Bass
Lucy Marshall – Piano, Synth, Hammond
Belinda Kordic – Vocals
Justin Storms – Vocals
Ryan Patterson – Vocals
Rene Misje – Guitar
Andy Taylor – Guitar
Iver Sandøy – Percussion
Robin Tow – Percussion

Label: Season Of Mist

CRIPPLED BLACK PHOENIX „Sceaduhelm“ Tracklist:

1. One Man Wall Of Death
2. Ravenettes (Official Video bei Youtube) 
3. Things Start Falling apart
4. No Epitaph / The Precipice
5. The Void
6. Hollows End
7. Dropout
8. Vampire Grave (Official Audio bei Youtube) 
9. Colder And Colder (Official Audio bei Youtube) 
10. Under The Eye
11. Tired To The Bone
12. Beautiful Destroyer

Mehr im Netz:

https://crippledblackphoenixsom.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/cbp_444/
https://www.facebook.com/CBP444
https://www.patreon.com/CrippledBlackPhoenix

Danke, dass du dir die Zeit nimmst, mit uns zu sprechen. Ihr seid jetzt fast mit der Hälfte der Europa-Tour durch. Wie kommen die neuen Songs bisher bei euren Fans an?

DANNY: Es ist unglaublich! Uns ist tatsächlich aufgefallen, dass die Leute die neuen Songs bei den Konzerten am lautesten mitsingen, was ziemlich verrückt ist. Wir wussten nicht, ob die Leute diese Songs genauso gut kennen würden wie die älteren Songs. Aber die ersten drei Konzerte, die wir gespielt haben, waren einfach der Wahnsinn! Es gab Momente, in denen ich dachte: Ich singe jetzt einfach nicht mehr. Die Fans kennen die Texte und ich lasse sie einfach machen. Es ist unglaublich, vor allem in Deutschland. Vielleicht bin ich da ein bisschen voreingenommen, weil ich in der Schule fünf Jahre lang Deutsch gelernt habe und schon immer nach Deutschland kommen wollte, aber ich habe einfach das Gefühl, dass sie die besten Fans der ganzen Welt haben. Die Konzerte in Deutschland waren einfach großartig und ich bin sehr dankbar, dass ich hierherkommen und vor so tollen Fans spielen darf. Heute ist unser letzter Abend in Deutschland und es ist das bisher größte Konzert und ich bin sehr gespannt.

Was hat dir denn bisher am besten an Deutschland gefallen?

DANNY: Wir wussten, dass wir in Deutschland eine große Fanbase haben, aber wir waren absolut nicht darauf vorbereitet, dass unsere Shows innerhalb von fünf Minuten ausverkauft sein würden. Als wir das gehört haben, haben wir uns gedacht „Wow, das ist verrückt!“ Wir haben uns direkt nach Möglichkeiten erkundigt, die Shows in größere Venues zu verlegen. In Hamburg hat das leider nicht geklappt, aber das coolste daran war, dass die 500 Leute, die diese Tickets ergattern konnten, die größten Fans der Band waren. Es war also eine sehr vollgepackte Show mit eingefleischten Fans. Und dann passierte dasselbe hier in Köln, wo wir eine kleinere Venue hatten, die auch innerhalb von 3 oder 5 Minuten ausverkauft war. Hier konnten wir zum Glück auf diese Venue (Live Music Hall, Köln) ausweichen, in die glaube ich ca. 1.400 Leute reinpassen…und auch hier waren die Tickets bereits nach einem Tag komplett ausverkauft, was für uns komplett verrückt ist. Ich habe einfach das Gefühl, dass Rap und Pop in Amerika mehr zum kulturellen Mainstream geworden sind und ich glaube, dass Rock und Metal in Deutschland im Mainstream immer noch eine große Präsenz haben. Und so scheint es einfach, als gäbe es bei den deutschen Fans und in der deutschen Kultur eine größere Leidenschaft für diese Musik. Und weil wir seit 10 Jahren nicht mehr hier waren, sind die Fans einfach total aus dem Häuschen. Es ist ein unglaubliches Gefühl, das zu erleben, weißt du, wenn wir auf die Bühne gehen und ich sie alle über meine In-Ear-Monitore hören kann, die ich brauche, um die Show zu hören. Ich kann sie über all das hinweg hören. Und es ist einfach verrückt.

Ich bekomme schon beim Zuhören Gänsehaut, das muss sich wirklich gut für euch anfühlen.

DANNY: Das tut es, es ist einfach unglaublich. Wir haben uns gestern Abend im Bus schon darüber unterhalten, dass wir es nicht erwarten können wiederzukommen. Wir wollen das richtig groß aufziehen, beim nächsten Mal können wir dann auch unsere Crew mitbringen und eine größere Produktion auf die Beine stellen, und wir werden einfach immer wiederkommen und das Ganze immer größer machen und das können wir alles nur wegen unserer Fans.

Das ist sehr schön zu hören! Jetzt aber mal zu eurem neuen Album: Mir ist beim Hören der ersten Songs, die ihr bereits veröffentlicht habt, aufgefallen, dass die Songs vor allem im Vergleich zu eurem vorherigen Album „Blackout“ irgendwie intensiver klingen. War das eine bewusste Intention von euch, und habt ihr diese Intensität auch beim Schreiben und Aufnehmen des Albums gespürt?

DANNY: Ja, ich glaube sowohl die Musik als auch die Songtexte sind intensiver. Wir wollten unbedingt ein Album aufnehmen, das noch besser werden sollte als „Blackout“. Und die Arbeit an dem Album war sehr intensiv. Wir hatten eine ganze Reihe von Songs, an denen wir gearbeitet und Demos aufgenommen hatten, die wir am Ende weggeworfen haben, weil wir dachten: Das ist einfach nicht gut genug. Die Musik hat uns einfach nicht genug bewegt und wir haben uns gedacht, wenn wir die Musik nicht fühlen, werden unsere Fans das auch nicht. Deshalb haben wir uns gesagt, wir müssen unsere Studio-Zeit verdoppeln, wir müssen da nochmal rein, um an besserem Material und neuen Songs zu arbeiten. Und dadurch war der Entstehungsprozess des Albums wirklich sehr intensiv. Die Musik, die Texte, der ganze Prozess – alles war sehr intensiv. Ich glaube, das kommt in der Musik auch rüber und ich denke, es ist gut, dass wir das so gemacht haben.

Auf jeden Fall! Es hört sich an, als hättet ihr euch selber sehr hohe Standards gesetzt und wenn man sich ansieht, wie die Resonanz bisher war, scheint es, als hätte sich das gelohnt.

DANNY: Ja, absolut.

Gibt es Künstler, von denen ihr euch für dieses Album oder auch generell für eure Musik inspirieren lassen habt?

DANNY: Ich glaube, wir lassen uns von allem inspirieren, was wir hören. Es gibt viele Bands, die in letzter Zeit echt tolle Sachen gemacht haben, und ich glaube, uns haben einige der neueren Sachen, wie zum Beispiel von Architects oder Bad Omens, richtig gut gefallen und das kann definitiv eine Rolle dabei spielen, wie man schreibt, weil die Dinge, die man hört, einen beeinflussen. Aber wir versuchen wirklich einfach auf das zu schauen, was wir gemacht haben, und darauf aufzubauen, um uns zu verbessern und weiterzuentwickeln. Und das war sozusagen der zentrale Fokus des ganzen Albums.

War die Arbeit an diesem Album – bzw. auch an Alben im allgemeinen – für euch eher ein persönlicher Prozess oder zieht ihr gerne auch Leute außerhalb der Band hinzu, um euch Ratschläge und Meinungen von außen einzuholen?

DANNY: Was das Schreiben und Aufnehmen angeht, versuchen wir, das Ganze ziemlich unter uns zu behalten. Wir sind ein sehr eng verbundenes Team. Es sind also im Grunde nur wir und unser Produzent, der mit uns zusammenarbeitet. Wir beziehen andere Leute mit ein, wenn wir gerade dabei sind, Songs als Singles auszuwählen, wo wir dann so sagen: „Hör dir diesen Song an, hör dir jenen Song an“, und fragen: „Was denkst du, gefällt dir dieser Song besser? Oder gefällt dir der andere Song besser?“ Wir holen dann Leute aus unserem engsten Kreis dazu, ob das nun super enge Freunde oder Ehepartner oder Geschwister sind, wir zeigen ihnen kleine Ausschnitte und sie sagen dann: „Der Song gefällt mir wirklich gut.“ Wenn wir sehen, dass vielen Leuten dieser oder jener Song gefällt, kann das immer hilfreich sein. Aber was den Aufnahmeprozess und den Schreibprozess angeht, ist das eine sehr geschlossene Sache, nur wir. Und sonst niemand.

Das kann ich gut nachvollziehen, aber es ist wahrscheinlich hilfreich, dann später im Prozess Meinungen von Leuten einzuholen, die nicht unbedingt Musiker sind und einen anderen Blick auf die Musik haben.

DANNY: Ja, manchmal kommen wir beim Schreiben der Songs an einen Punkt, an dem wir schon total ausgebrannt sind, weil wir sie ständig hören. Wir hören sie tausende Male, bevor alle anderen sie hören. Und meine Frau hat mir das tatsächlich auch vor kurzem gesagt. Sie meinte nur: „Weißt du, ich verstehe mittlerweile, warum du deine eigene Musik jetzt nicht mehr hörst“, weil sie denselben Song jetzt schon tausende und abertausende Male gehört hat, sei es der Refrain von „Die for You“ oder was auch immer. Sie sagte: „Ja, ich habe das Gefühl, diesen Song selbst schon eine Millionen Mal gehört zu haben.“ Die Songs werden uns einfach irgendwann überdrüssig und das Verrückteste daran ist, dass sie noch nicht einmal veröffentlicht sind. Also ja, es hilft manchmal, Meinungen von außen einzuholen, weil wir manchmal wirklich übersättigt davon sind, denselben Song ständig zu hören.

Mir ist aufgefallen, dass in den bisherigen Songs des Albums viele Metaphern und Bezüge rund um die Hölle, den Teufel und Dämonen auftauchen. Woher kam die Inspiration dafür und warum haben euch diese Motive und Themen besonders angesprochen?

DANNY: Ich glaube das ist tatsächlich einfach so passiert und dass uns das damals gar nicht so richtig aufgefallen ist. Wir haben einfach über das Leben geschrieben, über die Höhen und Tiefen, die guten und die schlechten Zeiten und da gibt es einfach sehr viele Dinge, die auf so etwas wie ein Fegefeuer hindeuten, wo es so ist, als würde man versuchen, einen besseren Ort zu erreichen, und manchmal wird man wieder nach unten gezogen, und das passiert im Leben andauernd. Ich glaube diese Texte sind einfach nur die natürliche Konsequenz von Dingen, die wir alle durchgemacht haben und die wir zu der Zeit gefühlt und über die wir geschrieben haben. Ich finde es im Nachhinein betrachtet schon verrückt, dass wir nicht unbedingt einen strengen Plan hatten, aber letztendlich heißt das Album „Reflections“ und steht dafür, den Blick nach innen zu wenden, an sich selbst zu arbeiten und über das eigene Leben zu reflektieren. Und da es um die Höhen und Tiefen im Leben geht, hat sich der Kreis wirklich geschlossen. All das Zeug über Himmel, Hölle und Fegefeuer ist einfach so passiert und ich glaube nicht, dass es besser hätte laufen können.

Wo wir gerade von diesem Thema sprechen, also von dieser Versuchung, sich in seinen dunklen Gedanken und Gewohnheiten zu verlieren, was ja auch in diesen Songs ein ziemlich großes Thema ist. Ich glaube, das ist etwas, womit sich viele Leute identifizieren können. Bekommt du viel Feedback von Fans, die sagen, dass diese Songs sie berühren, und wie fühlt sich das für dich an?

DANNY: Ja, solches Feedback bekommen wir sehr häufig. Ich glaube, das liegt daran, dass wir alle viel mehr gemeinsam haben, als uns bewusst ist. Weißt du, ich glaube, viele Menschen haben das Gefühl, dass sie nirgendwo reinpassen oder dass sie nicht zu der Welt dazugehören, weil sie sich allein fühlen. Und ich glaube, dass das, was wir über all diese Dinge schreiben, einfach zeigt, dass es vielen Menschen ganz ähnlich geht oder dass sie ähnliche Erfahrungen gemacht haben. Es ist also wirklich cool, so ein Feedback von Menschen aus aller Welt zu bekommen. Wir hatten gerade erst gestern und heute Leute, die uns erzählt haben, dass unsere Musik ihr Leben gerettet hat, was eines der coolsten Dinge ist, die man uns als Künstler sagen kann, denn das bedeutet, dass die Wirkung einfach unglaublich ist. Und es ist wirklich cool, eine solche Bedeutung im Leben von jemandem zu haben.

Vor allem auch von Leuten, die man kaum oder gar nicht kennt, das muss sich wirklich besonders anfühlen. Für viele Künstler sind das Touren und das Bereisen all dieser verschiedenen Städte auf der ganzen Welt oft eine Quelle für neue Ideen und Inspiration. Ich weiß, dass ihr wahrscheinlich noch eine Weile lang damit beschäftigt sein werdet, mit diesem Album auf Tour zu gehen, weil es zu diesem Zeitpunkt ja noch gar nicht erschienen ist, aber hast du schon Ideen, Pläne oder vielleicht sogar Wünsche für die Zukunft der Band?

DANNY: Wir wollen nach dieser Tour auf jeden Fall viel mehr ins Ausland reisen. Es war jetzt schon so unglaublich, also haben wir vor entweder gegen Ende diesen Jahres wiederzukommen, und wenn nicht, dann im kommenden Sommer, um auf allen europäischen Festivals zu spielen, mehr Headliner-Shows in Europa zu geben und vielleicht einige der Orte zu besuchen, die wir dieses Mal nicht besuchen konnten. Wir wollen das Ganze wirklich einfach weltweit ausbauen. Wir haben uns bisher so sehr auf die USA konzentriert und darauf, Touren zu machen, bei denen wir andere Bands unterstützt und vor anderen Leuten gespielt haben, dass wir jetzt wirklich das Gefühl haben, es ist an der Zeit, uns so weit wie möglich zu verzweigen, um zu zeigen, wie groß diese Fangemeinde und diese Familie wirklich ist, denn ich glaube, die Leute fangen langsam an zu begreifen: „Wow, diese From Ashes To New Band ist tatsächlich ziemlich groß.“ Und das ist ein cooles Gefühl. Und jetzt denken wir: Okay, wir müssen uns so weit wie möglich ausbreiten und an so viele Orte wie möglich gehen. Deshalb spielen wir dieses Jahr keine Headliner-Touren. Von jetzt an wird es diese sehr großen Tourneen als Support für größere Bands geben, und dann werden es, glaube ich, internationale Shows sein, und dann kommen wir ins Jahr 2027. Ich glaube, das ist nächstes Jahr, ich verliere fast den Überblick über die Jahre. Und dann wird unsere erste Headliner-Tour erst 2027 stattfinden, und dann kommen wir hoffentlich wieder nach Europa. Hoffentlich wieder. Und es ist so, dass wir überall sein werden, und genau das ist der Sinn der Sache.

Das hört sich ziemlich gut an. Ich habe noch eine letzte Frage: Wenn neue Musik veröffentlicht wird, müssen ja leider oft ältere Songs von der Setlist weichen. Welchen eurer älteren Songs würdest du gerne so lange wie möglich auf der Setlist behalten?

DANNY: Wir touren im Sommer mit Shinedown und haben bei dieser Tour nur 30 Minuten für unser Set und da wird es wirklich schwer, sich zu entscheiden. Und ich denke einer der Songs, die gestrichen werden und bei dem ich mir denke „Mann, es ist echt schade, dass wir ihn weglassen müssen, aber wir haben keine andere Wahl“, wird „Heartache“ sein. Wir haben nur Zeit für vielleicht acht Songs und das auch nur, wenn wir uns wirklich ranhalten und direkt wenn ein Song endet mit dem nächsten weitermachen und da passt Heartache dann leider nicht mehr rein. Denn wir müssen natürlich die neuen Songs spielen und wir müssen unsere großen Songs spielen, so wie „Barely Breathing“ und „Panic“ und „Through It All“ und selbst das sind ja schon drei Songs, also ist es wirklich schwierig. Wir spielen etwa vier Songs vom neuen Album und dann müssen wir diese drei Songs spielen. Das lässt vielleicht einen Platz übrig und das war’s. Also wenn wir eine kürzere Setlist spielen, gibt es definitiv vieles, was wir gerne auf der Setlist behalten würden, was wir aber nicht können. Aber „Heartache“ ist definitiv einer dieser Songs, der bei einer so kurzen Setlist gestrichen wird, und bei dem ich mir denke „Mensch, das ist echt schade!“

„Heartache“ ist wirklich ein guter Song, ich mag ihn auch sehr, deshalb kann ich das gut nachvollziehen. Jetzt bin ich aber erst mal gespannt auf eure Show heute Abend und darauf, wie laut die Fans in Köln heute sein werden. Danke, dass du dir die Zeit für ein Interview mit uns genommen hast.

DANNY: Das wird großartig, ich weiß, dass es großartig wird, deshalb kann ich es kaum erwarten!

FROM ASHES TO NEW – Live Music Hall, Köln – 11.04.2026 – Konzertfotos

Was macht das Skateboard im Horrorpunk?

Die Frage, warum ich mich auf einem Skateboard befinde, lässt sich ziemlich schnell beantworten. Ich habe mir „Blade Manor“ geangelt, das Debüt der kalifornischen Horrorpunks DARK RIDE. Und schon höre ich die Einwände: Horrorpunk und Skateboard – passt das überhaupt zusammen?

Müsste man sich nicht eher zu Halloween in einem Freizeitpark wiederfinden oder als untoter Statist aus dem Grab steigen? Wo bleiben Dracula und Frankenstein? Vielleicht wäre die Totenkutsche, gezogen von schwarzen Rössern mit glühenden Augen, die passendere – und deutlich ungefährlichere – Fortbewegungsart. Oder gleich ein Cadillac-Leichenwagen aus den 50ern. Doch stattdessen: Skateboard. Maximaler Bildfehler.

Mein Irrtum hat einen Grund. Ich frage mich schon seit längerem, wo eigentlich das große Melodic-Punk-Revival bleibt. Bands wie BAD RELIGION, PENNYWISE oder THE OFFSPRING – also jene Vertreter, die Ende der 80er und Anfang der 90er mit schnellen Songs und eingängigen Singalongs die Tony Hawk’s dieser Welt dazu brachten, mit ihren Brettern die Straßen in improvisierte Halfpipes zu verwandeln. Genau hier kommt ‚Blade Manor‘ ins Spiel – das kommt der Sache schon verdammt nahe. Wenn der Himmel eine Halfpipe ist, wie OPM einmal behauptet haben, warum dann nicht auch die Hölle?

Ein wenig MISFITS, ein wenig poppiger Skate- und Surfpunk

DARK RIDE wurden 2019 ursprünglich als Soloprojekt von Emilio Lenze gegründet. Der Sänger und Multiinstrumentalist aus dem Pazifikparadies Santa Cruz – wo Surf- und Skatekultur zum Alltag gehören – ist auch Frontmann der MISFITS-Coverband PLAN 9, die weltweit unterwegs ist. Zuvor stand er bei den Psychobilly Horror Punks STELLAR CORPSES am Mikro, die von 2005 bis 2023 aktiv waren. Ein Newcomer ist er folglich nicht – eher jemand, der weiß, wie man Untote zum Singen bringt.

Begleitet wird Lenze von Jesus Lopez am Bass, Rob Hyodo an der zweiten Gitarre und Schlagzeugerin Briana Mota, die auf dem Album allerdings erst bei zwei Songs zu hören ist. Als Einfluss nennen DARK RIDE dabei ausdrücklich die MISFITS – und auch optisch wird das deutlich: Teufelstolle, schwarze Lederkluft, Muskelshirts, Schweißbänder. Auch ein leicht schauriges Goth-Feeling ist dezent vorhanden.

Allerdings setzt Lenze dabei einen eigenen Akzent: Seine Stimme ist deutlich weniger aggressiv, eher melodisch geführt und nicht so komplett testosterongeschwängert wie bei den großen Vorbildern. Sie bewegt sich eher im mittleren Register und wirkt insgesamt weniger düster, als es das Image vermuten lässt. Die Songs selbst sind dabei fast ein wenig zu fröhlich, um wirklich dunkel zu sein. Catchyness wird hier in größtmöglichen Lettern an die Friedhofsmauer geschrieben.

Und hier beginnt der Spaß. Denn auch wenn die Musik ungefähr so originell ist wie Omas Goldrandteller – die Riffs etabliert und simpel, der Songaufbau mit Strophe, Prechorus und Chorus schnell durchschaut –, entfaltet genau diese Mischung aus Horror- und klassischem Melodic Punk eine ziemlich infektiöse Wirkung. Das liegt nicht zuletzt daran, dass Menze hier Hit um Hit auf den Hörer loslässt. Und auch wenn das Album in anderen Rezensionen aus den genannten Gründen nicht gut wegkommt – ich kann mich nicht erinnern, wann ich zuletzt beim Hören eines Albums so viel Spaß und gute Laune hatte.

Vom Spukschloss der Küste entgegen

Am ehesten an Horrorpunk erinnern noch Songs wie der atmosphärisch schöne Opener ‚Blade Manor‘, der mit spinettartigen Klängen beginnt – das Instrument überzogen von Spinnweben, das Notenblatt mit Blut beschrieben, und auf dem Hocker bedient eine Frau in weißem Gewand die Tasten, ohne sich im Spiegel zu zeigen. Die Band lockt uns mit einer Geste der Verführung in dieses Album, hinein in ein gespenstisches Szenario, das zugleich faszinierend, erotisch und unbehaglich wirkt:

Rotwein und Geheimnisse fließen über
ihre Lippen und von ihren Zungen.
Schwarzes Leder, ewig jung.

Ihr brodelndes Lied –
ja, es lockt dich hinein
in ihre Hallen und verborgenen Türen.
Angst steckt in den Dielenbrettern.

Heißes violettes Wachs trocknet und reißt
auf ihren Schultern
und ihren Schlüsselbeinen.

Du wirst es berühren wollen,
du wirst es wissen wollen!

Doch schon im zweiten Song ‚Coffin‘ verlassen wir die verwunschenen Räume und rasen mit hoher Geschwindigkeit der Küste entgegen. Ein hochmelodisches, punkiges Gitarrenriff, dazu Singalongs im Refrain – wer hier nicht an Bands wie BAD RELIGION oder auch neuere IGNITE denken muss (letztere vor allem wegen des melodischen Gesangs), ist selbst schuld. Das funktioniert großartig!

Wir haben es hier definitiv mit Monstern zu tun, die sich gern auch einmal am Strand die Sonne ins Gesicht scheinen lassen. Der Text selbst schlägt dabei deutlich leisere Töne an: Ein Untoter, gegen den kein Messer etwas ausrichten kann, trauert seiner Liebsten nach, die im Grab liegt. Doch auch die Melancholie und der leicht wehmütige Gesang bremsen die Energie kaum aus.

Der beste Partysong des Jahres?

Und in dieser Schlagzahl geht es weiter. ‚Rewind‘ ist eine Hommage an die Zeit, als in Videotheken noch B-Horrorfilme die am heißesten gehandelte Ware waren. Lenze selbst hat zehn Jahre in einer Videothek gearbeitet – es sei die beste Zeit seines Lebens gewesen, wie er erzählt. Der Song eröffnet mit einem verrauschten Saxophon-Sample, bevor auch er Fahrt aufnimmt und in einen hymnischen Chorus mündet. Den Refrain hat man nach dem zweiten Hören drauf – Mitgrölen ausdrücklich erwünscht. Merkt Euch schon einmal diese Zeilen!: „And Saturday Nights / of sacrifice and psychopaths / who love their knives / Will we be dead by dawn? / Or will we lose our minds?“ Am Ende wird das Tape zurückgespult.

Ihr wollt ne Pause? Vergesst es – es gibt Stromschläge! ‚Electrocuted‘ verspricht uns, dass selbst eine Elektroschocktherapie uns nicht sterben lässt – auch wenn wir uns von der lebenden Hülle verabschieden müssen. Es hat keinen Sinn, sich ins Grab zu legen, heißt es sinngemäß. Warum auch? Wir rasen weiter im Hymnenmodus, getragen von fröhlichen Melodien und maximaler Energie. Das, was hier aus den Boxen kommt, hat 15.000 Volt.

Und dann kommt er: der Song, der vielleicht schon jetzt Anspruch auf die Krone des besten Partysongs des Jahres erhebt. ‚I Bury Boyfriends‘ ist ein blutiger Spaß, der sofort mitgesungen werden will und in den Moshpit lockt – ob auf Sommerpartys, auf Friedhöfen oder in überfüllten Supermärkten. Ein klimperndes Piano über Handclaps-artigen Rhythmen:

„I bury boyfriends / beheaded husbands / No dream-date getaway / cuz it’s their dying day… all men to be slayed“. Männer haben hier schlechte Karten, die Aufschneider, Aufreißer und Verführer. Hier zeigen sich die Stärken des Genres wie unter dem Brennglas (äh, sorry: wie auf der glühenden Klinge): derber Witz, Singalongs und verdammt gute Laune.

Ein Album, das durchgehend Spaß macht

Letztendlich ist das hier ein Album, das fast durchgehend enormen Spaß bereitet. ‚Life at the End of October‘ ist eine melancholische, zugleich im Uptempo gehaltene Nummer mit einem melodischen Refrain, der zumindest mich wieder an BAD RELIGION oder frühe AFI erinnert.

‚Fever Dream‘ überfährt einen im Skatepunk-Modus mit schnellen Rhythmen – klassisches Melodic-Punk-Feeling inklusive. Und ‚Ruined‘ mischt schließlich BAD RELIGION mit frühen MISFITS und RAMONES. Erst dann stellen sich leichte Ermüdungserscheinungen ein. Bei welchem Song sind wir eigentlich? Fast am Ende der Rennstrecke.

Und nein, dieses Album ist keineswegs perfekt. Natürlich kann man bemängeln, dass die Songs zu ähnlich gebaut sind und es der Band auch an Eigenständigkeit fehlt. Eine erste Idee für einen eigenen Sound ist mit der Kreuzung von Horror und Westcoast-Skatepunk aber gefunden. Und oft übertreibt es die Band mit den ‚Whooawhooawhooa‘-Chören, die in fast jedem Song auftauchen – mal auch als ‚Hooohooohooo‘, mal als ‚Whooowhooowhooo‘. Das haben die Songs nicht nötig, sie funktionieren auch ohne solche Effekte.

Aber kann man das einem Album verübeln, das gut unterhält und einfach Laune macht? Also: kommt mit aufs Skateboard – wir rumpeln gemeinsam die Treppe hinunter. Wir pimpen unseren fahrenden Sarg und statten ihn mit Breitreifen aus. Wir lassen uns eine MISFITS-Tolle wachsen und buchen einen dreijährigen Urlaub in Kalifornien. Wir laden die Geister, Vampire und Zombies zur Sommerparty ein. Und jetzt alle: „I bury boyfriends / beheaded husbands…!“

Veröffentlichungstermin: 13.03.2026

Spielzeit: 41:00

DARK RIDE Line-Up
Emilio Menze – Vocals, Gitarre, Bass
Rob Hyodo – Gitarre, Backing Vocals
Jesus Lopes – Bass, Backing Vocals bei „Life at the End of October“ und „Rest In Pieces“
Henry Chadwick – Drums
Briana Mota – Drums bei „Life at the End of October“ und „Rest In Pieces“
Randy Moore – Gitarre bei „Coffin“, „Fever Dream“ und „Do Or Die“
+ weitere Gastmusiker

Produziert von Randy Moore und Olav Tabatabi

Label: Fiend Force Records

Facebook: https://www.facebook.com/DarkRideSC/

DARK RIDE „Blade Manor“ Tracklist

1. Blade Manor
2. Coffin (Video bei YouTube)
3. Rewind (Video bei YouTube)
4. Electrocuted
5. I Bury Boyfriends
6. Life at the End of October
7. Seascape Samhain
8. Fever Dream
9. Ruined
10. Rest In Pieces
11. Do Or Die
12. Psycho Summer

Das sei allerdings bewusst so gewählt, wie Frontmann und Songwriter Alpha jüngst in einer virtuellen Fragestunde erklärte: Dass diese ausgerechnet im „r/metalcore“-Forum der Social Media-Plattform Reddit stattfand, dürfte Salz in den Wunden der alteingesessenen Hörerschaft sein. Black Metal sei eine „sehr einschränkende Szene“, ließ der Bandkopf dort verlauten, während er neben seiner Liebe zu WATAIN eben auch den Metalcore als wichtigen Baustein von „Loss“ herausstellte.

Auf „Loss“ ringen GAEREA um eine neue Identität

Wobei wir doch eher das „Post“-Präfix heranziehen würden als die klassischen Wurzeln der Stilrichtung. Letztlich ist es eher die moderne Definition der Spielart, welche ihre Spuren hinterlässt. Der Auftakt „Luminary“ entpuppt sich gar als Blackened Groove Metal-Brecher, der im Refrain melodischere Vocals einfließen lässt. Die gute Nachricht: Diese Schnittmenge schärft durchaus das Profil der Portugiesen, wenngleich die Intensität vorheriger Werke nicht erreicht wird.

Zugleich ist das die größte Schwäche von „Loss“: Im Ringen um eine neue Identität, inmitten des konstanten Aufbrechens alter Strukturen, verlieren GAEREA hin und wieder den Blick für das Wesentliche. Gerade das Black-Metal-Fundament war es, das in der Vergangenheit die emotional aufgeladenen Kompositionen und Melodiebögen zusammenführte. Durch dessen Reduktion erreicht uns zwar die Emotion, die Alpha und seine Mitstreiter in die Kompositionen legen, nur bis unter die Haut reichen will sie selten.

„Loss“ hält durchaus Höhepunkte bereit, nicht immer agieren GAEREA jedoch zwingend

Dabei gibt es durchaus mutige Augenblicke, wo das funktioniert: „Submerged“ leidet zwar etwas unter seiner platten Lyrik, verbindet Alt und Neu aber nahtlos zu einem packenden Auf und Ab, das noch dazu mit dezenten Ambient-Synths punkten kann. Ebenfalls catchy, allerdings eindeutig auf Hit getrimmt, zeigt sich „Nomad“, das den Schwerpunkt doch arg auf den Refrain legt. Immerhin: Was uns zunächst ein wenig flach vorkam, konnte uns letztendlich doch seinen verborgenen Charme offenbaren, zumal die Gitarren und das Drumming in den Strophen mit Feuereifer nach vorne drängen.

Ähnlichen Drive entwickelt die Single „Hellbound“, die gemeinsam mit „Uncontrolled“ wohl den härtesten Ausflug von „Loss“ markiert. Letzteres schielt allerdings mit seiner tief gestimmten Rhythmusgitarre samt entsprechend modern gehaltener Riffs stärker in Richtung Post Metalcore, obschon die Symbiose mit angeschwärzten Stilmitteln ein Gegengewicht bereithält. Richtig zwingend wirken GAEREA hier und im folgenden „Phoenix“ allerdings nicht, obgleich letzteres zumindest mit seiner melodischen Gitarrenarbeit punkten kann.

Zum Ende hin wandeln GAEREA auf den Spuren SLEEP TOKENs

Die größte Zäsur setzt derweil „Cyclone“, das ruhig und intim beginnt: Zu Alphas Klargesang im Intro gesellt sich ganz dezent Gitarristin Deltas Stimme, bis sich die Nummer Stück für Stück aufbäumt und an Entschlossenheit gewinnt – auch wenn der Refrain mit Vocoder-Modulation nicht ohne Selbstzweifel scheint. Noch einen Schritt weiter geht das abschließende „Stardust“, wo GAEREA mittels Piano-Akkorde, Drumcomputer und modulierten (Sprech-)Gesangs plötzlich SLEEP TOKEN nacheifern.

Was phasenweise gezwungen wirkt, rettet die Band aber letztlich mithilfe der mitreißenden Eruptionen, die uns daran erinnern, wie sattelfest die Formation immer noch im (Post) Black Metal unterwegs sein kann. Auf den letzten Metern geht „Loss“ also doch noch durch Mark und Bein; auszugsweise jedenfalls, denn die großen Emotionen bleiben bei diesem soliden und doch leicht enttäuschenden Album zu oft aus – und das ist ja ehrlich gesagt der eigentliche Verlust.

Veröffentlichungstermin: 20.03.2026

Spielzeit: 46:05

Line-Up

Alpha – Vocals, Gitarre
Beta – Gitarre
Delta – Gitarre, Backing Vocals
RHO – Bass
XI – Drums

Produziert von GAEREA und Miguel Tereso (Mix und Mastering)

Label: Century Media

Homepage: https://www.gaerea.com/
Facebook: https://www.facebook.com/gaerea/
Instagram: https://www.instagram.com/gaerea_
Bandcamp: https://centurymedia.bandcamp.com/album/loss-24-bit-hd-audio

GAEREA “Loss” Tracklist

1. Luminary
2. Submerged (Video bei YouTube)
3. Hellbound (Video bei YouTube)
4. Uncontrolled
5. Phoenix (Video bei YouTube)
6. Cyclone
7. LBRNTH
8. Nomad (Video bei YouTube)
9. Stardust

Die Sternenverbieger mischten auf ihren Vorgängeralben alles zusammen, was nur auf den ersten Blick nicht wirklich zusammenpassen will. Sie nahmen das Schmieröl und die übersteuerten Gitarren aus der Motor City Detroit, hörbar an den Protopunks MC5 geschult. Sie rührten auch Haarspray hinein und zitierten den wild frisierten Sound des frühen L.A.-Hairmetals. Als Extras kamen die Plateauschuhe von KISS hinzu und die sonnigen Gesangsharmonien von FLEETWOOD MAC, die zwar nach Westcoast klingen, aber bekanntlich aus Großbritannien kamen. Und schließlich noch ein Schuss Pop-Punk und moderner Alternative Rock.

Diese Zutaten in einen Shaker getan, ordentlich geschüttelt – und BÄM: klar, dass diese Mixtur explodieren muss. „Sex with Attitude“, der Sound verschwitzter Großstadtclubs und klebriger Sofas in kinky Kellerbars, dazu der röhrende Auspuff eines Dodge Challengers. Was für sich genommen schnell in der Ecke „Classic Rock“ landen und leicht ranzig nach Bierzelt riechen könnte, wirkte hier plötzlich wieder wie eine Dynamitstange. Das liegt auch am Charisma von Frontfrau Shelter, die dem Ganzen einen deutlich feministischen Subtext verpasst. Der Sex ist präsent, ebenso die Anzüglichkeiten – aber gefiltert durch eine weibliche Perspektive.

„The Beast Goes On“ klingt süßer als seine Vorgänger

Unter diesen gesetzten Prämissen ist „The Beast Goes On“ zunächst eine kleine Enttäuschung. Die Platte klingt süßer, polierter und zugleich eingängiger als das Vorgängeralbum. Zwar tragen die Gitarren von Shelter und Kriss Tokaji (Yo, STARBENDERS sind durch und durch eine Band im Sternzeichen der Gitarre) noch diesen leicht übersteuerten, knarzigen Klang in sich, und auch der Bass pulst stark verzerrt im Mix. Insgesamt aber wirkt alles sortierter, sauberer produziert und hörbar zurückgenommen – zugunsten einer neuen, glatteren Eingängigkeit.

Und es treten neue Sounds stärker hervor, die auf den vorherigen Veröffentlichungen zwar anklangen, dort aber weniger ausgeprägt waren: mehr Melancholie, wenn auch mit einem verspielten Grundton, dazu Synthie-Pop im 80s-Style und stellenweise auch deutliche Post-Punk-Einflüsse. Unterstützt wird die Band beim Songwriting vom früheren Hausproduzenten Nico Constantine, der den Job an den Reglern aber nun an Matthew Pauling (ATREYU, BLINK 182) abgegeben hat. Er zimmerte dem Album einen modernen, aber transparenten und differenzierten Klang.

Es gibt zudem einen Wechsel im Line-up zu vermelden: Qi Wei ist neu an den Drums. Die aus Wuhan stammende Musikerin bringt eine sehr songdienliche, variable Spielweise mit und setzt immer wieder kleine rhythmische Raffinessen, die den neuen Songs zusätzliche Beweglichkeit verleihen. Mit mehr als 100.000 Follower*innen auf ihren Social-Media-Profilen steht sie für die wachsende Sichtbarkeit von Schlagzeugerinnen im digitalen Raum – und wird für viele junge Girls und Frauen zur möglichen Identifikationsfigur.

Der Opener wirft uns direkt in den Refrain

Welches Risiko die neue Rezeptur mit sich bringt, macht bereits der Eröffnungstrack des Albums deutlich. Keine Sekunde vergeht, bis „The Beast Goes On“ uns in seinen eingängigen Refrain wirft – der Song ist dabei vergleichsweise schlicht gebaut und setzt klar auf maximale Catchyness. Das Motiv der toxischen Beziehung ist sofort wieder da, das Shelter bereits auf früheren Veröffentlichungen verarbeitet hat. „Ich liebe die Art, wie du mich dazu bringst, dich zu hassen“, singt sie. Um festzustellen: „Dieses hungrige Herz kennt kein Maß / Du bist meine neue Religion.“

Doch sie bleibt nicht in einer Opferhaltung stehen: Vielmehr wechselt sie die Perspektive und schlüpft in die Rolle eines Vampirs. Sie steigert das Spiel aus Nähe und Gewalt bis zur Zuspitzung: sie trinkt das Blut der angesprochenen Person, um sie „zu verbiegen und zu brechen“. Ein gegenseitiges Wechselspiel aus Leidenschaft und Schmerz, totaler Hingabe und Zurückweisung.

Woher diese Motive stammen, ist schnell herauszuhören. Wann hat mich zuletzt ein Song so sehr an den dunkelromantischen Goth-Metal-Pop von HIM zu „Razorblade Romance“-Zeiten erinnert? Das hier wirkt wie eine weibliche Variante dieses Sounds. Und damit kein Missverständnis entsteht: Das ist keineswegs ein schlechter Song. Aber er ist zu schnell durchschaut, der Zuckerguss liegt etwas dick darüber.

Nuancen setzen die Hammondorgel im Refrain und die gewohnt knarzigen Gitarren in der Strophe, sodass man hier noch nicht von einem Abklatsch sprechen muss. Sehr wirkungsvoll ist auch die bittersüße Bridge mit ihren sanften Chorgesängen gesetzt, in der Shelter beweist, dass sie auch mit klarer und unerwartet hoher Stimme eine gute Figur macht.

Mit einer Rockband unterwegs durch ein zombifiziertes Amerika

Den Gegenpart liefert das folgende und unerwartet raue „Nothing Ever Changes“, auf der wir eine Rockband durch ein abgefucktes und zombifiziertes Amerika folgen. Hier knarzen und knurren die Gitarren tatsächlich in MC5-Manier, Kimi Shelter faucht wie in ihren besten Momenten. Der Rocktraum ist zerfetzt und zerfleddert, der Motor stottert bereits – ohne, dass er komplett aufgegeben wird. „We Sold Our Souls to Rock ’n‘ Roll“ werden BLACK SABBATH zitiert.

Die STARBENDERS halten an den Rockidealen fest, was bleibt ihnen auch anderes übrig? Neues Blut fließt, das Dynamit wird gezündet – „Wir sind die letzten Überlebenden eines sterbenden Traums“. Die Parolen klingen nach Aufbruch und Konfrontation, bleiben aber letztlich Schlagworte einer immer gleichen Pose. Rebellion wird hier zur vertrauten Geste, zur selbstzerstörerischen Leerformel im Dauerbetrieb. Und selbst der Anspruch auf Veränderung kippt ins Gegenteil: „Nothing ever changes for you and me“. Ein Song, der tatsächlich direkt im Gesicht explodiert, ausgebremst durch einen fast hymnisch-sakralen Prechorus, der sich dezent vor KISS verbeugt.

Ganz wunderbar ist auch das nachfolgende „Chantilly Boy“, das schroffe Gitarrenriffs mit maximalem Ohrenzucker kreuzt. Muss nur ich bei den Eröffnungsriffs an den schweißgetränkten Working-Class-Ethos von SAXON zu „Wheels of Steel“-Zeiten denken? NWOBHM-Zitate: Das hat die Band eben auch drauf. Dem entgegen stehen ein Prechorus und ein Refrain, der mundet wie ein Lollipop in Regenbogenfarben. Das hätte so – wirklich genau so – auch auf dem Debüt der jungen Popqueen MADONNA stehen können. Hier versteht es die Band wunderbar, Kontraste einzufangen: den Glamour und das Modebewusstsein von 80s-Hochglanzmagazinen und den Schweiß einer Kohlebaustadt wie dem britischen Barnsley.

Auch dieser Song spielt mit dem Kontrast aus Rock-Lifestyle und hereinbrechender Dunkelheit. „Chantilly Boy“ startet wie ein klassisches Road-Movie im Overdrive. Das Radio wird auf Anschlag gedreht, die Grenzen der Bundesstaaten werden vom Tourbus im Vorbeifahren geschluckt. Doch in diese Euphorie bricht etwas hinein. Zwischen „lost souls floating through the rock clubs“ und „cold hands around my soul“ wird die Clubwelt zur Durchgangsstation für etwas deutlich Dunkleres: Vereinzelung, Kälte und Kontrollverlust. „Chantilly Boy, trage dein Make-up auf“, singt Shelter im Refrain: Der Glamour ist auch Schutzschicht und Maskierung.

Mehrfach spielt die Band ihre Stärken voll aus

So gibt es auf dem Album durchaus Nummern, in denen die Band ihre Stärken voll ausspielt – wenn auch diesmal mit anderen Mitteln. Die vorab ausgekoppelte Single „Tokyo“ ist ein treibender 80s-Synth-Rock-Song, der funkelt und flimmert wie die nächtlichen LED-Reklamen der gleichnamigen Metropole. Wir treiben mit den Menschenströmen durch die Straßen, verlieren uns in Clubs und Bars, wir spüren eine Verheißung von Sex und Abenteuer. Die Luft ist schwer, feucht und warm, wir tragen nicht viel Kleidung auf der Haut. „Ich habe Gott um Mitternacht in Tokio gefunden“ – die Euphorie eines geheimnisvollen Ortes, an dem sich sämtliche Möglichkeiten wie eine Offenbarung zeigen.

In der Strophe zitieren die Gitarren dezent KILLING JOKE und JOY DIVISION, eine kühle nächtliche Brise. Der Refrain öffnet sich dagegen weit und hell, im besten FLEETWOOD-MAC-Spirit, getragen vom warmen zweistimmigem Gesang. Und ich könnte schwören, dass die Band hier ganz bewusst ein analoges, aber elektronisches Schlagzeug einsetzt, um mit leicht nostalgischem Spirit in die nächtliche Zauberwelt abzutauchen.

In die Kategorie „Weltklasse“ fallen auch Songs wie „June“ und „To Be Allright“, die uns mit sehnsuchtsdurchtränkten Harmonien und 70s-Flair direkt in den südkalifornischen Sommer beamen, leichtes Folk-Feeling inklusive. Wir tragen Blumen im Haar und fahren mit offenem Verdeck die langen Küstenstraßen entlang, um den Pazifikwind zu spüren. Auch letztgenannter Song eröffnet wieder mit Hammond-Klängen: Hier schmeckt die Süße nicht nach Billigzucker, sondern nach sonnengereifter Frucht. Öfter ist eine glockenklare Stimme zu hören, die Shelters raue, verrauchte Darbietung ergänzt – ist sie das selbst oder singt die neue Schlagzeugerin? Hier greift das Rezept, die Zügel etwas anzuziehen und den Songs den Dreck zu nehmen.

Ganz wunderbar ist auch „Summon My Heart“, eine tiefe Verneigung vor dem Sound von PAT BENATAR („Love is a Battlefield“, Ihr nichtwissenden Banausen!) zu Beginn der 80er Jahre. Treibender und hymnischer Radiorock, zu dem man sofort im Kreis springen oder die nächste Karaoke-Bar entern will. Nice! Und wirklich nicht die schlechteste Referenz. „Somebody Else“ hat diese zuckersüßen 80s-Momente, in denen ich sogar kurz denken muss: Singt da etwa KATE BUSH?

Es gibt zum Glück nur wenige Skip-Momente

Warum aber habe ich dann von einer kleinen Enttäuschung geschrieben? Auf der anderen Seite gibt es eben diese drei bis vier Nummern, die es sich etwas zu einfach machen – und gefährlich in die Nähe zum AOR/Pop-Punk-Radiorock geraten.

Dazu gehören die fröhlich swingende Nummer „Forever Mine“ und das verschleppte „Hello Goodbye“ mit seinen elektronisch gefärbten Rhythmen, die uns – ähnlich wie der Opener – etwas zu schnell in den Refrain werfen und zu einfach gebaut sind. Hier muss die Band aufpassen, nicht zu sehr in generische Radio Bob/THE RASMUS-Gefilde abzurutschen. Es würde mich aber auch nicht wundern, wenn aus genau diesen Gründen die Songs Airplay bei den üblichen verdächtigen Nebenbeihör-Rockformaten erhalten.

Am Ende bleibt in Summe doch ein starkes Album – weniger rau, weniger Dreck, mit mehr Synthies und neuen Referenzen. Und einigen Skip-Momenten. Es ist kein Beinbruch: Ich setze mich nach wie vor gern zu dem – nun nicht mehr ganz so wilden – Quartett ins Cabriolet. Hoffen wir, dass die Band diesmal endlich eine breite Hörerschaft findet und ihren Status als „beste Vorband der Welt“ verlassen kann.

Veröffentlichungstermin: 27.02.2026

Spielzeit: 46:00

STARBENDERS Line-Up
Kimi Shelter – Gesang, Gitarre
Aaron Lecesne – Bass
Kriss Tokaji – Gitarre, Synthesizer
Matt Pauling – Gitarre
Qi Wei – Drums

Produziert von Matthew Pauling

Label: Sumerian Records

Offizielle Webseite: https://starbenders.com/

STARBENDERS „The Beast Goes On“ Tracklist

1. The Beast Goes On (Video bei Youtube)
2. Nothing Ever Changes
3. Chantilly Boy
4. Cold Silver
5. Forever Mine
6. Hello Goodbye
7. Tokyo (Video bei Youtube)
8. Saturday
9. Summon My Heart
10. Somebody Else
11. To Be Alright
12. June

Den frostigen Gitarren und Blastbeats stehen natürlich weiterhin Farbtupfer gegenüber, welche nicht selten auf Riikka Hatakkas warme Stimme zurückgehen. Neuerdings hat die Sängerin jedoch auch die harsche Seite für sich entdeckt: Ihre giftigen Screams in „The Blights Nine“ harmonieren ausgezeichnet mit Toni Hatakkas voluminösem Growling.

HANGING GARDEN spielen mit neuen Klangfarben, die bandtypische Handschrift behält „Isle Of Bliss“ aber bei

Zwischen mächtigen Gitarren und leichtfüßiger Lead-Arbeit wandert „Eternal Trees Of Turquoise“ ähnliche Pfade, wie es MARIANAS REST und IN MOURNING beizeiten tun. Als weitere Referenz dürfen überdies SWALLOW THE SUN genannt werden: Parallelen zu den Landsmännern waren aufgrund der gegenläufigen Entwicklung beider Formationen wohl nie größer.

Die klassische, bandtypische Handschrift kommt hingegen in „Her Waning Light“, „To The Gates Of Hell“ und dem Titelstück besonders deutlich zum Tragen, wo liebliche Melodien den Arrangements immer eine Spur Optimismus bewahren. Doch selbst das zunächst bissig beginnende „Arise, Black Sun“ verliert seinen Schrecken, wenn HANGING GARDEN mittels Synthesizer und sanften Clean-Vocals einen Lichtstrahl ins Dunkel richten.

Die Balance aus düsterer Melancholie und Hoffnungsschimmer gelingt HANGING GARDEN einmal mehr

Dieser Kontrast und vor allem diese Balance zwischen den Extremen sind letztendlich das definierende Markenzeichen der Band. Das Spiel mit den beiden unterschiedlichen Gesichtern gelingt HANGING GARDEN auf ihrem neunten Werk einmal mehr, ohne sich dabei im Kreis zu drehen: Der Blackened-Anstrich bringt frischen Wind und genug Drive, so dass wir nichts dagegen hätten, wenn die finsteren Tage diesmal gerne noch einen Albumzyklus länger anhalten würden.

Veröffentlichungstermin: 20.03.2026

Spielzeit: 46:49

Line-Up

Jussi Hämäläinen – guitars, backing vocals
Nino Hynninen – synths
Toni Hatakka – vocals
Jussi Kirves – bass, synths
Riikka Hatakka – vocals
Antti Ruokola – drums, programming
Kimmo Tukiainen – guitars

Produziert von Jaime Gomez Arellano und Jussi Hämäläinen

Label: Agonia Records

Facebook: https://www.facebook.com/HangingGardenOfficial/
Instagram: https://www.instagram.com/hanginggrdn/
Bandcamp: https://hanginggarden.bandcamp.com/

HANGING GARDEN “Isle Of Bliss” Tracklist

1. To Outlive the Nine Ravens (Video bei YouTube)
2. Eternal Trees of Turquoise (Video bei YouTube)
3. Isle of Bliss (Video bei YouTube)
4. To the Gates of Hel
5. The Death Upon Our Shoulders
6. The Blights Nine
7. Arise, Black Sun
8. Her Waning Light
9. Beneath the Fallen Sky

WARRANT

Die Zuschauerzahl an diesem Mittwochabend dürfte gut dreistellig gewesen sein, im Schwarzen Keiler war’s angenehm voll. Der mit viel Herzblut geführte Club hat sich inzwischen ein treues Stammpublikum erarbeitet, das zuverlässig zu Konzerten erscheint. Dabei ist gar nicht so wahnsinnig wichtig, wer spielt, denn die Bandauswahl im Keiler ist immer eine gute. Heute waren für einige hingegen WARRANT die Hauptattraktion des Abends: Nach dem Konzert zeigte einer der Fans aus der ersten Reihe dem Sänger, Bassist und einzig verbliebenem Gründungsmitglied Jörg eine Sammlung alter BASF-Tapes mit Kopien der frühen WARRANT-Alben. Die veröffentlichte die Band vor mehr als 40 Jahren, „First Strike“ erschien 1984, „The Enforcer“ ein Jahr darauf. 2014 und 2025 folgten die Alben „Metal Bridge“ und „The Speed Of Metal“. Musikalisch sind sich WARRANT treu geblieben und bieten auch live zeitlos-altmodischen Speedmetal, wobei sich Sänger Jörg Juraschek ein paar Mal beim Publikum erkundigte, ob das denn auch den Geschmack der Anwesenden treffe: „Wollt ihr Speed?“ und „Wollt ihr noch mehr Speed?,“ fragte er. Die Antwort fiel positiv aus. Auch der Hinweis, dass man den Song „Cherry Pie“ nicht geschrieben habe, war eigentlich überflüssig. Den meisten Konzertbesucherinnen und Konzertbesuchern im Keiler war klar, dass hier nicht die gleichnamige US-Poser Metal-Band auf der Bühne stand, die Anfang der Neunziger mit „Cherry Pie“ einen Hit landete.

WARRANT traten als Trio auf, Gitarrist Adrian Weiss musste die Tour nach nur drei Shows leider aus privaten Gründen abbrechen. Deshalb widmeten ihm WARRANT die Show in Stuttgart. Jörg Juraschek war bei seiner Ansage anzumerken, wie sehr er daran zu knabbern hatte, dass ein Bandmember fehlte. „Für uns ist es etwas so Besonderes nach all den Jahren wieder auf Tour sein zu dürfen“, berichtete er zwischen zwei Songs mit echter Rührung. Dass sich die Band freute, auf einer Bühne zu stehen, war nicht zu übersehen. An der ein oder anderen Stelle fehlte vielleicht die Routine, dafür waren die drei Musiker echt und authentisch, und drückten ihre Songs mit ordentlich Power durch die Boxen. Schlagzeuger Marius Lamm fiel gar durch besonders energetisches Stageacting auf. Wer genau hinsah, konnte auch sein Smartphone entdecken, mit dem er den eigenen Auftritt als Video festhielt. Wie es sich für Old-School-Metalbands geziemt, hatte man auch ein Bandmaskottchen dabei: Der „Enforcer“ schaffte sich auf der engen Bühne mit einer Doppelaxt Platz. Empfangen wurde er mit Jubel, und seine Begeisterung darüber konnte auch seine Henkermaske nicht verbergen.

Foto Gallery WARRANT

Fotos: Markus Veyhle

KNIFE

W.A.S.P., KING DIAMOND, RUNNING WILD und EXCITER – für diese Bandshirts hatten sich KNIFE entschieden, die Marburger packen in ihren wüsten Stilmix neben Thrash Metal ja auch ein wenig Punk und ganz viel klassischen Heavy Metal. Und wie WARRANT setzen KNIFE auf die Basics und holten nur beim Stageacting das große Besteck raus: Backdrop, Instrumente, Boxen und Verstärker als Staffage, für die Action sorgen die Musiker selbst, Showeffekte braucht es da nicht. Die vermisste auch niemand, denn bei KNIFE gibt’s genug zum Gucken, Fronter Vince Nihil lässt sich allenfalls von der kleinen Bühne in seinem Aktionsradius einschränken, Berührungsängste kennt dieser Mann nicht und der Kontakt zur ersten (und auch zweiten und dritten) Reihe steht gleich mit dem ersten Song. Und der Rest der Band steht ihm in nichts nach, alle sind immer ganz dicht dran am Publikum, nehmen Kontakt auf und so wird ein Konzert mit KNIFE zur lustigen und stets auch ein bisschen derben Party, bei der man gemeinsam die Songs der Band feiert.

Er hatte allerdings auch recht leichtes Spiel, denn da waren einige sehr, sehr textsichere Herrschaften in den Schwarzen Keiler gekommen und stimmten lautstark in die Refrains mit ein. Dass Vince mit einer üblen Erkältung zu kämpfen hatte, konnte man ahnen, als er sich den Auftritt von WARRANT mit etwas bleichem Gesicht und dickem Schal um den Hals vom Bühnenrand aus ansah. Auf der Bühne war davon dann wenig zu merken, vielleicht waren der Gesang ein bisschen rauer und die Ansagen ein bisschen spärlicher. Nicht nehmen ließ er es sich allerdings, vor „With Torches They March“ rechtem Pack und allen die damit sympathisieren, den Weg zum Ausgang zu zeigen. Ich find’s gut, wenn sich Bands so positionieren.

„With Torches They March“ war eines der Highlights der Setlist, dazu gehörten natürlich auch „Inside The Electric Church“, das nahezu komplett von den ersten Reihen mitgesungen wurde, die fröhliche Buchstabier-Übung „K.N.I.F.E.“ und „No Gods In The Dark“. Mit „Nightmare“ schmuggelten KNIFE gar einen neuen Song ins Programm, ohne ihn groß anzukündigen – Vince erwähnte nur ganz kurz, das die Band an einem neuen Album arbeite. Nach dem ersten Eindruck passt „Nightmare“ mit seinen scharfen Riffs ganz wunderbar ins Besteckkästchen der Band.

Auf eine Zugabe verzichteten KNIFE, was für ein wenig Enttäuschung sorgte. Die Erklärung gab’s abseits der Bühne, Vince Nihil ließ sich trotz Husten zumindest kurz am Merch sehen und signierte Shirts und LPs, auch der Rest der Band mischte sich noch unter die Keiler-Menschen. Auch nach der Show ist diese Band sehr nahbar und schätzt ihre Fans. Wenn ihr zum dritten Mal in den Keiler kommt, bin ich auf jeden Fall wieder dabei!

Foto Gallery KNIFE

Fotos: Markus Veyhle

SAMURAI PIZZA CATS: „Wir wollen, dass die Leute den Vibe spüren und alles andere vergessen“

• Empfehlung
• Interviews

vonChristina Willems

25. März 2026

STATEFALL

Den Auftakt des Abends machten STATEFALL, deren Set wir wegen Problemen am Einlass nur teilweise und aus den hinteren Reihen mitbekamen. Die Band, die 2023 aus Mitgliedern von BREATHE ATLANTIS, VITJA und THE LAST ELEMENT gegründet wurde, hatte SAMURAI PIZZA CATS bereits 2024 auf Tour begleitet. Mit ihrem melodischen, modernen Metalcore hob sich die Band musikalisch und auch optisch vom restlichen Line-up des „Samurai Pizza Fest“ ab. Statt Electro-Beats und LED-Show bekam das Publikum hier vor allem Emotionen geboten. Und eine Bühnenshow, die sich auf das Wesentliche reduzierte: die Botschaft hinter den Songs.

STATEFALL – Setlist:

1. Lunar
2. I Know You Lie
3. Dreamstate
4. Death of Me
5. Shadows
6. The Lost
7. Letdown

STVW

Nach so viel Emotion und Intensität wurde es Zeit, das Kölner Publikum wieder in Partystimmung zu versetzen. Und womit sorgt man bei nostalgischen Millennials immer für gute Laune? Richtig, mit den größten Alternative-Hits der 2000er. Präsentiert von Steve „STVW“ Witzlsperger, der für seinen mitreißenden Mix aus Electro, Emo und Punk bekannt ist. Der Anzinger DJ gehört zu den vielversprechendsten Künstlern der Bigroom-Szene und hatte erst im Februar drei ausverkaufte Shows in Sydney, Melbourne und Brisbane gespielt. Nun nahm er das Publikum in Köln auf eine Zeitreise in die Ära von Y2K, Myspace und Skinny Jeans mit.

Gut gelaunt wirbelte STVW zwischen Gitarre und Mischpult über die Bühne und performte Songs wie „All The Small Things“ (BLINK-182), „Mr. Brightside“ (THE KILLERS) und „Sugar, We’re Goin Down“ (FALL OUT BOY). Bunt, laut, energetisch – eine gelungene Abwechslung nach den emotionalen Klängen von STATEFALL. Und ein Beweis dafür, dass sich die PIZZA CATS durchaus Gedanken über das Line-up ihres Festivals gemacht haben. STVW und sein DJ-Set erwiesen sich in Köln als stimmiger Zwischenschritt und bereiteten die Crowd perfekt auf die folgenden Acts vor. Der fröhliche Mix aus Punkrock und EDM mag auf dem Papier ungewöhnlich wirken, funktionierte live aber beeindruckend gut.

FROM FALL TO SPRING

Und weil Genre-Mix und 2000er-Nostalgie immer gehen, blieb auch die nächste Band des Abends dieser Linie treu. In rotes Licht und atmosphärischen Nebel getaucht, stürmten FROM FALL TO SPRING als letzter Support-Act die Bühne der Live Music Hall. Die Saarländer hatten im letzten Jahr am ESC-Vorentscheid „Chefsache ESC 2025“ teilgenommen, waren jedoch im Halbfinale gescheitert. Dass die Teilnahme der Band dennoch einen ordentlichen Push gegeben hat, zeigte die Begeisterung, die ihnen in Köln entgegenschlug.

Neben Cover-Songs wie „Incomplete“ performten die Jungs aus Neunkirchen auch ihren ESC-Titel „Take The Pain Away“, der von den Fans textsicher mitgebrüllt wurde. Philip und Lukas Wilhelm zeigten sich in Höchstform und forderten die Crowd immer wieder zum Crowdsurfen auf. Diese ließ sich nicht lange bitten und verwandelte die Halle in einen tobenden Hexenkessel. Ein Spektakel, das sicherlich auch beim ESC gut funktioniert hätte … Stattdessen durfte sich nun das Kölner Publikum über die energetische und mitreißende Bühnenshow der Band freuen.

Besonders bei Songs wie „Blood“ und „Draw The Line“ war die Menge kaum noch zu halten, hüpfte, tanzte und feierte ausgelassen. Die beiden Sänger badeten in der Begeisterung des Publikums und genossen die Atmosphäre in der Live Music Hall sichtlich. Hier stimmte die Chemie, und man musste kein Fan der Band sein, um sich von der Energie anstecken zu lassen. Die Weichen sind also gelegt, und die erste Headliner-Tour von FROM FALL TO SPRING dürfte ein voller Erfolg werden.

FROM FALL TO SPRING – Setlist:

1. Intro
2. Draw The Line
3. Blood
4. Take The Pain Away
5. Incomplete (Backstreet Boys-Cover)
6. I Won’t Back Down
7. Destiny
8. Drum Solo
9. Simulation.exe
10. Chasing The High
11. Control

FROM FALL TO SPRING – Live Music Hall, Köln – 28.03.2026 – Konzertfotos

• 2026
• Bilder

vonChristina Willems

28. März 2026

SAMURAI PIZZA CATS

„Same procedure as last year?“ – „The same procedure as every year.“

Das berühmte Zitat aus dem Silvester-Klassiker „Dinner for One“ lässt sich auch auf die meisten SAMURAI PIZZA CATS-Shows übertragen. Zumindest, was das Intro betrifft, denn das hat mittlerweile Wiedererkennungswert. Ein bisschen „My Heart Will Go On“, ein bisschen „Cheri Cheri Lady“, aber vor allem ganz viel „Leb deinen Traum“. Und so kündigte das ikonische Opening der Anime-Serie „Digimon“ auch dieses Mal den Hauptact des Abends an. Nach unserem Interview mit Sebastian waren wir gespannt, welche Überraschungen die Band bei ihrem eigenen Festival aus dem Hut zaubern würde.

Wer SAMURAI PIZZA CATS auf ihrer „Superzero Tour 2025“ erlebt hat, könnte das Pizza-Wettessen bei dieser Show vermisst haben. Auch auf Auftritte in Tutu oder Panda-Onesie verzichtete die Band in Köln komplett. Dadurch erreichte das Konzert in der ausverkauften Live Music Hall nicht ganz die chaotisch-intime Club-Atmosphäre der letzten Tour. Man kann allerdings davon ausgehen, dass sich die Jungs für ihre Headliner-Tour im Oktober noch einmal ein paar besondere Überraschungen einfallen lassen werden.

Trotzdem hatte die Band in Köln einige Gimmicks im Gepäck. Ein Außerirdischer verteilte Pizza, und Sebastian verwandelte sich kurzzeitig in einen Lieferfahrer, der ein riesiges, aufblasbares Stück Salamipizza in die Menge warf. Immer wieder regnete es Konfetti, und die Band bedankte sich mit Worten und Herzchen-Gesten bei den Fans für ihren Support. Das Publikum feierte vor allem die älteren Songs, ging aber auch bei den neuen Tracks vom Album „Press Start“ mit. Während der ganzen Show war die enge Bindung zwischen Band und Crowd zu spüren. Ganz im Sinne des „Samurai Pizza Fests“, das vor allem als Dankeschön für die Fans geplant war.

Und dafür revanchierte sich das Publikum, indem es die vier Jungs vom ersten bis zum letzten Song feierte. Über weite Strecken fühlte sich die Show wie eine kleine Reise durch die bisherige SAMURAI PIZZA CATS-Diskografie an. Dabei wurden nicht nur frühe Songs gespielt, sondern gemeinsam mit den Fans auch in Erinnerungen an alte Shirt-Designs und vergangene Konzerte geschwelgt. Neben der souveränen Bühnenshow war es vor allem die enge Bindung zwischen Band und Publikum, die den Auftritt trug. Auch Drummer Robin Kemper, der den ausgeschiedenen Stefan Buchwald ersetzt, wurde von den Kölner Zuschauern herzlich aufgenommen.

Nach zwei Zugaben und einem weiteren Konfetti-Regen, für den auch die Support-Acts auf die Bühne zurückkehrten, endete das „Samurai Pizza Fest“. Und auch wenn die großen Überraschungen ausblieben, verließen die Fans die Halle lachend, verschwitzt und gut gelaunt. Vielleicht auch deshalb, weil sie sich schon jetzt darauf freuen können, was sich die PIZZA CATS für ihre „Press Start“-Tour im Oktober ausgedacht haben.

SAMURAI PIZZA CATS – Setlist:

1. Intro
2. Pandastruck
3. Outcast
4. Falling Down
5. Fear No Slice
6. Burn
7. You’re Hellcome
8. Have A G.O.O.D Day
9. The Wolf in Me
10. Ramen-Man
11. Freakshow
12. T-Rex(plosion)
13. Alpha
14. Super Zero
15. Pizza Homicide

SAMURAI PIZZA CATS – Live Music Hall, Köln – 28.03.2026 – Konzertfotos

• 2026
• Bilder

vonChristina Willems

28. März 2026

Die „Press Start European Tour“ startet am 3. Oktober 2026. Hier geht es zu den Tourdaten.

„Emerald Dream“ wirkt homogen und rund

Dabei funktioniert „Emerald Dream“ als Ganzes: die Scheibe wirkt homogen und rund – mit Ausnahme vielleicht von „Quest For Fire“, das ein wenig bruchstückhaft zusammengesetzt wirkt -, verzeichnet keine Längen (selbst nicht beim instrumentalen Titeltrack) und lebt von coolen Riffs, Orgel-Begleitung sowie dem passenden („Pyre Of Love“) und ja, auch variantenreichen Gesang („Stardust Regulator“). Für ein Debütalbum nenne ich das mal eine äußerst reife Leistung.

Veröffentlichungstermin: 13.03.2026

Spielzeit: 35:22 Min.

Line-Up:
Alex Bigras – Guitars
Snake St-Louis – Drums
Vick Trigger – Bass
Chub – Synths/Organ/Backing
Jim Laflamme – Lead Vocals/Tambourine

Label: From the Urn Records

Mehr im Netz: https://www.facebook.com/Fangusband
Mehr im Netz: https://fangus.bandcamp.com/

FANGUS „Emerald Dream“ Tracklist

I – Howling Hammer
II – Pyre Of Love (Video bei YouTube)
III – Psychoïd Telepath
IV – Quest For Fire
V – Emerald Dream
VI – Time Gambler
VII – Shapeshifter (Audio bei Bandcamp)
VIII – Stardust Regulator

Allein, die Mittel reichen nicht aus, wenn sie irgendwann ermüden, und deshalb hat Bandkopf Mac Kennedy sich sehr viel Zeit genommen, „Hymn From The Hills“ zu konzipieren sowie mit seiner Band zu proben und aufzunehmen: Ja, auch dieses Album ist selbst aufgenommen worden, in einem neuen, exklusiven Probenraum allerdings, und das hört man direkt: Nicht nur bauen POISON RUIN zu Beginn („Lily Of The Valley“) mit einem dominanten Synthesizer ein neues Element in ihren Sound ein (keine Angst: Aus den meisten anderen Songs hält der sich weitestgehend raus), auch im Laufe des Albums wird immer wieder Neues ausprobiert und generell kompositorisch was gewagt: sphärisch-nerdige Analog-Synthie-Intros, frickelige Übergänge, melancholisch-euphorische Hymnen, sogar richtiger Krach.

„Hymns From The Hills“ – Flickwerk oder schlüssiges Album?

Das war notwendig, um auf Albumlänge bestehen zu können, und da mit dem Titeltrack, „Serpent’s Curse“ und dem unglaublichen „Pilgrimage“ mindestens drei süchtig machende Hits auf der Platte sind, funktioniert das auch, wenngleich der inkonsistente Sound mich nachhaltig verwirrt (ich mag es nicht, wenn einzelne Songs anders klingen als der Rest) und sich im Mittelteil vielleicht doch die ein oder andere Länge eingeschlichen hat („Turn To Dust“ und „Puzzle Box“).

So mag nämlich zunächst der Eindruck entstehen, dass man zwar viel experimentiert und viel will, aber letztlich kein schlüssiges Gesamtkunstwerk hinbekommen hat. Dieser Eindruck verflüchtigt sich jedoch eben, sobald sich einzelne Fixpunkte heraus kristallisiert haben, an denen man sich als Hörer festhalten kann, und ich bin mir sicher, dass auf dem nächsten Album die Band noch kohärenter, noch schlüssiger mit ihren Einflüssen umgehen wird.

POISON RUIN enden mit unglaublich viel Wumms

Denn wie POISON RUIN im letzten Drittel hier nochmal alle Register ziehen und „Hymn From The Hills“ mit einem überraschenden Doppel beenden, ist beeindruckend: „Crescent Sun“ stampft wuchtig und massiv aus den Boxen und geht dann ziemlich geil in „The Standoff“ über, einem ihrer vielleicht schmissigsten Songs überhaupt. Sowieso hat alles unglaublich viel Wumms (Mix: Jonah Falco, Master: niemand geringerer als der mächtige Arthur Rizk), was der Band auch mal richtig gut tut, zumal sie durch den Ansatz, trotzdem alles selber im Probenraum aufzunehmen, immer noch genug Dreck im Sound hat.

Also doch der große Wurf? Kommt drauf an, ob du die trockene, angepisste Seite der Band besser findest als ihre epische, melancholische. Beides findet sich auf „Hymn From The Hills“, aber für mich hätte der epische Aspekt noch mehr Raum bekommen dürfen – es gibt einfach schon genug Düsterpunk wie die Single „Eidolon“ auf der Welt. Da das Album aber dramaturgisch prima als solches funktioniert und genügend düstere Höhepunkte bietet, bleibt mir nur, ein zufriedenes „Prost!“ nach Philadelphia zu schicken und mich auf das zu freuen, was da noch kommen mag.

Spielzeit: 43:52 Min.

Veröffentlichungsdatum: 03.04.2026

Label: Relapse Records

POISON RUIN „Hymns from the Hills“ Tracklist

1 – Intro
2 – Lily Of the Valley
3 – Hymn from the Hills (Video bei YouTube)
4 – Eidolon (Video bei YouTube)
5 – Howls From the Citadel
6 – Pilgrimage
7 – Guts (Lay Your Self Aside) (Video bei YouTube)
8 – Turn To Dust
9 – Puzzle Box
10 – Serpent’s Curse
11 – Sleeping Giant (Interlude)
12 – Crescent Sun
13 – The Standoff

NEUROSIS setzen ein klares Statement – das macht schon der Titel „An Undying Love For A Burning World“ deutlich.

So wie NEUROSIS ihre Wiedergeburt mit einem Schrei begrüßen. „We Are Torn Wide Open“, schreien sie als Kanon des Schmerzes heraus. STEVE VON TILL sprach über das Thema der Entfremdung bereits vor einem Jahr, jetzt greift er das Thema mit der gesamten Band auf. Und wie könnte es nicht schmerzen? Immerhin fand auch in der Band eine Entfremdung statt. Dass NEUROSIS sich von SCOTT KELLY trennten, diesem scheinbar integeren Mann in der integersten Band überhaupt, hinterließ eine klaffende Wunde, auch in den Herzen der Fans. NEUROSIS schienen aber bereits zuvor müde. „Honor Found In Decay“ konnte man sich noch Schönhören, „Fires Within Fires“ hingegen zeigte die Band nur noch als traurigen Schatten ihrer selbst. Ob es nun an Neumitglied Aaron Turner (ex-ISIS, SUMAC) liegt, oder daran, dass die NEUROSIS ihre Kräfte gesammelt und wieder ihre Essenz gefunden haben, sei dahin gestellt, aber „An Undying Love For A Burning World“ zeigt die Band mit gereifter Perspektive und der Energie von vor 30 Jahren.

Und sie schreien sich die Lunge aus dem Leib in den ersten 50 Sekunden des gut einstündigen Werks. Sie reißen damit ein Tor auf: „Mirror Deep“ startet gleich mit einem brachialen Riff, Industrial-Grooves, und ist an Heaviness kaum zu überbieten, mit Vocals, die klingen, als platze der Brustkorb. Keine zwei Minuten nach diesem Auftakt schnaufen NEUROSIS erstmalig durch, nur um dann einen Gang hochzuschalten und die Intensität in der zweiten Hälfte nochmalig zu steigern. Das Spiel mit Dynamik und Geschwindigkeit beherrschen NEUROSIS noch immer. Aaron Turner erweist sich hier als einzig logische Möglichkeit, die klaffende Lücke zu schließen, und wird es im Laufe des Albums immer wieder beweisen. „Mirror Deep“ ist indes ein kompakter, aber weit ausholender Song, der in weniger als sechs Minuten absolut vollständig wirkt. Daneben steht mit „Untethered“ noch ein kurzer Song auf „An Undying Love For A Burning World“, der ebenso vollständig klingt, sich ins Gesamtbild einfügt und dennoch mit einem kleinen Amp Rep-Noiserock-Anteil leicht heraussticht.

Aaron Turner ist der Perfect Fit für „An Undying Love For A Burning World“: NEUROSIS klingen so relevant wie zuletzt im Jahr 2004.

Insgesamt dominiert bei NEUROSIS aber wie üblich das große Panorama und das große Epos. Mindestens acht Minuten dauern die meisten Stücke auf dem Album, die zwischen Verzweiflung, Wut und einer zarten Hoffnung pendeln. Freilich, „An Undying Love For A Burning World“ zermalmt mit seinen kratzigen und krachenden Riffs die Subtilität, aber sie ist nicht totzukriegen. „First Red Rays“ startet mit einem Riff, das einen echten Aaron Turner-Moment hat und erst langsam, dann im Uptempo eine Gesangsperformance bietet, die früher ein feuchter Traum gewesen wäre: Turner und VON TILL ergänzen sich derart gut als brüllende Sänger, dass die Luft wegbleibt. Der leise Mittelteil atmet einen Hauch psychedelischen Friedens mit sich umgarnenden Gitarren und Synthesizern, bevor die Härte wieder überhandnimmt und ganz am Ende STEVE VON TILL stimmlich Trost spendet, trotz der Instrumente am Anschlag. Ähnlich gewaltig ist „Seething And Scattered“, dessen Beginn wie ein Schlag ins Gesicht wirkt und dessen verspielter Mittelteil in ein lautes Noise-Crescendo übergeht.

Auch die Rhythmussektion ist auf diesem Album mit vollem Herzen dabei. Dave Edwardson, der endlich auch wieder seine unnachahmlichen Growls der Band schenkt, groovt mit einem stellenweise gewaltig verzerrtem, dann wieder mit einem atmosphärischen Post Punk-Sound. Besonders ergreifend ist Jason Roeders Performance. Der Drummer, der zwischenzeitlich seinen Rückzug aus der Musikwelt erklärt hatte, ist durch die neue Banddynamik so beflügelt, dass seine kräftigen Rhythmen ihre eigene Erlösung bieten. Die Rhythmen erden die Musik, wie in „Blind“, das mit seinem getragenen Tempo ein wenig nach „The Last You’ll Know“ von „Times Of Grace“ klingt, ist aber dank des atmosphärischen Mittelteils von Noah Landis deutlich vielschichtiger. Wie STEVE VON TILL hier voller Trauer singt und Aaron Turner parallel als Gegenstück brüllt, kann man nicht umhin, als hier einen der ergreifendsten Momente des Albums zu erkennen.

NEUROSIS balancieren Dissonanz und Dynamik exzellent aus: „An Undying Love For A Burning World“ beweist, dass die Band ihr Handwerk nach wie vor beherrscht.

„An Undying Love For A Burning World“ ist ein Alles-Oder-Nichts-Album, ein ultimativer Moment in der Subkultur zwischen Metal, Hardcore und Punk. Es geht um Verbindung, daraus, das Schweigen zu brechen, angesichts der Verbrechen gegen den Planeten. Und damit letztendlich auch gegen alle Spezies, die Menschheit eingeschlossen. Wie sich im Angesicht dieser großen Katastrophen NEUROSIS erheben und so direkt wie nie zuvor ihre Agenda kommunizieren, ist Statement genug. Dass dieser Auftritt so wirkmächtig ist, spricht für die große Lücke, die NEUROSIS in den letzten Jahren hinterließen, die weder CULT OF LUNA, noch AMENRA oder THE OCEAN zur Gänze schließen konnten. Somit sorgt dieses Album, diese wiedererstarkte Band für eine universelle Verbindung – und das kann gar nicht hoch genug angerechnet werden.

In den letzten beiden Songs fährt „An Undying Love For A Burning World“ dann die ganz großen Momente auf. „In The Waiting Hours“ startet dabei sehr leise, daraus bricht nach zweieinhalb Minuten aber das Riff heraus, das für Tage im Gedächtnis bleibt. Dieser Moment ist der vielleicht größte, den NEUROSIS in dieser Stunde bieten. Die Variationen, die daraus entstehen, sind gehaltvoll genug, um die zehn Minuten immer wieder aufwallen zu lassen, bis die Riffs an den Emotionen der Musiker brechen. Die Steigerung dessen ist „Last Light“, das innovativste der acht Stücke. Es beginnt rein elektronisch, mit einem nervösen Beat und Synthesizer-Drones, über die Aaron Turners Stimme in Hysterie abgleitet. Nach zweieinhalb Minuten erwächst daraus ein klassischer NEUROSIS-Song, der sich glazial und mit unbändiger Kraft über das Intro schiebt. In fünf Sätzen zwischen Verzweiflung, Wut und Hoffnung bewegt sich der Song in seinen siebzehn Minuten etwas fragmentarisch dem Ende des Albums entgegen. Und ja, er hätte gestrafft werden dürfen – „Last Light“ mit seinen prophetischen Lyrics ist aber als solches schon ein selbstbewusstes Statement; da darf es auch den großen Auftritt bekommen.

Mit „An Undying Love For A Burning World“ wird das Erbe bewahrt und die Geschichte fortgesetzt: NEUROSIS schenken ihren Fans einen Full Circle-Moment.

„An Undying Love For A Burning World“ ist einer der definitiven NEUROSIS-Momente, wie bereits „Enemy Of The Sun“, „Through Silver In Blood“, „Times Of Grace“ und „The Eye Of Every Storm“. Ein Album, das für sich steht, mehr als jedes andere zuvor, sich aber dennoch stimmig in die Diskografie der Band einfügt. Mit leichten Anpassungen, nicht nur geschuldet durch Aaron Turner, sondern auch durch ein leichtes Öffnen des eigenen Stils. Dazu gehört natürlich auch, dass der 2024 verstorbene Steve Albini als langjähriger Produzent ersetzt werden musste. KOWLOON WALLED CITY-Gitarrist Scott Evans ist als Toningenieur für Aufnahmen und Mix aber eine exzellente Wahl – sein Sound ist frisch und absolut voluminös; trotz der Heaviness ist jedes Detail zu erkennen. So maßgeblich Steve Albinis Produktionen auch waren, und so sehr Albinis Erbe bewahrt werden muss: Dieses Album klingt besser.

Dass NEUROSIS überhaupt wieder zurückgekehrt sind, zeugt von Ermächtigung. Und somit konnte dieses Album gar nicht schiefgehen, selbst wenn die Musik darauf völlig misslungen gewesen wäre. Dass NEUROSIS zehn Jahre nach ihrem bisher letzten Werk eines der besten Alben ihrer Karriere glücken würde, war noch vor zwei Wochen völlig undenkbar. So ist „An Undying Love For A Burning World“ ein Statement, ein stures Nicht-Aufgeben-Wollen angesichts dessen, auf das die Menschheit zuzusteuern scheint. Aber Aufgeben ist keine Option, nicht für Menschen mit dem Ethos von NEUROSIS, nicht für ihr Publikum, egal wie schwer die Wolken über dem Firmament hängen mögen. Denn es existiert noch Verbindung zwischen den Menschen, nicht zuletzt durch die Kraft der Musik. Dieser Urschrei namens „An Undying Love For A Burning World“ ist der lebende Beweis dafür.

VÖ: 20. März 2026 (digital) / 15. Mai 2026 (CD, LP, Tape)

Spielzeit: 63:30

Line-Up:
Jason Roeder – Drums
Aaron Turner – Guitar, Vocals
Steve Von Till – Guitar, Vocals
Dave Edwardson – Bass, Vocals
Noah Landis – Synths, Samples, Vocals

Label: Neurot Recordings

NEUROSIS „An Undying Love For A Burning World“ Tracklist:

1. We Are Torn Wide Open
2. Mirror Deep
3. First Red Rays
4. Blind
5. Seething And Scattered
6. Untethered
7. In The Waiting Hours
8. Last Light

Mehr im Netz:

https://www.neurosis.com/
https://www.instagram.com/neurosisoakland
https://www.facebook.com/officialneurosis/

Uwe: Heute hatte jeder Zeit. Sonst treffen wir uns oft nur zur Probe oder zu Konzerten.

Sven: Klar, wenn vampster ein Interview macht, ist das wie wenn der Rolling Stone anruft!

Haha! Glückwunsch zum neuen Album „Back Home“. Man hört, wie ihr euch als Band entwickelt habt.

NAEVUS: Back Home

• NAEVUS

• doom metal
• ROCK

vonMarkus

Uwe: Wir hatten natürlich auch 28 Jahre Zeit gehabt, uns zu entwickeln. Das erste Album haben wir 1997 aufgenommen in Berlin, erschienen ist „Sun Meditation“ im April 1998. Für die zweite Platte „Heavy Burden“ haben wir glaube ich 2014 angefangen Songs zu Schreiben und aufzunehmen. Auf jeden Fall hat die zweite Platte viel zu lange gebraucht. Wir waren zwar einmal im Studio, da haben wir live aufgenommen. Wir hatten uns aber kein zeitliches Limit gesetzt. Du hast dann immer neue Ideen, die du erweiterst, und verzettelst dich. So war das bei „Heavy Burden“.

Und bei „Back Home“?

Uwe: Diesmal war es deutlich fokussierter. Wenn etwas nicht funktioniert hat, musste man es eben nochmal machen, aber es ist nicht so ausgeufert. Beim letzten Mal hat mich das irgendwann genervt, aber das lag auch an mir.

Sven: Mit dem neuen Album wollten wir es eigentlich ähnlich machen wie beim letzten, also die Basic Tracks live aufnehmen, das hat dann ja auch geklappt.

Uwe: Als Matze mit SACRED STEEL im Studio war und aufgenommen hat, hatten wir das gar nicht richtig auf dem Schirm. Ich bin am Wochenende mal hingefahren, als Matze mit Benjamin Hölle aufgenommen hat und ich war ziemlich begeistert, wie das abgelaufen ist. und der Typ war auch noch nett! Und dann haben wir zwei Wochen später auch schon aufgenommen.

Matze: Ich glaube, im Januar 2025 haben wir SACRED STEEL aufgenommen und im Februar NAEVUS. Da lagen nur ein paar Wochen dazwischen. Wobei das neue Material für „Back Home“ schon lange fertig war.

Sven: Genau das war aber auch das Problem. Wir hatten schon wieder angefangen, Sachen umzuschreiben und haben parallel nach dem richtigen Setup und einem Termin gesucht. Dann kam diese schicksalhafte Begegnung mit Benjamin, das hat dem Ganzen einen Arschtritt verpasst. Wir waren dann auch alle dabei, als das Schlagzeug aufgenommen wurde. Diese Live-Dynamik, zusammen in einem Raum zu sein, ist auch wirklich passiert, obwohl im Wesentlichen nur Schlagzeug aufgenommen wurde.

Habt ihr im Studio dann also nicht mehr viel verändert?

Uwe: Die Songs hatten wir schon jahrelang geprobt, im Studio haben wir nichts mehr umgestellt. Das gibt Sicherheit. Man muss nicht mehr überlegen, welche Parts kommen, es geht nur noch um das Feeling in einem Song. Wir waren ziemlich fokussiert. Als Matze aufgenommen hat, hat er meistens zwei oder drei Takes eingespielt. Benjamin Hölle hat uns gepuscht: „Das war richtig geil! Und jetzt mach es noch mal.“ Dann legt man oft nochmal eine Schippe drauf. Bei mir war es mit den Gitarren ähnlich. Ich habe sie mit Benjamin aufgenommen, ganz klassisch, mit Verstärker und großem Gitarrenturm.

Olli, du hast deine Gitarren zu Hause aufgenommen?

Olli: Ja, in meinem Schlafzimmer-Studio. Mit einem Capture-System, das echte Amps digitalisiert. Ich habe das zu Hause ausprobiert, mit vernünftigen Studiomonitoren und dachte so: Das kann nicht sein, dass das so gut klingt. Ein Wermutstropfen war für mich: Die anderen hatten immer irgendjemand dabei, der draufgehört hat. Ich habe die ganzen Aufnahmen alleine gemacht. Mir hat keiner gesagt, mach es nochmal. Es war keiner dabei, der eventuell was kontrollieren hätte können. Ich habe Zuhause die ersten Tracks gemacht, mich mit dem Benjamin abgestimmt und dann war das für mich klar, dass ich das daheim aufnehme. Ich saß da dann nächtelang in meinem Schlafzimmerstudio. Mir kam das nur irgendwann, bei allen war jemand dabei, der nochmal gegengehört hat, nur bei mir nicht. Ich habe das immer dem Benjamin geschickt und er hätte sich schon gemeldet, wenn etwas nicht gepasst hätte…

Sven: Das ist halt Doom. Das ist das Leben…

Uwe: Also wir hatten Spaß, der Olli nicht so.

Man hört es dem Album überhaupt nicht an, dass ihr das so unterschiedlich aufgenommen habt, es klingt so organisch.

Uwe: Das war Olli da verwendet hat, das Quad Cortex, habe ich jetzt auch. Ich komme noch nicht so richtig damit klar ehrlich gesagt, aber es kommt da ein guter, zuverlässiger Sound raus. Da rauscht nichts und man muss nicht mehr so viel schleppen, das ist schon praktisch. 

Ihr klingt auf „Back Home“ reifer. Würdet ihr dem zustimmen? 

Uwe: Nach 30 Jahren haben wir uns musikalisch verändert. Einflüsse und Geschmäcker ändern sich, aber es funktioniert immer noch. Das ist der Kern. Wir sind immer noch die gleichen, die zusammen Musik machen.

Sven: Dass wir reifer klingen, kann ich auf jeden Fall nachvollziehen. Wir entwickeln uns nicht gerade in Lichtgeschwindigkeit, eher in Doom-Speed. Wir machen ständig Musik, auch in anderen Projekten. Uwe hatte VOODOO SHOCK, Matze spielt bei SACRED STEEL. Das bringt Erfahrung und erweitert das Repertoire. Früher hat Uwe alles alleine gemacht, er war quasi der Glen Danzig des Dooms. Mittlerweile ist es ein bunter Haufen an Kreativität, wo sich jeder einbringt.

Matze, dein Schlagzeugspiel wird oft hervorgehoben.

Sven: Matzes Art zu spielen ist ein riesiger Zugewinn, er bringt eine solch untypische Power in dieses Doom-Zeug rein, ohne sein Schlagzeug wäre das Album nicht so geil geworden.

Olli: Ich glaube, wir sind alle musikalisch in Summe gereift, und deshalb ist das Endergebnis so, wie es ist. Wir verstehen uns auch auf einer Metaebene gut, das funktioniert einfach.

Das merkt man euch auch live an. Ihr seid unglaublich homogen auf der Bühne.

Uwe: Das ist eine Sache, die sich entwickelt hat. Ich hätte mir gewünscht, schon vor 30 Jahren so gelöst im Jugendhaus zu spielen. Früher waren wir viel verbissener. Heute ist es lockerer.

Matze: Diese Reife, und auch die Live-Situation, die du beschrieben hast, kommt daher, dass wir seit fast 30 Jahren in dieser Besetzung spielen. Mit Unterbrechungen, aber seit vielen Jahren wieder regelmäßig. Es gibt viele Bands, die sind geile Musiker, aber die schicken sich Dateien zu, treffen sich eine Woche vor der Tour und spielen da erstmals zusammen. Dieses Gefühl, dass es zusammen reift, bekommst du aber nur, wenn du regelmäßig gemeinsam spielst. Das macht dann diese Reife aus, die man auf dem Album hört und bei Konzerten sieht.

Sven: Das gehört zu so einem Reifeprozess dazu. Jeder bringt das Beste mit rein, am Ende muss das Ergebnis zählen. Wenn du uns fragst, welcher Song der Beste ist auf dem Album, sagt wahrscheinlich jeder etwas anderes. Aber in Summe sind wir alle stolz auf das Album. Als ich das fertige Album zum ersten Mal auf Vinyl gehört habe, hatte ich Tränen in den Augen. Ich dachte, das ist eine andere Band. Dieses Momentum, das musst du erstmal schaffen. Das hat jetzt auch dreißig Jahre gebraucht, aber es hat geklappt.

Uwe: Es ist vielleicht das Beste, was wir je gemacht haben, das ist wirklich so.

Juckt es euch da nicht in den Fingern, häufiger neues Material aufzunehmen und mehr zu veröffentlichen, wenn ihr doch regelmäßig probt und euch so gut versteht?

Olli: Da wir alle im Alltag recht stark eingebunden sind, bleibt dafür gar nicht so viel Zeit, dass wir regelmäßig ins Studio gehen und neue Sachen aufnehmen könnten.

Sven: Jetzt genießen wir erstmal das Album und spielen ein paar Konzerte. Ich glaube aber nicht, dass wir noch mal zehn Jahre für das nächste Album brauchen werden.

Die Abstände zwischen den Alben haben sich immer halbiert. Demnach müsste das nächste Album in vier Jahren kommen.

Uwe: 2027.

Sven: Echt? Das schaffen wir!

Ich wäre eigentlich zum dreißigjährigen von „Sun Meditation“ 2028 erwartet, habt ihr da irgendwelche Pläne?

NAEVUS: Back Home

• NAEVUS

• doom metal
• ROCK

vonMarkus

NAEVUS: Sun Meditation

• NAEVUS

• TRADITIONELL
• doom metal
• ROCK
• heavy rock

vonFierce

NAEVUS Alben heute und früher

Sven: Da hab ich noch gar nicht drüber nachgedacht! Uwe, da müssen wir liefern.

Uwe: Dann müssten wir dieses Jahr dreißig Jahre „Autumn Sun“ Demo feiern. Ne, es wird keinen Re-Release geben oder so.

„Back Home“ bekommt durchweg gute Kritiken. Wie fühlt sich das an?

Uwe: Erwartungen hatten wir keine. Wir wussten, dass die Songs ein bisschen catchy sind aber man weiß natürlich nicht, wie es ankommt.

Olli: Wir waren überzeugt davon, dass wir ein gutes Album gemacht haben, und wer da etwas anderes darüber denkt… das geht uns ehrlich gesagt am Arsch vorbei.

Sven: Ich war immer derjenige, der zum Uwe gesagt hat, das sind hammer Songs und hab ihn angestachelt, aber das war eher so bandintern.

Man merkt aber wahrscheinlich schon, an was man da arbeitet und kann das Songmaterial einschätzen.

Sven: Die Qualität hast du erst mit der Aufnahme so richtig begriffen. Und was ja noch dazu kommt, ist das ganze optische, vor allem mit der Vinyl-Version. Gelbes Vinyl Cover! Was denkst du, wie wir in unserem Doom-Proberaum gekuckt haben. Aber jetzt, wo ich das alles zusammen sehe, passt das alles perfekt zusammen.

Uwe: Alle, die Produkte von Dying Victims Productions kaufen, wissen das schon: Ah, da ist ein Sticker dabei, ein Klappcover, irgend etwas Besonderes.

Matze: Dying Victims haben immer diese besonderen Aufmachungen, da ist immer etwas dabei – ein Patch, eine Postkarte, ein Poster. Das ist mir als Fan und Käufer auch wichtig, weil ich dann auch vor dem Plattenspieler sitze und mir das anschaue. Das Gefühl zu haben, dass das andere mit unserem Album auch machen, das ist einfach schön. Ich freue mich dann immer, wenn ich Reviews lese und sehe, die Leute haben sich mit dem Album beschäftigt, die einzelnen Songs durchgehört, da geht mir echt das Herz auf, dass sich da jemand damit beschäftigt hat. Da gab es für NAEVUS auch viele schöne Reviews. Ich kenn das von SACRED STEEL auch anders, wir haben früher noch viel mehr auf die Glocke gekriegt und daher kenn ich auch die andere Situation. Wenn du Herzblut reinsteckst und liest dann in irgend einem Magazin „1 Punkt“, weil sie nur auf die Klischees einsteigen. Die haben sich überhaupt nicht mit dem Album befasst aber schreiben dann so einen Scheiß, den ein paar hundert oder tausend Leute lesen. Von dem her hat es mich das dann sehr gefreut, dass sich die Leute bei NAEVUS damit beschäftigt und fundierte Kritiken geschrieben haben. Ob sie das nun gut oder schlecht finden, ist nochmal eine andere Sache, aber sie haben sich damit beschäftigt und viele fanden es dann gut.

Uwe: Und jeder Schreiber hat so drei, vier Lieder, die er herauspickt, aber es sind immer andere, das finde ich schon witzig.

Für mich klingt das Album wie ein Gesamtwerk, ich würde keinen Song einzeln herausheben wollen. Deshalb würde mich aber auch die Geschichte zu diesem Akustik-Intro interessieren, da es etwas in die Irre führt.

Uwe: Auf „Heavy Burden“ haben wir so ein Outro gemacht – ich hatte zu der Zeit Winos (Scott Weinrich, Gitarrist von SAINT VITUS, THE OBSESSED u.a., der Verfasser) Gitarre bei mir zuhause und seine Lederweste, weil er zu der Zeit ja bekanntermaßen an der norwegischen Grenze gecatcht worden ist mit Crystal. Und dann haben die auf dem HAMMER OF DOOM Festival gespielt und samstags ruft mich der Kanzler an, also nicht der Herr Bundeskanzler, sondern Andreas Kohl von Exile On Mainstream Records, und sagt, hey Uwe, bist du auf dem Hammer of Doom? Sag ich, nee, aber der Matze ist auf dem Hammer of Doom. Er sagte, er kriege noch Kohle von SAINT VITUS. Matze solle da hingehen und das Geld holen.

Gelächter

Uwe: Alles klar, ich ruf den Matze an. Und Matze so: Waas, Geld holen? Ja, okay, mach ich.

Gelächter

Uwe: Matze geht das Geld holen. Ach ja, und die Becken-Tasche von Henry Vasquez (SAINT VITUS, PENTRAGRAM, u.a.), gefühlt drei Tonnen schwer. Und Winos Gitarre und die Lederweste und ein paar tausend Euro Merch-Kohle. Und das hast du mir dann gebracht.

Matze: Das muss man sich mal vorstellen, wie bescheuert kann man sein. Auf so einer Rock’n’Roll-Tour Gitarren, Case, Weste und Bargeld von einem Junkie entgegenzunehmen, der gerade an der Grenze verhaftet wurde. Also, keine Ahnung, was da drin war. Ich hab’s dann schnell Uwe gegeben.

Uwe: Das war zu der Zeit, als wir gerade aufgenommen haben. So, das ist die Vorgeschichte. In diesem Setting habe ich diesen Song aufgenommen, dieses Outro mit Vogelgezwitscher, das hat halt auch gut zum Album passt. Und deshalb habe ich beim aktuellen Album gedacht, das wär doch eine coole Idee, mit so etwas zu beginnen. Das hat dann auch gut funktioniert und es war die letzte Sache, die ich für das Album aufgenommen habe.

Sven: Ich muss da noch eine Geschichte loswerden, mit dem Wino-Zeug. Die Weste und die Gitarre hatten wir dann bei uns im Proberaum, das kam bei uns als alten Fans auch super an, und wir mussten uns dann alle in der Weste gegenseitig fotografieren, obwohl die ungefähr fünf Nummern zu klein war.

Uwe: Ich hatte die nicht an, der Olli auch nicht.

Sven: Jeder von uns hatte die an, okay, außer vielleicht der Olli. Und ich hab es vielleicht am meisten übertrieben, haha. Aber mir war das schon wichtig, dass ich Winos Weste getragen habe, also die eine, die auf den ganzen Bildern anhat. Naja, vielleicht hat er ja auch fünf davon…

Uwe: Also in diesem Umstand kam damals das Akustik-Outro zustande, und jetzt gibt es eben das passende Intro dazu.

Ich finde das Intro insofern überraschend, weil es danach sofort in die Vollen geht. Was mir gleich aufgefallen ist, ist die Breite, die Fülle des Sounds auf dem Album. Breit, aber trotzdem… filigran ist vielleicht das falsche Wort, aber irgendwie fein? Ich rätsele, wie ihr das gemacht habt, oder ob das einfach die Produktion ist.

Sven: Ich würde sagen, das liegt an den technischen Fähigkeiten von Benjamin Hölle. Wir haben zum Beispiel vier Bassspuren aufgenommen, mit unterschiedlichen DI-Boxen, auch mal akustisch, und so weiter. Da haben wir uns viel Mühe gegeben, dass die Details nicht im Mix weggespült werden. Ich finde, das Schlagzeug ist nicht nur geil eingespielt, sondern auch sehr hochwertig aufgenommen. Der Benjamin ist ja so ein Multitalent, der ist ja auch Schlagzeuger, der wusste ganz genau was er tut, das klang schon bei der Aufnahme über die Kopfhörer so geil.

Uwe: Er hat bei der Aufnahme zum Beispiel mal gesagt „Matze, wart mal kurz“, dreht das Mikrofon an einer Tom um so zwei Grad und meint so „alles klar, jetzt kannst du weiterspielen“.

Sven: Und einmal hat er gehört, dass ein Kabel defekt war. Das ist völlig unmenschlich, aber ich glaube, das waren am Ende diese Details. Bei Uwe und Olli ist diese Gitarrenwand sowieso immer da, aber es ist halt die Frage, mit welchem Charakter. Es ist tatsächlich hörbar auf dem Album, dass jedes Instrument seinen Platz hat und sehr transparent rauskommt. Es ist einfach Produktionsqualität. Ben und auch Markus im Mix und alle, die daran beteiligt waren, haben einen absoluten Hammerjob gemacht.

Uwe: Es ist auch schon immer so gewesen, dass wir, weil wir zwei Gitarren haben, auch versuchen, zwei unterschiedliche Sachen zu machen, also dass die beiden Gitarren nicht stumpf das Gleiche spielen. Klar, das gibt es das natürlich auch bei einigen Parts, aber schon bei den alten Demos, wo ich noch gebrüllt habe, waren es immer zwei Gitarren, eine Rhythmus und eine Melodie oder zweistimmig, das fand ich schon immer wichtig. Wir haben halt auch gleiche Vorbilder, was zwei Gitarren angeht, THIN LIZZY oder solche Geschichten, wo du die Gitarren nicht einfach eine Quarte oder Quinte auseinanderlegst.

Und standen auch die einzelnen Sounds vorher schon fest? Also, dass eine Gitarre einen Chorus oder Hall oder so kriegt…  

Olli: Also das Ganze ist mehr oder weniger trocken eingespielt. Die verzerrten Parts oder die Soli, die werden dann schon mit Wah Wah direkt eingespielt. Die weiteren Effekte kamen erst im Mix dazu.

Uwe: Aber so viele Effekte haben wir doch gar nicht?

Olli: Im Mix kam da schon noch was dazu.

Uwe: Das ist wahrscheinlich so passiert, dass ich das gar nicht höre. Ich weiß auch gar nicht, ob ich die Platte im fertigen Mix überhaupt schon gehört habe.

Ernsthaft? Also ich kann’s dir empfehlen!

Uwe: hahaha.

Sven: Also die Zauberei hat ganz viel der Benni gemacht, muss man schon sagen. Absolutes Gehör der Typ.

Matze, wie ist es denn für dich, so ein Album einzuspielen? Du hast Erfahrung mit verschiedenen Bands und schon einige Sachen aufgenommen. Sind solche Aufnahmen inzwischen Routine für dich?

Matze: Routine ist es sicher nicht. Dafür mache ich das doch zu selten. Wenn du in den letzten neun Jahren jeweils ein Album gemacht hast, kannst du nicht viel Routine gewinnen.

Okay, die Frage zielt auf meinen Eindruck ab, als du noch regelmäßiger mit SACRED STEEL Alben veröffentlicht hast, es gab ja früher auch schon recht beeindruckende Videos, wie du die Drums eingespielt hast und so.

Matze: Bei NAEVUS war es ja relativ klar, weil wir die Songs seit Jahren geprobt haben. Das war nochmal anders als bei SACRED STEEL, da ist viel noch am Ende verändert worden. Bei NAEVUS haben wir die Songs seit vier, fünf Jahren schon gespielt. Da ging es wirklich nur darum, die sauber aufs Band zu bringen und das Feeling reinzukriegen. Dafür war die Live-Situation enorm wichtig im Studio. Und dann die Art aufzunehmen, dass wir die Lieder am Stück durchspielen. Es gibt ja auch Bands, die immer nur einzelne Teile aufnehmen und alles nachher zusammenstückeln, aus zehn Takes einen Take zusammenschnippeln. Das war bei NAEVUS völlig anders. Wir haben die Takes am Stück durchgespielt und am Ende an der ein oder anderen Stelle noch was ausgebessert, die Aufnahmen waren aber immer Full Takes.

Uwe: Ich finde das ist schon ein wichtiger Punkt. Dass das einfach natürlich bleibt. Sveni und ich haben Matze begleitet bei der Schlagzeugaufnahme. Und dadurch hat man natürlich ein anderes Augenmerk darauf. Deswegen habe ich das vorhin gesagt mit den zwei, drei Aufnahmen, weil man sich dann wirklich nochmal steigert. Es ist eigentlich das gleiche Ding wie vorher, aber es ist nochmal mit mehr Energie oder mehr auf den Punkt gespielt. Drei Songs sind noch übrig von der Aufnahmesession und es gibt noch einen Song, den wir hinten ausgefadet haben, wo wir zum Songende alle nochmal Vollgas geben. Auf der Platte ging das aber nicht, weil die Vinylqualität zum Ende hin schlechter wird.

Olli: Live jammen wir den Song am Ende länger.

Uwe: Auf der Platte ging es leider nicht, weil wenn du es nochmal zwei, drei Minuten rausziehst, dann ist halt einfach die Platte irgendwann nicht mehr qualitativ gut. Aber eingespielt haben wir trotzdem fast acht Minuten hinten raus.

Sven: Der Fade ist relativ hart und cuttet den Song relativ schonungslos. Im letzten Mix davor ging der Fade-Out fast über zwei Minuten und Matze hat gespielt als ob es live wäre, voller Energie. Aber wie gesagt, vinylproduktionstechnisch ist es gecuttet worden, was schade ist.

Jetzt gehen wir doch nochmal in die Technik. Gibt es irgendein Equipment-Teil, was ihr an eurem Setup nie vermissen wolltet?

Olli: Ja, die Saiten.

Gelächter

Die Basics mal ausgenommen.

Uwe: Ich habe ja mit meiner Ideologie gebrochen, immer einen Einkanal-Amp zu nutzen, der selber die Verzerrung bringt, also ohne zusätzliches Verzerrerpedal. Das hatte ich immer und jetzt bin ich digital unterwegs. Aber das funktioniert für mich, das ist auch so mein Sound.

Olli: Ich bin jetzt nicht so, dass ich sage, ich brauche genau die Saiten, diese Gitarre, diesen Verstärker. Wenn es gut klingt, ist gut. Wenn es nicht gut klingt, verändere ich was. Mit den Mitteln, die ich habe.

Uwe: Bevor ich meinen letzten Amp gekauft habe, habe ich damals beim Kanzler im Keller verschiedene Amps ausprobiert. Der hatte ja alles. Der hatte ja die ganzen Wino-Sachen da, die er in Europa benutzt hat, der hat ihm ja auch die Amps gebaut und modifiziert, die ich dann auch gespielt habe. Für mich war es aber immer so: egal welchen Amp ich gehabt habe, jeder hatte einen anderen Klang, aber es war immer ich. Klar kannst du technisch viel machen, aber wenn du nicht Gitarre spielen kannst, dann ist es egal, was du für ein Amp benutzt. Dann kommt halt auch Scheiße raus. Und umgekehrt, würden wir die Instrumente nicht beherrschen, hätten wir vermutlich schon lange aufgegeben.

Sven: Wobei ihr zwei noch am modernsten aufgestellt seid mit dem digitalen Zeug.

Olli: Wir haben aber eigentlich nichts gemacht, außer den Röhrenamp gegen den digitalen Pre-Amp auszutauschen.

Uwe: Genau, wir spielen fast das gleiche Setup wie vorher. Du hast jetzt vielleicht eine Rauschunterdrückung, davor habe ich immer Meeresrauschen oder eher eine Sturmböe gehabt, jetzt kann man sich in den Songpausen unterhalten.

So ein Noise Gate ist was Praktisches, ja.

Uwe: Ja genau. Ansonsten ist das ein Preamp aus dem Quad Cortex, dann vielleicht ein Delay oder Hall, das ist es eigentlich auch schon.

Olli: Wir hätten noch viel mehr Möglichkeiten, wir nutzen vielleicht 0,1 % von dem, was das Gerät kann, aber wir kommen gut klar damit.

Sven: Ich bin ja eher Old School mittlerweile. lustigerweise. Ich habe nur analoge Sachen.

Uwe: Ich war ja vorher voll der Equipment-Nazi. Aber ich hatte mit dem Setup nur Ärger und ich hatte keine Lust und keine Energie mehr gehabt, mich damit zu beschäftigen, das hat einfach nicht funktioniert. Außerdem habe ich mich mit Roland, der das Artwork gemacht hat dazu ausgetauscht. Der spielt einen Laney TI-100, das Tony Iommi-Modell, und er sagte, alleine klingt das Ding super, aber sobald du ein Effektgerät davorhängst, dann rauscht das wie Hölle. Und das ist bei mir genauso gewesen, und keiner weiß, warum. Und nun funktioniert das einfach. Und was willst du an deinem Schlagzeug nicht hergeben, Matze? Cowbell?

Gelächter

Matze: Wir haben überhaupt keine Cowbell auf dem Album. Früher hatten wir tatsächlich Cowbells. Ne, ich bin da relativ schmerzfrei. Ich bin es eh gewohnt, live auf allem zu spielen, was rumsteht. Ich spiele seit über 20 Jahren das gleiche Set. Das klingt immer gut. Was ich nicht könnte, wäre im Studio mit einem Drumkit mit nur einem oder zwei Toms zu spielen. Ich spiele halt viele Fills, die auf diese vier Toms ausgelegt sind.

Sven: Lass uns doch mal den Spaß machen, und Matze das nächste Mal ein E-Drum hinstellen.

Matze: Das könnte ich auch nicht.

Du spielst ja auch mit viel Energie.

Matze: Das muss man auch hören, finde ich. Aber ansonsten bin ich da nicht festgelegt.

Sven: Bist du jetzt enttäuscht von den Antworten?

Nein, überhaupt nicht, ich finde das nur interessant. Als Gitarrist bin ich auf der ewigen Suche nach dem vermeintlich perfekten Sound. Vielleicht liegt das einfach an den schier unendlichen Möglichkeiten, die du heute hast. Aber ich bin gerade auch wieder auf dem Weg Back To The Roots, einmal mit einem Hughes & Kettner- und einem Orange-Amp und schmeiße die ganzen anderen Effekte aus meinem Signalweg.

Olli: Mehr ist nicht unbedingt besser. Je mehr Effekte du davor hängst…

…wird es auch komplizierter beim Spielen. Aber was ist dann das Besondere an eurem Bandsound?

Sven: Unser Sound ist eine Wall. Da fühlst du dich wohl, er ist immer da. Die Akzente machen die Gitarren mit ihrer Zweistimmigkeit. Und das Songwriting halt. Also bei „Heavy Burden“, wenn du das mal genau anhörst, ist die Amplitude immer im Vollausschlag. Und wir haben jetzt versucht, mal ein bisschen mehr mit laut und leise zu spielen. Das hat jetzt zwar nicht direkt mit Sound und Soundeffekten zu tun, aber du musst halt immer gucken, dass nicht die Effekte oder irgendwelche Specials den Sound definieren, sondern immer noch die Musik und die Musiker, wie sie organisch spielen. Und dann kannst du mal gucken, ob da noch so ein Ding wie im Intro, mit viel Hall, machst. Guck dir doch mal SLAYER an, die haben wir vorhin bei der Herfahrt angehört. Wieviel Sounds haben die? Zwei? Mehr brauchst du doch gar nicht.

Ja, das stimmt schon. Ich hatte das neulich erst bei einem Konzert erlebt, CIRCLE JERKS, eine uralte Hardcore-Band. Mit nur einem Gitarristen, der die Gitarre parallel in zwei Amps spielt – einen Marshall und einen Orange – und zwei 4x12er-Boxen dran, fertig. Das einzige Effektgerät war sein Stimmgerät, um die Gitarre in den Pausen stumm zu schalten. Das war eine dermaßen fette Soundwand. Und ich als Amateur habe da zig Effekte auf dem Boden liegen…

Uwe: Weniger ist mehr.

Sven: Also, der Einzige, der mir einfallen würde, der das so ein bisschen in einen Bandstil umgesetzt hat, ist Tom Morello von RAGE AGAINST THE MACHINE, der hat das ja zelebriert. Aber da sind die Instrumente im Sound auch recht weit auseinander, so wie auch bei den RED HOT CHILI PEPPERS.

Noch eine grundsätzliche Frage zu euren Veröffentlichungen. Ihr habt „Back Home“ als LP produziert. Dann ist ja aber auch die digitale Musik ein großes Thema, Spotify, Bandcamp und so weiter. Wahrscheinlich wird es euch mit Spotify ähnlich gehen wie den meisten Musikern: Es ist ein Kanal, den man bedienen muss, wenn auch widerwillig. Wie sehr beschäftigt euch das Thema?

Uwe: Vinyl ist ganz klar für uns, und wahrscheinlich für Matze die Nummer eins.

Matze: Die erste hatten wir damals gar nicht auf Vinyl, die kam nur auf CD, das war diese Zeit damals.

Uwe: Aber ich glaube, da geht tatsächlich der Bruch quer durch die Band. Also Svenni würde ich jetzt als jemand einschätzen, der viel digital hört.

Matze: Ich habe kein Spotify-Abo, ich höre auch nie Musik am Computer. Ich höre mir nur Zeug an, was ich mir gekauft habe. Also entweder auf CD oder Platte. Ich höre es mir einfach an, weil ich keinen Bock habe, vor einem Computer zu sitzen und Musik zu hören. Aber da bin ich vermutlich eher die Ausnahme in der heutigen Musikhörerschaft, die wir auch ansprechen wollen und müssen. Aber ich denke, der Uwe ist so ein Mittelding, der kauft auch noch viel Vinyl oder auch CDs?

Uwe: CDs keine mehr, ich habe auch keinen CD-Player mehr.

Sven: Also ich würde sagen, ein kommerzielles Interesse ist da, zumindest wollen wir unsere eigenen Ausgaben wieder gedeckt haben. Aber nicht viel drüber. Das erreichst du ja nur über Produktverkäufe, Vinyl, CDs oder T-Shirts, also Merchandise, was wir bei den Konzerten dabei haben. Es ist aber auch eine Message von uns und unserer Musik, was du erlebst, wenn du ein Album aufklappst, das gehört irgendwie dazu. Unsere Musik ist nicht dafür gemacht, das sie rein digital rauskommt, so wie das zu Corona-Zeiten die Smashing Pumpkins gemacht haben, das war noch nie unser Ding.

Digitale Medien sind einfach Reichweite. So wie das dieser „666MrDoom“ gemacht hat, der unser Album vor der Veröffentlichung schon auf YouTube reingestellt hat. Das hat er bei „Heavy Burden“ auch gemacht. Das sind jetzt bald 20.000 Views. Für amerikanische Superstars ist das gar nichts. Für uns ist es ein Wort, weil es hilft, eine Reichweite zu erreichen. Die Leute finden es gut, kommentieren, es gibt eine Art Mund zu Mund Propaganda. Du darfst halt nicht vergessen, dass wir nicht einer klassischen, kommerziellen Musikszene angehören, sondern einer Community. Doom ist eine Community. Es zählt viel Bekanntschaft, Freundschaft. Es ist einfach eine Gruppe, die tickt irgendwie geil. Und du kommst über digitale Medien halt schneller rein, so wie die Typen in Amerika, die uns da reviewed haben. Denen schicken mir doch kein Demo wie früher, sondern die kriegen es über YouTube oder über Reviews mit, über Portale wie vampster. Und die Leute, die dann auf die Konzerte kommen oder die dann auch tatsächlich Fans sind, die bestellen immer ein Produkt. Das ist auch gut so. Soll auch so bleiben.

Matze: Ich finde es gerade spannend zu beobachten, was mit CDs passiert. Ich könnte mir vorstellen, dass es in einigen Jahren ein CD-Revival gibt und die CDs, die gerade rauskommen, extrem teuer werden, weil es echt nur noch wenige gibt.

Sven: Ich bin ja eigentlich großer Fan der Digitalisierung und ich finde digitale Musik überhaupt nicht schlimm.

Olli: Ohne die Digitalisierung hätte ich den Scheiß gar nicht aufnehmen können. Davon mal absehen.

Uwe: Absolut. Aber um digitale Musik an sich geht es ja gar nicht, es geht eher darum, wer bringt das ganze raus und verdient daran. Dass der Herr Ek von Spotify in KI-Waffensysteme investiert, das ist halt das Problem. Und wir sind letztlich dann doch zu gemütlich, um zu sagen, wir nutzen das nicht mehr. Es geht gar nicht grundsätzlich um das digital Hören.

Sven: Ohne die digitalen Portale würden deutlich weniger Leute uns überhaupt wahrnehmen. Wir kommen noch aus der Zeit, wo wir Demos von Hand verschickt haben. So sind halt die ganzen Kontakte entstanden, wir kennen uns halt schon so ewig, alle aus dieser Zeit.

Matze: Ich bin mir aber gar nicht sicher, ob der Kreis der Leute, der einen wirklich hört, so viel größer geworden ist dadurch. Die Verfügbarkeit ist einfacher geworden, viele können es hören und klicken vielleicht mal rein. Aber ob man heute deswegen viel mehr echte Fans hat, das glaub ich halt auch nicht.

Uwe: Durch die Internetgeschichte hat sich der Kreis der Kontakte schon vergrößert. Mit Bands wie JACK FROST aus Österreich und so weiter. Aber das sind alles Leute, die dich vorher auch schon gehört haben.

Matze: Ja, wir dealen heute noch mit den Leuten, mit denen wir vor 25 Jahren schon Gigs gespielt haben.

Sven: Wir haben schon Botschaften aus Japan, Brasilien, Mexiko und sonstwoher bekommen. Das kriegst du mit dem Tape-Versand nicht hin. Und 15.000 Leute habe ich auch noch nie auf einem Konzert gesehen. Eine gewisse Reichweite gibt es schon aber wir sind jetzt auch nicht in der Taylor Swift Liga unterwegs. Aber da wollen wir ja auch gar nicht hin.

Matze: Wir haben ja das große Glück, dass wir finanziell überhaupt nicht auf irgendwas angewiesen sind. Für uns ist jeder, der sich unsere Musik anhört, ein Gewinn, egal ob es sich jemand kauft oder nur bei YouTube streamt. Da hängt keine Existenz für uns dran und wir verdienen eh nichts damit. Aber es gibt Bands, die ein, zwei Level über uns spielen, die haben echt ein Problem damit.

Uwe: Wir sind in der komfortablen Situation, dass wir nicht darauf angewiesen sind. Wenn man sich aber Bands anschaut, oder Musiker wie Gary Holt, der da ja offen darüber spricht. Er kann davon leben, aber es geht halt gerade so. Die müssen touren, damit sie genug Kohle haben. In der Situation will ich eigentlich gar nicht sein. Keine Frage, jeder von uns, der hier am Tisch sitzt, fänd es geil, nur Musik zu machen. Aber es geht halt nicht.

Das kann ja auch ein Vorteil sein, dass man was mit Leidenschaft machen kann, ohne eine Verpflichtung dabei zu haben, oder sich überlegen zu müssen, jetzt müssen wir mal wieder ein Album aufnehmen und das muss dann so oder so klingen.

Matze: Ja, das teile ich total. Also ich bin zum Beispiel leidenschaftlicher Koch. Und meine Eltern sagen immer wieder, mach doch ein Restaurant auf. Dann sage ich, hey, um Gottes Willen, dann ist das auch nur noch Stress. Dann habe ich ja gar nichts mehr, was mir einfach nur Spaß macht. Wenn man alles, was einem Spaß macht, zu seinem Job macht, dann hat man ja gar keine Freizeitbeschäftigung mehr, die nicht „Job“ ist.

So ist das als Musiker dann auch irgendwann, wenn du ein bestimmtes Level erreicht hast und halten musst. Du machst dann nicht mehr das Raffinierte, sondern lieferst den Leuten irgendwas aus einer Fertigmischung, weil es die letztes Male schon so gut ankam. Und dann kommt halt so was halbgares raus. Mir kommt da das neue KREATOR-Album in den Sinn.

Uwe: Ich finde das nicht schlecht.

Gelächter

Sven: Uwe ist ja auch der Ingwer-Holunder-Typ, haha.

Ich mag KREATOR seit meiner Jugend, aber die neueren Kreator-Alben haben halt alle so diesen einen Stampfer drauf, der jetzt bestimmt nicht aus tiefster Überzeugung entstanden ist oder weil man sich damit musikalisch besonders ausdrücken möchte.

Uwe: Das kann natürlich sein, ich weiß nicht, wann haben die sich so neu erfunden, mit der „Violent Revolution“? Seit dem machen sie diesen Stadion-Thrash. Und das machen sie gut. Aber es ist nicht mehr so individuell. Da sind wir gerade bei dem Buch (Das KREATOR Buch liegt zufällig vor uns auf dem Tisch), wo Mille das ja genau beschreibt, wie das so entsteht.

Das hat mir das neue Album voll versaut. Ich fand das vom Veröffentlichungszeitpunkt her auch unglücklich. Die alten Geschichten, die im Buch erzählt werden und im Kontrast dazu das neue Album, damit komme ich überhaupt nicht klar.

Uwe: Zu meiner Schulzeit gab es auch immer die, die KREATOR entweder voll geil fanden oder voll scheiße. Dazwischen gab es nichts.

Damals gab es auch noch nicht so viel Musik in der Richtung und KREATOR waren damals schon extrem. Es gab das Black-Album von METALLICA noch nicht, wodurch Metal so massenkompatibel wurde. Davor konnte man Leute ja noch mit seinen langen Haaren erschrecken.

Uwe: Ja und mit bedruckten T-Shirts. Ich hatte damals auch das „Pleasure To Kill“-Shirt. Ich hab dann aber alle Shirts, die bedruckt waren, Matze gegeben.

Zum Archivieren?

Matze: Ich trag die ab und zu noch. Aber in Wirklichkeit verkaufe ich die bei eBay, das KREATOR Shirt wird da ja für dreistellige Beträge gehandelt.

Gelächter

Uwe: Dann kannst du mich ja heute Abend einladen.

Lasst uns mal noch über eure Konzerte reden. Ihr spielt im April in Göteborg. Wie kommt es denn dazu, dass ihr mit END OF GREEN, MIRROR OF DECEPTION und den anderen Bands in Schweden spielt?

Uwe: Die Steffi, die das organisiert, kommt aus dem MIRROR OF DECEPTION, END OF GREEN Umfeld. Sie hat früher bei Nuclear Blast gearbeitet, mit dem Jochen von Mirror Of Deception. Sie wird jetzt 50 und macht sich selbst ein Geburtstagsgeschenk mit ihrem eigenen Konzert. Sie wohnt in Göteborg und die deutschen und die schwedischen Bands sind Freunde von ihr. GRAVE DANCE COMPANY sind die ehemaligen JACK FROST. Und der Oliver Merkle macht mit, weil er eh immer mit dem Huber (MICHELLE DARKNESS) rumhängt. Der Merkle und der Siffi (MIRROR OF DECEPTION) waren mit mir ja die erste Voodoo-Shock-Generation, das war so um 2000, oh mein Gott.

Sven: Und der Huber heißt heute Michelle Darkness. Anmerkung der Redaktion, haha.

Haha, ja. Ich habe mich bei einer END OF GREEN Listening-Session mal super gut mit dem Huber unterhalten, er wird sich sicherlich nur nicht mehr daran erinnern, haha.

Uwe: Ja, den Huber kennt irgendwie jeder. So kam es jedenfalls zu dem Auftritt in Göteborg. Und eine Woche später reisen wir zum „DOOM IN BLOOM“ nach Göppingen.

Läuft bei euch.

Uwe: Ja: Göteborg, Göppingen. Göttingen? Wir machen jetzt alles, was mit G beginnt. Germersheim. Gerau.

Ich will euch jetzt nicht mehr über Gebühr strapazieren. Aber lasst uns noch kurz über die Texte sprechen. Auf mich wirkt das, was ich aus den Texten herausgehört habe, sehr persönlich.

Uwe: Es ist wahrscheinlich das Persönlichste, was ich bisher je geschrieben habe. Aber ich mag es, wenn Dinge nicht direkt beim Namen genannt werden. Der Song „Ghost“ zum Beispiel ist über meinen Neffen, der leider vor ein paar Jahren gestorben ist. Das sind Sachen, die ich gerne in Bilder oder Worte verpacke. Und „Back Home“ soll für uns als Band widerspiegeln, wo wir angekommen sind. „Back Home“ ist so eine gewisse Sicherheit, die man hat, wenn man zu Hause ist. Wo man sich zu Hause fühlt ist da, wo man sich sicher fühlt, und anders herum. Ob das da ist, wo man nie weggegangen ist, oder ob man irgendwohin ist, um sich dort zu Hause zu fühlen, weil die Menschen um einen herum wichtig sind. Es geht schon um so Wohlfühlmomente.

Ja, kann ich nachvollziehen. Aber ich höre da auch Schmerz heraus.

Uwe: Ja, es ist das, was im Kopf passiert, was man erlebt, was auch tagtäglich passiert. Enttäuschungen, aber auch Freude. Das eine entsteht aus dem anderen. Und dann wird das in Worte gepackt. Es sind keine vorgefertigten Skripte vorhanden, sondern das, was ich dann in dem Moment fühle. Die Texte zu der Platte sind so entstanden, dass ich gewusst habe, in vier Wochen muss ich aufnehmen. Aber jetzt habe ich noch vier Wochen Zeit, voll gut. Und nach zwei Wochen habe ich gedacht, jetzt habe ich noch zwei Wochen Zeit. Und dann hatte ich am Tag vor der Aufnahme immer noch nichts außer ein paar Grundideen und dann habe ich zwei, drei Songs am darauffolgenden Abend eingesungen. Das hat irgendwie funktioniert. Manchmal sind es Worte, die in deinem Kopf irgendwas widerspiegeln und dann passen die für mich. Ohne, dass es direkt cheesy klingt oder so. Und ich glaube, das ist das Wichtige.

Sven: Was man auf jeden Fall mal feststellen kann, ist, dass „Back Home“ textlich das reifste von allen ist. Da muss man mal überlegen, wo wir thematisch und lyrikmäßig hergekommen sind.

Uwe: Ja gut, wir haben natürlich früher über Drachen und so gesungen.

Swen: Ja genau, da waren ja viel so typische Doom-Klischee-Gedöns-Dinger dabei, mit Dwarves, also Zwergen….

Uwe: Ja gut, „The Dwarves Revenge“ auf „Heavy Burden“ hat aber natürlich einen anderen Hintergrund, weil die Dwarves gab es ja wirklich.

Sven: Die Hobbits gab es doch auch, in Grönland, oder?! Aber es ist ja auf jeden Fall ein Thema, was ganz gut zur „Back Home“-Story passt. Wir sind jetzt auch keine 20 mehr. Es ist reifer, ein bisschen konzentrierter geworden, es entspricht mehr der Lebenserfahrung. Es ist jetzt nicht mehr „Dancing in the rain and drinking beer“ (Song auf der „Heavy Burden“, der Verfasser).

Uwe: Aber auch das hat für mich gepasst. Weil es eben das Gefühl in dem Moment ist. Es hat in dem Moment einfach gepasst. Und jeder kennt die Textzeile.

Ihr spielt nun so lange zusammen in dieser Band zusammen, habt ein neues Album draußen. Wie seht ihr selbst die Zukunft von NAEVUS?

Uwe: Bunt. Rosa. Schön? Wir haben auf jeden Fall Pläne, weiterzumachen.

Sven: Dieses Jahr steht auf jeden Fall Support vom Album an. Mit Konzerten, rausgehen, Leute treffen. Ein paar gute Termine haben wir schon mit Göteborg, Göppingen, Augsburg und so weiter. Und, das hat Uwe vorhin ja schon angekündigt, 2027 ist das neue Album da, haha. Die Band ist stabil. Ich freue mich  ehrlich gesagt aber auch wieder auf neue Sachen. Ein paar Festivals wären noch cool. Ich glaube aber nicht, dass wir am Ende sind vom Promoten und von der Erfolgsgeschichte von „Back Home“. Da wird noch einiges kommen. Auf jeden Fall freuen wir uns auf die Straße und auf die Fans und auf weitere gute Reviews und Feedbacks.

Eine abschließende Frage, ein Gedankenspiel: Wenn ihr euer eigenes Konzert oder Festival planen würdet, welche Bands würdet ihr euch dazu einladen?

Uwe: Okay, lasst uns nur lebende Bands nehmen.

Olli: Wie viele Tage?

Gelächter

Uwe: SLOMOSA. SPIDERGAWD? REFEREND BIZARRE. REVELATION, mit Dennis. PENANCE. Wie hieß der Sänger? Aus England war der.

Sven: Ich würde erst mal beim Kern bleiben. Ich würde mindestens mal ein paar von unseren Buddies dabei sehen. MIRROR OF DECEPTION, DAWN OF WINTER, END OF GREEN. Und dann können wir mal gucken, wie es weitergeht.

Uwe: Das Festival wird ja groß.

Matze: Ich persönlich würde PENTAGRAM dazu packen. Schade finde ich, dass sie jetzt doch nicht spielen auf dem KEEP IT TRUE LEGIONS. Die würde ich gern nochmal sehen, mit Victor Griffin. Und davor DAWN OF WINTER, NAEVUS, MIRROR OF DECEPTION. Und ich würde gerne noch DOOMSHINE mit dazu packen.

DOOMSHINE? Ist ja lustig, an die habe ich schon seit Jahren nicht mehr gedacht. Sind die noch aktiv?

Matze: Nein, die machen nichts mehr. Die würden die Big Four des Swabian Doom aber komplett machen.

Uwe: Der Sven ist doch jetzt irgendwo in Australien. Der Timmy, der Schlaps, der Fisch…  

Sven: …OBSESSED auf jeden Fall gerne. Ich würde gerne mal mit dem Wino auf der Bühne stehen, die waren auch wirklich gut zuletzt.

Uwe: ach, weiß ich nicht…

Sven: Aber DOOMSHINE soll ich durchwinken, die kenn ich nicht mal!

Matze: Du sollst gar nichts durchwinken, ICH hab mir die gewünscht!

Sven: Anyway, dann nehm ich noch TROUBLE, haha.

Uwe: TROUBLE mit Eric Wagner, ja  das wäre natürlich eine richtig schöne Sache.

Matze: Und ich muss on Top noch hinzufügen: CANDLEMASS mit Messiah!

Hab mich schon gewundert, dass CANDLEMASS noch nicht genannt wurden.

Sven: Ja, endlich kommt mal ein ordentlicher Vorschlag! Das was ich von der Athen-Show auf YouTube gesehen hab, war der Hammer.

Olli: Ich hab sie noch mit DARK ANGEL in der Rockfabrik gesehen. Neunzehnhundertirgendwann. Der war da noch ziemlich voluminös.

Ich habe sie mit Messiah sehen dürfen, als sie auf dem BANG YOUR HEAD und auf dem WACKEN gespielt haben in dem Jahr. Ich stand da beim BYH im Fotograben, direkt an der Bühne und die ganze Bühne hat gebebt, er war seehr aktiv. Das war schon beeindruckend.  

Sven: haha, ja das wäre schon der Hammer. Aber PENTAGRAM, ich glaube, da sind wir uns alle einig, in der Besetzung von HAMMER OF DOOM damals. Das haben wir so abgefeiert.

Uwe: Das war ja mit Victor. Bei dem ersten. Da standen wir am Bühnenrand und haben nicht mehr das Grinsen aus den Gesichtern gekriegt.

Matze: Da hat er mir meine Relentless-Platte unterschrieben. Das war so witzig, das war ja diese Special Relentless-Show, wo sie das ganze Album spielten. Ich habe die ihm hingehalten zum Unterschreiben und habe zu ihm gemeint, „you’re gonna to play all of it.“ Und er so, „ah, aaaall of it!“ und hat „all of it“ mit dem Edding auf die Platte geschrieben.

Gelächter.

Sven: Müssten wir uns fairerweise nicht PARADISE LOST wünschen, als Headliner?

Matze: Eigentlich müsste man sich noch CATHEDRAL wünschen.

Uwe: Ja, das stimmt natürlich.

Okay, das klingt nach einem coolen Billing, bin gespannt, wann ihr das umsetzt. Dann würde ich mal zu den berühmten letzten Worten kommen. Wollt ihr noch irgendwas loswerden?

Uwe: Famous last words? Trinkt mehr Grün-Tee!

Sven: Hör nicht auf ihn! Der hat jetzt schon zwei von den Dingern drin, der ist nicht mehr zurechnungsfähig. Ne, vielen Dank für das Interview! Krass, dass das so lang ging.

Olli: Trinkt aus, wir müssen gehen.

YEAST MACHINE überzeugen mit mehrstimmigen Gitarren und Gesängen und guten Ideen

So finden sich mehrstimmige Gesänge und Gitarren, herrlich schwer bratend und dennoch harmonisch verteilt im Stereo-Mix des Albums. Viele nette Soundspielereien in den Intros und den Songs selbst halten die Lieder auch nach mehreren Durchgängen spannend, hier und da mischen sich auch weibliche Vocals in die Songs, wie in der zweiten Strophe vom DOZEResken „Falling Rocks“, die für eine weitere spannende Facette sorgen. Irgendwo zwischen NIRVANA, DOZER und THE JESUS LIZARD pendelt sich das meiste Songmaterial dann auch ein, vollgepackt, aber nicht überladen, durchaus selbstbewusst, und klingt dabei warm und organisch.

Interessant wird es immer dann, wenn die Band aus ihrem Raster ausbricht. So groovt sich „Wobbly Wizzard“mit 70er-Jahre-Wah-Wah-Gitarren-Charme frisch nach vorne, während  „Feeding Poison To The Spiders Was Never Really My Thing“ dich durch seinen spannenden Songaufbau förmlich in den Song hineinzieht. Genau hier zeigt sich eine Schwäche des Albums, die ich weiter unten noch konkretisiere: Statt die Spannung konsequent auszureizen und die Sperrigkeit bis zum Schluss durchzuziehen, lösen YEAST MACHINE sie in einem typischen 90er Grunge-Refrain inklusive Rückung auf. Das raubt dem Song die letzte Konsequenz und lässt ihn unnötig flach verklingen.

„Bad Milk“ überzeugt in vielen Momenten, es fehlt aber noch der letzte Mut

Das ist auch mein einziger Kritikpunkt an diesem erwähnenswert guten Album: Trotz gewollter Schräglagen und den eingearbeiteten Dissonanzen bleibt das Album spürbar auf Zugänglichkeit getrimmt. Dort, wo die Referenzen der Neunziger durch Exzesse und musikalische Unbekümmertheit Alben für die Geschichtsbücher schrieben, bleiben YEAST MACHINE hörbar kontrolliert. Das schmälert dann ein wenig die ursprüngliche Idee, die Radikalität und den Schmerz, aus dem heraus diese Musik einst entstand. Es schmälert nicht aber die Qualität: „Bad Milk“ überträgt die Ästhetik von Seattle und Chicago überzeugend ins Hier und Jetzt – eben nur ohne den Mut, sie konsequent auszureizen.

Live dürfte das alles aber sehr gut funktionieren, und ich bin gespannt, wohin die Reise von YEAST MACHINE noch führt. Mit „Bad Milk“ sollte sie jedenfalls noch nicht zu Ende sein.

Tracklist – YEAST MACHINE „Bad Milk“:

Globalized Condolences
Falling Rocks (feat. The Red Flags)
Bad Milk
Foreshadowing
Dust on the Radio
Feeding Poison to the Spiders Was Never Really My Thing
Karthago
Honey & Sweat
Wobbly Wizzard
The Golden Cage

VÖ-Datum: 20. März 2026

Spielzeit: 34 Minuten

Produktion

Produced & Mixed: Markus Graf
Mastered: Stefan Brüggemann

Label/Promo: Noisolution

YEAST MACHINE – Besetzung

Fabian Köninger – Gitarre, Vocals
Tobias Köninger – Gitarre
Benjamin Frenzel – Vocals, Synth
Marcel Gundlach – Bass, Vocals
Jonas Bischof – Drums

Im Netz:

YEAST MACHINE bei Bandcamp

Natürlich hat „Transience“ typische Doom Metal-Momente

Wer klassischen Doom Metal sucht, findet auf „Transience“ Songe wie „Slow Wind“, der so typisch für MIRROR OF DECEPTION ist wie „Orphans“, „Immortal“ oder „Ghost“:  melodisch, schwermütig, eindringlich. „Looking Back | no more of Signs of Life | in the valley below“ klagt Sänger Michael „Siffi“ Siffermann, und die Textzeilen brennen sich sofort ins Bewusstsein. In „Currents“ rifft die Band zu Ende hin minutenlang auf derselben Stelle, das gehört einfach dazu, macht Doom Metal aus – und das Riff ist halt auch einfach gut. Und zum Heulen schöne Gitarrenharmonien konnten MIRROR OF DECEPTION ja schon immer, fast 40 Jahre Erfahrung helfen den beiden Bandgründern Jochen Fopp und Michael Siffermann wahrscheinlich obendrein, so ergreifende Melodien wie in „Consumed“ oder „Meander“ zu schreiben.

MIRROR OF DECEPTION können mehr als Doomriffs schrubben

Doch „Transience“ bietet auch reichlich Unerwartetes wie die leicht disharmonischen Gitarren und die Growls in „Haven“. Als Gastsänger ist im Booklet Michelle Darkness (END OF GREEN) aufgeführt, er kümmerte sich auch um Produktion, Mix und Mastering und kann sich mit „Transience“ ein wirklich rundum gelungenes Referenzwerk ins Regal stellen. Der Sound: klar, sehr warm, druckvoll und vor allem mit einem eigenen Charakter. „Transience“ ist ganz weit weg von den üblichen Einheitsproduktionen. Herausragend sind die Gesangsarrangements. Neben Jochen Fopp und Michael Siffermann gehören heute zur Band Schlagzeuger Uwe Kurz und Bassist Pascal Schrade, der auch singt. Und so geben MIRROR OF DECEPTION auf „Transcience“ ihren Songs mit einigen zwei- und mehrstimmigen, geflüsterten und anderweitig dynamisch-abwechslungsreichen Gesangsparts zusätzliche Tiefe, zum Beispiel in „Death, deliver us“ oder „Meander“. In „Slow Winds“ fragt Sänger Michael Siffermann „when will they find out | where will they search | where will i be | will the winds whisper what happened?“ Wer diesen Song auch nur einmal gehört hat, wird ihn wegen dieser Zeilen immer sofort wiedererkennen.

Danke MIRROR OF DECEPTION, dieses Album heilt Wunden

MIRROR OF DECEPTION waren schon immer wichtig für die deutsche Doom Metal-Szene, mit ihrem sechsten Album setzen sie ihr eigenes Denkmal auf einen Sockel. Der ist so hoch, dass man die Band nicht mehr übersehen kann, auch außerhalb der eingeschworenen Szene. „Transience“ erscheint übrigens als Eigenproduktion auf dem bandeigenen Label Estuarial Records als CD, Tape und LP.  Das sagt einiges über die Musikindustrie aus. Offenbar drückt man lieber die x-te generische Genre-Band in den Markt. Sei’s drum. Wer „Transience“ für sich entdeckt, wird sich wie ein Strandspaziergänger fühlen, der etwas ganz Besonderes findet. Sein Fund ist nicht nur schön, er hat eine Bedeutung und er gewinnt weiter an Bedeutung, je mehr man sich damit beschäftigt. „Transience“ ist von Anfang ein gutes Album, wächst aber mit jedem Durchgang, mit jedem Detail, das man neu entdeckt, sei es in den Songs, in den Texten, im Booklet.

Danke MIRROR OF DECEPTION, dieses Album ist mehr als Doom, es heilt Wunden. Alles ist endlich. Alles ist vergänglich. Lass uns deshalb das Beste auf jedem Moment machen, so könnte man das Motto von „Transience“ zusammenfassen. Und deshalb sollte jeder das Album oder zumindest den Übersong „Meander“ an seinem Lieblingsplatz hören, einmal, zweimal und nochmal. Wer da nicht berührt ist und vielleicht gar so etwas wie einen kurzen inneren Frieden findet, muss aus Stein sein.

Live kann man MIRROR OF DECEPTION übrigens an historischer Stätte mit anderen feinen Bands beim DOOM IN BLOOM am zweiten Aprilwochenende in Göppingen sehen. 

MIRROR OF DECEPTION „Transience“ Tracklist

Death, Deliver Us
Currents
Haven
Slow Winds (Bandcamp)
Consumed (Bandcamp)
The Sands
Meander

VÖ: 27. März 2026

Label: Estuarial Records / Eigenproduktion

Spielzeit: 43 Minuten

Mehr im Netz

MIRROR OF DECEPTION bei Bandcamp

Es ist schließlich ein Geben und Nehmen zwischen Band und Fangemeinde, das heute auf weitere Art und Weise zelebriert wird: Als Teil der „Pay With Your Blood“-Kampagne stellte die Melodic Death Metal-Band in Zusammenarbeit mit dem WACKEN OPEN AIR ein gewisses Ticket-Kontingent vorab im Tausch gegen eine Blutspende zur Verfügung. Auf Worte lassen HEAVEN SHALL BURN Taten folgen: Gesellschaftliche Verantwortung ist kein bloßes Lippenbekenntnis.

Und dennoch stehen bei diesem Tourfinale in erster Linie die Musik und das Miteinander im Zentrum: Interessierte können sich zwar am Peta-Infostand schlau machen, wer jedoch lieber den Barbetrieb vorzieht, darf auch schlicht ein reguläres Metalkonzert genießen. Als solches fährt die Veranstaltung zusätzlich zum Hauptact ohnehin dicke Geschütze aus: Neben der Supergroup THE HALO EFFECT stellen die Veteranen THE BLACK DAHLIA MURDER und die texanische Death Metal-Formation FROZEN SOUL das Vorprogramm.

FROZEN SOUL

Schleppend und unheilschwanger erklingen die ersten Töne, bevor „Encased In Ice“ an Fahrt aufnimmt und den Münchner:innen die Marschrichtung der nächsten 30 Minuten aufzeigt. Ihren Death Metal intonieren FROZEN SOUL meist nach den Gepflogenheiten der alten Schule: oft walzend und mit Groove, wobei auch die eine oder andere schnelle Passage für Trubel sorgt. So darf sich das Quintett schon zum Auftakt über einen Mini-Pit vor der Bühne freuen, obgleich die Resonanz in den Randbereichen der Halle noch ungleich verhaltener ausfällt.

Bis zu einem gewissen Grad ist das sicherlich auch dem suboptimalen Soundmix geschuldet: Der dominante Bass verschluckt feinere Facetten, so dass uns der Sound der US-Amerikaner vor allem dann erreicht, wenn sie das Tempo reduzieren und auf nackenbrechende Rhythmen à la „Morbid Effigy“ oder „Arsenal Of War“ setzen.

FROZEN SOUL halten sich nicht lange mit Ansagen auf

Ihre Spielzeit vergeuden FROZEN SOUL indes nicht mit Ansagen oder sonstigem Terz: Indem die Band nahezu pausenlos einen Song an den nächsten reiht, kommt der harte Kern im Zentrum schon früh ins Schwitzen. Dirigiert wird der Moshpit derweil souverän von Frontmann Chad Green, dessen theatralische Gestik für die sonst bewegungsarme Performance entschädigt – zumindest, wenn er nicht gerade den Mikrofonständer zur Langhantel umfunktioniert.

Fotogalerie: FROZEN SOUL

THE BLACK DAHLIA MURDER

“Meine Herren und Damen!” Die Ankündigung der eigenen Band aus dem Off passt wie die Faust aufs Auge zum manchmal etwas unbeholfen wirkenden Stageacting von Brian Eschbach. Als Frontmann versprüht der ehemalige Gitarrist weiterhin eine etwas skurrile Aura, führt aber immerhin sympathisch durch das Programm. Leider haben THE BLACK DAHLIA MURDER heute Abend kaum mehr als das zu bieten, denn der Sound im Zenith ist während des Sets mit katastrophal geradezu schmeichelhaft umschrieben.

Tatsächlich haben wir in der akustisch herausfordernden Halle wohl vor rund 20 Jahren das letzte Mal einen derart undifferenzierten Mix hinnehmen müssen. Obwohl wir mit dem Material der US-Amerikaner bestens vertraut sind, können wir Klassiker wie „What A Horrible Night To Have A Curse“ oder „A Vulgar Picture“ nur erahnen – selbst ein kleiner Spaziergang durch die Halle lindert die Umstände nicht im Geringsten: Ungenießbar ist der Klang an jedem Fleckchen, das wir aufsuchen.

Der Sound macht THE BLACK DAHLIA MURDER heute einen Strich durch die Rechnung

Dass es zur zweiten Hälfte ab „Mammoth’s Hand“ minimal besser wird und zumindest die Leadgitarre manchmal den Brei durchdringt, hilft letztlich wenig: Die Stimmung in der Lokalität wirkt unterkühlt, so dass selbst zu „Nightbringers“ nur wenige Fans im Takt springen. Schade ist das, weil wir das Material THE BLACK DAHLIA MURDERs eigentlich sehr schätzen. Dass das Ende von „Utopia Black“ nach 35 Minuten unerwartet kommt und irgendwie unfertig wirkt, passt wenigstens ins Bild: Das war leider nichts, meine Herren.

THE BLACK DAHLIA MURDER Setlist – ca. 35 Min.

1. What A Horrible Night To Have A Curse
2. Kings Of The Nightworld
3. Aftermath
4. A Vulgar Picture
5. Mammoth’s Hand
6. Cursed Creator
7. Nightbringers
8. Everything Went Black
9. Utopia Black

Fotogalerie: THE BLACK DAHLIA MURDER