Im Juni ist mit „MÜR“ die erste Vorab-Single erschienen. Die EP, welche am 6. November 2026 via Season of Mist erscheinen wird, folgt auf das 2025er-Album „Ül“, dem dritten Album der Band. Als Gast-Sänger sind dabei auch Fabi Hidalgo, Anne Olsen (DANEFAE) und Mira Ceti (HEILUNG) zu hören.

„Auf Englisch bedeutet „MÜR“ ‚“Zusammen““, sagt Sänger und Gitarrist Awka„ „Dieser Song knüpft an die Werte unserer Vorfahren an und erinnert uns daran, wie wichtig es ist, generationsübergreifend zusammenzuarbeiten.“

MAWIZA Line-Up:
Awka – Lead vocals & rhythm guitar
Karü – Lead guitar & backing vocals
Zewü – Bass & backing vocals
Txalkan – Drums & percussion

MAWIZA „In Mongeletew“ Tracklist

1. Mür (5:27) (Lyric-Video bei YouTube)
2. Wüzapiwken (3:45) (Video bei YouTube)
3. Wingkawnoam (3:38)
4. Mamüll Reke (4:24)
5. Ti Inan Paw-Pawkan (4:42)

„I gudarnas tjänst“ ist das vierte Album der Schweden und wird am 13. November 2026 via Obygd Produktion erscheinen. Das Album beschäftigt sich mit dem Unterschied zwischen dem, was wir uns wünschen, und dem, was wir bereits besitzen: den Fähigkeiten, Erfahrungen und Erkenntnissen, die wir auf unserem Weg gesammelt haben. Der Titel des Albums spiegelt die Idee wider, diese Fähigkeiten auch dann einzusetzen, wenn wir mit Unsicherheit, Versagensangst oder der Beurteilung durch andere konfrontiert sind.

UTMARKEN Line-Up:
Mathias Gyllengahm – Vocals, nyckelharpa
Jörgen Wikberg – Lead guitar
Christoffer Weidersjö – Drums
Robert Jonsson – Bass guitar
Janne Asplund – Rhythm guitar

UTMARKEN „I gudarnas tjänst“ Tracklist

01 Alla dessa år
02 Imperiet
03 Långt når ekot (Video bei YouTube)
04 Rusta
05 Vargtimmen
06 Stjärnfall
07 Gryningen
08 I gudarnas tjänst
09 Köld och eld
10 Aldrig hem igen
11 Andra lagar
12 Höga nord

Heute, am 30. Oktober 2026, veröffentlichen ENSLAVED ihr neues Album „Mið„, das 18. Album der Band erscheint via Nuclear Blast Records. Im kommenden Jahr sind ENSLAVED mit SÓLSTAFIR auf Co-Headlinertour, als Support spielen GAAHLS WYRD. 

ENSLAVED haben heute einen weiteren Song von „Mið“ mit einem Video vorgestellt:

• Empfehlung
• Reviews

ENSLAVED: Mið

vonChristoph

29. Oktober 2026

Zuvor teilten ENSLAVED auch Videos zu den Songs „Tales Of Trees“ und „Solar Will“:

Als erste Single teilen ENSLAVESD „Solar Will“, Gitarrist Ivar Bjørnson beschreibt den Song:

„Die Sonne ist ein nährender und furchterregender Elternteil, der Leben schenken, aber auch vollständig auslöschen kann. Ein solch klassisches und Ehrfurcht gebietendes Objekt unserer Verehrung und Mythen erfordert klassische und beeindruckende Riffs, Bonham-artige Drum-Grooves und mitreißende melodische Ausbrüche, die seine schreckliche Pracht feiern. So klingt das für mich: ‚Solar Will‘!“

1.  Non-Being
2.  I Am Ice (featuring Johan Sara Jr) (Video bei YouTube)
3.  Solar Will (Video bei YouTube)
4.  Mountain
5.  Spirit Helper
(featuring Kevin Kicking Woman)
6.  Parting
7.  Tales of Trees (Video bei YouTube)
8.  I Miðju

ENSLAVED & SÓLSTAFIR CO-HEADLINE, GAAHLS WYRD TOUR 2027

04/02/27 – DE Berlin, Festsaal
05/02/27 – DE Leipzig, Felsenkeller 
06/02/27 – DE Hamburg, Fabrik 
07/02/27 – DK Copenhagen, Amager Bio 
08/02/27 – DE Frankfurt, Batschkapp 
09/02/27 – FR Strasbourg, La Laiterie
11/02/27 – FR Rennes, Antipode 
12/02/27 – FR Clermont-Ferrand, La Cooperative de Mai 
13/02/27 – FR Toulouse, Le Metronum 
14/02/27 – ES Barcelona, Razzmatazz 2 
16/02/27 – FR Paris, Elysee Montmartre 
17/02/27 – UK London, Electric Ballroom 
18/02/27 – BE Liege, OM 
19/02/27 – NL Nijmegen, Doornroosje
20/02/27 – NL Utrecht, Tivoli Pandora 
21/02/27 – DE Cologne, Live Music Hall 
23/02/27 – CH Solothurn, Kofmehl
24/02/27 – IT Milan, Magnolia 
25/02/27 – AT Vienna, SIMM City 
26/02/27 – PL Warsaw, Progresja 
27/02/27 – CZ Brno, Fleda 

ENSLAVED Line-up: 
Ivar Bjørnson | guitars
Grutle Kjellson | vocals, bass
Arve ‚Ice Dale‘ Isdal | guitar
Håkon Vinje | keyboards
Iver Sandøy | drums

ENSLAVED – Summer Breeze 2024 – 14.08.2024 – Konzertfotos

Einar Selvik beschreibt, warum er sich dazu entschieden hat, den 2012 erschienenen Song nochmals aufzunehmen:

 

„Helvegen hat über die Jahre eine so große Bedeutung im Leben von Menschen auf der ganzen Welt bekommen, die wir nie hätten vorhersehen können. Wir haben so viele Berichte erhalten, wie ‚Helvegen‘ bei Beerdigungen und Gedenkfeiern, Hochzeiten und Geburten sowie in Momenten tiefer Trauer und großer Freude eine Rolle gespielt hat. Es ist Teil von Gesangstraditionen weit über Skandinavien hinaus geworden und hat in vielen verschiedenen Sprachen neue Stimmen gefunden.

Irgendwann wurde uns klar, dass das Lied nicht mehr nur in der Version existierte, die wir 2012 aufgenommen hatten. Es war zu etwas Größerem geworden, geprägt von den Menschen, die es sich zu eigen gemacht hatten, geprägt von den Momenten, in denen es einen Platz und einen Sinn erhalten hatte. Diese Aufnahme ist unsere Art, diese Reise zu würdigen.

Die neue Version soll euch ermutigen,  eine neue Beziehung zu den Lied einzugehen – nicht nur als etwas, das wir vortragen oder anhören, sondern als etwas, das uns durch das Leben begleiten kann. Eine Tradition überlebt nicht, wenn man sich nur an sie erinnert, man muss sie leben.“

„Helvegen II“ gibt’s auch als 12″ Vinyl-Single via By Norse Music.

WARDRUNA – Summer Breeze 2025 – 15.08.2025 – Konzertfotos

Vielleicht auch, weil „Mið“ nach einem kurzen Intro mit „I Am Ice“ ungestüm und rasant loslegt und einen klassischen ENSLAVED-Track bietet, mit allem, was dazu gehört: mit frostigen Riffs und Grutle Kjellsons kehligem Gekrächze, mit einem großen Chorus und als Würze einem krautigen Orgelsolo. Der Gastgesang des samischen Folkmusikers Johan Sara jr. geht darauf allerdings ziemlich unter. ENSLAVED machen nach diesem gelungenen Einstand mit Verve und Power weiter: „Solar Will“ hat ein tolles Mainriff, das fast schon nach HIGH ON FIRE klingt, samt dem passenden Drumming. Ein kraftvoller, eingängiger Track, der Hitpotenzial besitzt, auch wenn er nicht zu ENSLAVEDs ganz großen Songs gehört.

ENSLAVED haben die Kurve gekriegt: Auf „Mið“ kehren sie zu alter Stärke zurück.

Die brachiale Seite, wie sie auch in „Tales Of Trees“ zu hören ist, ist aber nur die eine Seite von „Mið“. ENSLAVED haben viele Songs, in denen sie sich auf ihre introvertierte Seite konzentrieren. Besonders schön ist es hier, wie ENSLAVED die Balance halten zwischen eingängigen, mitreißenden Momenten und denen, die weniger glatt sind. Ein gutes Beispiel ist „Mountain“, das psychedelisch und wenig einladend beginnt, an Konturen gewinnt, wenn die schroffen Riffs den titelgebenden Berg vor dem inneren Auge entstehen lassen und dann, am Gipfel angekommen, an Geschwindigkeit zulegt. Dieser Song funktioniert erst aufs zweite oder dritte Hören, fasziniert dann aber umso mehr.

Noch besser ist das achteinhalbminütige „Parting“, das als Albumepos alles ausspielt, was die Band auszeichnet: Sphärische Momente und Atmosphäre, schöne Gesangsharmonien, Momente der Heaviness, viel Dynamik und trotz allem eine klare Linie. Kurz: Der beste ENSLAVED-Track seit „Storm Son“. Dieses Niveau hält das Abschlussepos „I Miðju“ leider nicht, hier verlieren ENSLAVED zwischendurch immer wieder den Faden und wirken müde, wenn sie versuchen, die Pole des Albums zu verbinden. Schade, denn ein Album auf diesem Niveau verdient einen großen Abschluss.

Durch ihre Gastmusiker schaffen ENSLAVED kulturelle Verständigung: „Mið“ überwindet Grenzen und bleibt zentriert.

Schön ist aber, dass „Mið“ auch tatsächlich so klingt, wie es betitelt wurde. So, als hätten ENSLAVED ihre Mitte (wieder-)gefunden. Das Album präsentiert die Band, als schlummerte in ihnen ein in sich ruhender Kern, auch wenn auf dessen Orbitalen eine Menge passiert. „Mið“ zeigt auch, dass dieser Kern universell sein kann. In „Spirit Helper“ gibt es nur den Gesang von Kevin Kicking Woman zu hören, ein Ältester der Blackfeet-Nation, den ENSLAVED auf dem FIRE IN THE MOUNTAINS-Festival in Montana kennenlernten. Und siehe da: Das kulturelle Verständnis der Norweger ist gar nicht so verschieden von dem des Stammes der Blackfeet. Viel mehr zeigt es: Wer Kultur ernst nimmt, überwindet Grenzen. Und dass ENSLAVED auf „Mið“ genau das geschafft haben, ist das Wertvollste an diesem Album.

Wertung: 8 von 10 Atomkerne

VÖ: 30. Oktober 2026

Spielzeit: 43:27

Line-Up:
Ivar Bjørnson – Guitars
Grutle Kjellson – Vocals, Bass
Arve „Ice Dale“ Isdal – Guitar
Håkon Vinje – Keyboards, Clean Vocals
Iver Sandøy – Drums, Clean Vocals

Label: Nuclear Blast Records

ENSLAVED „Mið“ Tracklist:

1. Non-Being
2. I Am Ice (feat. Johan Sara Jr.)
3. Solar Will (Official Video bei Youtube) 
4. Mountain
5. Spirit Helper (feat. Kevin Kicking Woman) (Official Visualizer bei Youtube) 
6. Parting
7. Tales Of Trees (Official Visualizer bei Youtube) 
8. I Miðju

Mehr im Netz:

http://www.enslaved.no
https://enslaved.bandcamp.com/
http://www.facebook.com/enslaved
https://www.instagram.com/enslavedofficial/

Zudem gibt es „Friar’s Lantern„, „Home Of The Wind“ sowie „Gunpowder“ als Clips bei YouTube.

DIKAJEE „The Frame“ Tracklist

1. The Frame
2. Gunpowder (Video bei YouTube)
3. In the Blink of an Eye
4, Home of the Wind (Video bei YouTube)
5. Friar’s Lantern (Video bei YouTube)
6. Thrown Ashore
7. Imaginary Doctor
8. Travel Through Time (feat. German Vergara) (Lyric-Video bei YouTube)
9. Troin (outro)

DIKAJEE Line-up 2026

Olga Karpova – songwriting, grand piano, keys, arrangements
Dmitry Irinovich (studio) – keys, orchestral arrangements, keys
Christian Ayala (studio) – guitars, programming
Benjamin Baert – drums (studio)
Graham Brown – drums (live)
Gulia Naumova, Ksenia Sednina – strings, backing vocals
Joe Fraser – guitars, vocals
Victor Sankov – bass (studio) (tracks 1,3,4,8,9)
David Honour – bass, backing vocals (live)

Vor wenigen Wochen ist mit „Hy Brasil (Isle of Mists)“ die zweite Vorab-Single erschienen. Es ist das sechste Album der Nordiren und wird am 6. November 2026 via Rockshots Records erscheinen.

Mit „Macha“ gibt es vorab einen weiteren Video-Clip.

„Macha ist die Göttin der Gegend, in der wir leben. Sowohl meine Heimatstadt als auch der Landkreis, aus dem wir stammen, sind nach Macha benannt. Der Zeitpunkt schien uns richtig, um sie mit einem Lied zu feiern, und wir glauben, dass wir ein Lied geschrieben haben, das ihr würdig ist“, sagt Sänger Ard Chieftain O’Hagan.

WAYLANDER Line-Up:
Ard Chieftain O’Hagan: Vocals
Tor Dennison: Electric Guitars
Connor Murray: Bass Guitar, Backing Vocals
Lee McCartney: Drums and Percussion
Dave Briggs: Whistles, Irish Bouzouki, Bodhran, Uilleann Pipes, Backing Vocals
Saul McMichael: Electric and Acoustic Guitars, Backing Vocals

WAYLANDER „Mac Tíre – Son of the Land“ Tracklist

01. When The Land Speaks 04:12
02. Macha 05:28 (Video bei YouTube)
03. Ages of Éireann 05:50
04. Hy Brasil (Isle of Mists) 05:47 (Video bei YouTube)
05. Sliabh Gullion 06:16
06. Our Once Wooded Isle 06:44
07. Mallachtaí 04:52 (Lyric-Video bei YouTube)
08. Signs and Symbols 06:22
09. She of the Sorrows 07:58

ELUVEITIE, PAIN, WOLFHEART Ànv Rising Tour Part III 2026

18.11.26 Große Freiheit 36, Hamburg
19.11.26 Huxleys Neue Welt, Berlin
20.11.26 Kulturarena Kraftwerk Mitte, Dresden
25.11.26 Arena Wien, Wien
26.11.26 Kesselhaus, München
27.11.26 LKA Longhorn, Stuttgart
28.11.26 Schlachthof Wiesbaden, Wiesbaden
05.12.26 Turbinenhalle, Oberhausen
12.12.26 Les Docks , Lausanne
13.12.26 X-tra, Zürich

ELUVEITIE – Columbiahalle, Berlin – 17.10.2025 – Konzertfotos

VETTEN ÄPÄRÄT Line-Up:
Sami Ferm (vocals and composition)
Anton Nisonen (drums)
Leo Lemmetty (guitar)
Aleksi Kulmala (lead guitar)
Jarmo Luopa (bass and vocals)

VETTEN ÄPÄRÄT „Äiti“ (Video bei YouTube)

„Wild Hunt ist dazu gedacht, erlebt zu werden, nicht nur angehört. Es vereint die Wucht des Metal, den Puls der Industrial-Musik, eine düstere Gothic-Atmosphäre und den Geist der Folk-Wurzeln – all das verschmilzt zu etwas, das unverkennbar MANNTRA ist.“

Mit dem Titeltrack gibt es jetzt eine weitere Nummer vorab. Als Gastsängerin ist außerdem Fabienne Erni (ELUVEITIE) zu hören.

Auch „Watcher Watcher“ ist als Hörprobe online.

MANNTRA „Wild Hunt“ Tracklist

1. Never Bow, Never Surrender
2. Watcher Watcher (Video bei YouTube)
3. Wild Hunt (Video bei YouTube)
4. Iron Storm
5. Name The Liar
6. Zara
7. Valovi
8. Banshee
9. Danse Macabre
10. Blade In Darkness

MANNTRA „Wild Hunt“ Artwork

MANNTRA Line-up 2026

Marko Matijević Sekul – Vocal / Synth / Guitar / Pipes
Andrea Kert – Drums
Zoltan Lečei – Bass
Zlatko Štefančić – Guitar / Mandolina / Pipes
Dorian Pavlović – Guitar / Acoustic

Bereits im Vorjahr hat die Band die Single „FOMO“ mitsamt Video-Clip veröffentlicht.

„Der Song spricht eines der Probleme der modernen Gesellschaft an: die Angst, etwas zu verpassen (FOMO = „Fear of missing out“). Dieses Phänomen ist mit dem Aufkommen der sozialen Medien weit verbreitet, wo sich die Menschen ständig mit anderen vergleichen und sich gezwungen fühlen, an jedem Trend oder Erlebnis teilzunehmen“, sagt die Band.

Die Songs sind Teil vom kommenden Album „Balkansylvania Vol. 1: Roots“, das im Januar 2027 erscheinen soll.

DIRTY SHIRT „FOMO“ (Video bei YouTube)

DIRTY SHIRT „Büntető“ (Video bei YouTube)

DIRTY SHIRT „A Brighter Day“ (Lyric-Video bei YouTube)

Auch „Leave The Light Out“ kann man online streamen.

CITIZEND „Doomsville“ Tracklist

1. Road to Doomsville
2. Lonely Rider (Audio bei YouTube)
3. Thick Black Smoke
4. Dig Deep
5. Hangman’s Hymn
6. The Reckoning
7. Eternal Machine
8. Order of the Sun
9. More
10. Brand New Day
11. Leave the Light Out (Audio bei YouTube)
12. Walking on Water

ASH OF ASHES Line-Up:
Skaldir – Composer, Vocals, Guitars, Keyboards, Bass
Morten – Lyrics, Vocals

ASH OF ASHES „All Must Wither“ Tracklist

01. The Great Deceiver (05:40)
02. My Old Friend (03:31)
03. King Of The Fallen (03:17)
04. The River (04:39) (Lyric-Video bei YouTube)
05. All Must Wither (04:10)
06. Ash Of Ashes (04:24) (Video bei YouTube)
07. The Chronicler (17:21)

Inspiriert ist das Album von alpenländischen Opferstätten, die Zeugen fast dreitausendjähriger ritueller Praktiken sind. Die Erzählung folgt einer Priesterin, deren verzweifelte Versuche, die immer zorniger werdenden Götter zu besänftigen, ihren Stamm letztendlich ins Verderben stürzen. Diese Tragödie offenbart sich durch die Stimme eines Orakels, einer liminalen Präsenz, die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft miteinander verbindet: ein ewiger Zeuge eines Schicksals, das nicht rückgängig gemacht werden kann.

„Esi Um Ninu – Heal Us, Mother“ wurde von Fabio D’Amore (SERENITY, PERCHTA) bei Synonym Of Sound produziert. Vorab gibt es zu „Shepherd of the Clouds“ auch einen Video-Clip.

RAKINUA Line-Up:
Velis: lead vocals, percussions
Madame Noctinebra: narrations, percussions, vocals
Fabio D’Amore: electric bass, fretless, vocals
Sybell – Cristina Spadotto: acoustic & electric guitars, harsh and clean vocals
Anna Eggersberger: harps, vocals
Alessandro Pedretti: acoustic & electric guitars
Gabriele Boz: drums & percussions

RAKINUA „Esi Um Ninu – Heal Us, Mother“ Tracklist

01. The Prophecy
02. Sacrilege (Audio bei YouTube)
03. First Vision of the Oracle
04. Goddess of the Night
05. Second Vision of the Oracle
06. Warrior of Light
07. Third Vision of the Oracle
08. Shepherd of the Clouds (Video bei YouTube)
09. Fourth Vision of the Oracle
10. Spirits of Waters (Video bei YouTube)
11. Fifth Vision of the Oracle
12. Terra
13. Hear Me
14. Last Vision of the Oracle
15. The Old Paths – Sangue
16. Peaceful Night

Mit „Sternhagelvoller“ präsentiert die Mittelalter Rock-Band nun eine Neuinterpretation von „Sternhagelvoll“. Das Besondere: An dem Stück wirkten zahlreiche Musiker der Szene mit, u.a gibt es Beiträge von FEUERSCHWANZ, SUBWAY TO SALLY, CORVUS CORAX und TANZWUT.

Zum Song „Liam“ mit Laura Feller gibt’s ein weiteres Video: 

Die „Tranquilo II“-Akustiktour führt die Band im November und Dezember 2026 quer durch Deutschland.

„In Extremo waren schon immer ein unberechenbarer Haufen, der seine Fans jedes Mal wieder überrascht und niemals das gemacht hat, womit die Leute eigentlich gerechnet haben“, sagt Sänger Micha Rhein . „Nach unserem 30. Jubiläum einfach nur ein weiteres Rock-Album hinterherzuschicken, wäre uns zu vorhersehbar gewesen. Stattdessen zeigen wir uns auf „Tranquilo II“ von einer Seite, die wohl niemand von uns erwartet hätte. Diese Scheibe ist für uns eine gute Gelegenheit, in fremden Musikgenres zu wildern, um danach wieder mit Volldampf weiterzusegeln!“

„Tranquilo II“ ist quasi das Nachfolgealbum von „Tranquilo“, mit dem die Band vor sechzehn Jahren ihre Songs erstmals in einem ganz anderen Rahmen präsentierte.

 IN EXTREMO – „TRANQUILO II“ Die Akustik-Tour

• 06.11.2026     A – Wien – Globe Wien (in der Marx Halle)
• 07.11.2026     München – Circus Krone Bau
• 12.11.2026     Nürnberg – Meistersingerhalle
• 13.11.2026     Stuttgart – Hegel-Saal (in der Kultur- und Kongresszentrum Liederhalle)
• 14.11.2026     Berlin – Admiralspalast
• 17.11.2026     Wuppertal – Historische Stadthalle
• 19.11.2026     Osnabrück – OsnabrückHalle
• 20.11.2026     Neubrandenburg – Konzertkirche
• 21.11.2026     Halle (Saale) – Georg-Friedrich-Händel-Halle
• 24.11.2026     Hamburg – Laiszhalle
• 02.12.2026     Friedrichshafen – Kultur- und Kongresszentrum Graf-Zeppelin-Haus
• 03.12.2026     CH – Zürich – Volkshaus
• 04.12.2026     Frankfurt – Alte Oper
• 05.12.2026     Dillingen – Lokschuppen
• 10.12.2026     Hannover – Theater am Aegi
• 11.12.2026     Erfurt – Alte Oper

IN EXTREMO – Summer Breeze 2025 – 13.08.2025 – Konzertfotos

Heute hat die Sängerin einen weiteren Videoclip des Albums im Netz geteilt und erklärt, worum es im Text geht. Erst vor wenigen Tagen gaben NIGHTWISH und Jansen ihre Trennung bekannt, Sätze wie „Manchmal bedeutet das auch, Dinge loszulassen, die sich nicht mehr richtig anfühlen“ erscheinen nun in einem anderen Licht:

„Für mich geht es in diesem Song darum, das Leben, das wir jetzt führen, ganz bewusst wahrzunehmen. Viel zu oft sagen wir uns, dass wir bestimmte Dinge irgendwann später tun werden. Aber das Leben wartet nicht. Genießt es, ergreift die Chancen, die euch wichtig sind, und trefft Entscheidungen, die sich für euch richtig anfühlen und zu dem Menschen passen, der ihr seid und der ihr sein möchtet. Manchmal bedeutet das auch, Dinge loszulassen, die sich nicht mehr richtig anfühlen. Solche Entscheidungen sind nicht immer einfach. „Man kann dankbar sein für alles, was einen auf seinem bisherigen Weg geprägt hat, und gleichzeitig erkennen, dass manches nicht mehr zu dem Menschen passt, der man heute ist oder sein möchte. Jede Erfahrung und jeder Mensch, dem wir begegnen, hinterlässt Spuren. Weiterzugehen bedeutet nicht, all das hinter sich zu lassen. Man nimmt es mit auf den Weg zu dem, was als Nächstes kommt.“

• News

NIGHTWISH: Sängerin Floor Jansen steigt aus

vonFlorian Schaffer

17. Oktober 2026

Als erste Single teilte FLOOR JANSEN im August ein Video zu „Bring Me Silence“:

„Die Welt verlangt ständig nach unserer Aufmerksamkeit. Manchmal wird das so überwältigend, dass man sich selbst kaum noch hören kann. In ‚Bring Me Silence‘ geht es um diese Sehnsucht nach Freiraum im Kopf und im eigenen Inneren. Nach Klarheit, nach einem Moment, in dem alles still ist, man wieder tief bis in den Bauch atmen und sich zufrieden und ganz bei sich fühlen kann. Dieser Song war einer der ersten, die wir für das neue Album geschrieben haben. Musikalisch fühlt er sich für mich sehr natürlich an. Metal war schon immer ein wichtiger Teil von mir. Seine Kraft, Direktheit und Intensität sind tief in mir als Künstlerin verwurzelt. Gleichzeitig hat mir meine Soloarbeit ermöglicht, mehr Offenheit und Verletzlichkeit zu entdecken. In ‚Bring Me Silence‘ kommen diese Seiten auf sehr organische Weise zusammen.“

FLOOR JANSEN „Hytress“ Tracklist & Cover

1. Reverse Polarity
2. Everything Is Moving On (Video bei YouTube)
3. In Wildfire
4. Cathedral Of One
5. Bring Me Silence (Video bei YouTube)
6. Fighting
7. I Am Drowning
8. Rock The Bells
9. It’s Time For Change
10. Verity
11. Run
12. Haven

FLOOR JANSEN Hytress-Tour 2027

21.01.2027 Nürnberg, Löwensaal
23.01.2027 Stuttgart, Im Wizemann
25.01.2027 Frankfurt, Batschkapp
26.01.2027 München, Backstage Werk
30.01.2027 Leipzig, Täubchenthal
31.01.2027 Hamburg, Große Freiheit
11.02.2027 Oberhausen, Turbinenhalle T2

Melodiös und sperrig, heavy und irgendwie… entspannt? VELNIAS lösen auf „Substrate Haruspex“ einige Gegensätze auf.

Mangels Alternative wird auch „Substrate Haruspex“ als angeschwärzter Folk-Doom Metal angepriesen, und irgendwie stimmt das ja auch, andererseits aber wieder nicht. VELNIAS sind ziemlich eigen, in diesen acht Liedern – vier Longtracks plus vier Interludes – vielleicht noch mehr als zuvor. Was sie aber richtig gut schaffen: die Songs fließen zu lassen. Dass VELNIAS dabei parallel erhaben und in sich selbst ruhend klingen, dass sie grimmig und trotzdem entspannt performen, scheint schwer vorstellbar. Wenn man Songs hört wie „Resonance Of The Concentric“ mit seinem tollen Finale und dem zehnminütigen „Corporeal Anathema“ mit seinen zahlreichen melodischen Themen, löst sich diese theoretische Dissonanz auf. Apropos auflösen, hier scheinen sich im besten Fall auch Raum und Zeit aufzulösen, hin und wieder denkt man allerdings: Was zur Hölle ist das gerade?

VELNIAS sollte man sich daher ganz intuitiv nähern, sich einfach mit auf die Reise begeben. Keine eingängigen Momente erwarten, sich lieber treiben lassen. Irgendwann wird deutlich, dass hier zwischendurch vielleicht mehr INTRONAUT als AGALLOCH in der Musik zu finden ist, mehr frühe MASTODON als aktuelle HEXVESSEL. Dadurch klingen VELNIAS schon irgendwie einzigartig, aber so richtig hängen bleibt nichts, wenn der letzte Ton verklungen ist. Ein großes, nebliges, komplexes Gebilde mit dominanten Gitarren und Basslinien, einem verspielten Schlagzeug, das zahllose Riffs und Leads in sich trägt, Growls die in den Hintergrund gemischt wurden und zusammen mit einigen Clean Vocals und Synthesizern ein vielschichtiges Gesamtbild ergibt.

Bewusstseinserweiternd ist „Substrate Haruspex“ vielleicht nicht, das intuitive Songwriting von VELNIAS ist mitunter aber durchaus magisch.

Wer sein Album „Substrate Haruspex“ („Elixier der Wahrsager“) nennt, hat vermutlich kein Problem mit dem dem ein oder anderen bewusstseinserweiternden Mittel und nimmt eine gewisse, daraus entstehende Sperrigkeit in Kauf. Dieses Album legt verglichen mit „Scion Of Aether“ in dieser Beziehung noch etwas nach. Immerhin: VELNIAS klingen nicht so verkopft, wie man es befürchten dürfte. Die Band um Leader Petras Vaznelis muss nicht verkrampft ihre Songs in starre Formen pressen. Und so nudeln die Gitarren knapp 50 Minuten melodiös durch die Songs. Zusätzlich wird die Musik von der rauen, organischen Produktion gut in Szene gesetzt. So ist „Substrate Haruspex“ ein Kuriosum, das sich definitiv genießen lässt, auch wenn am Ende das eine oder andere Fragezeichen bleibt und auch wenn VELNIAS damit kein Meisterwerk erschaffen haben, sondern es sich in der Special Interest-Ecke gemütlich machen. So oder so, reinhören schadet definitiv nicht.

Wertung: 6 von 8 Zaubertränke

VÖ: 23. Oktober 2026

Spielzeit: 48:11

Line-Up:
P. Vaznelis – Music, Words, Vocals
A. Scherer – Drums
S. Parker – Additional Vocals

Label: Eisenwald

VELNIAS „Substrate Haruspex“ Tracklist:

1. Impetus Arcanum
2. Divination Of Simulacra (Official Video bei Youtube)
3. Resonance Of The Concentic
4. Mantra For The Seeker
5. Corporeal Anathema (Official Audio bei Youtube)
6. Nihil Equilibrium
7. Rending Of Dyadiac Convolution
8. Forsaken Equipoise

Mehr im Netz:

https://velnias.band/
https://velnias.bandcamp.com/
https://www.facebook.com/VelniasCult
https://www.instagram.com/velnias.cult/

„Night Whispers & Shining Lights“ schlummert schon seit ein paar Jahren in unseren Archiven, jetzt feiern wir mit diesem Juwel unser 30-jähriges Jubiläum und den Start unserer Tour mit AMON AMARTH und ORBIT CULTURE. Wir hoffen, der Track gefällt euch genauso gut wie uns! Wir sehen uns bald auf der Bühne.“

The Allfather Awakens Tour 2026:  AMON AMARTH, ORBIT CULTURE,  SOILWORK

• 9.10. UK, Manchester, O2 Apollo
• 10.10. UK, London, Eventim Apollo
• 11.10. UK, Wolverhampton, Civic Hall
• 13.10. Frankreich, Paris, Zenith
• 14.10. Luxemburg, Esch sur Alzette, Rockhal
• 16.10. Deutschland, Stuttgart, Schleyer Halle
• 17.10. Deutschland, Frankfurt, Festhalle
• 18.10. Belgien, Antwerpen, Lotto Arena
• 20.10. Niederlande, Den Bosch, Mainstage
• 21.10. Deutschland, Hamburg, Sporthalle
• 23.10. Schweden, Göteborg, Scandinavium
• 24.10. Schweden, Stockholm, Hovet
• 26.10. Finnland, Helsinki, Ice Hall
• 27.10. Estland, Tallinn, Unibet Arena
• 29.10. Polen, Gliwice, PreZero Arena Gliwice
• 30.10. Deutschland, Leipzig, Quarterback Immobilien Arena
• 31.10. Deutschland, Oberhausen, Rudolf Weber Arena
• 02.11. Ungarn, Budapest, Barba Negra
• 03.11. Österreich, Wien, Gasometer
• 04.11. Deutschland, Bamberg, Brose Arena
• 06.11. Tschechien, Prag, O2 Universum
• 07.11. Deutschland, Berlin, Velodrom
• 08.11. Deutschland, München, Zenith
• 10.11. Italien, Mailand, Alcatraz
• 11.11. Schweiz, Zürich, The Hall
• 13.11. Spanien, Barcelona, Sant Jordi Club
• 14.11. Spanien, Madrid, Vistalegre

SOILWORK – Zenith, München – 20.10.2024 – Konzertfotos

„Riders Of The Setting Sun“ erscheint am 20. November 2026 via Vesperian auf CD, Vinyl, Kassette sowie digital.

Mit „Hollow Hearts On The Trail To Eden“ kann man sich nun den zweiten Vorabsong anhören.

mit „Perdition’s Crossing“ gibt es nun eine Hörprobe samt Videoclip. Als Gast ist hier außerdem David Eugene Edwards (WOVENHAND) zu hören. Produziert wurde „Perdition’s Crossing“ von Ben Chishol, den Mix übernahm Iver Sandoy und das Mastering Alan Douches. Den Song gibt es ab sofort als 12″ Vinyl-Single.

„Perdition’s Crossing“ folgt auf das Album „American Gothic“ (2023).

WAYFARER „Perdition’s Crossing“ Tracklist

1. The Dusklands (04:58)
2. Perdition’s Crossing (03:59) – feat. David Eugene Edwards (Video bei YouTube)
3. Black Roses & Early Graves (04:45)
4. Casey’s Last Ride (04:07) – feat. Kelly Schilling
5. Fell Spur (02:52)
6. Grey Country (05:35) – feat. Munly J Munly (Video bei YouTube)
7. Hollow Hearts On The Trail To Eden (05:35) (Video bei YouTube)
8. Prairies Of Babylon (05:15) – feat. Midwife

„Wake Not the Beast“ wird am 20. November 2026 via Scarlet Records erscheinen. Vorab gibt es nach dem eröffnenden Titeltrack nun auch einen Video-Clip zu „Demon Of Dreams„.

GRYMHEART Line-Up:
Gabriel Blacksmith – guitar, vocals
Dargor Rivgahr – guitar
V’arhel – bass
Sorin Nalaar – drums

GRYMHEART „Wake Not the Beast“ Tracklist

1. Wake Not The Beast (Audio bei Bandcamp)
2. Spirits Of The Frozen Brave
3. From Hell Into The Dark
4. Demon Of Dreams (Video bei YouTube)
5. Somber Saga
6. Dark Son Of The Night
7. The Blood Ritual
8. Prowler Of The Void
9. Killing Gaze
10. Hunters‘ Oath
11. Kingdom Of Chaos

„“Sagas“ nimmt in der Diskografie von HEILUNG einen besonderen Platz ein“, sagt Produzent Kai Uwe Faust. „Die Ideen, die wir gemeinsam mit Ninja Theory für „Hellblade II: Senua’s Saga“ komponiert und entwickelt hatten, entwickelten bald ein Eigenleben, nachdem Chris, Maria und ich von einer prägenden zehntägigen Reise durch Island zurückgekehrt waren. Die Landschaft des Landes trug maßgeblich zur klanglichen Identität des Materials bei und inspirierte uns dazu, weit mehr zu komponieren, als im Spiel verwendet werden konnte.“

„Sagas“ wird am 11. Dezember 2026 via Season of Mist erscheinen. Vorab gibt es einen Video-Clip zu „Læknisgaldr„. Der Song ist als Heilungslied konzipiert. Er basiert auf einem Glauben aus dem frühen Mittelalter, wonach die Sprache untrennbar mit dem Zustand des menschlichen Körpers verbunden ist: Ein Leiden zu benennen bedeutet, es zu definieren, einzudämmen und für rituelle Heilung zugänglich zu machen.

HEILUNG Line-Up:
Kai Uwe Faust
Christopher Juul
Maria Franz

HEILUNG „Sagas“ Tracklist

1. Geiteseidh (00:48)
2. Slagt (03:53)
3. Læknisgaldr (06:15) (Video bei YouTube)
4. Orrustumaul (02:34)
5. Seidh (05:06)
6. Jøtnarhaiti (05:30)
7. Sverdhasøngurin (04:10)
8. Spjoutsyla (02:42)
9. Sonatorrek (02:01)
10. Opnun (05:10)
11. Dauðimessa (02:32)

HEILUNG „Ambient“ Tracklist

1. Strongyle (11:01)
2. Ran (13:04)
3. Dimmuborgir (06:13)
4. Baina (03:34)
5. Isshellir (02:15)
6. Hvaldaudhigaldr (15:45)
7. Meinbein (14:03)
8. Hyttepåhyttepå (02:31)

„Dies ist allen Fremdenfeinden gewidmet: denen, die diejenigen hassen und fürchten, die anders aussehen, sich anders verhalten oder anders sprechen. Es ist zugleich eine Hommage an Mali und das alte Mandinka-Königreich, dessen Musiker sich die Instrumente der Götter zu eigen machten und sie der Menschheit näherbrachten“, sagt Tuomas Kauppinen.

NOBODY „The Birds Know“ Tracklist

01. You Don’t Know Them
02. You Don’t Get To Love (Audio bei Bandcamp)
03. Drugs And Gods
04. Incognito

„Ich wollte, dass sich dieser Titel wie ein Gesang anfühlt, der über die Götter hinaus bis zu den ältesten Wesen der nordischen Mythologie zurückreicht. Die Jötnar sind nicht einfach nur Monster oder Feinde der Götter: Sie stehen für etwas viel Älteres – Urkräfte und die ungezähmte Welt, aus der alles andere hervorgeht“, sagt Produzent Reidar Schæfer Olsen.

Zuvor hat das dänische Projekt das Album „Heimferd“ (2025) veröffentlicht.

DANHEIM „Urblod“ (Audio bei YouTube)

Nach „Lost In The Dark“ steht mit „A Ship Has Left the Shore“ jetzt ein weiterer Clip zur Platte bereit. Der Song handelt davon, einen geliebten Menschen zu verlieren.

Zuletzt ist die Single „Let Me Be Open“ erschienen. Der Song fördere die Unvoreingenommenheit und Aufgeschlossenheit, die wir mit zunehmendem Alter nach und nach immer mehr verlieren.

„Es gibt einen Moment, in dem man erkennt, wie viel man von sich selbst zurückgehalten hat. ‚Let Me Be Open‘ ist aus diesem Gefühl heraus entstanden – aus der Sehnsucht, den Griff zu lockern, einen Teil der Angst loszulassen und das Staunen wiederzuentdecken, das man als Kind empfunden hat. Es ist ein Lied darüber, Raum zu schaffen, damit etwas Sanfteres zum Vorschein kommen kann, und darauf zu vertrauen, dass nicht jeder Schatten bekämpft werden muss“, sagt Sängerin Katrine Ødegård Stenbekk.

Vorab hat die Band mit „Everything In Its Right Place“ einen Song von RADIOHEAD gecovert. Der ursprüngliche Song wurde von den Norwegern durch Sprache, Tonfall und Klang in eine neue Version transformiert.

KALANDRA Line-Up:
Katrine Ødegård Stenbekk – Vocals
Jogeir Daae Mæland – Guitar, Keyboard
Florian Bernhard Döderlein Winter – Guitar
Oskar Johnsen Rydh – Drums

KALANDRA „The Other Side“ Tracklist

1. In the Shadows
2. Animal
3. Lost in the Dark (Video bei YouTube)
4. Let Me Be Open (Video bei YouTube)
5. Chasing Dreams
6. A Ship Has Left the Shore (Video bei YouTube)
7. Beauty & the Beast
8. Descend the Stars
9.The Other Side
10. Melanchoholic
11. Bonus Track: Everything In Its Right Place (RADIOHEAD cover) (Video bei YouTube)

KALANDRA Tourdaten 2027

26.02.2027 – Gebaeude 9, Cologne
27.02.2027 – Backstage, Munich
28.02.2027 – Im Wizemann Club, Stuttgart
02.03.2027 – Trinity, Bristol
03.03.2027 – Rescue Rooms, Nottingham
04.03.2027 – Slay, Glasgow
05.03.2027 – Manchester Academy 2, Manchester
06.03.2027 – Islington Assembly Hall, London
07.03.2027 – Botanique, Brussels
09.03.2027 – Moritzbastei, Leipzig
10.03.2027 – Szene Wien, Vienna
11.03.2027 – A38, Budapest
12.03.2027 – Hype Park, Krakow
13.03.2027 – Niebo, Warsaw
14.03.2027 – FRANNZ Club, Berlin
16.03.2027 – Kollektivet Livet, Stockholm
18.03.2027 – Monument, Gothenburg
19.03.2027 – Hotel Cecil, Copenhagen
20.03.2027 – Logo, Hamburg
21.03.2027 – Rock Café, Prauge
23.03.2027 – Dynamo, Zurich
24.03.2027 – Legend Club, Milano
25.03.2027 – Rayonne, Lyon
26.03.2027 – Machine du Moulin Rouge, Paris
27.03.2027 – Paradiso, Amsterdam

„Silverlake“ wird am 19. November 2026 via Inverse Records erscheinen. Das Cover-Artwork stammt von Hannes Vuohijoki.

WOODEN SHADOW „Silverlake“ Tracklist

01. The Dawn
02. Varjopuun Polkka
03. Red Oak
04. Blackened Roses Fall (feat. Jaana Juntunen) (Audio bei Bandcamp)
05. Upward (Audio bei Bandcamp)
06. Overture Of The Cruelty / Murhe (Acoustic Medley)
07. Shadowdance
08. The Ancient Forest
09. Breath Of Backwinter
10. Muistojen Valssi

THE KEENING mäandern zwischen Doom, American Gothic und Post Rock. „Devotion“ geht einen sehr eigenen Weg.

THE KEENING schrecken auf ihrem zweiten Album also nicht davor zurück, die großen Emotionen ins Zentrum zu stellen, auch weil es zwischendurch um die Schattenseite der Hingabe geht: Sucht. Manchmal liegen diese Pole so nah beieinander, dass unklar ist, was wirklich gefühlt wird. „Devotion“ lädt ein, sich in der Musik zu verlieren und zu reflektieren, es fließt ebenso wie Gefühle, die sich nur schwer kontrollieren lassen. Die erste Hälfte des Albums zeigt das sehr deutlich: Zwischen American Gothic, Post Rock und Doom mäandert „Devotion I – IV“, wobei THE KEENING vor allem bei der hypnotisch-schweren Doom Rock-Nummer in Hymnenqualität „Devotion III – The King“ alte SUBROSA-Qualitäten in den neuen Sound überführt und dann mit dem totalen Kontrast „Devotion IV – O Mother“ ein nahezu perfektes, zu Tränen rührendes Folk-Stück bietet, bei dem Klavier, Gesang und Streicher wie aus dem Lehrbuch arrangiert sind.

Nach diesen atemberaubenden Songs kann es auf dem zweiten Album von THE KEENING eigentlich nur bergab gehen, richtig? Rebecca Vernon nutzt dies allerdings zu ihrem Vorteil. Aus dem zunächst fast schon unspektakulären Folk von „A Little Bit Of Blood“ entsteht eine große, berührende Hymne, in der Rebecca Vernon mit großer Würde und viel Herzblut singt. „Time Travel“ bleibt vergleichsweise leise, ist aber umso dichter arrangiert und instrumentiert und erzeugt so eine ähnliche Erhabenheit wie das vorige Stück. Generell ist die zweite Hälfte von „Devotion“ ein klassischer Slow Burner, denn auch das abschließende „The Murder Of Anna Brown“ zelebriert American Gothic, liebäugelt mit einem großen, heavy Chorus und geht dann zurück in Richtung Folk. So nimmt sich die zweite Albumhälfte bewusst zurück und setzt auf einen langen Atem.

„Devotion“ kommt ohne große Effekte aus: THE KEENING zeigen wie reifes Songwriting klingen kann.

THE KEENINGs zweites Album endet leise, strahlt aber Faszination aus. Vielleicht eben weil die Dynamik nicht bis ins Äußerste ausgespielt wird und weil „Devotion“ dadurch eine elegante, feierliche Atmosphäre innewohnt. Rebecca Vernon lässt die Songs organisch fließen, statt mit jugendlicher Wut immer wieder in die Heaviness zu gehen. Das sorgt davor, dass vor allem „Devotion IV – O Mother“ im Gedächtnis bleibt und der Rest des Albums erarbeitet werden muss. Aber dank der äußerst vielschichtigen Instrumentierung, von Streichern bis Klarinette, legen sich die Kompositionen wie eine wärmende Decke um die Hörer*innen. Wenn die emotionale Bindung zwischen Musik und Publikum etabliert ist, öffnet sich das Album dann auch recht schnell.

„Devotion“ ist trotz allem kompakter als „Little Bird“ und fokussiert sich zusehends auf klassische Folk- und Singer-Songwriter-Strukturen, allerdings durch eine Doom-Brille betrachtet. Insofern gehen THE KEENING noch weiter als auf ihrem Debüt, obwohl, oder gerade weil es sich anfühlt, als wäre das Album reduzierter, vor allem in Bezug auf Songlängen. Die Kompaktheit tut dem Material gut, weil es auch die Emotionalität zu keiner Zeit verwässert. Im Gegenteil: THE KEENING zeigen auch musikalisch, wie Hingabe funktioniert. Die Hingabe an ein Album, an die Songs, im Vertrauen darauf, keine Aufmerksamkeit durch billige Tricks erhaschen zu müssen, ist etwas, das in diesen Tagen sehr wertvoll ist. Was bei all dem am wertvollsten ist: Zu spüren, wie tief die Verbindung zwischen Vater und Tochter gewesen sein muss. Allein deshalb strahlt „Devotion“ bei aller Trauer auch Hoffnung aus. Schönes Album!

Wertung: 8 von 10 Nester

VÖ: 16. Oktober 2026

Spielzeit: 41:28

Line-Up:
Rebecca Vernon – Drums, Guitar, Piano, Organ, Hammered Dulcimer, Vocals

Gastmusiker*innen:
Andrea Morgan – Violin, Viola
Lily Breshears – Harp
Kelly Shilling – Flute
Dan Patridge – French Horn
Jackie Perez Gratz – Cello
Lisa Lipton – Clarinet

Label: Relapse Records

THE KEENING „Devotion“ Tracklist:

1. Devotion I – Golden Threat
2. Devotion II – Fitful Sleep
3. Devotion III – The King (Official Audio bei Youtube) 
4. Devotion IV – O Mother
5. A Little Bit Of Blood (Official Video bei Youtube) 
6. Time Travel
7. The Murder Of Anna Brown

Mehr im Netz:

https://thekeeningmusic.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/thekeeningmusic
https://www.facebook.com/thekeeningmusic

Mit „Corporeal Anathema“ gibt es eine erste singe auf Youtube:

Mit „Divination Of Simulacra“ gibt es nun eine zweite Single vom Album. Dazu haben VELNIAS ein Video in den Rocky Mountains in Nederland, Colorado gedreht:

Gemischt wurde das Artwork von Stephen Parker, das Mastering übernahm Greg Chandler. A. Watts gestaltete das Artwork.

Line-Up:
P. Vaznelis – Music, Words, Vocals
A. Scherer – Drums
S. Parker – Additional Vocals

VELNIAS „Substrate Haruspex“ Tracklist:

1. Impetus Arcanum
2. Divination Of Simulacra Official Video bei Youtube
3. Resonance Of The Concentic
4. Mantra For The Seeker
5. Corporeal Anathema (Official Audio bei Youtube) 
6. Nihil Equilibrium
7. Rending Of Dyadiac Convolution
8. Forsaken Equipoise

Mehr im Netz:

https://velnias.band/
https://velnias.bandcamp.com/
https://www.facebook.com/VelniasCult
https://www.instagram.com/velnias.cult/

Welche Bands und Künstler:innen sich für Oktober und November 2026 angekündigt haben, haben wir im Folgenden zusammengefasst.

Tickets für die jeweiligen Shows gibt es u.a. über die offizielle Homepage der Location.

Backstage München – Konzerte im Oktober 2026

• 01.10.2026 – HUMANITY’S LAST BREATH, VILDHJARTA, ENTERPRISE EARTH, KARMANJAKAH (Halle)
• 02.10.2026 – REPUBLIC (Werk)
• 02.10.2026 – MYTHEMIA (Club)
• 02.10.2026 – ROAD (Halle)
• 02.10.2026 – DEINE COUSINE (TonHalle)
• 02.10.2026 – Teenage Dirtbag Party (Halle)
• 03.10.2026 – THE NARRATOR, ACCVSED, IMPVLSE (Halle)
• 03.10.2026 – DAS LUMPENPACK (Zenith)
• 03.10.2026 – Core All Over Party (Cover)
• 04.10.2026 – HELDMASCHINE (Halle)
• 06.10.2026 – BULLET (Club)
• 06.10.2026 – TARJA (Werk)
• 07.10.2026 – THE DEVIL WEARS PRADA, NOVELISTS, 156/SILENCE, OVERSIZE (Werk)
• 08.10.2026 – INDUCTION, TUNGSTEN (Club)
• 08.10.2026 – ASP (Werk)
• 08.10.2026 – BLUTHUND (Halle)
• 09.10.2026 – KEEP IT LOW FESTIVAL
• 10.10.2026 – KEEP IT LOW FESTIVAL
• 09.10.2026 – Teenage Dirtbag Party (Club)
• 10.10.2026 – Core All Over Party (Club)
• 11.10.2026 – GHOSTKID (Halle)
• 12.10.2026 – NORTHCOTE (Club)
• 12.10.2026 – RAISED FIST (Werk)
• 12.10.2026 – SAMURAI PIZZA CATS, BABYBEARD
• 13.10.2026 – RITA DAKOTA (Halle)
• 14.10.2026 – PHILIP SAYCE (Club)
• 15.10.2026 – RONNIE ROMERO & GUS G. (Halle)
• 15.10.2026 – MONOLORD, DOPELORD (Werk)
• 16.10.2026 – SHORELINE (Club)
• 16.10.2026 – D2 (Halle)
• 16.10.2026 – Teenage Dirtbag Party (Club)
• 17.10.2026 – ARBEITSGRUPPE LOBOTOMIE (Club)
• 17.10.2026 – TENSIDE, AURORAWAVE (Halle)
• 17.10.2026 – Core All Over Party (Club)
• 18.10.2026 – MARKO HIETALA (Halle)
• 18.10.2026 – KÄRBHOLZ (Werk)
• 19.10.2026 – BAND OF HORSES (Werk)
• 19.10.2026 – TEMIC, KINGCROW (Halle)
• 20.10.2026 – SARI SCHORR (Club)
• 20.10.2026 – EL TRI (Werk)
• 20.10.2026 – AUDREY HORNE (Halle)
• 22.10.2026 – HERETOIR, UNREQVITED, NIDARE (Club)
• 22.10.2026 – SLOPE (Halle)
• 22.10.2026 – CLAWFINGER (Werk)
• 23.10.2026 – VERSPULT Album Release Party (Club)
• 23.10.2026 – TANZWUT (Halle)
• 23.10.2026 – Teenage Dirtbag Party (Club)
• 24.10.2026 – VALLEY OF THE SUN (Club)
• 24.10.2026 – MASSENDEFEKT (Halle)
• 24.10.2026 – MY’TALLICA (Werk)
• 24.10.2026 – Core All Over Party (Club)
• 26.10.2026 – ANVIL (Club)
• 29.10.2026 – DESPISED ICON, CARNIFEX, SUFFOCATION, GATES TO HELL (Werk)
• 29.10.2026 – WOLVES IN THE THRONE ROOM
• 29.10.2026 – ROXTON, EVON ROSE (Club)
• 30.10.2026 – ANDREAS DIEHLMANN BAND (Club)
• 30.10.2026 – Nicko McBrain – Lesung (Arena)
• 30.10.2026 – Teenage Dirtbag Party (Club)
• 31.10.2026 – PROJECT PITCHFORK (Werk)
• 31.10.2026 – REIS AGAINST THE SPÜLMASCHINE (Halle)
• 31.10.2026 – Smells Like… Halloween! (Party)

Backstage München – Konzerte im November 2026

• 02.11.2026 – PRAISE THE PLAGUE, A SECRET REVEALED (Club)
• 03.11.2026 – THE WASHBOARD UNION (Halle)
• 03.11.2026 – THE TEMPERANCE MOVEMENT (Werk)
• 04.11.2026 – NASTY, CRAWLSPACE, PINTGLASS (Halle)
• 04.11.2026 – KOZA MOSTRA (Club)
• 05.11.2026 – NACHTMAHR (Halle)
• 05.11.2026 – RISING INSANE (Club)
• 06.11.2026 – AVALANCHE EFFECT, HEAVEN.EXE, A RISING CHAPTER (Club)
• 06.11.2026 – OUR PROMISE, FLASH FORWARD, ALLEVIATE (Werk)
• 06.11.2026 – WALLS OF JERICHO (Halle)
• 07.11.2026 – DUST BOLT (Halle)
• 07.11.2026 – THE NEW ROSES, MASSIVE WAGONS (Werk)
• 07.11.2026 – DIE LEGENDE VON NORD (Club)
• 08.11.2026 – TIR NAN OG (Club)
• 08.11.2026 – THE BROWNING, WITHIN DESTRUCTION, ABBIE FALLS (Werk)
• 08.11.2026 – THE HOWLERS (Halle)
• 09.11.2026 – PRESIDENT (Werk)
• 09.11.2026 – BLACK SABBITCH (Halle)
• 10.11.2026 – ARCHSPIRE, CROWN MAGNETAR, THE ZENITH PASSAGE, ANALEPSY (Werk)
• 10.11.2026 – AESTHETIC PERFECTION (Halle)
• 12.11.2026 – CONVERGE, SANGUISUGABOGG, BLACKBRAID, PUPIL SLICER (Werk)
• 13.11.2026 – GLORYHAMMER, MAJESTICA, ARION (Werk)
• 13.11.2026 – RAUHBEIN (Halle)
• 14.11.2026 – TANZT! (Werk)
• 14.11.2026 – ALLT, AVRALIZE, BITE DOWN (Technikum)
• 14.11.2026 – MOON SHOT (Club)
• 14.11.2026 – HI! SPENCER (Halle)
• 16.11.2026 – ANY GIVEN DAY, GET THE SHOT, SABLE HILLS (Werk)
• 16.11.2026 – THE CASSANDRA COMPLEX (Club)
• 17.11.2026 – DAILY THOMPSON (Club)
• 17.11.2026 – MOON WALKER (Halle)
• 18.11.2026 – MESSA (Club)
• 19.11.2026 – FUTURE PALACE, AS EVERYTHING UNFOLDS, LUNA KILLS (Werk)
• 19.11.2026 – HOLY MOTHER (Club)
• 20.11.2026 – DREI METER FELDWEG, 100 KILO HERZ (Werk)
• 20.11.2026 – FENZL & BÄÄND (Club)
• 20.11.2026 – MAIDENHEAD (Halle)
• 21.11.2026 – JOHN CORABI (Halle)
• 21.11.2026 – OXO 86 (Werk)
• 21.11.2026 – BLACK OAK COUNTRY (Club)
• 23.11.2026 – THE SCRATCH (Halle)
• 23.11.2026 – THE HARDKISS (Werk)
• 23.11.2026 – KRASHKARMA (Club)
• 25.11.2026 – ANNEKE VAN GIERSBERGEN & Band (Halle)
• 25.11.2026 – NUKI (Club)
• 26.11.2026 – PINHEAD (Club)
• 26.11.2026 – LONG DISTANCE CALLING (Werk)
• 28.11.2026 – MILKING THE GOATMACHINE, ENDSEEKER (Halle)
• 28.11.2026 – UNZUCHT (Club)
• 28.11.2026 – ITCHY (Werk)
• 29.11.2026 – IFA, NEVER BACK DOWN, TORRENTIAL RAIN (Club)
• 30.11.2026 – TERROR, BANE, MAGNITUDE, PEACE OF MIND (Werk)
• 30.11.2026 – NOVULENT (Club)

Mit einem Video zu „Eight Legs Of Thunder“ präsentieren die Schweden zuvor eine weitere Single: 

Regisseur Dariusz Szermanowicz verfolgt mit dem Clip zu „Eight Legs Of Thunder“ große Ziele: 

„Mit ‚Eight Legs Of Thunder‘ wollten wir einmal mehr aus dem klassischen Metal-Musikvideo-Schema ausbrechen. Dafür haben wir die raue, staubige Atmosphäre eines modernen Westerns mit der epischen, düsteren Mythologie rund um Odens achtbeiniges Ross verbunden. Herausgekommen ist ein rasanter, cineastischer Ritt voller Western-Spannung, kompromissloser Action und einer Prise schwarzem Humor. Wir wollten nicht einfach nur ein Musikvideo drehen – wir wollten ein Statement setzen.“

Im Juli hatten AMON AMARTH die zweite Single veröffentlicht, zu „Gjallarhorn“ gibt es auch ein Video:

„The Allfather Awakes“ entstand in zwei getrennten Aufnahmesessions im Studio von  Jacob Hansen. Für den Nachfolger des „The Great Heathen Army“ -Albums schlugen AMON AMARTH beim Songwriting einen neuen Weg ein: Anders als bei früheren Produktionen begann die Band bereits während ihrer Tourneen mit der Arbeit an neuem Material. Die erste Studiosession fand im Frühjahr 2025 statt, die finalen Aufnahmen wurden im März 2026 abgeschlossen.

„Wir haben immer nur an einem Song gearbeitet und versucht, ihn so gut wie möglich zu machen“,erklärt Gitarrist Olavi Mikkonen. „Anschließend haben wir genau diesen Song komplett aufgenommen – Schlagzeug, Gitarren und Gesang. Erst wenn wirklich alles fertig war, haben wir mit dem nächsten Stück begonnen.“

„Gjallarhorn“ folgt auf die – eher überraschende – erste Single, den Akustik-Song „Upphaf“:

AMON AMARTH Releaseshow in Essen

Am 6. Oktober gaben AMONA AMARTH ein Konzert in der Zeche Carl in Essen und anschließend auch Autogramme. Die Tickets waren auf 500 Stück limitiert und nur im CD- oder Vinyl-Bundle im Bandstore erhältlich. CD plus Ticket kosten 66,66 Euro, Vinyl plus Ticket 76,66 Euro.

Im Herbst bringen AMON AMARTH „The Allfather Awakens“ auch auf die Bühne, mit dabei sind ORBIT CULTURE und SOILWORK.

AMON AMARTH „The Allfather Awakens“ Tracklist & Cover

• 01. Gjallarhorn (Video bei YouTube)
• 02. Eight Legs of Thunder (Video bei YouTube)
• 03. Kvasir’s Blood
• 04. We Rule the Waves
• 05. Upphaf (Video bei YouTube)
• 06. Die With a War Cry
• 07. Raven God
• 08. The Allfather Awakes (Visualizer bei YouTube)
• 09. Oden’s Hunt
• 10. Ascending Like an Eagle

The Allfather Awakens Tour 2026:  AMON AMARTH, ORBIT CULTURE,  SOILWORK

• 9.10. UK, Manchester, O2 Apollo
• 10.10. UK, London, Eventim Apollo
• 11.10. UK, Wolverhampton, Civic Hall
• 13.10. Frankreich, Paris, Zenith
• 14.10. Luxemburg, Esch sur Alzette, Rockhal
• 16.10. Deutschland, Stuttgart, Schleyer Halle
• 17.10. Deutschland, Frankfurt, Festhalle
• 18.10. Belgien, Antwerpen, Lotto Arena
• 20.10. Niederlande, Den Bosch, Mainstage
• 21.10. Deutschland, Hamburg, Sporthalle
• 23.10. Schweden, Göteborg, Scandinavium
• 24.10. Schweden, Stockholm, Hovet
• 26.10. Finnland, Helsinki, Ice Hall
• 27.10. Estland, Tallinn, Unibet Arena
• 29.10. Polen, Gliwice, PreZero Arena Gliwice
• 30.10. Deutschland, Leipzig, Quarterback Immobilien Arena
• 31.10. Deutschland, Oberhausen, Rudolf Weber Arena
• 02.11. Ungarn, Budapest, Barba Negra
• 03.11. Österreich, Wien, Gasometer
• 04.11. Deutschland, Bamberg, Brose Arena
• 06.11. Tschechien, Prag, O2 Universum
• 07.11. Deutschland, Berlin, Velodrom
• 08.11. Deutschland, München, Zenith
• 10.11. Italien, Mailand, Alcatraz
• 11.11. Schweiz, Zürich, The Hall
• 13.11. Spanien, Barcelona, Sant Jordi Club
• 14.11. Spanien, Madrid, Vistalegre

Amon Amarth Line-up:

• Johan Hegg – Gesang
• Olavi Mikkonen – Gitarre
• Johan Söderberg – Gitarre
• Ted Lundström – Bass
• Jocke Wallgren – Schlagzeug

AMON AMARTH – Summer Breeze 2024 – 16.08.2024 – Konzertfotos

Jeder Abend bietet zwei Headliner-Shows von IN EXTREMO und FEUERSCHWANZ, den Opener machen RAGNARÖK aus Italien.

Jetzt haben die beiden Band außerdem eine gemeinsame Single herausgebracht. Das Musikvideo „Carpe Noctem“ gibt es bei YouTube.

IN EXTREMO & FEUERSCHWANZ „Heute wird der Himmel brennen“ Tour 2027

• 16.04.2027 Hannover – Swiss Life Hall
• 17.04.2027 Berlin – Velodrom „UFO“
• 22.04.2027 Stuttgart – Porsche Arena
• 23.04.2027 Nürnberg – KIA Metropol Arena
• 24.04.2027 Düsseldorf – Mitsubishi Electric Hall
• 29.04.2027 Hamburg – Sporthalle
• 30.04.2027 Erfurt – Messe
• 01.05.2027 München – Zenith

„Dieses Album wäre vielleicht nie entstanden. In den letzten Jahren haben uns so viele Dinge beschäftigt: die Pandemie, Krieg, Spaltung, Angst, die Sorge vor der Technologie und das Gefühl, dass die Realität selbst immer düsterer und instabiler wird. Wir haben so viel Wut, Schmerz, Verwirrung und Enttäuschung empfunden – sowohl in uns selbst als auch in der Welt um uns herum. All diese Emotionen sammelten sich in uns an, veränderten sich, verdunkelten sich, suchten nach einer Form, bis sie sich schließlich auf „▽“ in etwas Unerwartetes verwandelten“, erklärt die Band.

Zuletzt erschien auch ein Video-Clip zu „Sverkay„.

Schon im Vorjahr hat die Band mit „Nebo“ eine erste Vorab-Single veröffentlicht. Obwohl der Song speziell für die russische Krimiserie „The Method“ geschrieben wurde, bot er einen ersten Einblick in das neunte Studioalbum der Band.

THEODOR BASTARD Line-Up:
Yana Veva — Vocals
Fedor Svolotch — Sound, Guitar, Electronics
Andy Vladych — Drums
Alexey Kalinovskiy — Keyboards
Kusas — Percussion
Vyacheslav Salikov — Cello
Ekaterina Dolmatova — Backing Vocals

THEODOR BASTARD „▽“ Tracklist

1. Molnii i Svist (00:48)
2. Vedma (4:24) (Audio bei YouTube)
3. Nebo (4:33) (Audio bei YouTube)
4. Kaplya Rosi (2:46)
5. Zveroboy (6:16)
6. Dusha (4:33)
7. Ditya (5:42)
8. Ostavlyaem (3:45)
9. Sverkay (3:25) (Video bei YouTube)
10. Vremya (4:36)

Viele Kapitel seiner Sage haben AMON AMARTH freilich schon zuvor besungen, doch fördert das Quintett in der wiederholten Auseinandersetzung mit der Mythologie weiterhin neue Facetten und Details ans Licht. Nicht nur in lyrischer Hinsicht, wohlgemerkt, obschon der Auftakt „Gjallarhorn“ bis hin zum kitschigen Wikingerchor eher klassische Tugenden ins Gedächtnis ruft. Was der Track an Innovation missen lässt, macht das abgezockte Arrangement mit Leichtigkeit wett: Jocke Wallgrens Drumming ist verspielt und schwungvoll, während die melodischen Gitarren zielstrebig jenes Terrain umpflügen, das die Skandinavier schon in der Vergangenheit so zuverlässig nach ihrem Belieben geformt haben.

AMON AMARTH agieren auf „The Allfather Awakens“ routiniert, wagen sich aber zwischendurch an Neues

Geebnet wird diesmal der Weg für „Eight Legs Of Thunder“, das im Anschluss selbstbewusst über die weiten Felder galoppiert – die Gitarren geben den Takt vor und wir ziehen mit, auch wenn AMON AMARTH hier tendenziell das Risiko scheuen. Dabei ist es grundsätzlich weniger der fehlende Mut, den wir ankreiden möchten, als die Macht der Routine, welche die Band immer wieder in gewohnte Bahnen zurücklenkt. Besonders deutlich wird das in der Single „We Rule The Waves“, wo wir bis hin zum Text fast schon von Malen-nach-Zahlen im Wikinger-Kosmos reden könnten.

Dem gegenüber steht wiederum ein Novum wie „Upphaf“, das für AMON AMARTH-Verhältnisse nicht weniger als progressiv-experimentell bezeichnet werden darf. Begegneten wir der Akustik-Single ursprünglich noch mit einer guten Dosis Skepsis, fügt sich das Stück im Albumkontext hervorragend ein. Die Instrumentierung gelingt mit ausreichend Feingefühl, während Johan Heggs raue Erzählstimme in ehrfürchtigem Ton vom Anfang der Welt erzählt. Eine schöne Zäsur, die klugerweise in das mächtige wie groovende „Die With A War Cry“ überleitet.

Meist setzen AMON AMARTH auf Kontraste, zwischendurch werden die Schweden jedoch erstaunlich konsequent

Hier orientieren sich AMON AMARTH an ihrem letzten Studioalbum „The Great Heathen Army“ (2022), indem sie sich auf ihre Death-Metal-Einflüsse besinnen. Dadurch wird der Track zum unerwarteten Highlight, auch weil die Band hier konsequent bleibt. Meist spielen die Musiker nämlich mit den Kontrasten, stellen beispielsweise das kellertiefe Growling Johan Heggs in der donnernden Strophe von „Kvasir’s Blood“ einem ungleich beschwingten Refrain entgegen. Der Titeltrack wiederum verbindet stampfenden Rhythmus mit catchy Riffing zu einem klassischen Melodeath-Hit, der irgendwie die Leitideen von „Fate Of Norns“ (2004) und „Deceiver Of The Gods“ (2013) schlüssig zusammenführt.

Einen Hauch Epik versprüht derweil „Raven God“, dessen Gitarren-Arrangements im Fahrwasser der ausladenden Stücke à la „Embrace The Endless Ocean“ unterwegs sind, aber dessen Hook leider die nötige Dringlichkeit vermissen lässt. Stringent, doch ohne aufregende Kniffe endet „The Allfather Awakens“ darüber hinaus mit einem etwas größer angelegten Stück: „Ascending Like An Eagle“ erfüllt als stimmiger und gutklassiger Abschluss seinen Zweck und schafft es gleichzeitig, den Wunsch nach mehr zu wecken.

Neue Klangfarben und viel Vertrautes: AMON AMARTH setzen auf Konstanz und das Selbstbewusstsein, auch mal kurz über den Tellerrand zu blicken

Das ist ein gutes Zeichen nach 13 Alben in einem Stil, der nun mal eher für Konstanz denn Umbruch steht. AMON AMARTH jedoch gelingt diese Balance, spielen mit Vertrautem und punktuell mit neuen Klangfarben. Das alles geschieht auf „The Allfather Awakens“ mit einem Selbstverständnis, das sich nur die Größten im Geschäft erlauben können. Chefsache also? Die entschlossene Miene des Namenspatrons sollte wohl nach einem Blick auf das Artwork Antwort genug sein.

Veröffentlichungstermin: 02.10.2026

Spielzeit: 46:13

Line-Up

Johan Hegg – Vocals
Olavi Mikkonen – Guitar
Johan Söderberg – Guitar
Ted Lundström – Bass
Jocke Wallgren – Drums

Produziert von Jacob Hansen

Label: Metal Blade

Homepage: https://www.amonamarth.com/
Facebook: https://www.facebook.com/amonamarth
Instagram: https://www.instagram.com/amonamarth/
Bandcamp: https://amonamarth.bandcamp.com

AMON AMARTH “The Allfather Awakens” Tracklist

1. Gjallarhorn (Video bei YouTube)
2. Eight Legs of Thunder (Video bei YouTube)
3. Kvasir’s Blood
4. We Rule the Waves
5. Upphaf (Video bei YouTube)
6. Die With a War Cry
7. Raven God
8. The Allfather Awakes
9. Oden’s Hunt
10. Ascending Like an Eagle

Reinhören kann man in die neue Single „Claiming The Walk Of Fame“:

Als erste Single teilte die Band „Day Drinking„:

TROLLFEST „Trollywood“ Tracklist

1. Attention
2. Troll Brigade
3. Claiming the Walk of Fame (Video bei YouTube)
4. Bar of Mud
5. Prügelknabe
6. Day Drinking (Video bei YouTube)
7. The Real Breakthrough
8. ConTroll
9. Get on the Offbeat
10. Dreams for Resale
11. The Troll Oscars

TROLLFEST Line-up 2026

Trollmannen – Jostein Austvik
Mr. Seidel – John Espen Sagstad
Fabio Grimdrap Glutenfri Fleskeng – Fabian Jiru
DrekkaDag – Dag Stiberg
Fjernkontrollet – Kai Renton
Böesse Basshöl Nybazist – Alexander Bøe
TrollBANK – Eirik Renton
Kjellkjé Chinnetfür Björnênēszkūtt aka HelvetesBjørnen Eidsvåg aka Lillabjørn Nilsen aka Ko.C. Bjørn – Bjørn Dugstad Rønnow

Einerseits ja, andererseits nicht wirklich. Als ich an dem Album gearbeitet habe, stellte ich mir die Atmosphäre eines heiligen Ortes vor. Ein Ort der Stille, der Innenschau und der Verehrung. Aber offen gesagt habe ich daran gezweifelt, ob diese Songs als Ganzes auch zusammenpassen. Es sind so viele verschiedene Instrumentierungen und Atmosphären zu hören, die in meinem Kopf nicht wirklich auf einem Album zusammen gepasst hatten. Glücklicherweise haben mich einige enge Freunde davon überzeugt, die Ähnlichkeiten der Songs zu sehen und mich nicht auf die Unterschiede zu konzentrieren: Für sie klang alles sehr nach ISKANDR. Danach macht das Ganze für mich auch viel mehr Sinn und ich konnte eine passende Tracklist erstellen. Heute bin ich sehr zufrieden damit, wie sich alles gefügt hat. Aber das war keine bewusste Anordnung wie in einem großen Satz, eher wie ein glücklicher Zufall. Im Gegensatz dazu steht zum Beispiel auch „Vergezicht“, das wirklich als ein großes Ganzes ausgearbeitet wurde.

Auch „Sacraal“ ist eine Weiterentwicklung von ISKANDRs Sound. Der große Bruch hin zu „Spiritus Sylvestris“ hat dich vom Metal weggebracht, aber mein Eindruck ist, dass „Sacraal“ ein stilistisch ebenso großer Schritt ist. Was meinst du dazu?

Dem stimme ich zu! Ich versuchte auf „Sacraal“ nicht mehr die Musik auf der Gitarre zu schreiben, sondern mit Klavier und Synthesizer. Das hat mein kreatives Vorgehen sehr verändert. So gesehen hat sich die Musik selbst verändert. Aber ja, die Blast Beats und die Growls hinter mir zu lassen, erscheint erst einmal der größere Schritt zu sein, das verstehe ich schon auch.

„In den Zwischenräumen können die magischen Eigenschaften einer Sache liegen.“ – ISKANDR entwickeln sich außerhalb eng gesteckter Genregrenzen.

Größere Teile des Albums fühlen sich reduziert und traumartig an, ganz anders als „Spiritus Sylvestris“, das mehr um Rhythmen kreiste.

Auch das meinte ich damit, dass ich mein Vorgehen deutlich verändert habe. Die Songs von „Sacraal“ spiele ich live nicht mal mehr auf der Gitarre. Ich versuche diese Musik in Bereiche zu treiben, die mir selbst noch unbekannt sind. Ich habe den Weg des Entdeckens eingeschlagen; immerhin spiele ich seit zwanzig Jahren Gitarre in Bands und Projekten. Das ist ein großer Schritt für mich.

Trotz des relativ ruhigen Gesamteindrucks ist das Album stilistisch gesehen sehr abwechslungsreich. Das Ambient-Stück „Zonsonderkomst“, die reduzierten Songs „Verdronken Vlinder“, „Melk en Honing“ und „Glinster“, die Heaviness von „Pilaren van de Zuivere Blik“ und die psychedelische Seite an „Bewegingen in Het Afkoelende Zand“ erzeugen viele Kontraste auf „Sacraal“, aber alles fließt wunderbar zusammen. Wie schwer war es so einen kohärenten Gesamteindruck zu erzeugen?

Das war eine ziemliche Herausforderung. Wie bereits erwähnt, sah ich zu Anfang keine Verbindung in den Songs. Ich dachte, ich müsste mehrere EPs aus dem Material machen und die Stücke aufteilen. Plötzlich hat es aber „Klick“ gemacht. „Bewegingen in Het Afkoelende Zand“ war das letzte Lied, das ich geschrieben habe, und es hat sich als wirklich guter Closer herausgestellt, sodass „Sacraal“ eine gute „Buchstütze“ bekommen hat. Von da an hat sich alles gefügt.

Zumeist führen Gitarre und Gesang die Songs an, aber es gibt auch Klavierstücke wie „Glinster“ und elektronische Momente. Bist du immer von einem bestimmten Startpunkt aus vorgegangen?

„Glinster“ war lustigerweise das einzige Stück, das wirklich auf der Gitarre entstand. Ich habe es danach nur auf das Klavier verlegt, weil es dort besser klang. Der Rest der Musik entstand mit Synthesizern und programmierten Drums, während die Gitarre erst als späteres Element hinzukam. Auf diese Weise habe ich mein neues Vorgehen gefunden.

Die Musik klingt feierlich und dunkel, aber darin kann man die Tiefe spüren. Die ruhigen, fast schon hypnotisierenden Momente transformieren das Album, es strahlt ein lebensbejahendes Gefühl aus. Interessanterweise spüre ich das Gleiche bei „Vergezicht“, dessen Epik trotz, oder gerade wegen der Black Metal-Basis besteht. Generell gesehen: Was bedeutet das Wort „Transformation“ für dich?

Das ist eine gute Frage. Für mich fühlt es sich so an, als würde ich mich von einer Form zur nächsten bewegen. In den Zwischenräumen können die magischen Eigenschaften einer Sache liegen. Die Schwellenräume liegen zwischen festen Grenzen, zwischen Momenten, in denen wir denken, dass wir alles „wissen“ und wo das Unbekannte und Mögliche vage in den Fokus kommen.

ISKANDR ist dein Soloprojekt, außer Mink Koops (FLUISTERAARS), der auf „Sacraal“ nur bei einem Song spielt, sind ansonsten keine Mitmusiker an Bord. Der Rest stammt von dir alleine. Was ist der Unterschied zwischen ISKANDR und deinen anderen Bands wie DOOL und SOLAR TEMPLE in kreativer Hinsicht?

Bei DOOL bin ich Teil einer größeren Formation, die von Raven van Dorst als Lead-Songwriter und Texter angeführt wird. Dort stehe ich im Dienste von etwas Größerem. SOLAR TEMPLE ist der Bereich, in dem für Mink und mich alles möglich ist. Dort können wir alles umsetzen, was uns Spaß macht. Das Projekt war zuletzt recht wenig aktiv, weil wir so viel mit unseren anderen Projekten zu tun haben, aber immer wieder strömen Ideen auf uns ein und wir bekommen so ein kreatives Jucken … Wir müssten nur etwas mehr Zeit finden.

„Wenn ich die Worte im Niederländischen aufschreibe, ist das was aus mir herauskommt ganz natürlich, während das, was ich auf Englisch schreibe eine Art Übersetzung aus meiner Muttersprache ist.“ – Omar zieht es vor, auf Niederländisch zu texten.

„Sacraal“ wurde in verschiedenen Städten aufgenommen. Der Vorgänger „Spiritus Sylvestris“ erschien vor drei Jahren und somit entstand die längste Lücke zwischen zwei ISKANDR-Alben. Ich vermute, dass es ein schwieriger Songwriting- und Aufnahmeprozess war.

Ja, es war ziemlich schwierig. Ich bin zwischen den Alben einige Male in andere Städte gezogen und hatte einige Zeit keinen festen Wohnsitz. Ich war nicht obdachlos, aber habe mich eben treiben lassen. Da war es schwierig, an Musik zu arbeiten, ich musste erst wieder Fuß fassen. Jetzt lebe ich wieder in meiner Heimatstadt Nimwegen und möchte hier auch länger bleiben. Mein Leben bekommt also wieder Strukturen. Es ist ein schönes Gefühl, wieder in der Nachbarschaft zu sein, die ich so gut kenne, mit all der schönen Natur in der Umgebung. Übrigens: Auf dem ersten Album „Heilig Land“ wurden alle Songs nach Teilen der Stadt benannt.

„Sacraal“ bietet eine gute Gelegenheit in niederländische Folkmusik einzutauchen, Stichwort Lennaert Nijgh und Boudewijn de Groot. Stellt „Verdronken vlinder“ für dich ein Cover dar? Das Stück ist das vermutlich Reduzierteste auf dem Album, und nebenbei mein Favorit. Was bedeuten dir der Originalsong und der Text dazu?

Ja, ich sehe es als Cover, auch wenn ich die Musik deutlich verändert und nur den Text original belassen habe. Musikalisch hat es wenig mit dem ursprünglichen Lied zu tun, die Folk-Melodie ist da zu erbaulich. Der Text ist aber eine wunderbare Metapher für das Ende des Lebens, das Zurückblicken darauf, und welche Dinge wirklich von Bedeutung sind. Seit ich ein Kind bin, ist das für mich ein sehr persönlicher Song und steht im Zusammenhang mit einigen sehr traumatischen Dingen, auf die ich nicht eingehen möchte. Aber ja, es ist der schwierigste Song, um ihn live zu spielen.

„Melk en Honing“ ist ein Stück, das „Verdronken vlinder“ sehr ähnlich ist. „Milk & Honey“ von Jackson C.-Frank ist im Original recht anders, aber Gemeinsamkeiten sind erkennbar. Was ist so besonders an dem Text und dem Song?

Diese Lyrics transportieren auch etwas, das die Essenz der letzten Jahre für mich einfängt. Es geht darum deine Zukunft, um der Menschen in deinem Umfeld willen loszulassen.

„Pilaren van de Zuivere Blik“ ist auch sehr interessant und schlägt wie „Bewegingen in Het Afkoelende Zand“ auch eine Brücke zu „Spiritus Sylvestris“, mit dem ruhigen Beginn und der heavy Klimax mit wunderbaren Melodien, bzw. hypnotischen Rhythmen. Hast du „Pilaren van de Zuivere Blik“ ganz zu Beginn geschrieben?

„Pilaren van de Zuivere Blik“ war tatsächlich der erste Song, den ich für „Sacraal“ geschrieben habe, ziemlich bald nachdem ich „Spiritus Sylvestris“ abgeschlossen habe. Das Stück ist in diesem Stil gehalten, das hast du richtig erkannt! Wie schon gesagt war „Bewegingen in Het Afkoelende Zand“ der letzte Song, den ich geschrieben habe, aber musikalisch schöpft er aus einer ähnlichen Quelle.

„Zonsonderkomst“ ist das Kernstück des Albums und deutlich anders als der Rest des Materials,  mit seinen Beats, Synthesizern und den Spoken Word-Vocals. Welche Geschichte steckt hinter dem Song?

Ich wollte schon lange einen Song wie diesen schreiben, aber die Fertigstellung dauerte sehr lange. Es war schwer, bis daraus ein sinnvolles Ganzes wurde. Aber ich bin zufrieden, wie er am Ende geworden ist, und jüngst ist er auch zu einem meiner Favoriten für die Konzerte geworden. Es hat mich selbst überrascht, welche Wendungen das Lied nimmt, und ich freue mich jetzt schon darauf, in der Zukunft ähnliche Gefilde zu erforschen.

Wie üblich sind die Texte in deiner Muttersprache gehalten, und die meisten Bands deiner Szene schreiben niederländische Lyrics. Kannst die Message deiner Texte so besser rüberbringen?

Ja, das ist genau der Grund. Wenn ich mich hinsetze und die Worte im Niederländischen aufschreibe, ist das was aus mir herauskommt ganz natürlich, während das, was ich auf Englisch schreibe eine Art Übersetzung aus meiner Muttersprache ist. Und das verliert viel Spontaneität und poetische Qualität. Daher schreibe ich viel lieber auf niederländisch.

„Als ich an dem Album gearbeitet habe, stellte ich mir die Atmosphäre eines heiligen Ortes vor. Ein Ort, der Stille, der Innenschau und der Verehrung. Aber offen gesagt habe ich daran gezweifelt, ob diese Songs als Ganzes auch zusammenpassen.“ – Die Arbeit an „Sacraal“ war nicht einfach für Omar.

ISKANDR ist auch als Live-Act aktiv. Steht schon mehr an, und was ist das Setting, das für dich am besten funktioniert?

Ja, ich habe für den Herbst einige Konzerte anstehen und ich arbeite an weiteren Konzerten für 2027. Am liebsten trete ich in Clubs auf, da kann ich meine Visuals einsetzen, und die funktionieren eben am besten im Dunkeln. Aber dieses Jahr habe ich eine Show während eines großen Lagerfeuers in Nordisland auf dem Nordanpaunk Festival gespielt, und das war eine wunderbare Erfahrung in einer tollen Atmosphäre. Ich mag es also auch, Neues auszuprobieren.

Abschließende Frage: Ich mag den neuen Sound von ISKANDR wirklich sehr, aber genauso gern höre ich die älteren Sachen. Wird ISKANDR eines Tage zum Metal zurückkehren?

Seit ich bei FLUISTERAARS als Livegitarrist eingestiegen bin, ist der Black Metal zu mir zurückgekehrt. Ich arbeite an etwas in dieser Richtung, aber es geht langsam voran, weil ich so wenig Zeit habe. Ich bin mir unsicher, was daraus entstehen wird, aber hoffentlich finde ich im Herbst und Winter Zeit, daran weiterzuarbeiten. Wir werden sehen. Es freut mich, dass du auch weiterhin gerne mein altes Material hörst.

Omar, danke für deine Zeit und bis bald auf Tour!

Danke für das Interview und dafür, Musikjournalismus im Jahr 2026 am Leben zu halten.

Bilder: (c) Gerard van Roekel und Maaike Ronhaar

Nun haben SKALD eine weitere Single daraus veröffentlicht, hier ist der Clip zu“Dǫkksalir“:

Zu „Ørlǫg“ haben SKÁLD Folgendes zu sagen:

„Ørlǫg ist das kosmische Netz, das die Welt und jeden Menschen beeinflusst. Ein Teil unseres Ørlǫg wird durch unsere Geburt, unsere vergangenen Taten und unsere Erziehung bestimmt, doch Ørlǫg ist nicht in Stein gemeißelt; unsere täglichen Entscheidungen prägen es ständig neu. Was wir jetzt tun und was wir in der Vergangenheit getan haben, bestimmt, was uns in der Zukunft widerfahren wird; wir können den Folgen unserer Handlungen nicht entkommen. Dieses Album lässt uns unsere Entscheidungen hinterfragen – sowohl individuelle als auch kollektive – und die Muster, die wir akzeptieren oder ablehnen. Die Nornen weben unser Schicksal, aber wir können bestimmte Dinge selbst in die Hand nehmen: reisen, Welten durchqueren und wachsen. Jeder Song auf diesem Album beschreibt eine Situation, einen Ort, eine Entscheidung, die getroffen werden muss. Lasst uns unser Ørlǫg in die Hand nehmen.“

„Ørlǫg“ erscheint auf CD, Vinyl sowie digital.

Zuvor stellten SKALD den Song „Himinbjorg“ vor:

Im Juli teilten die Franzosen ein Musikvideo zu „Draumakona„.

SKÁLD „Ørlǫg“ Tracklist

1. Draumakona (Video bei YouTube)
2. Myrkviðr
3. Ratatoskr
4. Dǫkksalir (Video bei YouTube)
5. Útgarðr
6. Ek skald rida
7. Himinbjǫrg (Video bei YouTube)
8. Heiemo og Nykkjen
9. Veit barnit
10. Eldr ok iss

SKÁLD Line-up

Christophe Voisin Boisvinet – Percussion, Nordic Fiddles, Harp, Horn, Vocals, Programming
Marti Ilmar Uibo – Percussion, Lyre, Kannel, Whistles, Jaw Harp, Vocals
Steeve Petit – Percussion, Vocals
Marie Potosniak – Fiddles, Vocals
Guillaume Levy – Irish Bouzouki, Citole, Gudok
Nathalie Lemoye-Voisin – Vocals
Ravn – Moraharpa
Michel Abraham – Vocals
Eyline Uibo – Vocals

Zuvor vertonte die Gruppe ihre Single „Horizon“ als Akustikversion neu. Ansehen kann man das zugehörige Video bei YouTube:

Die Australier kommentieren:

„Seit seiner Entstehung war ‚Horizon‘ immer ein ganz besonderer Song für uns. Er handelt von Hoffnung, der Schönheit der einfachen Dinge und davon, das zu schätzen, was wir haben, bevor es vergeht. Den Song so neu zu interpretieren, dass seine Schönheit atmen kann und die Lyrics beinahe wie ein Wiegenlied wirken, fühlte sich wie der natürliche nächste Schritt an. Wir sind unglaublich stolz auf diese Version und freuen uns darauf, sie mit der Welt zu teilen.“

VALHALORE Line-up 2026

Anthony Willis – Gitarre
Lachlan Neate – Gesang, Cello, Mandoline
Sophie Christensen – Wind instrumente
Morgan Cox – Drums
Lucas Fisher – Gitarre, Gesang
Joseph Dipisa-Fiorenza – Bass

Nicht das neue Gesicht in den Reihen verunsicherte das Fanlager vorab, sondern die Implikation: Als Frontmann Thomas Lindner gesundheitsbedingt seinen Posten räumen musste, um fortan in zweiter Reihe das Keyboard und weitere Instrumente zu bedienen, verschwand mit der Stimme auch ein prägender Teil der SCHANDMAULschen Identität aus dem Rampenlicht.

Mit Sänger Till Herence eröffnen sich SCHANDMAUL auf „Sternensegler“ auch neue Möglichkeiten

Immerhin tritt mit Nachfolger Till nicht nur ein langjähriger Freund in die Fußstapfen, sondern ein Sänger, der sich bereits in seinen vorherigen Projekten LOONATARAXIS und APRON als überaus wandelbar zeigte und dies nun auf „Sternensegler“ in ähnlicher Weise fortsetzt. Keine Frage: Es sind völlig andere Vibes, die vom neuen Frontmann in gesanglicher Hinsicht ausgehen, doch die Möglichkeiten, die sich nun aufgrund der gesteigerten Bandbreite bieten, nutzen SCHANDMAUL wie die Profis, die sie sind.

Das schließt die Instrumentierung mit ein, wie wir im rockigen „Beide Füße in der Luft“ feststellen dürfen: Hier lösen bratende E-Gitarren die Akustikpendants ab, welche noch den leichtfüßigen Titeltrack zeitweise prägten. Überhaupt erinnert das Stück auch thematisch an frühere Schaffensperioden der Folk-Rock-Band, welche wiederum diesen Schwung mitnimmt, um in „Flagge“ ein politisches Statement zu setzen. Gemeinsam gegen Hass lautet der Tenor, den die Bayern geschickt mit Deutschrock-Zitaten unterlegen, während in der Hook Geige und Flöte selbstbewusst umeinander tänzeln.

„Sternensegler“ schwächelt in den leisen Momenten, bringt ansonsten aber eine Menge Elan mit

Dagegen schwächelt „Sternensegler“ immer dann, wenn sich die Band auf die leisen Töne besinnt. Nicht etwa aufgrund der Instrumentierung, die selbst in reduzierter Form meist feinfühlig gelingt, aber aufgrund der Texte, wo zumeist einsilbigen Reime auf ein Maß an Kitsch treffen, das unsere persönliche Toleranzgrenze überschreitet. „Wo Sprache aufhört“ und besonders „Trag dich“ fehlt es lyrisch an Finesse, das eben gerade nicht mit einem Plus an Schmalz zu kompensieren ist.

Erfolgreicher ist der gemächliche Aufbau von „Nosferatu“, wo nicht zuletzt der wandelbare Gesang besticht: Knurrend und verbittert führt Till durch die reduzierte Strophe, bevor der kraftvolle Refrain einer Eruption gleicht – packend, wenngleich auch repetitiv intoniert. Mit Drive und Feuer dreht wiederum „An beiden Enden“ auf, wo uns SCHANDMAUL unmissverständlich zu verstehen geben, dass sie bis zum letzten Tag gar nicht daran denken werden, einen Gang zurückzuschalten.

SCHANDMAUL erreichen in neuer Konstellation noch nicht Bestform, doch gelungen ist der Start in das nächste Kapitel allemal

Das galt vor 25 Jahren, das galt vor einer Dekade und das gilt auch weiterhin, solange die Ideen sprudeln und es am Horizont noch ein unerforschtes Fleckchen zu entdecken gilt. Dorthin zieht es den „Sternensegler“ voller Zuversicht, selbst wenn der einstige Kapitän den Kurs nun nicht mehr eigenmächtig ausrufen kann. Auch deshalb wird das zwölfte Album der Folk-Rock-Urgesteine zu einem Symbol für Zusammenhalt; für eine Crew, die sich auch in herausfordernden Zeiten gegenseitig den Rücken stärkt. In neuer Konstellation mögen SCHANDMAUL zwar noch nicht ihre Bestform erreicht haben, ins Straucheln kommen sie allerdings ebenfalls kaum – schön, wenn es manchmal wirklich so einfach sein darf.

Veröffentlichungstermin: 11.09.2026

Spielzeit: 47:26

Line-Up

Till Herence – Vocals, Guitar
Thomas Lindner – Piano/Keyboards, Acoustic Guitar, Accordion
Martin Duckstein – Electric/Acoustic Guitars, Cister, Cistele, Lute, Banjo, Backing Vocals
Matthias Richter – Bass, Double Bass
Stefan Brunner – Drums, Percussion

Produziert von Simon Michael Schmitt

Label: Napalm Records

Homepage: https://www.schandmaul.de/
Facebook: https://www.facebook.com/Schandmaul
Instagram: https://www.instagram.com/schandmaulband/
Bandcamp: https://schandmaul.bandcamp.com

SCHANDMAUL “Sternensegler” Tracklist

1. Nimm alles mit
2. Sternensegler (Video bei YouTube)
3. Beide Füße in der Luft
4. Flagge
5. Nosferatu (Video bei YouTube)
6. Wo Sprache aufhört
7. In der Hand
8. An beiden Enden (Video bei YouTube)
9. Lass nicht los
10. Trag Dich
11. Zwei Raben (feat. Laura Fella) (Video bei YouTube)

Deutlich wird das schon durch den herrlich kehligen, verzweifelten Gesang, der Schmerz förmlich atmet und in seiner Rohheit etwas an die großartigen PANPHAGE-Alben erinnert; die Stücke sind aber auch dichter komponiert, in sich geschlossener, hervorragend als Album arrangiert und letztlich insgesamt erwachsener als auf dem Vorgänger. Zwar hören wir hier immer noch überwiegend diese typischen schwedischen Folk-Melodien an jeder Ecke, aber sie sind nur mehr Mittel zum Zweck und nicht mehr der Zweck selber.

Wehmut, Verlorenheit, große Hymnen

Und dann ist da dieses Titelstück, das sich in seiner Melodieführung beim Post Black Metal sowie insgesamt eines anderen Gesangsstils bedient und dadurch eine tiefe Trauer evoziert, wie wir sie von BLODTAR bisher nicht kannten. Zusammen mit den vielen klaren Gesangsanteilen und sägenden Riffs in Moll ergibt sich auf „Monark“ schließlich das Bild eines verlorenen Mannes, der sein Leid kennt und in Kunst zu gießen imstande ist, ohne daran zu zerbrechen. Das wird beim Folk-Stück (im Original von einer skandinavischen Folk-Band) „Nu är det synd om de döda“ dann nochmal besonders deutlich; gleichzeitig sorgt es für die dringend benötigte Ruhe vor dem abschließenden Sturm.

Der beginnt mit „Bland kvällens skuggor ännu vandra“ dann brillant und erneut tief melancholisch, wogt hin und her, sucht die große Katharsis… und versinkt dann mit „Den eviga isen“ leider im Nichts. Ja, schade, das Ende des Albums kommt erstaunlich plötzlich, und da alles andere so sinnvoll arrangiert anmutet, muss man ja davon ausgehen, dass das gewollt ist. Soll’s die Unbarmherzigkeit des Todes darstellen, die jede Schönheit – denn Schönheit gibt’s en masse auf „Monark“ – nach kurzem Verwelken unweigerlich zerstört? Vielleicht. Allein, es wirkt als Ende eines ansonsten sehr guten Albums nicht bzw. es wirkt schon, aber eben ästhetisch unbefriedigend.

Was die Großartigkeit von z.B. „Till min sista viloplats“ (was für ein herrlicher Chor!) und dem 3/4-Takt-Nackenbrecher „Paradis“ (was für ein herrliches Riff!), die ich hier mal exemplarisch als geniale Anspieltipps stehen lassen möchte, keineswegs schmälern soll. Songwriter Carl weiß, was er tut und ballert uns einen urschwedisch tobenden Metal-Wirbelsturm nach dem anderen um die Ohren, dass es eine helle Freude ist. Denn Trauer und Melancholie sind bei BLODTAR anno 2026 zwar immer spürbar, letzten Endes handelt es sich bei „Monark“ dann aber doch um richtig geilen Heavy Metal, und das ist auch gut so.

Spielzeit: 36:02 Min.

Veröffentlichungsdatum: 18.09.2026

Label: Nordvis

Line-Up:
Carl – Bass, Gitarre, Gesang
Hebert Alarcon Cerna – Schlagzeug

https://blodtar.bandcamp.com/music
https://www.instagram.com/blodtarband/

BLODTAR „Monark“ Tracklist

1 – Blodtår (‘Blood Tear’)
2 – Till min sista viloplats (‘To My Final Resting Place’)
3 – Paradis (‘Paradise’)
4 – Det slutar i lågor (‘It Ends in Flames’)
5 – Monark (‘Monarch’)
6 – Nu är det synd om de döda (Kraja cover)
7 – Bland kvällens skuggor ännu vandra (‘Still Wandering Among the Evening Shadows’)
8 – Den eviga isen (‘The Eternal Ice’)

Passend zum Jubiläum wird „Drive Me Mad“ außerdem erstmals als Vinyl-Version im Frühjahr 27 veröffentlicht.

FIDDLER’s GREEN – 20 Years Of Drive Me Mad Tour 2027

mit Special Guest: DOPPELBOCK

• 08.04.2027         Wilhelmshaven – Pumpwerk
• 09.04.2027         Wuppertal – LCB
• 10.04.2027         Bensheim – Musiktheater REX
• 16.04.2027         Erfurt – Gewerkschaftshaus
• 17.04.2027         Fulda – Kreuz
• 23.04.2027         Magdeburg – Factory
• 24.04.2027         Markneukirchen – Musichall
• 08.05.2027         Ludwigsburg – Scala
• 09.05.2027         Saarbrücken – Garage
• 15.05.2027         Hannover – Musikzentrum
• 16.05.2027         Oranienburg

FIDDLER’S GREEN – Backstage Werk, München – 18.12.2025 – Konzertfotos

Im Juni erschien auch ein Video zu „Grey Hun„.

„‚Grey Hun‘ ist ein Song, der jeden dazu ermutigt, sich damit wohlzufühlen, einfach man selbst zu sein. Es begann damit, dass ich das Riff komponierte, während ich mir einen Mann vorstellte, der auf seinem Pferd durch eine weite Landschaft reitet“, kommentiert Enkush.

Für die neue Single „Lost Soul“ arbeitete die Band mit Jonny Hawkins von NOTHING MORE zusammen, hier ist ein Video zu dem Track:

THU HU „Hun“ Tracklist

1. „Warrior Chant„
2. „Lost Soul“*
3. „The Men„
4. „Echoes of My Father“
5. „Shadow“
6. „Horsemen“ 
7. „Greed“
8. „The Real You„
9. „Grey Hun„
10. „Universe“
11. „Second Face“

*“Lost Soul (Featuring Jonny Hawkins of NOTHING MORE) ist nur auf der digitalen Version von HUN erhältlich.

THE HU Tour 2026

UK       29.09.             Glasgow, O2 Academy Glasgow
UK       01.10.             Bristol, Prospect
UK       02.10.             Bournemouth, O2 Academy Bournemouth
UK       03.10.             Newcastle, O2 City Hall
IE          06.10.             Dublin, 3 Olympia Theatre
UK       08.10.             Birmingham, O2 Academy Birmingham
UK       09.10.             London, O2 Academy Brixton
UK       10.10.             Manchester, O2 Apollo
UK       11.10.             Norwich, UEA
BE       14.10.             Brüssel, Ancienne Belgique
DE       15.10.             Hamburg, Sporthalle
DE       17.10.             München, Tonhalle
DE       18.10.             Berlin, Columbiahalle
PL       19.10.             Warsaw, Stodola
PL       20.10.             Warsaw, Stodola
DE       22.10.             Cologne, Palladium
NL       23.10.             Utrecht, Tivoli Vredenburg
NL       24.10.             Tilburg, O13
FR       27.10.             Paris, L’Olympia
FR       28.10.             Lyon, Le Radiant
CH      30.10.             Zurich, X-tra
LU       31.10.             Esch-Sur-Alzette, Rockhal
BE       01.11.             Brussels, Ancienne Belgique

THE HU – Z-Bau, Nürnberg – 12.06.2025 – Konzertfotos

Summer Breeze 2026 – Navigation

Dienstag, 11. August 2026

Ghetto Justice | Die Habenichtse | Motorjesus | Hackneyed

Mittwoch, 12. August 2026

Blasmusik Illenschwang | Persecutor | Neckbreakker | King Nugget Gang | The Narrator | Airbourne | Green Lung | Urne | Bandankündigung 2027 | In Flames | Hatebreed | Cân Bardd | Alcest

Donnerstag, 13. August 2026

Our Promise | Fireborn | From Fall To Spring | Broken By The Scream | Grand Magus | Northlane | Deserted Fear | Kim Dracula | Imminence | Saltatio Mortis (Surprise Show) | Saxon | Mittel Alta | Fit For An Autopsy | Eisbrecher | Mushroomhead | Amorphis | Dartagnan

Freitag, 14. August 2026

Nanowar Of Steel | Brainstorm | Future Palace | Brothers Of Metal | TBS | Unprocessed | The Ghost Inside | Deicide | Lamb Of God | Perchta |
Arch Enemy | Der Weg Einer Freiheit | Ten56. | Deafheaven

Samstag, 15. August 2026

Heavysaurus | Parasite Inc. | Skeleton Pit | Bloodred Hourglass | Wucan | Orbit Culture | Testament | Decapitated | Alestorm | Soulfly | Helloween |
Paleface Swiss | Thy Art Is Murder | Soen | Møl

Fazit | Impressionen

Es gibt immer einen Grund zu feiern, sagt der Volksmund. Im Fall des SUMMER BREEZE muss man sich um den entsprechenden Anlass jedoch keinesfalls Gedanken machen. Kurioserweise bedeutet die bewegte Geschichte des süddeutschen Open Airs zugleich in fast jedem Jahr ein neues Jubiläum: Ob es nun ein runder Geburtstag ist, die 25. Auflage im Jahr 2024 oder – wie in diesem Sommer – die zwei Dekaden am derzeitigen Veranstaltungsort vollgemacht werden, aus den Feierlichkeiten kommt das zweitgrößte Metal-Festival des Landes kaum noch heraus. Zumal am Horizont bereits der nächste zu knackende Meilenstein wartet, der bereits in diesem Jahr seinen Schatten vorauswirft.

Zunächst allerdings konzentriert sich alles auf das Hier und Jetzt, genauer gesagt das mittelfränkische Dinkelsbühl, wo man zum 20-Jährigen vor allem den Wohlfühlfaktor in den Fokus gerückt hat: Dass das SUMMER BREEZE als gänzlich unabhängige Großveranstaltung auch das Befinden seiner Besucher:innen in die Planungen mit einbezieht, konnte man schon in der Vergangenheit beobachten, wo etwa im Infield Bäume gepflanzt wurden, um künftig zusätzlichen Schatten zu spenden. Als Dank halten die Fans der Open Air-Veranstaltung die Treue: So schnell wie 2026 war das Festival noch nie ausverkauft.

Und weil dieses Geben und Nehmen kein bloßes Lippenbekenntnis bleiben soll, waren im Vorfeld bereits weitere Neuerungen durchgedrungen, die den Alltag für alle Besuchenden angenehm halten und bewährte Effizienz wie das unkomplizierte Cashless-System oder die weitgehend staufreie Anreise per Slotbuchung ergänzen sollen.

Dienstag, 11. August 2026

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Die abermals erhöhte Zahl an Spültoiletten ist dabei der Faktor, der sich schon am Frühanreisetag auf dem weitläufigen Camping-Areal bemerkbar macht und für Entlastung während der Stoßzeiten sorgt. Der praktische Nebeneffekt: Die weiter verbesserte sanitäre Infrastruktur ermöglicht eine schnellere Rückkehr zum eigentlichen Geschehen, sei es nun dem „Mario Kart“-Turnier des Fliesentisch Imperiums, dem neu eingeführten „Burgstall“-Biergarten oder dem knackigen Dienstagsprogramm auf der kleinen Campingplatz-Bühne.

Dort steht am heutigen Tag zwar keiner der großen Headliner IN FLAMES, ARCH ENEMY, EISBRECHER oder HELLOWEEN auf den Brettern, dafür aber vier komplett unterschiedliche Vertreter des knapp 130 Bands starken Billings. Dementsprechend gespannt sind wir, als wir nachmittags in gemütlichem Tempo über den Campsite Circus schlendern. Am allgemeinen Rahmen hat sich nichts verändert: Ein riesiger Clown streckt hinter dem FOH-Turm mit grinsender Fratze seine Finger nach der Bühne aus, vor der schon eine Gruppe ungeduldiger Fans wartet.

Die wenigen Schattenplätze vor der Bühne sind schon vor Spielbeginn begehrt

Diese begehrten Plätze sind schnell weg, finden sich doch dort einige der wenigen Flecken, welche die brütende Sonne zu dieser Tageszeit nicht mehr erreichen kann. Alternativ bietet am anderen Ende des Areals ein Zelt nicht nur Zuflucht, sondern zugleich ein Stück Metal-Kultur: Mit Thomas Ewerhard, Björn Goosses, Giannis Nakos sowie Lara Subterranean stellen gleich vier Cover-Künstler:innen Höhepunkte ihres Schaffens aus. Nebst Supermarkt, Café und Imbissmeile eine weitere schöne Gelegenheit, sich während der Spielpausen die Zeit zu vertreiben.

GHETTO JUSTICE

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Da die Schlange vor dem Festivalsupermarkt schon jetzt ein paar Minuten Wartezeit verspricht, folgen wir dem Rat des Pappschilds aus der ersten Reihe: „Dann geh‘ doch zu Ghetto (Justice)“, lautet der Schriftzug im Stil eines bekannten Discounters. Dort versammelt sich zwar bereits eine ungleich größere Menge, statt der zweiten Kasse eröffnen GHETTO JUSTICE aber lieber den Pit, um alle Interessenten gleichzeitig bedienen zu können.

Im Angebot ist brachialer Hardcore, den die Berliner kaltschnäuzig und mit Nachdruck kredenzen: Binnen Minuten finden wir Shouter Nico am Wellenbrecher, um sich das Chaos im Zentrum ein wenig genauer anzusehen. Dass da trotz guter Stimmung noch mehr gehen müsste, scheint der allgemeine Konsens auf den Brettern, weshalb man für „Body Music“ eine geräumige Luftmatratze als provisorische Stagediving-Plattform hervorkramt, bevor sich die Band doch erst einen Circlepit um das gute Stück wünscht.

GHETTO JUSTICE-Frontmann Nico wagt sich in die Menge

Lange dauert es dennoch nicht, bis sich die Fans im Versuch, einen der wenigen Plätze zu ergattern, regelrecht übereinanderstapeln. Sieben Personen zählen wir in der Spitze auf dem improvisierten „Floß der Medusa“, das schließlich doch irgendwann zum Kentern verdammt ist. Immerhin ist dann Platz für Frontmann Nico, der den Ausflug in die Menge sichtlich genießt.

So viel Einsatz bleibt nicht unbelohnt: Während des 2 UNLIMITED-Covers „No Limit“ revanchieren sich GHETTO JUSTICE mit einer Handvoll kostenloser T-Shirts, die nur Sekunden später über den Köpfen der Anhänger:innen kreisen und so im Idealfall für ein kleines bisschen Abkühlung sorgen. Und für alle, die leer ausgingen und schon jetzt nassgeschwitzt an einen Kleiderwechsel denken müssen, bietet sich der im Anschluss umlagerte Merch-Bereich an, wo es das erwähnte Discounter-Logo praktischerweise auch in Textilform zu erwerben gibt.

Fotogalerie: GHETTO JUSTICE

DIE HABENICHTSE

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Saubere Klamotten hätten DIE HABENICHTSE eigentlich auch nötig, doch ihre Prioritäten sind zumindest gesetzt: „Lieber dreckig als braun“, liest sich der Slogan auf so mancher Fanbrust, während Sängerin Ronja während des Soundchecks noch den bevorstehenden „Waschtag“ beklagt.

Selbiger soll uns später noch in vollem Glanz erwarten, zunächst aber geht es mit den „Spelunkenvagabunden“ auf feuchtfröhliche Kneipentour. Dass der ungezwungene Folk Rock der Hannoveraner gut ankommt, ist derweil kaum zu überhören: „Auf die Main!“, fordern die Anhänger:innen binnen Minuten – ein Gedanke, dem Frontmann Roderik keineswegs abgeneigt scheint.

Für DIE HABENICHTSE dreht sich alles um den flüssigen Genuss

Bevor es aber auf die große Bühne geht, nutzen DIE HABENICHTSE die ausgelassene Stimmung, um schon einmal vorzufühlen: Während „Urlaub im Mittelalter“ zieht plötzlich eine Polonaise an unserer Nase vorbei, die wir – das wollen wir vorwegnehmen – während dieser Dreiviertelstunde nicht zum letzten Mal gesehen haben. Kurz darauf übt die Band zur neuen Single „Schorle“ die ganz eigene Interpretation einer obligatorischen Festivalaktivität: Aufgeteilt in Wein und Mineralwasser mischen sich beide Seiten des Publikums während der „Schorl‘ of Death“ zum titelgebenden Mixgetränk. Ein Fleißsternchen für die kreative thematische Einbindung.

Denn im Bandkosmos dreht sich genretypisch natürlich fast alles um den flüssigen Genuss: Vom Circle Pit in „Flaschendrehen“ bis zum gemeinsam mit der Menge rezitierten Märchen „Humpenstielzchen“ führen uns DIE HABENICHTSE am Ende des Tages immer wieder zurück zur Flasche – oder eben in die Taverne, wie es zum Abschluss heißt, während die taumelnde Polonaise zwischen den Zuschauer:innen immer noch den Weg zum Tresen sucht.

DIE HABENICHTSE Setlist

1. Spelunkenvagabunden
2. Urlaub im Mittelalter
3. Flaschenkind
4. Ode an die Unterhose
5. Schorle
6. Waschtag
7. Räudig, laut und unbequem
8. Humpenstilzchen
9. Flaschendrehen
10. Taverne, Taverne

Fotogalerie: DIE HABENICHTSE 

MOTORJESUS

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Eher traditionelles Fäuste Recken ist bei MOTORJESUS angesagt, obwohl auch die Nordrhein-Westfalen durchaus wissen, wie man ein feierwütiges Publikum bei Laune hält. Wir meinen dabei weniger den als Mechatroniker verkleideten Komparsen, der während „Hellbreaker“ über die Bühne stürmt und seine überdimensionalen Schraubenschlüssel schwingt, sondern den sogenannten (Schwimm-)„Reifen der Apokalypse“, welchen die Band vor „Motor Discipline“ in die Menge wirft. Der Auftrag ist klar: „Einer muss da rein“, weist Frontmann Chriz an, bevor sich die Crowdsurfer regelrecht um das Privileg prügeln, mit dem begehrten Objekt nach vorne zu segeln.

Ansonsten halten es MOTORJESUS etwas konservativer: Den Klassiker „Fuel The Warmachine“ begleiten dutzende Fäuste, während das treibende „Somewhere From Beyond“ für Bewegung in der Mitte sorgt, welche sich in „King Of The Dead End Road“ schließlich zum Circle Pit steigert.

MOTORJESUS verteilen sogar einen Schwung Dosenbier

Keine Frage, die Band ist nicht nur gut eingespielt, sie bringt auch jede Menge Zug mit, weshalb sie sich die allgemeine Gunst gar nicht hätte erkaufen müssen. Dass der leibhaftige Motorjesus zum Finale „Return Of The Demons“ trotzdem einen ganzen Schwung Dosenbier an die erste Reihe verteilt, sorgt natürlich dennoch für Sympathiepunkte.

MOTORJESUS Setlist

1. Trouble in Motor City
2. Dead Army
3. Somewhere From Beyond
4. Hellbreaker
5. Fuel The Warmachine
6. King Of The Dead End Road
7. Motor Discilpine
8. Return Of The Demons

Fotogalerie: MOTORJESUS

HACKNEYED

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Das SUMMER BREEZE 2026 mag offiziell noch gar nicht gestartet sein, doch für viele ist der bevorstehende Auftritt schon jetzt ein kleiner Höhepunkt im viereinhalbtägigen Programm. Mit HACKNEYED verbindet das Open Air schließlich eine besonders lange Geschichte, wie Shouter Philipp nach „Bugging For Mercy“ erklärt: Vor zwei Dekaden schlug der damals 16-jährige Sänger noch selbst sein Zelt auf dem Acker auf. Nun also im Rahmen der eigenen Jubiläumsshows noch einmal auf diesen Brettern zu stehen, sei emotional besonders erfüllend.

Dabei geht die gemeinsame Geschichte noch viel tiefer: Das erste Demo habe man damals noch persönlich bei Festivalchef Achim Ostertag in den Briefkasten geworfen – der Startschuss einer Karriere, die nun eine Stunde lang zelebriert werden soll. Dass sich Ostertag selbst den Auftritt also nicht entgehen lassen würde, ist nachvollziehbar. Belohnt werden der SUMMER BREEZE-Gründer wie auch die Fans mit einem schönen Querschnitt der HACKNEYEDschen Diskografie, angefangen bei „Ravenous“ von besagtem Demo über das walzende „March Of The Worms“ bis hin zum melodisch-groovenden „The Flaw Of Flesh“, wo erste Crowdsurfer nach vorne gleiten.

Ihre Hits sparen sich HACKNEYED natürlich für das Finale auf

Dass wir das Quintett eigentlich erst vor zwei Wochen mit identischem Set auf dem WISDOM TOOTH FESTIVAL erlebt haben, gerät angesichts der lebhaften Atmosphäre schnell in Vergessenheit. Wieder in Stammbesetzung inklusive des frischgebackenen Papas Alex zeigen sich HACKNEYED ohnehin gut eingespielt, so dass es nicht lange dauert, bis im Gemenge die Haarbüschel im Dutzend rotieren. Gesteigert wird das freilich zum Finale, wo es nach „Feed The Lions“ mit den beiden Bandhits „Deatholution“ sowie „Gut Candy“ nochmals zwei Argumente gibt, mit den ursprünglich als einmalig angedachten Reunion-Konzerten vielleicht doch noch in die Verlängerung zu gehen.

Gerade jetzt braucht schließlich auch die Death-Metal-Szene mehr Bands mit Haltung, die Bassist Fabi Fink stellvertretend für seine Jungs auch heute deutlich formuliert hatte. Für rechtes Gedankengut habe man keinen Platz auf den eigenen Shows oder diesem Festival, dafür aber mit „Finger On The Trigger“ symbolisch einen Song, der für sich sprechen sollte.

Fotogalerie: HACKNEYED

Mittwoch, 12. August 2026

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Die gute Nachricht: Wir haben eine ausgesprochen erholsame Nacht hinter uns. Die Schlechte: Wir wollen heute bis mindestens 2:00 Uhr nachts durchhalten. Glücklicherweise beginnt der erste Festivaltag des SUMMER BREEZE für gewöhnlich etwas ruhiger. Um eine entspannte Anreise zu ermöglichen, startet das Konzertprogramm erst nachmittags, sodass mehr als genug Zeit bleibt, sich mit den warmen Temperaturen zu arrangieren. Immerhin dürfen wir uns diese Woche ein wenig an die Hitzewelle herantasten, soll es doch bei wolkenlosem Himmel mit jedem Tag ein paar Grad heißer werden. Wer weiß, vielleicht sind wir ja bis Samstag entsprechend abgehärtet?

Für den Mittwoch jedenfalls ist der Angriffsplan größtenteils gemacht: Auch wenn die Überschneidung mit PARADISE LOST schmerzt, wollen wir den Headliner IN FLAMES keinesfalls verpassen. Auch ALCEST sind als Tagesabschluss auf der Main Stage für uns bereits gesetzt, wohingegen das restliche Tagesprogramm nach dem traditionellen Auftakt durch die BLASMUSIK ILLENSCHWANG Raum für spontane Entscheidungen lässt. Die partielle Sonnenfinsternis jedenfalls dürfen wir wahlweise mit AIRBOURNE oder GREEN LUNG erleben – die nötigen Brillen dafür haben wir selbstverständlich bereits gepackt.

Schattige Plätze und Lounge-Area: Das SUMMER BREEZE erhöht den Komfort auf dem Infield

Allzu lang wollen wir vor Spielbeginn ob der Hitze eigentlich nicht über das Infield schlendern, die vorab kommunizierten Neuerungen machen uns jedoch neugierig. Dezent überarbeitet hat das SUMMER BREEZE etwa den Zugang zur Hauptbühne, wo der Infoturm an den Rand wanderte und die Toiletten nun in einer neuen Nische untergebracht wurden. Chemiegeruch als Duftnote zum Headliner gehört auf dem linken Flügel nun der Vergangenheit an.

Interessanter wird es jedoch am oberen Ende des Geländes, wo sich zwischen Shoppinggassen, Haupteingang und der überdachten Rebel Stage ein völlig neues Bild offenbart. Angrenzend an den Biergarten spendet hier nun mit dem „Magic Sky“ ein weiteres gigantisches Runddach kostbaren Schatten: dank der zahlreichen Sitzgelegenheiten im Palletten-Look eine Wohlfühloase zum Ausspannen und Energie tanken. Im Kleinformat finden wir eine solche Zeltlounge ein paar Meter weiter Richtung T-Stage – heimelig eingerichtet mit zusätzlichen Deko-Pflanzen.

Bewegen wir uns noch etwas weiter, haben wir nun die Wahl: Angrenzend an die Trinkstation offeriert eine Laufdusche erfrischende Abkühlung, während auf der gegenüberliegenden Seite die vier im Vorjahr gepflanzten Bäume Zuflucht vor der Sonne bieten. Mit Einschränkung jedenfalls, denn aufgrund der anhaltenden Dürre präsentieren sich deren Baumkronen bereits Mitte August traurig karg.

BLASMUSIK ILLENSCHWANG

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Wir richten somit den Blick lieber direkt in Richtung T-Stage, wo die Fans bereits die wichtigen Fragen stellen: „Wann Main?“, lesen wir auf dem empor gerichteten Pappschild. Denken wir an die vergangenen Jahre zurück, scheint die Forderung berechtigt, schließlich ist die BLASMUSIK ILLENSCHWANG als traditionelle Eröffnungskapelle seit jeher ein Stimmungsgarant.

Die Besucher:innen versammeln sich infolgedessen auch heute wieder zahlreich vor der Bühne, werfen sich wie selbstverständlich in den Moshpit oder üben das kollektive Rudern auf dem Hosenboden. Zwischen Schunklern und Prosit zeigt die Menge darüber hinaus bei „Fliege mit mir in die Heimat“ oder dem „Böhmischen Traum“ beachtliche Textsicherheit.

Mit „Bohemian Rhapsody“ covert die BLASMUSIK ILLENSCHWANG dieses Jahr einen Welthit

Dass sich zwischendurch sogar Festivalmaskottchen Mikey blicken lässt, gehört natürlich ebenfalls zum guten Ton. Die größte Überraschung aber serviert die BLASMUSIK ILLENSCHWANG schon zu Beginn der Show: Man habe sich was Neues einfallen lassen, kommentiert Dirigent Martin Krauß, bevor seine Kapelle mit QUEENs „Bohemian Rhapsody“ einen absoluten Welthit neu intoniert. Klar, die schiere Stimmgewalt Freddy Mercurys bleibt heute unerreicht, über eine originelle Interpretation mit fränkischem Akzent dürfen wir uns dennoch freuen.

Fotogalerie: BLASMUSIK ILLENSCHWANG

PERSECUTOR

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Da wir bereits vor zwei Wochen ein Wiedersehen mit den EXCREMENTORY GRINDFUCKERS feiern durften, zieht es uns heute zur überdachten Rebel Stage, wo zeitgleich PERSECUTOR ihren rohen Thrash Metal kredenzen. Mit klarem politischem Statement auf der Brust und einer Menge Wut im Bauch lassen die Dänen nichts anbrennen, als sie mit „Born In Blood“ das Gaspedal umgehend bis zum Bodenblech durchdrücken.

Dass Bassist und Sänger Christian Andrés Almanzas harsche Vocals eher im extremen Spektrum verortet sind, kommt uns derweil entgegen, insbesondere weil die allgemeinen Energiereserven zu diesem Zeitpunkt des Festivals noch gut gefüllt sind und wir ein bisschen zusätzliche Intensität gut vertragen können. Entsprechend funktioniert die Wall of Death in „Cannibal Island“ auf Anhieb, während es für den bald folgenden Circle Pit nur einen kleinen Anschubser seitens PERSECUTOR bedarf: „Did you fall asleep?“, so die Frage Almanzas, bedarf keiner ausführlichen Antwort, wenn doch auch ein anschließender Blick auf die rotierende Masse im Zentrum ausreicht.

Fotogalerie: PERSECUTOR

NECKBREAKKER

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„We’re here to kill every-fucking-body on this festival.” Frontmann Christoffer Kofoed hat augenscheinlich viel vor an diesem Nachmittag. Woher er die Energie nimmt, ist schnell erklärt: Die fünf Dänen sind gerade erst Anfang 20 und dürften sich wohl derzeit noch mitten in ihrer „Sturm und Drang“-Phase befinden.

Ungewöhnlich für ihr Alter ist hingegen die musikalische Ausrichtung: Klassischen Death Metal der alten Schule setzt es ab Sekunde eins, als „Face-Splitting Madness“ mit morbiden Riffs über Dinkelsbühl hereinbricht. Hier und da schießen die Fäuste nach oben, zumeist aber sind es die langen Mähnen der Besucher wie Musiker, die im Takt und häufig sogar synchron rotieren.

NECKBREAKKER-Shouter Christoffer zeigt Präsenz, enttäuscht aber stimmlich

Aus dem Rahmen fällt eigentlich nur Shouter Christoffer selbst, den wir mit Kurzhaarschnitt und Windjacke eher in der Core-Richtung verorten würden. Dass die teils gepressten Vocals noch dazu der Schwachpunkt der Performance sind, ist dementsprechend schade. Im Gegenzug stellt der Shouter einen regelrechten Aktivposten auf der Bühne dar, der die Fans zu seinen Füßen fest im Griff hat.

Keine Frage also, dass es nach der Wall of Death in „Unholy Absorption“ im Pit weiterhin drunter und drüber geht. Die Zukunft von NECKBREAKKER sieht also insgesamt dennoch rosig aus, was die Skandinavier mit zwei brandneuen Songs im Set zudem mit Nachdruck bestätigen. 

NECKBREAKKER Setlist – ca. 45 Min.

1. Face-Splitting Madness
2. Putrefied Body Fluid
3. Between The Sun And The Gallows
4. Shackled To A Corpse
5. New Song
6. Unholy Inquisition
7. Horizon Of Spikes
8. SILO

Fotogalerie: NECKBREAKKER

KING NUGGET GANG

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Was macht denn Hip-Hop auf einem Metal-Festival? Ok, ganz so einfach ist es nicht, darf man die KING NUGGET GANG doch durchaus im Crossover verorten. Denn ihren Sprechgesang unterlegt das Quartett nicht selten mit Nu-Metal-Riffs und -Grooves, die durch das live gespielte Schlagzeug eine ganze Menge Drive entwickeln können. Entsprechend groß ist das Interesse am heutigen Wildcard-Act auf der Rebel Stage, wo schon lange nicht mehr alle neugierigen Metalheads unter das großzügige Dach passen.

Was den Genre-Mix im Live-Format so attraktiv macht, lässt sich im Grunde auf drei Faktoren reduzieren: humorvolle Texte über allerlei kulinarische Schandtaten, sympathisches Auftreten und ein aufrüttelndes Songrepertoire, das zum Mitmachen animiert. Dabei agiert das SUMMER BREEZE im Opener „Dino Nuggets“ überraschend textsicher, bevor es in „Anti-Avocado“ per erhobenem Mittelfinger seine Aversion gegen das Superfood ausspricht. Federführend ist hier Rapper Gregor Cheesy, der sich direkt am Wellenbrecher davon ein Bild macht, ob sich nicht doch ein heimlicher Liebhaber der grünen Beere in den Pit geschmuggelt hat.

Ein Circle Pit als Ventilator? In der Hitzewelle setzt die KING NUGGET GANG auf kreative Lösungen

Weil die steigenden Temperaturen an diesem Nachmittag auch vor der Bühne keinen Halt machen, geht es anschließend mit Mikro direkt in die Menge, wo ein Circle Pit um den Frontmann als Ventilator fungieren soll. Der passende Soundtrack dazu: „Eis geht immer“. Die gute Laune nimmt die KING NUGGET GANG für „Bier & Bratwurst“ gleich mit, dessen Melodie in der Hook wohl jeder Millennial bestens kennen dürfte: Ein launigeres Cover von Mr. President’s „Coco Jambo“ haben wir wohl vor 30 Jahren nur auf „Alles Banane! Vol. 3“ der Schlümpfe-Hits gehört.

Dort mag der Coco Bananen gern, bei KNG hingegen steht eher Comfort-Food im Vordergrund: „4 Cheesies“ sind dabei nur das Vorgeplänkel, bevor mit dem „Nudelsong“ die TBS-Kollaboration einen völlig durchgedrehten Abschluss markiert: Während die Fans aus der Hocke springen, gleiten dazwischen die Crowdsurfer im Slalom durch ein Dickicht aus Poolnudeln. Hip-Hop und Crossover funktioniert also auch hervorragend auf einem Metal-Festival – beim nächsten Mal hoffentlich sogar mit echter Gitarre statt Riffs aus der Konserve.

KING NUGGET GANG Setlist

1. Dino Nuggets
2. All You Can Eat
3. Anti-Avocado
4. Eis geht immer
5. Bier & Bratwurst
6. Smash
7. Mit alles & scharf
8. 4 Cheesies
9. Nudelsong

Fotogalerie: KING NUGGET GANG

THE NARRATOR

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Letztes Jahr noch am Dienstag auf dem Campsite Circus dürfen THE NARRATOR heuer Königsklasse schnuppern: Die Main soll’s zwar noch nicht sein, mit Plattenvertrag und neuem Album im Gepäck geht’s für die sympathische Band jedoch direkt aus dem Ruhrgebiet auf die T-Stage. Dass die Modern Metalcore-Band dabei gar so zahlreich empfangen wird, mag überraschen, könnte jedoch auch mit dem starken Auftritt 2025 in Verbindung liegen.

Abstriche müssen wir heute trotz der gestiegenen Erwartungshaltung glücklicherweise nicht machen: Zwar ist Bassist Robs Klargesang anfangs noch etwas schwammig abgemischt, dafür ist Shouter Jochi präsent genug, um selbst die stattlichen Maße der großen Bühne mit Leben zu füllen.

Kurzweilig und abwechslungsreich: THE NARRATOR wissen, wie man ein Festival bei Laune hält

Zwischen Groove und Singalong wärmt „Stained Glass Reality“ die Meute auf, so dass THE NARRATOR im drangehängten „Die Down“ direkt den ersten Circle Pit bestaunen dürfen. Wie gut die Resonanz auf die Show ausfällt, scheint gar dem Frontmann selbst unheimlich zu sein: „Geisteskrank“, lautet das knappe Fazit zwischendurch, während Jochi das Grinsen im Gesicht kaum unterdrücken kann.

Obschon wir aus der Show keine neuen Erkenntnisse für das Genre ziehen können, bleibt das Set kurzweilig und abwechslungsreich. Vom abgebrühten „Iron Grip“ mit seinem humorlosen Chugging bis zur Wall of Death in „Stasis“ passiert auf dem Areal eigentlich immer irgendetwas – und wenn die Jungs dann doch mal ihre Instrumente stimmen müssen, erklärt man die kleine Pause eben verschmitzt zur „Hydration Break“. Schließlich mache man das ja heutzutage so, wie Jochi uns mit dem kühlen Hellen in der Hand wissen lässt. Die herzhaften Breakdowns allerdings hat man der FIFA-Weltmeisterschaft heute in Dinkelsbühl voraus.

Fotogalerie: THE NARRATOR

AIRBOURNE

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Je nach Perspektive haben AIRBOURNE den besten oder den schlechtesten Slot des Festivals, findet doch parallel zum Auftritt der Hard Rock-Band hinter ihrem Rücken die partielle Sonnenfinsternis statt. Vom Naturphänomen selbst bekommen die Australier somit nichts mit, während sich die zahlreich auf dem Battlefield versammelten Fans entscheiden müssen, ob sie ihre Aufmerksamkeit nun dem wilden Treiben auf der Main Stage schenken oder einen Blick durch die Sonnensichtbrille erhaschen.

Der Anblick ist natürlich kurios: Hunderte, ja tausende Metalheads mit modischem Accessoire, die per Multitasking irgendwie beides bewerkstelligen. Das ist auch gut so, denn der Auftritt AIRBOURNEs ist ein Spektakel für sich, das sich weniger auf das eher schlichte Setdesign aus Marshall-Amps und Flutlicht konzentriert, sondern den völlig losgelösten Frontmann Joel O’Keeffe. Ein Wort wie Rampensau wurde sicherlich auch wegen Typen wie ihm geprägt, wirbelt er doch in „Hungry“ von einem Ende der Bühne zum nächsten, setzt zwischendurch zum Sprungkick an oder lässt sich mit seiner Gitarre in „Raise The Flag“ vor der riesigen Videotafel auf die Knie fallen.

Laute Gitarren und kühles Bier: Auf der Bühne sind AIRBOURNE Rockstars wie aus dem Bilderbuch

Wobei das ja nur das Vorgeplänkel ist: Im gleichen Song verlässt der geborene Rockstar die sicheren Bretter und lässt sich mit seinem Instrument auf den Schultern eines Sicherheitsmannes einmal quer durch die Meute tragen. Dass ihm dabei auch eine Dose Bier gereicht wird, versteht sich von selbst, immerhin war O‘Keeffe davor clever genug, den hiesigen Gerstensaft über den Klee zu loben.

Ob er ihn deshalb so gern mit dem SUMMER BREEZE teilt? Hier und da lässt es sich der Gitarrist und Sänger nämlich während der Show nicht nehmen, einen halb gefüllten Becher des begehrten Gebräus in hohem Bogen in den Pulk vor sich segeln zu lassen. Auf Gimmicks verzichten AIRBOURNE ansonsten weitgehend, mit der live angetriebenen Luftschutzsirene vor „Live It Up“ als einzige weitere Ausnahme. Allein das Rockstar-Gen nimmt hier und da Überhand, wenn das Quartett einzelne Stücke bis zum Ermüden in die Länge zieht. Zum Punkt kommen gehört nicht zur Stärke der Band, öffnet im Gegenzug aber das eine oder andere Zeitfenster, um sich ohne schlechtes Gewissen dem Naturschauspiel im Hintergrund zu widmen.

AIRBOURNE Setlist

1. GUTSY
2. Too Much, Too Young, Too Fast
3. Hungry
4. Back In The Game
5. Raise The Flag
6. Bottom Of The Well
7. Breakin’ Outta Hell
8. Live It Up
9. Ready To Rock
10. Alive After Death (Last Plane Out)
11. Runnin’ Wild

Fotogalerie: AIRBOURNE

GREEN LUNG

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Als wir 2024 zufällig an der Rebel Stage vorbeiliefen, mussten wir direkt aufhorchen: Die letzten Töne der Briten GREEN LUNG waren genug, um unsere Neugier zu wecken. Dass es zwei Jahre dauern würde, bis sich unsere Pfade erneut kreuzen würden, war uns damals natürlich nicht bewusst. Nun an Ort und Stelle soll es jedoch so weit sein – wobei, ein paar Meter weiter laufen müssen wir heute schon, darf die Formation doch diesmal auf der größeren T-Stage ran.

Während die Sonne nicht nur hinter dem Mond, sondern auch den Bäumen jenseits der Bühne verschwindet, nutzen GREEN LUNG die goldene Stunde, um eine okkulte Atmosphäre zu füttern: „Evil In This House“ beginnt mit doomigen Riffs und Hammond-Sounds und trägt damit eine gesunde Portion 70er-Spirit in sich. Dass die Synthesizer im Mix etwas untergehen, ist derweil bedauerlich, da gerade die flotteren Rock-Songs à la „Maxine (Witch Queen)“ dadurch fast schon konventionell wirken. Gut arrangiert ist der Track dennoch: Insbesondere die Gitarren setzen ein paar schöne Akzente.

Am stärksten sind GREEN LUNG live, wenn sie ihre doomige Seite ausleben

Die neue Single „Black Magick Radio“, deren Live-Premiere wir gerade beiwohnen, kommt ähnlich geradlinig daher, lässt jedoch im kurzen Solo durch Hammond-Orgel und Gitarre ein paar verspult-psychedelische Vibes einfließen. Am besten gefällt uns der Sound GREEN LUNGs allerdings immer dann, wenn die schweren Doom-Riffs das Ruder an sich reißen und der Band – wie im Fall des abschließenden „Let The Devil In“ – zu einem nachdrücklichen Finale vor einem hingebungsvollen Publikum verhelfen.

Fotogalerie: GREEN LUNG

URNE

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Leider reicht es zeitlich nur für einen kleinen „Drive by“-Stopp: Auf dem Weg zur Hauptbühne, wo in wenigen Minuten die ersten Bands für das SUMMER BREEZE 2027 angekündigt werden, halten wir zumindest für ein paar Augenblicke an der Rebel Stage. Das Fazit jedoch ist schon nach den ersten Takten klar: Gerne wären wir noch etwas länger bei den Briten URNE verweilt, deren Stilmix aus Sludge und Metalcore, wenn man es so weit fassen will, live prächtig funktioniert.

Das jedenfalls legt der Auftakt „Be Not Dismayed“ nahe, der mit einem mächtigen wie rohen Riff startet, irgendwann noch melodische Leads einstreut und doch durchweg die Zähne fletscht. Beim nächsten Mal markieren wir uns den Auftritt der Gruppe bereits vorab dick im Kalender.

Fotogalerie: URNE

Bandankündigung 2027

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Die Neugier ist mindestens so groß wie die allgemeine Spannung, als NEAERA-Frontmann und Crew-Mitglied Benny Hilleke die wartenden Fans vor der Main Stage begrüßt. Ein paar dankende Worte später lässt der sympathische Moderator die Katze aus dem Sack: Ganze 63 Neuankündigungen soll es gleich geben – die größte Ankündigungswelle zum Start bislang, mit der man auf das Jubiläum im nächsten Jahr einstimmen will.

Und tatsächlich grüßen uns zahlreiche alte Bekannte wie INSOMNIUM, KATAKLYSM, LORD OF THE LOST, ELUVEITIE oder GUTALAX, die kurz darauf in Form eines Trailers über die Videotafeln flackern. Gemeinsam mit treuen Gästen das 30-jährige Bestehen zu feiern, passt natürlich zum Anlass, wenngleich sich die Überraschungen dadurch in Grenzen halten.

Die großen Paukenschläge folgen jedoch zum Ende des Jubiläumsfilmchens, in dessen Verlauf auch Prominenz wie Schmier (DESTRUCTION) oder Mikael Stanne (DARK TRANQUILLITY, THE HALO EFFECT) ihre vorgezogenen Glüchwünsche hinterlässt: So werden CHILDREN OF BODOM eine ihrer Sondershows in Dinkelsbühl bestreiten, während sich EDGUY im Headline-Slot mit einer von wenigen Farewell-Shows auch vom SUMMER BREEZE verabschieden werden. Die deutlichste Resonanz jedoch erfahren ELECTRIC CALLBOY, deren aufpoppendes Bandlogo von einigen Jubelschreien begleitet wird.

Eine Orchestershow soll das 30-jährige Jubiläum zu etwas Besonderem machen

Mit eher verdutztem Schweigen nimmt man auf dem Battlefield derweil die finale Ankündigung auf: Eine zweieinhalbstündige Jubiläumsshow unter dem Titel „Summer Breeze Legends & Orchestra“ wird Metal-Klassiker aus 40 Jahren Geschichte darbieten. Die verwirrten Blicke sind zumindest nachvollziehbar: Aus zahlreichen Gesprächen bekommen wir den Eindruck, die meisten Besucher:innen hätten einen großen Act als Jubiläumsschmankerl erwartet.

Da bis auf die Orchesterleitung um Chris Harms (LORD OF THE LOST) sowie Corvin Bahn jedoch das Geheimnis um die geladenen Gäste noch nicht gelüftet wird, hält sich die Euphorie in diesen ersten Sekunden noch in Grenzen. Die Sorge um eine bloße Cover-Show à la ROCK MEETS CLASSIC ist verständlich, wir sprechen jedoch aus Erfahrung, wenn wir dem SUMMER BREEZE vorab bereits das Vertrauen aussprechen, ein würdiges Event aufzuziehen.

IN FLAMES

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Große Erwartungen haben wir an IN FLAMES, obwohl die schwedisch-amerikanische Band vor drei Jahren eine für ihre Verhältnisse etwas unterkühlte Vorstellung gab. Dafür entschädigte das Gespann auf Headline-Tour mit einer umso stimmigeren Show, welche die Balance aus alten Klassikern und neuen Hits nahezu perfekt hielt. Ein solches Gleichgewicht zeichnet sich auch heute ab, als das Intro mit den ersten Klängen von „Colony“ direkt einen halbvergessenen Evergreen ankündigt.

In tiefes Rot getaucht lassen IN FLAMES vor allem die Kulisse wirken. Die Bühnenproduktion an sich wirkt auf den ersten Blick schlicht, so dass vor allem die stattliche LED-Wand im Hintergrund den visuellen Fixpunkt bildet. Erst beim genaueren Hinsehen fallen die kabelartigen Bündel auf, die sich über den Köpfen der Musiker winden und an den seitlichen Rändern bis zum Boden herabreichen. Dahinter verbirgt sich eine originelle Lichtanlage, die im Verlauf der Show immer wieder im Puls der Musik aufleuchtet und so ein wenig SciFi-Flair à la „Matrix“ auf die Bühne zaubert.

Durch ihre Songauswahl gestalten IN FLAMES den Einstieg zäher als erwartet

Passend dazu überlagern diverse Filter die gigantischen Videotafeln links und rechts der Bühne, um den Kameraaufnahmen einen dem jeweiligen Song entsprechende Optik zu spendieren: mal monochrom, mal voller Glitches, dann plötzlich ein See aus Lava. Das visuelle Konzept rundet dieser künstlerische Ausdruck ab, vergisst dabei jedoch, dass für viele Besucher:innen jenseits des ersten Wellenbrechers gerade die LED-Wände die einzige Möglichkeit sind, das Geschehen dort vorne nachzuverfolgen. Etwas weniger wäre in dieser Hinsicht wohl mehr.

Nichtsdestotrotz zeigt sich der zunächst wortkarge Anders Fridén selbstbewusst: „This is the best Wednesday you’ll ever fucking have.“, erklärt er nach nicht einmal zehn Minuten, wohl wissend, was da noch auf Dinkelsbühl zukommen mag. Dabei gestaltet sich der Einstieg etwas zäher als erwartet: Statt eines klassischen Eisbrechers à la „Pinball Map“ mäandern IN FLAMES mit „In The Dark“, „Voices“ und „Paralyzed“ im Midtempo, setzen auf gemächliche Singalongs, anstatt den Elan treibender Evergreens zu beschwören. Tatsächlich fasst Fridén erst nach „The Quiet Place“ die aktuelle Lage treffend zusammen: „Wir haben Metal, wir haben eine Sonnenfinsternis und wir haben IN FLAMES: Was will man mehr?“

IN FLAMES-Sänger Anders Fridén spielt heute abermals den stoisch-trockenen Entertainer

Ein Meer an Crowdsurfern vielleicht? Das jedenfalls wünscht sich der Sänger für das nachfolgende „Meet Your Maker“, ohne auch nur eine Sekunde lang eine Enttäuschung befürchten zu müssen. In Dinkelsbühl segeln die Metalheads – und etwas später sogar ein ausgestopfter Greifvogel – bald scharenweise nach vorne, als wollten sie signalisieren, dass die Show nun erst richtig los gehen kann. Eine kleine Verschnaufpause gönnen sich die sechs Musiker zwar noch in Form von „The Chosen Pessimist“, wo sich Fridén kurzerhand für einen Ritt auf der fahrbaren Dolly-Kamera entscheidet, dann aber purzeln die Asse nur so aus den Ärmeln. Angefangen mit dem unkaputtbaren „Cloud Connected“ über den lange nicht gespielten Übersong „Artifacts Of The Black Rain“, das 2026 sein 30-jähriges Jubiläum feiert, bis hin zum Singalong „Trigger“ reicht der Spannungsbogen, der selbstverständlich auf den einzig logischen Höhepunkt zusteuert.

Als der Pulk bis zum ersten Wellenbrecher kollektiv im Takt springt, brauchen wir keine Audiobegleitung, um zu erkennen, dass IN FLAMES hier gerade „Only For The Weak“ zelebrieren. Den Fuß vom Gaspedal will im Anschluss niemand mehr nehmen, egal ob nun das treibende „State Of Slow Decay“ oder „The Mirror’s Truth“ den Circle Pit befeuern. Gut drauf sind heute nämlich nicht nur die Fans, sondern auch die Band selbst, obwohl Frontmann Anders Fridén abermals den stoisch-trockenen Entertainer spielt.

Am Ende finden IN FLAMES doch noch ihr Tempo

Wo man sich 2023 noch frühzeitig verabschiedete, schöpft der Hauptact des Tages seinen Slot nun voll aus, sodass wir nach etwas schleppendem Beginn und trotz dezent unterwältigender, da sich kaum weiterentwickelnder, Lightshow doch noch ein positives Fazit ziehen können. Nicht der beste Mittwoch unseres Lebens, aber ein kurzweiliger und schöner ist er allemal.

IN FLAMES Setlist

1. Colony
2. Deliver Us
3. In The Dark
4. Voices
5. Paralyzed
6. The Quiet Place
7. Meet Your Maker
8. The Chosen Pessimist
9. Cloud Connected
10. Artifacts Of The Black Rain
11. Trigger
12. Only For The Weak
13. Foregone Pt. II
14. State Of Slow Decay
15. Alias
16. The Mirror’s Truth
17. I Am Above
18. Take This Life

Fotogalerie: IN FLAMES

HATEBREED

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Damit soll es jetzt allerdings vorbei sein, zumindest für unsere Fotografin, deren entgeisterter Blick allein Bände spricht. „Ganz furchtbar“, sei das. Richtig: Furchtbar kraftvoll fegen HATEBREED im Anschluss über die Bühne und sorgen dafür, dass das Areal vor der Main Stage ab der ersten Sekunde zum Schlachtfeld wird. Wie die US-Amerikaner das anstellen?

Indem man einen Überhit wie „I Will Be Heard“ direkt an den Anfang stellt und mittels Flammenwerfern den entsprechenden Nachdruck schenkt. Wobei ja eigentlich der kraftvolle Sound allein schon gereicht hätte: Dem donnernden Groove können wir uns ohnehin nicht entziehen, zumal Shouter Jamey Jasta höchstpersönlich dafür sorgt, dass es im Pit keine Verschnaufpause gibt. Der Frontmann hat allerdings leichtes Spiel, das Publikum mitzureißen, erledigt doch das hitgespickte Set allein den größten Teil der Arbeit.

Mit „Last Breath“ gedenken HATEBREED eines verstorbenen Kollegen

Ob nun in „Everyone Bleeds Now“ die meterhohen Feuersäulen vom Bühnendach das Infield erhellen oder tausende Fans in „Destroy Everything“ mit Jasta zusammen die Titelzeilen schmettern: Den Auftritt HATEBREEDs als Machtdemonstration zu umschreiben, ist wohl keineswegs zu hoch gegriffen. Da wären die Gimmicks drumherum eigentlich gar nicht nötig: Ein aufblasbarer Dämon mit Morgensternen in den Fäusten komplettiert das Bühnenbild, während man in „To The Threshold“ mit dem sogenannten „Ball of Death“ einen riesigen Wasserball in die Menge wirft.

Nachdenklich wird es derweil, als HATEBREED „Last Breath“ vom 1997er Debüt „Satisfaction Is The Death Of Desire“ dem kürzlich verstorbenen Lou Koller (SICK OF IT ALL) widmen. Das SUMMER BREEZE ehrt den Sänger durch besonders hohen Einsatz im Pit, der sich letztlich durch das komplette Set zieht, egal ob nun ein Evergreen wie „Live For This“ oder die neue Single „Kill Count Increase“ den Anlass dazu bietet.

Fotogalerie: HATEBREED

CÂN BARDD

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Das Kontrastprogramm erwartet uns an der Rebel Stage, wo die Kompositionen CÂN BARDDs in intimem Ambiente ausreichend Raum bekommen, um sich zu entfalten. Dass die Schweizer nach einer guten Viertelstunde erklären, dass sie noch zwei Songs hätten, kann man natürlich mit einem Schmunzeln aufnehmen. Was jedoch innerhalb der ausladenden Stücke passiert, reicht bei anderen Künstler:innen mitunter für ein ganzes Album und holt uns gerade zu dieser späten Stunde zielsicher ab.

Mit ihrer unaufgeregten und ruhigen Präsenz erreichen CÂN BARDD, dass sich alles auf die Arrangements selbst konzentriert, die auf dynamische Weise atmosphärischen Black Metal mit Folk-Einflüssen verschmelzen lassen. Dazu trägt in „Une Couronne De Branches“ die klagende Violine in ähnlicher Weise bei wie die Querflöte, während später in „Celestial Horizon“ vierstimmiger Gesang ein Art rituelle Trance heraufbeschwört.

Fotogalerie: CÂN BARDD

ALCEST

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Das SUMMER BREEZE nutzt in den meisten Fällen eine von zwei Optionen, um das Tagesprogramm auf der Hauptbühne ausklingen zu lassen: Entweder bringt eine gut gelaunte Rock-Band kauzige Partystimmung auf das Battlefield oder aber man lässt sich durch entrückte Avantgarde-Klänge in die Nacht entführen. Wir bevorzugen die zweitgenannte Möglichkeit, weshalb das Late-Night-Special mit ALCEST für uns schon Wochen vorher als Pflichttermin im Kalender markiert war.

Der Andrang vor der großen Bühne ist gegen ein Uhr nachts traditionell nicht mehr der größte, weshalb wir uns problemlos in die vorderen Reihen wagen können, um parallel zur Musik das stimmungsvolle Bühnenbild zu genießen. Dezente Schilf-Pflanzen rahmen die Musiker ein, im Hintergrund scheinen die Skulpturen zweier Kraniche einen intimen Moment zu teilen.

Visuelle Reize wählen ALCEST mit Bedacht

Zugleich taucht die aufgehende Morgensonne die Szenerie in ein warm-oranges Licht: Die LED-Tafel im Hintergrund nutzen ALCEST mit Bedacht für die richtige Atmosphäre, indem stimmungsvolle, spärlich animierte Landschaften die Komposition vollenden. Es sind also die idealen Voraussetzungen, um sich eine Stunde lang der Musik hinzugeben, sich fallen zu lassen in den ausladenden Arrangements von „Amethyst“ oder den Harmonien von „Le miroir“ oder „Sapphire“.

Die sanfte Stimme des zurückgenommenen Masterminds Neige verleiht den Stücken eine gewisse Leichtfüßigkeit, welche sich in den tänzelnden Gitarren spiegelt, die aber beizeiten auch an Intensität hinzugewinnen. Von klirrenden Post-Rock-Anleihen bis hin zu aggressiven Black-Metal-Eruptionen in „Écailles de lune – Part 2“ reicht das Repertoire, dem immer eine gewisse Magie innewohnt.

Wir schließen also die meiste Zeit einfach die Augen und lassen uns treiben, bis uns die letzten Töne von „Kodama“ zurück in die Realität holen. Wenn doch nur jeder Tag so zauberhaft enden könnte.

Fotogalerie: ALCEST

Donnerstag, 13. August 2026

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Es bleibt zwar genug Zeit zum Ausschlafen – sofern es die Temperaturen im Auto zulassen -, einfach vertrödeln können wir den Morgen jedoch nicht. Denn das Programm beginnt ab heute schon vormittags und während wir die Sonnencreme auftragen, die Trinkflaschen befüllen und den faltbaren Fächer verstauen, stehen die ersten Acts des Tages bereits in den Startlöchern.

Obschon wir die ersten Stunden des Tages relativ spontan bestreiten wollen, ist der Nachmittag bereits gut durchgeplant: In NORTHLANE wollen wir ebenso reinschnuppern wie in DESERTED FEAR. IMMINENCE haben wir schon länger nicht mehr live gesehen und am frühen Abend steht noch dazu die ominöse „Surprise Show“ auf dem Plan. Das gemeinsame Rätselraten, wer denn nun sein Stelldichein geben würde, war die letzten beiden Tage eine unsere Lieblingsbeschäftigungen, schließlich gab es ja diverse Autogrammstunden von Künstler:innen ohne eigenen Zeitslot auf den vier Festivalbühnen.

SAXON und EISBRECHER sind als Headliner-Doppel natürlich ebenfalls einen Stopp wert, wobei uns auf der Main Stage vor allem die Rückkehr AMORPHIS‘ neugierig macht. Bis dahin jedenfalls ist noch viel Zeit, die wir unter anderem für einen kulinarischen Ausflug nutzen.

Breit aufgestellt präsentiert sich das SUMMER BREEZE 2026 hinsichtlich der kulinarischen Optionen

Das ohnehin stets ordentliche Imbiss-Angebot erscheint uns dieses Jahr tatsächlich noch vielfältiger, wobei der Zuwachs an vegan-/vegetarischen Optionen besonders deutlich ins Auge springt. Grundsätzlich aber dürfte für nahezu alle Geschmäcker etwas geboten sein: Vom Barbarenspieß über Flammkuchen, Hot Dog und Burger bis hin zu Spätzle, Döner, Schawarma oder Indisch reicht die Auswahl. Die Preise: erwartungsgemäß astronomisch, wobei sich mit etwas Erfahrung durchaus jene Angebote finden lassen, die immerhin eine adäquate Portionsgröße als Gegenleistung bieten.

Den stolzen Getränkepreis hielt man immerhin stabil: Mit 5,20€ schlagen 0,4 Liter Bier zu Buche, was wir in diesem Jahr vorwiegend für die alkoholfreie Variante nutzen. Der Testversuch der „Anti-Alk-Oase“ im Vorjahr schien erfolgreich, findet sich die Anlaufstelle doch nun auch im Battlefield-Areal mit einer zweiten Niederlassung.

OUR PROMISE

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Mit kühler Erfrischung in der Hand geht es mittags direkt in die pralle Sonne: Die Main Stage eröffnet mit OUR PROMISE heute eine Band, die wir schon 2022 auf dem Festival erleben konnten. Wer den direkten Sprung von der damaligen Rebel Stage auf die ganz große Kulisse als zu ambitioniert einordnet, vergisst zwar die T-Stage-Performance vor zwei Jahren, mag sich angesichts des verhältnismäßig überschaubaren Andrangs aber dennoch bestätigt fühlen. Nichtsdestotrotz sollten wir die Rahmenbedingungen nicht gänzlich außer Acht lassen: Die Hitze spielt der jungen Band heute sicherlich nicht in die Karten.

Zumal es für die Modern Metalcore-Band ohne großes Label im Rücken eine Riesensache sein dürfte, überhaupt hier zu stehen und noch dazu eine wirklich gute Figur zu machen. Denn dank ihrer beiden Frontmänner Rafa und Vik wuselt es auf den Brettern quasi unablässig. Bemerkenswert ist zudem die positive Aura der beiden Sänger, deren bodenständige Art uns sofort sympathisch erscheint.

OUR PROMISE erfinden das Rad nicht neu, unterhalten ihr Live-Publikum jedoch bestens

Da der Sound des Sextetts im Live-Format zudem ein ganzes Stück druckvoller ausfällt als auf Platte, sind wir ab dem Opener „Panic Waves“ an Bord. Zugegeben, Tracks wie „Evoke“ oder „Static“, wo sich der Circle Pit mit beachtlichem Tempo in Bewegung setzt, erfinden das Rad nicht neu. Für eine knappe halbe Stunde hören wir OUR PROMISE dennoch gerne zu, bevor wir uns von einem kurzweiligen Auftritt verabschieden, um heute zumindest für ein paar Minuten aus der Sonne zu kommen.

Fotogalerie: OUR PROMISE

FIREBORN

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Ein Glück, dass FIREBORN quasi direkt nebenan warten, wo es sich unter dem Dach der Rebel Stage ganz gut aushalten lässt. Doch nicht nur der Schatten lockt hier, sondern auch der melodische Hard Rock des Quintetts, der uns auf Anhieb positiv überrascht. Die Arrangements sind catchy, aber auf den Punkt geschrieben, so dass Gitarrist Dennis hier und da mit ein paar netten Leads und Soli die treibenden Songs abrunden darf.

Gleichzeitig sind FIREBORN absolut präsent, als würden sie schon Jahrzehnte gemeinsam auf der Bühne stehen. Gitarrist Rick lässt die blonde Mähne fliegen, während Sängerin Jenny schon allein wegen ihrer kraftvollen Reibeisenstimme die Aufmerksamkeit auf sich zieht. Das beginnt bei „Dancing With The Villain“, wo ein paar Sparkler-Effekte die Hook begleiten, und setzt sich in „Crisis Of Youth“ und „Set This World On Fire“ in gleicher Weise fort: Gesanglich steckt viel Power in der Performance, die sich in Verbindung mit den treibenden Kompositionen wohl problemlos auch auf einen größeren Rahmen übertragen ließe.

Fotogalerie: FIREBORN

FROM FALL TO SPRING

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FROM FALL TO SPRING – abgespeichert haben wir den Namen bislang als die Band, die aus irgendwelchen Gründen unbedingt zum ESC will. Zweimal hat es die Gruppe bereits erfolglos versucht, trotz eingängiger Songs und farblich abgestimmter Outfits. Von Corporate Identity gibt es heute immerhin nichts zu sehen, obschon der Einstieg mit „Draw The Line“ direkt die Brücke zum Vorentscheid 2023 schlägt.

Der groovende Rhythmus wiederum lässt in der Folge nur einen Schluss zu: „Könnt ihr springen?“, heißt es direkt zum Auftakt, bevor das Sänger-Duo Philip und Lukas direkt mit gutem Beispiel vorangeht. Dass der unverkrampfte Nu Metal schnell ins Ohr geht, ist derweil wenig verwunderlich, klingt die Band im Refrain doch nicht ohne Grund wie LINKIN PARK zu ihren besten Zeiten.

Zum Schluss covern FROM FALL TO SPRING die Nu-Metal-Helden PAPA ROACH

Sprechgesang inklusive beachtlicher Doubletime gibt es dann im folgenden „Blood“, wo sich FROM FALL TO SPRING sogar an einen härteren Breakdown wagen. In die Hände spielt der Gruppe der druckvolle wie transparente Soundmix, der den aufrüttelnden Charakter der Songs eigentlich nur verstärkt. Ein wenig Rückendeckung ist hitzebedingt trotzdem nötig: Ein Glück, dass STESY-Frontmann Chrissy schon im Zentrum wartet, um den gewünschten Pit zu „Come Alive“ zu öffnen.

Augenscheinlich war das der nötige Eisbrecher, auf den erst eine Welle an Crowdsurfern folgt, nur um dann in „Destiny“ die vorderen Reihen kollektiv auf und ab springen zu sehen, bevor man sich zur Wall of Death formiert. Ein wenig irritierend fällt der anschließende Werbeblock aus, wo man nicht nur die eigene Autogrammstunde, sondern auch ein bekanntes Trading Card Game bewirbt. Als Entschädigung gibt es zum Finale das PAPA ROACH-Cover „Last Resort“, das natürlich alle Anwesenden auf dem Battlefield mitsingen können und den seltsamen Einschub vergessen macht.

Fotogalerie: FROM FALL TO SPRING

BROKEN BY THE SCREAM

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Es war eigentlich abzusehen: Für den gegenwärtigen Andrang ist das Dach der Rebel Stage viel zu knapp bemessen. Dass sich die Massen um das Areal regelrecht scharen, ist wohl auch im Exotenbonus begründet. BROKEN BY THE SCREAM sind schließlich eine Formation, die wir nicht alle Tage hierzulande sehen können. Zumal auch das übergreifende Konzept eher von der kuriosen Sorte scheint: Die japanische Idol Metal-Band verbindet melodischen Metalcore mit J-Pop und einstudierten Tanzchoreografien.

Musikalisch geht der Mix grob Richtung HANABIE., während das Drumherum inklusive maskierter Begleitband an BABYMETAL erinnert. Der feine Unterschied ist jedoch, dass die vier Sängerinnen gleichberechtigt nebeneinanderstehen, wobei sich die harschen und cleanen Vocals auf jeweils zwei Schulterpaare aufteilen.

Kostüme, Tanz und Breakdowns – BROKEN BY THE SCREAM sind keine alltäglichen Gäste in Dinkelsbühl

Hier und da gibt es auch mal ein Gitarrensolo oder prägnanten Basslauf zu hören, das Hauptaugenmerk der Performance liegt derweil in den einstudierten Choreografien, die jedoch nicht immer so sklavisch perfektioniert wirken wie bei BABYMETAL, sondern Raum für individuellen Ausdruck lassen.

Das passt zur Musik, auch wenn das Set nicht gänzlich ohne Dance Breaks auskommt. Ebenfalls Pflicht ist der Publikumsdialog: Ob das SUMMER BREEZE nun klatschen, springen oder die Arme im Takt schwenken soll – die neugierige Menge im staubigen Zentrum ist für jedes Spielchen Feuer und Flamme. Ein gelungener Einstand also für eine der skurrilsten Gruppen, die bislang in Dinkelsbühl zu Gast waren; auch wenn so mancher gestandene Metalhead beim Vorbeilaufen die Hände über dem Kopf zusammenschlägt.

Fotogalerie: BROKEN BY THE SCREAM

GRAND MAGUS

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Denn traditionsbewusste Naturen haben um diese Uhrzeit ein ganz anderes Ziel: Auf der T-Stage halten GRAND MAGUS die Fahne des klassischen Heavy und Doom Metals hoch. Mit „I, The Jury“ startet das Trio in eine trockene und aufgeregte Performance. Zählen können die Schweden dabei auf eine treue Gefolgschaft, die zahlenmäßig nicht die größte sein mag, doch die Show ihrer Band mit Hingabe verfolgt.

Die reihenweise nach oben schießenden Fäuste in „Skybound“ nimmt Sänger JB Christoffersson dabei wohlwollend wahr, wenngleich er nicht jede Leidenschaft mit seinen Fans zu teilen scheint: „Ich rieche hier etwas.“, lässt er in einer kurzen Spielpause wissen. „Persönlich sage ich dazu ‚Nein, danke‘. Aber wenn du es magst, ist alles okay.“ Dass GRAND MAGUS ihren Fans die freie Wahl zugestehen, ist löblich. Dabei hält man es mit der Performance der Skandinavier auch ohne Kraut ganz gut aus, solange man anstelle der nüchternen Darbietung kein Feuerwerk der Hyperaktivität erwartet.

Fotogalerie: GRAND MAGUS

NORTHLANE

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Blauer Himmel und strahlender Sonnenschein sind nicht das beste Wetter für den elektronischen Metalcore NORTHLANEs, da die Australier mit Stücken wie dem Opener „4D“ weniger auf Partystimmung setzen denn Atmosphäre. Ätherisch und schwerelos wirkt der Stilmix teilweise, lässt sich glücklicherweise aber auch ohne zu schwere Einbußen auf die Festivalbühnen übertragen. Dafür sorgen die teils kaleidoskopartigen Visuals im Hintergrund auf der visuellen Ebene sowie die härteren Ausbrüche fürs Gemüt, die dank tief gestimmter Gitarren und markiger Screams den Pit anheizen.

Die aktuelle Single „Evian“ spielt der Band für dieses Unterfangen ohnehin in die Hände: Etwas geradliniger und eingängiger konzipiert, dreht sich dazu schnell ein kleiner Circle Pit im Zentrum. Passend zur Musik jedoch nicht mit astronomischen Umdrehungen pro Minute, sondern gelassen und beschwingt per Hopserlauf.

Für die althergebrachten Fans halten NORTHLANE ein Oldschool-Medley bereit

Dass die Fans mit ihren Energiereserven haushalten, ist indes verständlich: Selbst Sänger Marcus legt nach dem zweiten Song das rote Jackett ab, um angesichts des unbarmherzigen Klimas bestehen zu können. Gesprungen wird auf dem Infield zeitweise aber trotzdem: Die Djent-Riffs von „Dante“ stacheln die Fans an, während der Frontmann hier stimmlich nochmals einen Gang höher schaltet. Die Intensität steigern NORTHLANE sodann mit dem aggressiven „Welcome To The Industry“, für das Gitarrist Josh Smith die Crowdsurfer mit einem unwiderstehlichen Versprechen anlockt: Im Graben sei es bereits schön schattig, weshalb man doch dort gerne bei den fleißigen Securities der Grabenschlampen vorbeischauen könnte.

Spätestens hier scheint die Band endgültig in Dinkelsbühl angekommen zu sein: Mit dem bissigen Oldie-Medley aus „Worldeater“, „Dispossession“, „Jinn“ sowie „Solar“ kracht nicht nur die erste Wall of Death ineinander, auch der nachfolgende Moshpit nimmt immer weitere Züge an – sofern wir das durch die dicke Staubwolke überhaupt beurteilen können. Das Fazit jedenfalls scheint eindeutig: Zumindest unter der Nachmittagssonne reißt uns das althergebrachte Material ungleich stärker mit, als es etwa die leicht generische neue Single „CUT_it“ zu tun vermag.

NORTHLANE Setlist – ca. 45 Min.

1. 4D
2. Evian
3. Bloodline
4. Dante
5. Welcome To The Industry
6. Worldeater / Dispossession / Jinn / Solar
7. CUT_it
8. Talking Heads
9. Clockwork

Fotogalerie: NORTHLANE

DESERTED FEAR

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DESERTED FEAR haben schon gewonnen, bevor es überhaupt richtig losgeht und nicht nur, weil Gitarrist Fabian Hildebrandt sein Instrument mit der Aufschrift ‚FCKNZS‘ veredelt hat. Deutlich Stellung gegen Extremismus zu beziehen, macht das Quartett natürlich noch sympathischer; warum wir jedoch im Eilschritt zur T-Stage geeilt sind, hat einen rein musikalischen Grund.

Als persönliches Komfort-Genre ist Melodic Death Metal für uns immer eine attraktive Anlaufstelle auf Open-Air-Festivals und ganz besonders dann, wenn er so kompetent dargeboten wird. Der Sound der Thüringer ist einerseits mächtig und findet trotzdem den sogenannten ‚Sweet Spot‘ aus Härte und Melodie, wie der Opener „The Truth“ unmittelbar belegt. Ein wenig alte IN FLAMES sind herauszuhören, aber auch ARCH ENEMY haben auf dem neueren Material dezente Spuren hinterlassen.

DESERTED FEAR haben sichtlich Freude an ihrem Set

Das Resultat ist ein kraftvoller wie eingängiger Mix, der uns direkt ins Boot holt, wo wir uns in bester Gesellschaft wähnen. Denn DESERTED FEAR haben sichtlich Bock auf diese Dreiviertelstunde in Dinkelsbühl, wie das Dauergrinsen in Gitarrist und Sänger Manuel Glatters Gesicht unlängst bestätigt. Wir tun es ihm derweil gleich, sobald Hits à la „Follow The Light That Blinds“ erklingen oder die Band mit einem Midtempo-Track wie „Blind“ zum Haareschütteln animiert – einer der seltenen Momente, wo wir tatsächlich ein wenig Neid verspüren ob der schier endlos langen Strähnen, die gerade auf der Bühne im Takt rotieren.

Fotogalerie: DESERTED FEAR

KIM DRACULA

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Wir sind zwiegespalten. Irgendwie ist es beruhigend zu sehen, dass sich Internetruhm nicht automatisch auf die Konzertbühne übertragen lässt: Der Andrang an der Main Stage hält sich um kurz nach vier und trotz prominenter Position auf dem Festivalplakat doch in Grenzen. Andererseits ist es auch schade, denn musikalisch bietet KIM DRACULA einen durchaus spannenden Genre-Mix.

Der Crossover der non-binären Künstler:in reicht von Metalcore-Eruptionen über Trap- und Rapeinlagen bis hin zu Jazz-Einsprengseln samt live gespieltem Saxofon. Also eigentlich die logische Schnittmenge der eigenen Einflüsse, die KIM DRACULA im Lauf des Auftritts in Form diverser Cover-Versionen anteasert: Von PARKWAY DRIVEs „Romance Is Dead“ über PEARL JAMs „Even Flow“ bis hin zu LADY GAGA und SANTANA reichen die Querverweise.

KIM DRACULA schlagen einen Haken nach dem anderen

Offensichtlich ist zugleich, dass die Formation auf der Bühne Musik für die Generation TikTok macht: 21 Tracks packt man in eine Stunde Musik – das geht natürlich nur, indem man das Material teils nur in Auszügen präsentiert. Geringe Aufmerksamkeitsspanne? Kein Problem, nach dem kauzigen „The Bard’s Last Note“ schiebt man schnell das „James Bond Theme“ ein.

Dabei könnte KIM DRACULA problemlos einen Gang zurückschalten. Stücke wie „Superhero“ mit seinem jazzigen Noir-Interlude oder „Land Of The Sun“ schlagen ohnehin einen Haken nach dem anderen. Letzteres etwa startet aggressiv mit Circle Pit, addiert dann nach einem Jazz-Interlude Blechbläser und Saxofon hinzu und leitet schließlich elegant in das Slap-Bass-Intro von „My Confession“ über. Zu wenig passiert auf der Bühne also sicherlich nicht, weshalb wir uns letztlich auch festlegen wollen: Schön wäre es angesichts der originellen Kompositionen, wenn es davor ebenso dicht gedrängt zugehen würde, wie sich dieses hyperaktive Festivalset präsentiert.

KIM DRACULA Setlist

1. Reunion And Reintegration
2. In Threes
3. Superhero
4. Land Of The Sun
5. My Confession
6. Romance Is Dead (PARKWAY DRIVE-Cover)
7. The Bard’s Last Note
8. James Bond Theme
9. Drown
10. Undercover
11. Even Flow (PEARL JAM-Cover)
12. Industry Secrets
13. Paparazzi (LADY GAGA-Cover)
14. Seventy Thorns
15. Luck Is A Fine Thing (Give It A Chance)
16. Careless Whisper (GEORGE MICHAEL-Cover)
17. Rosé
18. Smooth (SANTANA-Cover)
19. Make Me Famous
20. Molecular Conversion
21. Killdozer

Fotogalerie: KIM DRACULA

IMMINENCE

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Wir sind ehrlich: Die Faszination an IMMINENCE ist uns in den letzten Monaten zusehends abhandengekommen, was wohl auch an der musikalischen Entwicklung der Schweden liegt. Andererseits haben wir die Band nun knapp zwei Jahre lang nicht mehr live erlebt, weshalb wir doch neugierig sind. Insbesondere, da mit VOLA-Drummer Adam Janzi aktuell ein hochkarätiger Tourmusiker hinter dem Kit Platz nimmt.

Schwarz gekleidet und mit Kirchenfenstern nachempfundenen Aufstellern schafft die Gruppe jedenfalls schon am Nachmittag eine passende, elegante Atmosphäre. Diese nutzen IMMINENCE geschickt, um uns erstmal vor den Kopf zu stoßen: Mit „Temptation“ eröffnet einer der größten Bandhits das Set – erwartet hätten wir den Track eigentlich gegen Ende des 60-minütigen Gastspiels. Der Grund für diesen Schritt kristallisiert sich jedoch mit zunehmendem Verlauf der Show deutlich heraus.

IMMINENCE-Sänger Eddie Berg überzeugt auch heute wieder gesanglich

Mit Ausnahme des Auftakts und dem später eingestreuten „Erase“ lassen die Skandinavier ihr älteres Schaffen komplett links liegen, um sich lieber auf den aktuellen und bevorstehenden Albumzyklus zu konzentrieren. Die drei neuen Singles „Crestfallen“, „False Light“ sowie „The Sword That Never Bends” können leider den durchwachsenen Eindruck live nicht wettmachen: Ihre Trademarks tauschen IMMINENCE hier durch zunehmend generische Arrangements, der die Melodeath-Anleihen für einen zugänglicheren Sound und eine stärkere Synthesizer-Präsenz opfert.

Glücklicherweise erweisen sich die sieben Stücke von „The Black“ (2024) als ungleich packender: Dicke Staubwolken steigen während „Beyond The Pale“ aus der Mitte auf, wo sich der Circle Pit fortsetzt, der schon zu „Desolation“ aktiv war. Frontmann Eddie Berg wiederum klingt im intensiven „Heaven Shall Burn“ herrlich giftig und überzeugt andernorts mit seiner gefühlvollen Singstimme. Dass die Fans der Band aus der Hand fressen, zeigt einerseits die Wall of Death in „False Light“, andererseits der lautstarke Jubel nach „Death By A Thousand Cuts“, den Berg erwidert, indem er beide Hände zum Herz faltet.

Mehr als ein optisches Gimmick ist Gitarrist Haralds Cello-Bogen nicht

Allein das Gimmick mit dem Cello-Bogen strapaziert Gitarrist Harald mittlerweile etwas über: Was ihnen auf Social Media dank des Musikvideos zu „God Fearing Man“ Millionen Aufrufe geschenkt hat, beschränkt der Musiker nun nicht mehr auf den einen Song, sondern zückt das Gerät im Laufe der Show gleich mehrfach, um damit sein Instrument zu bedienen. Mit wechselndem Erfolg: Das langatmige Geschrammel zum Ende des Instrumentalstücks „L’appel du Vide“ ist eher Beleg dafür, dass weniger manchmal mehr ist.

Fotogalerie: IMMINENCE

SALTATIO MORTIS (Surprise Show)

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Noch am Morgen scherzten wir über die Konzert- und Festivallandschaft, dass man heutzutage nirgendwo mehr hin könne, ohne befürchten zu müssen, dass aus dem Nichts plötzlich Alea auftauche. Wie sehr wir Recht behalten sollten, zeigt sich nun am frühen Abend. Wobei sich für manche Besucher das Rätselraten tatsächlich bis zur letzten Sekunde mit dem fallenden Vorhang zog. Dabei hätte man spätestens anhand des Leinens vor der T-Stage erraten können, wer sich nun gleich die Ehre geben würde. Ein paar Hinweise gaben SALTATIO MORTIS schon im Vorfeld via Social Media, doch so oder so gibt es auf dem T-Square gerade kein Durchkommen mehr. Nennen wir es Stresstest für das Gelände, aber ähnlich wie bei HAMMERFALLs Gastspiel auf der kleinen Rebel Stage im Jahr 2024 empfinden wir die Situation als grenzwertig. Immerhin spielt hier ein potenzieller Headline-Act in einer Ecke, die nicht wirklich dafür ausgelegt ist.

Darüber freuen darf sich jedenfalls die Band selbst, die beim Anblick dieses Menschenmeers, das bis zum Horizont reicht, feuchte Augen kriegen dürfte. Gleichzeitig sind SALTATIO MORTIS jedoch absolute Profis, die wissen, wie man die Massen mobilisiert. Und wenn es der englischsprachige Rocksong „We Might Be Giants“ zum Auftakt nicht vermag, dann spätestens der Evergreen „Wo sind die Clowns?“. Vor der Bühne herrscht reichlich Bewegung, so es die Lage denn zulässt, wohingegen beim anschließenden „Loki“ so ziemlicher jeder die Arme im Takt bewegen kann, ohne anderen auf die Füße zu treten.

SALTATIO MORTIS brauchen keine überbordende Produktion, um ihre Show zum Spektakel zu machen

Es ist ein energiegeladener Auftritt, den SALTATIO MORTIS auch ohne überbordende Produktion und zusätzliches Brimborium hinlegen: Frontmann Alea wirbelt über die Bühne, setzt zu riesigen Sprüngen an und versucht in regelmäßigen Abständen, auch die Menge in die Performance einzubinden. Das macht schon Laune und trotzdem verabschieden wir uns nach der starken „Finsterwacht“ voller Crowdsurfer von diesem Spektakel, da uns die folgenden Deutschrocknummern der jüngeren Bandgeschichte tendenziell kalt lassen. Ein „Aus der Asche“-Jubiläumsset im kommenden Jahr hingegen…irgendwo in unserem Geiste wird man ja noch träumen dürfen.

Fotogalerie: SALTATIO MORTIS

SAXON

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Letztes Jahr hat es gesundheitsbedingt leider nicht geklappt, nun aber steht Frontmann Biff Byford mit seiner Truppe auf der großen Bühne: Im Rücken eine Wand aus Marshall-Amps, dahinter ein paar lieblos animierte Bildchen auf der LED-Wand. Gäbe es ein Argument für die traditionellen Werte und damit auch ein klassisches Backdrop, SAXON müssten keine weiteren Worte verlieren.

Immerhin ist die britische Heavy-Metal-Legende ansonsten eine Macht für sich, die ganz offensichtlich eine bestimmte Besucherschicht des SUMMER BREEZE bedient: Wir feiern zwar im kommenden Jahr unseren Vierzigsten und doch fühlen wir uns inmitten des Publikums plötzlich wieder so jung wie schon lange nicht mehr. Zumindest der vordere Bereich zwischen Bühne und erstem Wellenbrecher ist fest in der Hand der gestandenen Semester, die selbstverständlich jeden Song des Quintetts mit erhobenen Fäusten und Stimmgewalt begleiten.

Unaufgeregt und selbstsicher führt SAXON-Sänger Biff Byford durch das Set

Das beginnt mit dem aktuellen „Hell, Fire And Damnation“ und setzt sich im anknüpfenden „Power And The Glory“ fort, das SAXON bereits im Live-Set hatten, als wir noch nicht einmal in der Vorstellung unserer Eltern existierten. „Can you feel the power?“, fragt Byford vor dem Solo und kann sich der Reaktion gewiss sein. Das selbstsichere Auftreten des Sängers muss ja irgendwo seinen Ursprung haben.

Dass der Veteran die Show trotz seines unaufgeregten, manchmal gar behäbig wirkenden Auftretens sichtlich genießt, zeigen die kleinen Gesten: Nicht nur schüttelt Biff Byford in „Dogs Of War“ selbst für ein paar Augenblicke leidenschaftlich das Haupt, auch sein Smartphone zaubert er plötzlich aus der Seitentasche seiner Uniform hervor, um sich eine kleine Erinnerung an die begeisterte Menge mit nach Hause zu nehmen. Unser Erkenntnisgewinn hierbei: Sein Mobilgerät schützt der Sänger nicht etwa mit einer klassisch schwarzen, sondern einer rotfarbenen Hülle.

„The mighty SAXON?“ Das gilt auch in Dinkelsbühl

Ähnlich farbenfroh präsentiert sich die reich bestickte Kutte, welche ein Fan samt zugehöriger Kopfbedeckung zu Beginn des Sets auf die Bühne wirft. Ehrensache, dass sich Byford das gute Stück zu „Denim and Leather“ sowie „Wheels Of Steel“ zeitweise selbst umhängt, nachdem er den Hut einige Minuten früher schon seinem Bassisten Nibbs Carter übergezogen hatte. „The Mighty Saxon“? Ein Ehrenname, der selbst heute noch Bestand hat.

Fotogalerie: SAXON

MITTEL ALTA

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„MITTEL ALTA, das ist doch kein Metal! Sagt, was wollen die auf unserem Festival?“, fasst die Gruppe die potenzielle Kontroverse selbst zusammen. Und trotzdem platzt das Areal um die Rebel Stage aus allen Nähten. Die Forderungen der Fans, die Gruppe doch „auf die Main“ zu packen, scheint daher schon vor Showbeginn mehr als gerechtfertigt. Wie es überhaupt zu dieser skurrilen Situation kommen konnte, ist ohnehin eine Geschichte für sich: Schallte vor wenigen Jahren „Ficket euch“ noch als Meme-Song über den Campingplatz, steht jetzt ein ausgewachsenes Live-Ensemble auf der Bühne: Mit Live-Schlagzeug, Backing-Vocals und einem unermüdlichen Hofnarren, der die einzelnen Partysongs entsprechend visuell untermalt.

Musikalisch kann man über den Gehalt selbstverständlich streiten und doch erreicht das SUMMER BREEZE hier stimmungstechnisch wohl seinen bisherigen Höhepunkt. Denn was MITTEL ALTA mit ihrem Crossover aus Rap, gesampelten Folk-Instrumenten und Punk- bis Deutschrock-Riffs erreichen, ist mit Worten gar nicht so einfach zu umschreiben. Mit simplen, doch effektiven Ohrwürmern stiftet die Gruppe maximales Chaos, während man mit humorvollen Texten aus dem – nicht nur mittelalterlichen – Alltag die Leute ins Boot holt.

Dass wir vor lauter Staub nicht einmal die Musiker auf der Bühne sehen können, fasst den Auftritt MITTEL ALTAs hervorragend zusammen

Oder eben auch direkt zum eigenständigen Segeln animiert: Während der Hofnarr in „Gelber Schein“ denselbigen in Flaggengröße schwenkt, reicht das SUMMER BREEZE die Crowdsurfer scharenweise nach vorne. Ein Strom, der selbst im folgenden Mitgröhler „Der Chef ist tot“ nicht nachlässt, obwohl hier kaum noch ein Beinpaar stillsteht. Textsicher zeigen sich die Fans ohnehin von den ersten Takten an – und wer mit dem gehaltvollen Opus MITTEL ALTAs bislang nicht vertraut ist, kann binnen kürzester Zeit ebenfalls einstimmen, egal ob es nun um die Bekanntmachung eines Bürgermeisters geht („In den Bach“), man sich gemeinsam mit der KING NUGGET GANG auf „Haxenjagd“ begibt oder in „Haltet das Maul“ dem Digimon-Titelsong einen ungleich derberen Text verpasst.

Wie wild es während des Sets zugeht, erleben wir indes am eigenen Leib: Zwischen Moshpit und Ringelpiez im Zentrum wird der aufwirbelnde Staub zwischendurch so penetrant, dass wir selbst mit Tuch vor dem Mund aus der unmittelbaren Peripherie flüchten müssen und selbst nach mehrfachem Augenreiben noch verwundert aus der Distanz Richtung Bühne blicken, wo aufgrund des hellbraunen Nebels zwischenzeitlich nicht einmal mehr die Musiker zu sehen sind. Ein Glück, dass wir beim abschließenden „Traubenstampfen“ schon reichlich Sicherheitsabstand zwischen uns und die tobende Meute gebracht haben.

MITTEL ALTA Setlist

1. Auf dem Dorffest
2. Gelber Schein
3. Der Chef ist tot
4. Kutsche
5. In den Bach
6. Drecksbalg
7. Gerstensaft
8. Kein Metal
9. Haxenjagd
10. Ficket Euch
11. Haltet das Maul
12. Traubenstampfen

Fotogalerie: MITTEL ALTA

FIT FOR AN AUTOPSY

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Ohne Intro, aber mit viel Biss legen FIT FOR AN AUTOPSY los und schenken Fans der härteren Gangart nach kurzer Durststrecke am frühen Abend endlich ein entsprechendes Ventil. Gut gefüllt ist der dezent abschüssige Platz vor der T-Stage in der Folge, wo „Lower Purpose“ die Marschrichtung vorgibt, welche das groovende „A Higher Level of Hate“ direkt zementiert.

Wie heavy der Sound der US-Amerikaner wirklich ist, würde man derweil beim Anblick von Josean Orta kaum erraten, so casual und entspannt wie der Drummer den Takt vorgibt, zu dem sich mehr als nur einmal der Circle Pit in Bewegung setzt: „The Wretch“, „Black Mammoth“, „Pandora“ – sobald FIT FOR AN AUTOPSY das Tempo anziehen, kennt auch der harte Kern im vorderen Drittel kein Halten mehr; Atemschutz von Halstuch bis FFP2-Maske gehören dort quasi zum Standardequipment.

FIT FOR AN AUTOPSY-Shouter Joe Bad gönnt sich im Finale ein kurzes Bad in der Menge

Trockener als der Boden ist derweil nur der Breakdown von „Heads Will Hang“, den Shouter Joe Bad mit neuem Kurzhaarschnitt und gewohnt donnernder Stimme zelebriert. Ein paar Cleans streut der Fronter zudem in „Hostage“ sowie „Savior Of None / Ashes Of All“ ein, was sich in kleineren Dosen allerdings gut in den Deathcore des Quintetts integriert. Ähnlich gut harmonieren derweil Sänger und Fangemeinde, weshalb sich Joe Bad während der letzten Takte von „Far From Heaven“ gerne ein kurzes Bad in der Menge gönnt.

FIT FOR AN AUTOPSY Setlist

1. Lower Purpose
2. A Higher Level of Hate
3. It Comes For You
4. Heads Will Hang
5. The Wretch
6. Black Mammoth
7. Hostage
8. The Sea Of Tragic Beasts
9. Absolute Hope Absolute Hell
10. The Nothing That Is
11. Pandora
12. Savior Of None / Ashes Of All
13. Far From Heaven

Fotogalerie: FIT FOR AN AUTOPSY

EISBRECHER

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“Thank you very much; merci beaucoup; ja, servus mitanand!” Dass Alexander Wesselsky gleich in mehreren Sprachen das Wort an uns richtet, hat einen guten Grund. „Es ist scheißegal, woher du kommst. Hauptsache, du bist zur rechten Zeit am rechten Ort mit guten Leuten.“, setzt der Sänger seine Begrüßung fort und stellt damit nochmals die eigene Haltung klar, die sich auch in den sozialkritischen Texten seiner aktuellen Band widerspiegelt.

Und diese Botschaften überbringt Wesselsky als absoluter Profi und mit großen Entertainer-Qualitäten: mit Hut und Sonnenbrille während „Himmel, Arsch und Zwirn“ oder vermummt mit Munitionsgürtel um die Schulter in „Waffen Waffen Waffen“ samt Mundharmonika-Intro. Kurzum, als Frontmann ist der EISBRECHER-Chef eine charismatische Erscheinung, zugleich Rockstar und sympathischer Gleichgesinnter, welcher seine Texte trotz – oder gerade wegen – der vielen einsilbigen Reime pointiert wiedergibt.

Bei EISBRECHER ist der Platz vor der Main Stage gefüllt bis in die letzte Ecke 

Zusammen mit dem klaren sowie druckvollen Sound einer gut eingespielten Band ergibt das eine Headline-Performance, die dank eingängiger Rhythmik und prägnanter Hooks schnell mitreißen kann. Dabei zeigt sich der Performer Alex meinungsstark: „Kein Krieg, nicht mit uns.“, lässt er knapp wissen, nachdem er während „Waffen Waffen Waffen“ die titelgebenden Worte per Spraydose auf Leinwand mit einem knallroten Verbotsschild versehen hatte.

Auch wenn uns persönlich der geradlinige NDH-Sound EISBRECHERs musikalisch nicht erreichen kann, zollen wir dem Gesamtkonzept gerne Respekt und das nicht nur, weil es augenscheinlich aufgeht: Bis in die letzte Ecke ist das Gelände um die Main Stage gefüllt, wo die klatschenden Fans erst das stampfende Schlagzeug von „Kaltfront“ begleiten, um dann ebenso enthusiastisch Joachim Witt als Gastsänger in „Zeitgeist“ willkommen zu heißen. Im abschließenden FALCO-Cover „Out of the Dark“ soll sich der „Meister“, wie ihn Wesselsky ehrfurchtsvoll nennt, gemeinsam mit SCHATTENMANNs „Frank Herzig“ noch einmal die Ehre geben.

Während „Miststück“ verteilt EISBRECHER-Frontmann Alex Rosen an die Fans

Doch bevor jener für „Auf die Zunge“ sein eigenes Feature bekommt, intonieren EISBRECHER den MEGAHERZ-Klassiker „Miststück“ als Akustikversion. Ein Anlass, den Sänger Alex dazu nutzt, seine Aversion gegen LED-Lichter – nicht nur in Form von Smartphone-Leuchten – kundzutun. Hoffentlich erfährt er nie, welche Lichttechnik ihn und seine Band gerade mit in Szene setzt. Wie dem auch sei, Sympathiepunkte sammelt der Frontmann selbst hier, indem er Rosen an die Fans verteilt und in einer vorherigen Ansprache explizit den fleißigen Grabenschlampen als „Legenden des SUMMER BREEZE“ sowie den unermüdlichen Sanitätern für ihre Leistungen dankt.

Kurzum, ein würdiger Headline-Auftritt, der uns zwar nicht ins EISBRECHERsche Lager überlaufen lässt, doch anhand der Live-Qualitäten die Faszination an Band und Konzept immerhin verständlich macht. Und das ist doch auch etwas, oder nicht?

EISBRECHER Setlist – ca. 90 Min.

1. Everything is wunderbar
2. Himmel, Arsch und Zwirn
3. So oder so
4. Waffen Waffen Waffen
5. Leider
6. Tot oder lebenslänglich
7. Kaltfront
8. Zeitgeist
9. 1000 Narben
10. Miststück
11. Sturmfahrt
12. Auf die Zunge
13. This is Deutsch
14. FAKK
15. Zwischen uns
16. Was ist hier los?
17. Verrückt
18. Out of the Dark (FALCO-Cover)

Fotogalerie: EISBRECHER

MUSHROOMHEAD

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Overalls, Masken und zwei dedizierte Trommler: Die erste Assoziation scheint offensichtlich und doch wäre es falsch, MUSHROOMHEAD als bloßen SLIPKNOT-Klon abzuschreiben. Was beide Bands vereint, ist natürlich die visuelle Komponente. Musikalisch könnte die Formation wohl auch ohne ihre Percussionisten auf der Bühne bestehen, doch dank beleuchteter Sets und Wasserspiegel auf den Trommelfellen werden die theatralisch bespielten Toms zum regelrechten Blickfang.

Die Wassertropfen glitzern mit jedem Schlag in unterschiedlichen Farben, während es andernorts auf der Bühne allein aufgrund der Zahl der Musiker:innen schon wuselt. Gleich drei Personen teilen sich die Aufgabe am Mikro, wobei Sängerin Jackie LaPonza die wenigsten Berührungsängste kennt und schon bei „Fall In Line“ plötzlich im Fotograben die Absperrung erklimmt.

Bei MUSHROOMHEAD werden besonders die Percussionisten zum Blickfang

Wie gut MUSHROOMHEAD den schmalen Grat zwischen Ernsthaftigkeit und Augenzwinkern balancieren, zeigte sich hingegen schon mit dem Intro in Form der „Spongebob“-Titelmelodie, die überaus elegant in den Opener „Eye To Eye“ überzuleiten wusste. Eingeleitet von schauriger Zirkusmusik addiert „Qwerty“ noch etwas Sprechgesang hinzu, so dass der Stilmix, der im Klassiker „Sun doesn’t rise“ alle Trademarks des Nu Metals der 90er aufweist, genug eigenen Charakter entwickelt. Alles andere wäre auch irrsinnig, blickt die Band doch mittlerweile auf eine über 30-jährige Geschichte zurück.

Dass sich unsere Wege heute dennoch zum ersten Mal kreuzen, liegt möglicherweise auch an der Präsenz in diesen Landen: So regelmäßig wie manch andere Metal-Band sind MUSHROOMHEAD schließlich nicht in unserer Region unterwegs. Insofern verweilen wir gerne noch eine Weile vor der T-Stage, haben wir doch in unserer musikalischen Sozialisation gerade eine Lücke ausgemacht, die es zu schließen gilt.

Fotogalerie: MUSHROOMHEAD

AMORPHIS

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GROZA oder AMORPHIS? Keine leichte Entscheidung für uns, doch am Ende geben wir den Finnen den Vorzug in der Hoffnung, an den – für uns enttäuschenden – neuen Stücken wenigstens im Live-Format Gefallen zu finden. Bevor das Sextett jedoch loslegt, grüßt uns erstmal ein überdimensionaler knöcherner Vogelschädel von der Main Stage. Die Requisite ist nett gemeint, am Ende jedoch unwesentlich für den Auftritt der Band, zumal die zugehörigen Flügel des untoten Tieres nur über die Leinwände flattern, was aus diagonaler Perspektive nicht so richtig funktionieren will. Wenn schon Deko, warum nicht komplett plastisch?

Ins Gewicht fällt das wie gesagt ohnehin kaum, haben AMORPHIS mit Tomi Joutsen doch einen Frontmann von Weltformat in ihren Reihen. Die Präsenz des Sängers ist nach wie vor unglaublich, so dass wir zu keiner Sekunde den fransenbewehrten Fortsatz seines Mikrofons anzweifeln: Ein bisschen Exzentrik gehört eben zum Rockstardasein.

Grundsätzlich gelingt AMORPHIS die Balance aus ruhigen und schmissigen Augenblicken

Es ist auch der gewaltigen Stimme Joutsens zu verdanken, dass der Opener „Bones“ mit einer Macht über das SUMMER BREEZE fegt, als wäre die Mission, das Festival dem Erdboden gleich zu machen. Wobei das freilich nur die halbe Wahrheit ist, weben AMORPHIS in ihren Sound doch stets filigrane Melodien mit ein. Ganz so packend wie der Auftakt fallen die weiteren neuen Stücke leider nicht aus: Catchy, leichtfüßig, doch auch etwas handzahm geht es mit „Light and Shadow“ weiter.

Das Stück hat sicherlich seinen Platz im Set der Nordeuropäer, doch gerade in der ersten Hälfte des Sets wäre zwischendurch etwas mehr Zug schön gewesen. Grundsätzlich jedoch gelingt die Balance aus alt und neu, aus ruhig und schmissig: „Silver Bride“ und „Wrong Direction“ gehören ohnehin zum festen Live-Repertoire, während „The Castaway“ neben dem obligatorischen „Black Winter Day“ ein gelungener zweiter Ausflug in die Anfangsjahre der Band darstellt.

Schöne Arrangements und ein großes Finale: Live bleiben AMORPHIS eine Macht

Dass hier und da riesige Flammen vom Bühnendach emporsteigen, erhöht natürlich die Intensität gewisser Schlüsselmomente, nötig haben AMORPHIS derlei Special Effects aber nicht. Stücke wie „Sampo“ vom „Skyforger“-Album (2009) oder das progressive „The Moon“ tragen sich durch traumhaft schöne Arrangements und die unaufgeregt ehrliche Darbietung von selbst.

Allein „Dancing Shadow“ raubt dem sonst clever zusammengestellten Set kurzzeitig den Drive, wobei man das wohlwollend auch als Zäsur vor dem großen Finale sehen mag: Der mittlerweile wohl etwas überspielte Evergreen „House of Sleep“ ebnet den Weg für das große „The Bee“, mit dem wir endgültig in unserer letztendlichen Entscheidung für AMORPHIS bekräftigt werden – und das wir liebend gerne als Tagesausklang im Ohr mit auf den Campingplatz genommen hätten.

AMORPHIS Setlist – ca. 70 Min.

1. Bones
2. Light and Shadow
3. Silver Bride
4. Wrong Direction
5. Fog To Fog
6. The Castaway
7. The Moon
8. Sampo
9. Black Winter Day
10. Dancing Shadow
11. House Of Sleep
12. The Bee

Fotogalerie: AMORPHIS

DARTAGNAN

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Noch aber streichen wir nicht die Segel, schließlich sind es ja ohnehin nur ein paar Minuten Changeover, bis DARTAGNAN das Programm auf der Hauptbühne beschließen. Ganz unser Sound ist der aalglatte Folk Rock der Band um FEUERSCHWANZ-Sänger Ben Metzner nicht, live könnte die ungezwungene Gute-Laune-Musik allerdings durchaus Charme besitzen.

Dass die Gruppe derweil schon im ersten Stück „Ruf der Freiheit“ die Bude abfackeln würde, hatten wir irgendwie schon erwartet. Warum auch nicht? Im Flammenschein lässt es sich zu Geigen- und Sackpfeifenklängen schließlich ausgezeichnet tanzen, wie ein kleines Grüppchen am Rand des Areals unter Beweis stellt.

DARTAGNAN zeigen sich spritzig und voller Energie – nur anecken will die Band offenbar um keinen Preis

Neben Eigenkompositionen à la „Helden X Hymnen“, wo Metzner die Whistle zückt, intonieren DARTAGNAN in diesen ersten Minuten zudem auch einige Coverversionen, welche die Formation im Fall von AVICIIs „Wake Me Up“ kompetent in ein unbeschwertes Folk-Rock-Gewand kleidet. Bonnie Tylers „Holding Out For A Hero“ hingegen bleibt trotz herzerwärmender Ansage des Frontmanns an die kürzlich verstorbene Sängerin vergleichsweise blass – der Stimmgewalt der Originalversion kann Ben heute kaum das Wasser reichen.

Nichtsdestotrotz ist es ein spritziger Auftritt der Formation, deren Energie und Spielfreude ohne Umschweife auf die Fangemeinde überschwappt. Da uns persönlich aber die Ecken und Kanten, der rohe Charme fehlt, die in diesem Genre manchmal für das gewisse Etwas sorgen, belassen wir es bei diesen ersten Eindrücken und tauschen die fröhliche Late-Night-Party gegen Schlafanzug und Kuscheldecke – es liegen schließlich noch zwei lange Festivaltage vor uns.

Fotogalerie: DARTAGNAN

Freitag, 14. August 2026

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Bauchtasche und Sonnenbrille – für viele gehört das ohnehin zur standardmäßigen Festivalausrüstung. Angesichts des heutigen Programms sind diese Utensilien allerdings von zusätzlicher Relevanz: TBS dürfen erstmals die Main Stage unsicher machen, weshalb der geneigte Fan darüber hinaus schon zum Frühstück den weißen Monster Energy kaltstellt. Vorbereitung muss schließlich sein, um in der Hitze bestehen zu können.

Das weiß auch das SUMMER BREEZE, das für die letzten beiden Festivaltage nicht untätig bleibt und per Traktor den ausgetrockneten Boden im Infield bewässert. Angesichts der Dürre war das aus Nachhaltigkeitsgründen sicherlich keine leichtfertig getroffene Entscheidung, gegen die Unmengen an Staub, die am Vortag teils für Atembeschwerden sorgten, aber ein wichtiger Schritt. Zumal das Unterfangen sogar für Abkühlung sorgt: Während die Landmaschine ihre Kreise über den T-Square zieht, folgt ein kleines Grüppchen dem Tankanhänger, um sich dort eine spontane Erfrischung zu genehmigen.

Vor den großen Bühnen des SUMMER BREEZE sorgen Nebelkanonen für Abkühlung

Wer nicht gleich mit dem Allerwertesten über den nassen Boden rutschen möchte, bekommt wahlweise vor der Bühne oder an der nahegelegenen Cocktailbar eine kostenlose Dusche mit dem Wasserschlauch. Feiner zerstäubt wird das kühle Nass durch die Nebelkanonen links und rechts der beiden großen Bühnen: eine willkommene Anlaufstelle auch am heutigen Freitag, um es länger am Ort des Geschehens auszuhalten.

Dort geben sich nämlich mit den Headline-Acts ARCH ENEMY und LAMB OF GOD prominente Namen die Ehre, wobei gerade letztere bislang nicht allzu häufig das SUMMER BREEZE beehren durften. Ansonsten ist die Auswahl gewohnt breit gefächert: Nachts gibt es überwiegend Black Metal mit Bands wie DER WEG EINER FREIHEIT oder DEAFHEAVEN, tagsüber darf man den Veteranen von DEICIDE oder BRAINSTORM beiwohnen und auf dem Campsite Circus haben wir uns das erste Dinkelsbühler Gastspiel der Tiroler PERCHTA vorgemerkt.

NANOWAR OF STEEL

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Bis wir uns zu später Stunde den düsteren Klängen hingeben, braucht unsere gute Laune indes ein Ventil. Warum also nicht zur Mittagszeit mit NANOWAR OF STEEL starten? Deren Intro, das uns per Computerstimme diverse Anweisungen gibt, ist als humorvolle Kopie der aktuellen BRING ME THE HORIZON-Show zwar überraschend unoriginell, erfüllt aber immerhin seinen Zweck.

Die bunten Perücken und skurrilen Outfits gehören bei den Italienern auch 2026 noch zum Konzept, genauso wie ihre perfekt intonierten Persiflagen. Mit dem Folk-Metal-Opener „Sober“ parodiert die Gruppe die schottischen Kollegen von ALESTORM auf verblüffend akkurate Weise, nur um mit dem Power Metal-Stampfer „Pasadena 1994“ einen augenzwinkernden Gruß in Richtung SABATON zu senden – Pyro-Overkill inklusive.

Der frühe Zeitslot lässt NANOWAR OF STEEL gar keine Zeit für Leerlauf

Passend zum dortigen Fußballthema üben NANOWAR OF STEEL mit ihrer Zuschauerschaft in der Zwischenzeit die La Ola, nur um dann richtigen Körpereinsatz zu verlangen. Die „Wall of Love“ endet zu den Klängen George Michaels nicht etwa in einem gigantischen Moshpit, sondern einer herzlichen Umarmung. Dass es anschließend mit „Disco Metal“ und einer passenden Tanzchoreografie nahtlos weitergeht, bekräftigt unseren Eindruck, dass der frühe Slot für die Band gar keine schlechte Wahl ist.

Aufgrund der beschränkten Spielzeit bleibt gar kein Raum für Leerlauf, sodass NANOWAR OF STEEL schlicht einen Party-Hit an den nächsten reihen. Zugegeben, den Industrial-Stampfer „Feet & Greet“ zählen wir nicht dazu, dafür schickte man zuvor in „Il cacciatore della notte“ per Tradition den Komparsen im Schneeeulen-Kostüum zum Crowdsurfen. „Norwegian Reggaeton“ ergänzt man aus aktuellem Anlass wiederum um gemeinsames Rudern: Wenn man dabei ganz laut seinen Vornamen schreit, könnte man ja damit unter Umständen die Aufmerksamkeit des norwegischen Fußballstars Erling Haaland erregen – und ein paar Internetpunkte haben schließlich noch keiner Band geschadet.

Auf einer Open-Air-Bühne Möbel montieren? Für NANOWAR OF STEEL das Normalste der Welt

Erfolgreich war man letztendlich leider nicht, den Versuch war es aber allemal wert. Dafür schaffte man es, für das abschließende „Valhallelujah“ zwei – so wird uns deren Identität im Nachgang erklärt – populäre Influencer:innen auf die Bühne zu holen, um während der IKEA-Hymne live mehrere LACK-Tischchen zu montieren, die sodann als Gabe dem Publikum übergeben werden.

NANOWAR OF STEEL Setlist

1. Sober
2. Pasadena 1994
3. Wall of Love
4. Disco Metal
5. Il cacciatore della notte
6. Norwegian Reggaeton
7. Feet & Greet
8. Valhallelujah

Fotogalerie: NANOWAR OF STEEL

BRAINSTORM

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Bereits zum achten Mal beehren BRAINSTORM das SUMMER BREEZE. Tatsächlich war Drummer Kevin Lütlof noch nicht einmal auf der Welt, als die Power Metal-Band zum ersten Mal Gast im damaligen Spielort Abtsgmünd war. Es verbindet die Musiker somit eine langjährige Geschichte mit dem Open Air, was sich zudem auf dem Vorplatz der T-Stage widerspiegelt. Die Fans der Gruppe halten ihren Helden offensichtlich die Treue und das wohl schon eine ganze Weile, wie wir am Altersdurchschnitt der gegenwärtigen Zuschauerschaft ablesen können.

Womit wir keinesfalls ausdrücken wollen, dass BRAINSTORM aus der Zeit gefallen wären. Das Gegenteil ist der Fall, denn obwohl das Quintett auf bunte Kostüme und klimpernde Keyboards als tragendes Element verzichtet, gibt es wohl nur wenige Genre-Bands, die so zeitlos klingen wie die Baden-Württemberger. Entsprechend begleiten den Klassiker „Worlds Are Comin‘ Through“ zum Einstieg zahlreiche Fäuste, bis im anschließenden „Devil’s Eye“ erstmalig die Stimmbänder der Anhängerschaft gefordert sind.

BRAINSTORM mögen zu den Veteranen des Genres zählen, klingen aber frisch wie eh und je

Geölt werden jene bald darauf per Wasserschlauch – die Grabenschlampen machen’s möglich und verhindern dabei gleichzeitig den einen oder anderen Kreislaufzusammenbruch unter der erbarmungslosen Augustsonne. Die Singalongs sind natürlich ein wichtiger Teil des BRAINSTORMschen Festivalsets, auch weil der sonst souverän auftretende Andy B Franck beim Vorsingen in „All Those Words“ plötzlich ins Stocken kommt. Ein ernsthafter Rückschlag ist das glücklicherweise nicht, macht der Sänger doch auch als Dirigent eine gute Figur.

Wiedererstarkt findet der sympathische Frontmann, der große Teile des Sets einen guten Meter vor dem eigentlichen Bühnenrand bestreitet, derweil ins letzte Drittel der Show zurück, wo es mit „Where Ravens Fly“ und dem Überhit „Ravenous Minds“ zwei weitere Argumente gibt, weshalb BRAINSTORM in den kommenden Jahren das Dutzend SUMMER BREEZE-Besuche vollmachen mögen. Hindern sollte sie daran hoffentlich nichts, schließlich ist die Band dank Neuzugang Kevin Lütlof selbst auf dem Papier so jung wie lange nicht mehr.

BRAINSTORM Setlist

1. Worlds Are Comin‘ Through
2. Devil’s Eye
3. Shiva’s Tears
4. The Shepherd Girl (Gitagovinda)
5. All Those Words
6. Where Ravens Fly
7. Crawling
8. Ravenous Minds

Fotogalerie: BRAINSTORM

FUTURE PALACE

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Es bleibt nichts dem Zufall überlassen: Bis ins letzte Detail ist das äußere Erscheinungsbild aufeinander abgestimmt. Passend zum Kleid nimmt Sängerin Maria einen Schluck aus der ebenfalls lilafarbenen Trinkflasche; Gitarrist Manuels blaues Instrument wiederum trägt den gleichen Farbton wie die LED-bestückten Plastikblasen des verzierten Mikroständers.

Diese Sorgfalt entspricht dem Sound des Trios, das seinen Alternative Metal mit zahlreichen Synth-Spuren und Backing Tracks anreichert. Insofern ist unser größter Kritikpunkt an dieser Performance der gleiche wie in der Vergangenheit: Ein wenig Unberechenbarkeit, vielleicht ein Live-Bassist würde den allzu perfekt inszenierten Shows Leben schenken.

FUTURE PALACE zeigen Haltung und stehen für ihre Überzeugungen ein

Davon abgesehen machen FUTURE PALACE ihre Sache jedoch ausgezeichnet. Das ruppige „Nixy“ als Eisbrecher erfüllt seinen Zweck hervorragend, während Frontfrau Maria ihre Rolle mittlerweile selbstbewusst und souverän ausfüllt. Gesanglich gab es bislang ja ohnehin nie etwas auszusetzen, obwohl uns heute das Mikro in den Anfangsminuten etwas leise scheint.

Dass die Band für die drei Musiker:innen zudem Vehikel für politische Botschaften ist, stellt man in einer deutlichen Ansage klar. Gleichberechtigung zwischen den Geschlechtern bzw. die Abwesenheit selbiger in der gelebten Realität steht sodann im Fokus von „The Echoes Of Disparity“. Gegen Homo- und Transphobie positioniert sich das Gespann natürlich ebenso lautstark und entschlossen: mit einem Statement, für das die heutige Show Symbolcharakter hat, steht doch für FUTURE PALACE die gemeinsame Erfahrung, das Miteinander, im Vordergrund, egal ob nun im Circle Pit oder in der ersten Reihe, wo man zu Stücken wie dem groovenden „Resurge“ lockerleicht im Takt springen kann.

FUTURE PALACE Setlist

1. Deep Blue
2. Nixy
3. Supernova
4. The Echoes Of Disparity
5. Resurge
6. Cyclone
7. Paradise
8. Decarabia
9. Dead Inside
10. Heads Up
11. Malphas

Fotogalerie: FUTURE PALACE

BROTHERS OF METAL

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In den Vordergrund gedrängt haben sich BROTHERS OF METAL in ihrer Geschichte eigentlich nie und doch freut man sich dieser Tage über die Früchte der eigenen, unaufgeregten Arbeit. Nicht nur füllen die Schweden als Headliner mittlerweile durchaus respektable Hallengrößen, auch die Festivalslots werden mit jedem Jahr attraktiver. So verwundert es uns keineswegs, dass sich der Andrang vor der Main Stage zum ersten Mal am heutigen Tag bis spürbar hinter den zweiten Wellenbrecher ausbreitet.

Der mit Folk-Anleihen angereicherte Power Metal der Band eignet sich glücklicherweise hervorragend, um die feierwütige Crowd zu bespaßen: Zu „Njord“ darf das SUMMER BREEZE folglich im Takt springen, nachdem man in „Hel“ bereits die Moshtauglichkeit des eigenen Songmaterials hat überprüfen lassen. Den Test besteht man allein deshalb schon mit Bravour, weil der Metality-Verein diesen Auftritt ausgewählt hat, um einen inklusiven Circle Pit zu zelebrieren: Für ein paar Minuten dürfen sich Rollstuhlfahrer:innen und Besucher:innen mit anderweitigen Einschränkungen austoben, ohne dabei Kollateralschäden befürchten zu müssen.

Die Textsicherheit der Fans rührt BROTHERS OF METAL-Sängerin Ylva zu Tränen

Dieser Spirit entspricht ohnehin dem Grundgedanken der BROTHERS OF METAL, weshalb es hier niemanden stört, dass die sympathischen Schweden bis hin zu den Bühnenoutfits eher den kitschigen Rand des Genres bedienen. Ohnehin nehmen sich die Musiker:innen selbst nicht allzu ernst, haben sichtlich Spaß auf der Bühne und im Austausch mit ihren Fans.

Das wiederum gipfelt in einem unerwartet rührenden Moment: Als tausende Fans an der Seite von Sängerin Ylva die Hymne „Yggdrasil“ rezitieren – laut Kollege Mats Nilsson neben „Ride of the Valkyries“ der zweite „beste Song der Welt“ im eigenen Set – wischt sich die Frontfrau sichtlich überwältigt mit einem Lächeln die Tränen aus den Augen. Herzerwärmende Neuigkeiten gibt es während der anschließenden Bandvorstellung zudem von Sänger und Erzähler Nilsson selbst, der an Ort und Stelle seine Vaterfreuden mit dem Festival teilt. Denn genau jene Momente möchte er seinem Sprössling später einmal zeigen, wie er erklärt. Ein verschlagener Trick, um für „Defenders Of Valhalla“ auch noch die letzten Energiereserven der Menge zu mobilisieren? Wer käme denn auf solch einen hinterhältigen Gedanken? Gefeiert wird hier nämlich auch ohne Anlass bis zur letzten Sekunde.

BROTHERS OF METAL Setlist

1. Fimbulvinter
2. Prophecy Of Ragnarök
3. Hel
4. Ride Of The Valkyries
5. Njord
6. The Other Son Of Odin
7. Concerning Norns
8. Yggdrasil
9. Defenders Of Valhalla

Fotogalerie: BROTHERS OF METAL

TBS

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Als DIE HABENICHTSE am Dienstag den „Waschtag“ verkündeten, waren TBS leider noch nicht angereist. Ihr nicht mehr ganz so weißes Leinen jedenfalls könnte ein bisschen Wasser und Seife nämlich gut vertragen. Glücklicherweise spielt der Vorhang ohnehin nur eine untergeordnete Rolle und gibt schon nach wenigen Sekunden den Blick frei auf das neue Bühnenbild: Das Bandlogo hat man sich in dreidimensionalen Buchstaben anfertigen lassen und vor dem Drumriser platziert. Eine Kulisse, die ob des durchgeknallten Chaos in Kürze ohnehin niemand mehr beachten soll.

Die erste Wall of Death in “Bierosaufus Ex”, die Shouter Stroppo mittels eines urgewaltigen Rülpsers anzählt, ist dabei noch die konservativste Einlage, die wir von der Spaßband zu sehen bekommen. Doch egal, ob nun Rapper Alex mit einer Dose Monster seinen „Dokter“ anruft, oder man dem Energiegetränk einen eigenen Song widmet: TBS setzen zwischen den Songs auf Humor und spielen dabei mit unserer Erwartungshaltung. So endet die Wall of Death in „White Monster“ auch heute wieder in Rick Astleys „Never Gonna Give You Up“ anstelle des eigentlichen Tracks. „Ach, SUMMER BREEZE, ihr wisst doch, was kommt!“, kommentiert Stroppo mit gespielter Enttäuschung das wiederholt erfolgreiche Rickrolling.

TBS wollen sich mit der puren Eskalation zu ihren Füßen nicht zufriedengeben

Doch selbst wer vorab schon Bescheid wusste, stürzte sich natürlich trotzdem mit vollem Einsatz ins eigene Verderben: Die Späße spielen die Fans gerne mit, wenngleich sich die Band mit der puren Eskalation zu ihren Füßen nicht immer zufriedengeben will. „Wer nicht hüpft, fliegt raus!“, verkündet Stroppo während des skurrilen „Crazy Frog“-Covers, wo man heute – laut der sozialen Medien der Band jedenfalls – einen Weltrekord im Hüpfen aufgestellt habe.

Auf diese Weise geht es ungebremst weiter: Für den „Nudelsong“, den wir auf diesem Festival tatsächlich ein zweites Mal live erleben, holen sich TBS die KING NUGGET GANG auf die Bühne, bevor man in „Bierdurst“ die Signifikanz der regelmäßigen Flüssigkeitszufuhr in den Vordergrund stellt, gerade aufgrund der gegenwärtigen Hitze: „Wer bei TBS stirbt, fliegt raus.“, ergänzt Stroppo trocken, nur um wenige Minuten später selbst mit gutem Beispiel voranzugehen. In „Baggersee“ springt der Frontmann in die Menge, um sich dort selbst eine Bierdusche zu verpassen.

Der Ritt auf dem Bananenboot wird für TBS-Shouter Stroppo zum ungeplanten Rodeo

Dass er damit durchkommt, ist allerdings schon verwunderlich, hätte die Security ihn zu diesem Zeitpunkt doch längst vom Gelände eskortieren müssen. „Ich bin tot“, ließ er nämlich unlängst verlauten, als sein Ritt auf dem Bananenpferdeboot in der Country-Persiflage „Klettergerüst“ mehrfach unfreiwillig im Publikum endete. Zugestanden, es ist nicht seine Schuld, dass die Fans die Crowdsurfeinlage zum Rodeo umfunktioniert haben. Doch Regeln sind nun mal Regeln.

Ein Happy End gibt es letztlich dennoch, wenn auch nicht für alle: Gnade vor Recht gibt es zwar nicht für das Ungetier im Rausschmeißer „Drachentöter“, doch für den redseligen Frontmann, weil ja schließlich noch ein paar Hits fehlen, wie wir anhand der gut gekleideten Fanschar im Zentrum ablesen können. Ohne „Sonnenbrille“ und „Bauchtasche“ ging hier kein ernstzunehmender TBS-Jünger auf den Platz – und von dort im Anschluss direkt zur aufgestellten Walkthrough-Dusche auf dem T-Areal, um Staub, Schweiß und Stroppos Dosenbier von den verklebten Körpern zu waschen.

TBS Setlist

1. Bierosaufus Ex
2. Lachen
3. Crazy Frog
4. White Monster
5. Der Nudelsong
6. Herr Dokter
7. Bierdurst
8. Klettergerüst
9. Detlef D Soost
10. Baggersee
11. Cityroller
12. Sonnenbrille
13. Bauchtasche
14. Drachentöter

Fotogalerie: TBS

UNPROCESSED

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Aller guten Dinge sind drei: Nach 2019 und 2024 dürfen UNPROCESSED endlich große Bühnenluft schnuppern. Für ihr Debüt auf der T-Stage hat die Progressive Metal-Band sogleich tief in die Tasche gegriffen: Sechs bewegliche Flammenwerfer, die mit zunehmender Spielzeit immer höhere Säulen gen Himmel spucken, untermalen die unbändige Energie des Quartetts visuell.

Ansonsten bekommen wir das, was wir von UNPROCESSED eben erwarten dürfen: Spieltechnischen Anspruch, mitreißende Arrangements und eine rastlose Bühnenperformance, bei der sich Bassist David John Levy einmal mehr als treibende Kraft hervortut. Das klingt nach einer intensiven Angelegenheit und das ist es auch, weshalb wir „business as usual“ in diesem Fall keineswegs mit Enttäuschung gleichsetzen wollen.

UNPROCESSED funktionieren selbst auf größeren Bühnen ausgezeichnet

Zwar bildet das aktuelle Album „Angel“ (2025) mit fünf Tracks den Schwerpunkt des Sets, mit „Hell“, „Lore“ sowie „Thrash“ gibt es jedoch einen ziemlich kompromisslosen Ausflug zum Meisterstück „…and Everything In Between“ (2023). Stilistisch eignet sich das unbeschwerte „Beyond Heaven’s Gate“ wahlweise zum Mitspringen oder als Singalong, wohingegen „Snowlover“ mit seinem unwiderstehlichen Groove für ein Festival wie das SUMMER BREEZE geradezu geschaffen scheint.

Das Fazit fällt nach dem Djent-Klassiker „Haven“ somit erwartungsgemäß eindeutig aus. Dort, wo sie wirklich hingehören, mögen UNPROCESSED noch nicht fest angekommen sein, die Entwicklung aber führt die Band in gesundem Tempo eben an exakt jenes Ziel: große Bühnen für eine schon jetzt große Show.

UNPROCESSED Setlist

1. 111
2. Sleeping With Ghosts
3. Beyond Heaven’s Gate
4. Hell
5. Lore
6. Thrash
7. Snowlover
8. Solara
9. Haven

Fotogalerie: UNPROCESSED

THE GHOST INSIDE

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Längst dort angekommen sind THE GHOST INSIDE, obwohl es noch vor gut zehn Jahren unklar war, ob die Metalcore-Band nach ihrem verheerenden Busunfall jemals wieder auf den Brettern, geschweige denn der Main Stage des SUMMER BREEZE stehen würde. Als Symbol für Resilienz und Durchhaltevermögen sind die US-Amerikaner für uns natürlich ein Programmpunkt, den wir nicht gänzlich auslassen wollen.

Den Auftakt verpassen wir zwar aufgrund der terminlichen Überschneidung mit UNPROCESSED, treffen aber pünktlich zu „Going Under“ und dem Singalong „Dark Horse“ auf dem Battlefield-Areal ein. Der Sound ist wuchtig und transparent, wie eigentlich fast immer in diesem Jahr, die Band in bester Spiellaune. Allein wie es Frontmann Johnathan Vigil bei diesen Temperaturen in der Windjacke aushält, ist uns ein Rätsel.

Crowdsurfer:innen erwarten bei THE GHOST INSIDE signierte Trommelfelle als Trophäe

Ausgebremst wird der Shouter dadurch jedoch nicht, wirbelt über die Bühne und stachelt die Meute zum Mitmachen an. Dass die Resonanz hier und da verhaltener ausfällt als sonst, liegt eher am Klima denn der Begeisterung für die Musik der US-Amerikaner: Wo die Main Stage mit der Sonne im Rücken bereits Schatten spendet, ist das Gewusel bis hin zum Circle Pit deutlich wilder als dort, wo die Zuschauer:innen noch in der Hitze brüten müssen.

Ein bisschen Nachhilfe leisten THE GHOST INSIDE dennoch: Man habe signierte Trommelfelle dabei, erklärt Johnathan Vigil vor „Light Years“, und verteile diese nun an alle Crowdsurfer, die ihren Weg nach vorne finden. Nur solange der Vorrat reicht, versteht sich. Nach so viel Energie auf einmal fällt der folgende Durchhänger natürlich umso stärker auf: Das generische „Wash It Away“ ist auch live ein Rohrkrepierer, zumal Vigils Singstimme ohne Nachhilfe aus dem Studio eher mäßig souverän erklingt.

Trotz guter Stimmung scheint das Publikum langsam vor der Hitze zu kapitulieren

Dafür freuen wir uns umso mehr, als THE GHOST INSIDE im Anschluss die großen Hits auspacken: „Mercy“, „Dear Youth“, „Aftermath“ und „Engine 45“ sorgen für entsprechende Resonanz, obwohl das Publikum – und das können wir nicht wegdiskutieren – im Vergleich zu den zuvor aufspielenden TBS doch eher bewegungsfaul wirkt und sich vorwiegend auf statische Partizipationsmöglichkeiten beschränkt. Klatschen, Singen und Ballspielen zehrt eben nicht ganz so an den bereits ausgelaugten Energiereserven. Dass sich an Letzterem zudem Bassist Jim Riley beteiligt, indem er grinsend eines der aufblasbaren Wasserspielzeuge mit einem beherzten Kick von der Bühne zurück ins Geschehen befördert, spiegelt die lockere Stimmung während des kurzweiligen Sets in passender Weise wider.

DEICIDE

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Raus aus der Komfortzone: Wenn man von alter Schule spricht, wäre es gerade im Death Metal wohl ein Sakrileg, DEICIDE zu unterschlagen. Eben weil die Band ungefähr so lange aktiv ist wie wir auf der Welt, sehen wir das Booking der US-Amerikaner als Bildungsangebot an, das wir selbstverständlich wahrnehmen wollen. Daher eilen wir am frühen Abend zur T-Stage, wo wir angesichts des Interesses an den Veteranen regelrecht Slalom laufen müssen, um überhaupt in Bühnennähe zu gelangen.

Erwartungsgemäß unaufgeregt holzen DEICIDE kurz darauf los, lassen keinen sprichwörtlichen Stein auf dem anderen, so dass wir mit Erleichterung feststellen, dass der heilige Schotterhaufen des SUMMER BREEZEschen Steinkults am Aufgang zur Main Stage, also auf der anderen Seite des Geländes, verortet ist. Rituale gibt es derweil auch an der T-Stage, wenngleich eher satanischer Art, wenn wir Frontmann Glen Benton Glauben schenken wollen.

Bei DEICIDE sitzen Riffs und Tempowechsel, wie man es von Veteranen eben erwarten würde

Zugegeben, die Texte des Bassisten und Sängers zu verstehen, ist wohl im Live-Kontext eine Wissenschaft für sich, denn zwischen roh-gurgelndem Growling und schrillen Screams bleibt nicht viel Platz für Diktion. Dafür sitzen die Riffs und Tempowechsel, soweit wir das anhand der rotierenden Häupter in der Menge adäquat beurteilen können. Allzu differenziert erscheint uns der Mix an unserer Position des Areals nämlich nicht, und da gerade der klassische Florida-Death nicht zu unserer liebsten Spielrichtung des Genres zählt, schwimmen wir bei der Einordnung etwas. Wir werden zwar langsam alt, aber vielleicht ist unsere musikalische Sozialisation für ein Kaliber wie DEICIDE tatsächlich bereits zu modern geprägt. Asche auf unsere Häupter?

Fotogalerie: DEICIDE

LAMB OF GOD

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Was für ein Start! Unheilvolle Ambient-Geräusche künden von der Ankunft etwas Großen, bis die Ruhe vor dem Sturm durch eine gewaltige Eruption ihr jähes Ende findet. „Ruin“ walzt über das SUMMER BREEZE hinweg, während Sparkler-Effekte die Bühne in ein Funkenmeer verwandeln. Wäre es doch nur schon finster in Dinkelsbühl. Doch selbst bei Tageslicht verfehlt der Knall seine Wirkung nicht. „Wie geht’s, Deutschland?“, fragt Shouter Randy Blythe und schon lodern mehrere Meter hohe Flammen über die komplette Front der Main Stage verteilt.

Die dazu laufenden Visualisierungen auf den aufgestellten LED-Tafeln verkommen zum Beiwerk angesichts der Präsenz, die der Frontmann an den Tag legt. Stimmlich mächtig und dabei pausenlos unterwegs trägt er großen Anteil an der Faszination, welche LAMB OF GODs Live-Shows wecken. Ein weiterer Baustein im großen Ganzen ist der massive Sound, der „Laid To Rest“ zur Abrissbirne macht und gegen den die Stimmgewalt zehntausender Fans in „Now You’ve Got Something To Die For“ erstmal ankommen müssen.

Der Circle Pit erreicht bei LAMB OF GOD völlig neue Dimensionen

Das Drumming präzise, die Riffs scharf: Für den Pit bedeutet das nur eine Konsequenz und zwar, dass bisherige Dimensionen ohne großes Aufsehen gesprengt werden. Derweil blickt Sänger Randy auch mal über den Tellerrand hinaus bis zum Horizont, wo er den einsamen Zaungast auf dem benachbarten Feld erspäht und jenem kurzerhand einen Song widmet: „Into Oblivion“ ist nur eines der Stücke vom gleichnamigen aktuellen Werk, das später noch mit dem groovenden „Blunt Force Blues“ bedacht wird.

Durchatmen dürfen die Fans nur beim zurückgenommenen Instrumentalauftakt von „Grace“, in dessen zweiter Hälfte schon wieder der Circle Pit an Fahrt aufnimmt. Eindringlich beginnt zudem „512“ mit seiner ominösen Lead-Gitarre, wo sich die nächste Wall of Death wie von Geisterhand formiert. Eine Aufwärmübung für die großen Hits LAMB OF GODs, denen man mit „Walk With Me Through Hell“ und dem finalen „Redneck“ selbstverständlich nachkommt – wer während letzterem in der äußeren Peripherie des Pits unterwegs ist, dürfte in diesen Minuten locker einen mittleren dreistelligen Wert auf dem Schrittzähler hinzugewinnen.

LAMB OF GOD Setlist

1. Ruin
2. Laid To Rest
3. Now You’ve Got Something To Die For
4. Into Oblivion
5. Resurrection Man
6. Grace
7. Blunt Force Blues
8. 512
9. Walk With Me In Hell
10. Parasocial Christ
11. Omerta
12. Hourglass
13. Memento Mori
14. Redneck

Fotogalerie: LAMB OF GOD

PERCHTA

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Dass es uns in der Regel nur selten auf den abgelegenen Campsite Circus zieht, liegt nicht an mangelndem Interesse. Viele spannende Künstler:innen geben sich dort die Ehre, erfordern aufgrund des Umwegs bei oft knapp bemessenen Spielzeiten aber einen hohen Zeitaufwand. In Kauf nehmen wir diesen für PERCHTA nur allzu gern, hat die Tiroler Black Metal-Band doch mit „D’Muata“ im Jahr 2024 nicht nur ein hervorragendes Album veröffentlicht, auch von den Live-Qualitäten der Gruppe konnten wir uns in der Vergangenheit bereits überzeugen.

Ein Faible für große Auftritte hat Sängerin Frau Percht weiterhin: Wir hören das Knarzen von Holz, das Quietschen von Scharnieren und immer lauter werdende Schritte, bis plötzlich die Frontfrau mit grotesk verzogener Miene auf die Bühne stürmt. Das Outfit grausig und geschmackvoll zugleich, die Mimik verzerrt und überdreht, aber zugleich packend. Es braucht nicht einmal die einzigartigen Folk-Elemente, welche PERCHTA in Form des Hackbretts auf die Bühne bringen, damit wir Feuer und Flamme sind.

Durch ihren einzigartigen Stilmix ziehen PERCHTA ihr Publikum verlässlich in den Bann

„Ois wås man san“ startet hektisch wie rastlos mit Blastbeats, hysterischem Schreien sowie rohem Black-Metal-Furor, bis dann plötzlich erhebender Klargesang hinzustößt und sich das Stück zu öffnen beginnt. „Åtem“ wiederum wirkt naturverbunden und mit seinem rituellen Charakter fast hypnotisch, bevor „Summa“ irgendwo zwischen Ambient und a cappella eine eindringliche Atmosphäre heraufbeschwört.

PERCHTA spielen vor einem gebannten Publikum und selbst wir reizen jede uns zur Verfügung stehende Sekunde aus, um das Maximum aus dieser starken Performance mitzunehmen. Dass wir zum Ende von „Vom Verlånga“ dennoch vorzeitig die Segel streichen müssen, schmerzt mehr, als wir gedacht haben. Hätte der Headliner ARCH ENEMY nicht ein neues Gesicht in seinen Reihen und wäre der Rückweg nicht so lang, wir hätten die Show liebend gerne bis zum Ende gesehen.

Fotogalerie: PERCHTA

ARCH ENEMY

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Die Trennung von Alyssa White-Gluz im letzten Jahr schlug hohe Wellen, doch aus den Fugen gerät eine Maschinerie wie ARCH ENEMY dadurch nicht. Davon will uns die schwedische Melodic Death Metal-Institution nun auf großer Bühne überzeugen und präsentiert ihr wohl bestes Argument an vorderster Front: Lauren Hart (ex-ONCE HUMAN) repräsentiert genau das, was der Band im vergangenen Jahrzehnt gefehlt hat. Darauf möchten wir uns schon nach den ersten zehn Minuten dieser eindrucksvollen Headline-Show festlegen.

Bei aller Professionalität ist Hart nicht nur ein Energiebündel auf der Bühne, das pausenlos umherflitzt, die Sängerin strahlt dabei auch noch bis über beide Ohren. Als sie wenig später in lupenreinem Deutsch erklärt, dass ARCH ENEMY ihre „Traumband“ sei, dann nehmen wir ihr das ohne mit der Wimper zu zucken ab. Dabei behält sich die Fronterin eben die Bodenständigkeit und Menschlichkeit bei, die wir zuletzt so vermisst haben: „Ich bin neu hier, hallo!“, stellt sie sich mit einem frechen Winken beim Publikum vor.

Mit ihren giftigen Screams weckt Sängerin Lauren Hart Erinnerungen an die ARCH ENEMY der 2000er Jahre

Diese Leichtigkeit beflügelt gleichzeitig das komplette Auftreten der Band, indem Lauren Hart ein gesundes Gegengewicht zu den einstudierten Abläufen der Gitarristen Michael Amott und Joey Concepcion darstellt, welche an fest definierten Punkten Rücken an Rücken ihre Soli spielen und dabei offenbar sogar ihre Kopfbewegungen abgesprochen haben.

Doch damit nicht genug, ist die Sängerin doch stimmlich ein etwas anderes Kaliber als ihre Vorgängerin. Galliger und giftiger erklingen ihre Screams, die damit näher an Angela Gussows roher Performance liegen. Ein Faktor, der sich in der Setlist widerspiegelt: Bereits der Einstieg mit „Yesterday Is Dead And Gone“ weckt wohlige nostalgische Erinnerungen, während „Ravenous“ vom „Wages Of Sin“-Album (2002) als weiterer Vertreter der Gussow-Ära nicht lange auf sich warten lässt.

ARCH ENEMY decken heute alle ihre Schaffensperioden ab

Überhaupt deckt die Songauswahl heute alle Schaffensperioden ARCH ENEMYs ab, von „Blood Dynasty“ (2025), das mit dem Titelstück bedacht wird, über „War Eternal“, wo neben der Stage selbst der Nachthimmel in Brand gesteckt wird, bis hin zum Frühwerk der Gruppe. Tatsächlich findet mit „Bury Me An Angel“ sogar der allererste Song, den Michael Amott seinerzeit für sein Lebenswerk geschrieben hat, den Weg zurück auf die Bühne.

Es ist eine Art „Best of“-Set, welches das Quintett hier in gewohnter Perfektion kredenzt und bei dem wir sehr schnell merken, dass nicht nur Lauren Hart richtig viel Lust auf diesen Querschnitt hat. Auch wir sind plötzlich wieder Feuer und Flamme, nachdem unser Verhältnis zu ARCH ENEMY zwischenzeitlich doch recht erkaltet war.

Die Dramaturgie ist die gleiche, doch so viel Leidenschaft haben ARCH ENEMY lange nicht mehr versprüht

Es ist schön, wieder die gleiche Begeisterung zu teilen, die gerade zehntausende Andere um uns herum ebenfalls empfinden: Die Leitmelodie von „The World Is Yours“ schallt aus zahllosen Kehlen, in „My Apocalypse“ säumen – wohl zum Grauen Alex Wesselskys (EISBRECHER) – ebenso viele Handyleuchten das Infield und nach der Sprungübung „No Gods No Masters“ darf der harte Kern vor dem ersten Wellenbrecher zu „Dead Bury Their Dead“ zum Feierabendlauf ansetzen – gegen den Uhrzeigersinn im Kreis, versteht sich.

Tatsächlich haben wir heute so viel Spaß mit ARCH ENEMY, dass wir nicht einmal ob der immergleichen Dramaturgie mancher Showaspekte mit den Zähnen knirschen. So schön „Snow Bound“ als Instrumental ist, ein wenig Abwechslung wäre für den Zugabenblock eine schöne Sache, zumal sich das Infield mit dem gesetzten „Nemesis“ zum Abschluss auch heute wieder in ein Bälleparadies verwandelt. Doch ist das angesichts dieser Power auf der Bühne ohnehin nebensächlich – was für ein Comeback.

ARCH ENEMY Setlist

1. Yesterday Is Dead And Gone
2. The World Is Yours
3. Ravenous
4. War Eternal
5. Blood Dynasty
6. My Apocalypse
7. To The Last Breath
8. Under Black Flags We March
9. The Eagle Flies Alone
10. Bury Me An Angel
11. No Gods, No Masters
12. Dead Bury Their Dead
13. Blood On Your Hands
14. We Will Rise
———————————
15. Snow Bound
16. Nemesis

Fotogalerie: ARCH ENEMY

DER WEG EINER FREIHEIT

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Die ersten Minuten des Auftritts verpassen wir zwar, aber es hat einen guten Grund, warum wir im Eilschritt zur T-Stage marschieren. Dort nachts und vor dem Hintergrund des beleuchteten Walds irgendeiner Post Black Metal-Band zu lauschen, ist für uns eine Kernerfahrung des SUMMER BREEZE OPEN AIRs. Dass es heute noch dazu eben nicht irgendein Vertreter des Genres ist, sondern DER WEG EINER FREIHEIT, macht die Tradition für uns umso erfüllender.

Wir suchen uns also linkerhand ein gemütliches Plätzchen auf dem Rasen, schließen die Augen und lassen uns treiben. Es ist ein Gefühl aus Müdigkeit und völliger Entspannung, das uns übermannt; dennoch driften wir zu keinem Zeitpunkt weg. Im Gegenteil, die Arrangements der deutschen Avantgarde-Band sind zwar ausladend, doch intensiv.

Nur wenige Bands können einen solchen Sog entwickeln wie DER WEG EINER FREIHEIT

Dabei entwickeln DER WEG EINER FREIHEIT einen Sog, wie ihn nur ganz wenige andere Künstler:innen in dieser Eindringlichkeit heraufbeschwören können. Die minimalistische Lightshow, die mit dichtem Nebel und viel indirektem Licht die Musiker oft als Silhouetten auf die T-Stage zeichnet, untermalt diesen Ansatz stimmungsvoll sowie unaufgeregt.

Zwar steht im Laufe der 60 Minuten das aktuelle Werk „Innern“ (2025) im Zentrum, doch neben Stücken wie „Eos“ oder „Xibalba“, zu dessen getragener zweiten Hälfte wir es noch rechtzeitig schaffen, sind nur ein Teil des Puzzles. Mit „Immortal“ schlägt das Quartett um Mastermind Nikita Kamprad zwischendurch ruhige Töne an und lässt gar etwas Klargesang einfließen, wohingegen „Ruhe“ vom Debüt unter Jubelschreien im Publikum einen Sturm losbricht. Atempausen streuen DER WEG EINER FREIHEIT behutsam, doch intelligent, weshalb das Ende in Form von „Forlorn“ schneller kommt, als uns lieb ist. Die Zeit fliegt eben, wenn man sich der Sache voll und ganz hingibt.

Fotogalerie: DER WEG EINER FREIHEIT

TEN56.

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Als wir TEN56. zuletzt live erlebten, quälten uns die Franzosen mit einer halben Stunde Stroboskopgewitter. So unerträglich wie vor vier Jahren ist die Lichtuntermalung heute glücklicherweise nicht, sonderlich spannend wird es visuell leider ebenso wenig. Damit passt das Auftreten immerhin zur Musik, denn mit ihren tief gestimmten Gitarren und simplen Strukturen nutzt sich die immergleiche Herangehensweise der Band schnell ab.

„Doormat“ und „Saiko“ haben abseits rarer Tempowechsel wenig anderes zu bieten, später im Set gesellt sich noch etwas Klargesang hinzu, doch sonst hangelt man sich eben von einem Breakdown zum nächsten. Das hat für eine Weile aufgrund des simplen Grooves durchaus Unterhaltungswert, wird allerdings dann umso schneller ermüdend.

TEN56. ziehen ihr Ding durch, auch wenn der Unterhaltungswert schnell abnimmt

Einsatz fordert Shouter Aaron Matts dennoch ohne Wenn und Aber: „When this shit kicks in, grab the person next to you and kick them in the fucking face.”, lautet die sympathische Aufforderung. Immerhin scheint ein Verzicht ohne Konsequenzen, wären wir doch bei TBS-Stroppo andernfalls sicherlich rausgeflogen. Der exklusiv für weibliche Fans eingerichtete Moshpit ist dann noch eine nette Geste, kann uns allerdings nicht davon überzeugen, bis zum Ende der Spielzeit vor der Rebel Stage zu verweilen.

Fotogalerie: TEN56.

DEAFHEAVEN

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„Lonely People With Power”. Gibt es eine bessere Kulisse für dieses intensive Stück Post Black Metal als die T-Stage zur Geisterstunde? Ihr aktuelles Werk aus dem Jahr 2025 stellen DEAFHEAVEN aus gutem Grund in den Fokus: Verbissen und intensiv zeigen sich die US-Amerikaner darauf, ohne die nachdenklichen Töne zu vergessen. Nichtsdestotrotz ist die Band in dieser Nacht zuvorderst laut: Frontmann George Clarke wirbelt regelrecht über die Bühne und will vom Genre-Klischee der in sich gekehrten Shoegaze-Fraktion so gar nichts wissen.

Das mag nicht die Regel sein für diese Spielart der Musik, welche ihren Sog insbesondere durch die massive „Wall of Sound“ und das Spiel mit Dynamik entwickelt. Es mag auch nicht der Form entsprechen, wie wir das Material DEAFHEAVENs am liebsten auf uns wirken lassen. Aber es funktioniert: Die Intensität, mit der Clarke zum Mitmachen animiert und Bewegung in die eigentlich ausgelaugte Zuschauerschaft bringen will, ist auf eigene Weise faszinierend.

Trotz fortgeschrittener Uhrzeit lassen DEAFHEAVEN nicht locker

Hinzu kommt eine gut eingespielte Band, die im einleitenden „Doberman“ nicht lockerlässt und im kompromisslosen „Sunbather“ gar noch eins draufsetzt. Dass sich „Brought To The Water“ dank prägnanter Lead-Gitarre und cleanem Einschub zeitweise öffnet, sorgt für kurze Erholung, wobei wir aufgrund der fortgeschrittenen Stunde – nach über zwölf Stunden auf dem Infield macht sich unsere Erschöpfung bemerkbar – zumindest einem der ruhigeren Tracks von „Infinite Granite“ (2021) nicht abgeneigt gewesen wären.

Als Zäsur wählen DEAFHEAVEN stattdessen das Interlude „Incidental II“, das zum Großteil vom Band kommt und die Band erst in der abschließenden Kakophonie aktiv hinzuzieht. Ihr Ziel jedenfalls hat das Quintett nach dieser 60-minütigen Vollbedienung erreicht: Wir sind zufrieden und geschafft. So sehr sogar, dass wir trotz geschmiedeter Pläne im Anschluss Feierabend machen: BIZARREKULT und WOLVES IN THE THRONE ROOM bekommen beim nächsten Mal die Aufmerksamkeit, die sie verdienen.

Fotogalerie: DEAFHEAVEN

Samstag, 15. August 2026

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Wie sehr sich die Trockenheit in diesem Jahr auf den Festivalalltag ausgewirkt hat, merken wir am letzten Morgen. Unsere Schuhe sind mittlerweile mehr hellbraun als schwarz, das Auto muss im Anschluss definitiv durch die Waschstraße und wie sehr die Kameraausrüstung durch den Staub in Mitleidenschaft gezogen wurde, erfuhren wir genau genommen schon am Vorabend, wo ein Kollege während seiner Reinigungsversuche darüber sinnierte, sich das versicherte Equipment doch lieber stehlen zu lassen. Zumindest die Pfriemelarbeit würde man sich dann ersparen.

Andererseits hat der Auslöser heute eigentlich nochmal Hochbetrieb: HELLOWEEN geben sich als Headliner die Ehre und bekommen dafür sogar ganze zwei Stunden statt der üblichen anderthalb zugestanden. Darüber hinaus laden ALESTORM zur Piratenparty, während traditionell geprägte Naturen der Audienz weiterer Metal-Veteranen entgegenfiebern. Max Cavalera gibt sich mit SOULFLY die Ehre, davor stehen TESTAMENT als gern gesehene Gäste ebenfalls in Dinkelsbühl auf den Brettern. Das ist freilich nur ein kleiner Auszug des Programms, das uns schon zur Mittagszeit aufs Gelände führt.

Weiterhin Teil des Steins, weiterhin Teil der Crew

Dort halten wir kurz an einem Gruppenevent: Seit 2024 gehören wir dem sogenannten „Stone Cult“ an, der am Auf- bzw. Abgang des Battlefield-Areals in Ringformation das Heiligtum in dessen Mitte bewacht. Wehe dem, der es wagt, diese Pilgerstätte ohne Opfergabe zu durchqueren. Schließlich legen dort Neu-Bekehrte regelmäßig einen jeweils eigens mitgebrachten Stein nieder, um das Aufnahmeritual anschließend durch eine persönliche Kostbarkeit zu besiegeln. Das können ein paar Tropfen des eigenen Gerstensafts sein oder aber kleinere Besitztümer: Wir sehen Stofftiere, Hüte, Sonnenbrillen, Feuerzeuge und sogar ein Stück Käse. Der Kult floriert trotz der Hitze.

HEAVYSAURUS

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Gepilgert wird zur Mittagszeit sogar noch ein Stückchen weiter, geben sich doch um Punkt zwölf HEAVYSAURUS die Ehre, wo sich neben gestandenen Metalheads auch solche von Morgen um die große Bühne scharen. Hierfür öffnet das SUMMER BREEZE ausnahmsweise über einen eigens abgetrennten Bereich auch der Generation die Tore, welche eigentlich noch zu jung für den geregelten Festivalbetrieb ist.

Dass die Show der Dino-Drachen-Band eine Party für Groß und Klein ist, weiß man in Dinkelsbühl schon seit einer Weile, wo man zuletzt im Vorjahr zur gleichen Zeit mit Mr. Heavysaurus und seiner Crew feierte. Trotz der Hitze, die für die Band selbst sicherlich kein Zuckerschlecken sein dürfte, gibt das Quintett jedoch von Anfang an Vollgas, zündet zu „Metal um die Welt“ erst die Pyro-Effekte, bevor Gitarrist Riffi Raffi seinem Instrument das erste Solo hervorlockt.

Bei HEAVYSAURUS haben die jüngsten Fans genauso viel Spaß wie die Großen im Dino-Pit

Wie man eine große Show aufzieht, wissen HEAVYSAURUS mittlerweile bestens, weshalb buntes Farbfeuerwerk den direkt nachgelegten Hit „Kaugummi ist mega!“ begleitet. Konsequent bringt der schmissige Track auch Leben in den mittlerweile zur Tradition gewordenen Dino-Pit im Publikum, wo die Zahl der kostümierten Urzeitechsen im Vergleich zu 2025 nochmals zugelegt hat.

Spaß haben die jüngsten Besucher:innen in den vorderen Reihen derweil genauso, allein schon, weil sie ihren Dinohelden (plus Drache) die „Pommesgabel“ aus nächster Nähe entgegenstrecken können. Dass HEAVYSAURUS mit „Kuhglocke, Go!“ selbst die musikalische Bildung in Form von kleiner Instrumentenkunde nicht ganz vergessen, rundet das diesjährige Familienhighlight ab. Nächstes Jahr also zur gleichen Zeit am gleichen Ort wieder? Der Dinopit jedenfalls freut sich sicherlich über neue Mitglieder.

Fotogalerie: HEAVYSAURUS

PARASITE INC.

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PARASITE INC. haben Verstärkung mitgebracht: Stand die Band im April auf dem EASTER CROSS ausnahmsweise noch in Unterzahl auf der Bühne, bekam sie in der Zwischenzeit offenbar Zuwachs. Am Mikro hilft derzeit CYPECORE-Frontmann Dominic Christoph aus, da der eigentliche Sänger (und Gitarrist) Kai Bigler derzeit aus gesundheitlichen Gründen seine Stimmbänder schonen muss. Für die Performance der Melodic Death Metal-Band auf der Main Stage wird diese Konstellation jedoch zum echten Zugewinn.

Da der Aushilfsshouter nicht an ein Instrument gebunden ist, hat er deutlich mehr Gelegenheit, die riesige Kulisse mit Leben zu füllen – eine Aufgabe, die Bassist Lou sonst größtenteils alleine schultert, während sich der stoische Bigler ungern ins Rampenlicht zu drängen scheint und Kollege Dominik Sorg neben den Fingern übers Griffbrett vornehmlich die eigene Haarpracht fliegen lässt.

PARASITE INC. tragen den anfänglichen Elan routiniert bis ins Finale

Beste Voraussetzungen also, die PARASITE INC. zu nutzen wissen: „First Born“ als treibender Einstieg setzt den Kurs, bevor die Band die Menge in „Follow The Blind“ gemeinsam aus der Hocke springen lässt. Das scheint Aufwärmprogramm genug für das SUMMER BREEZE, schalten doch alle Beteiligten ab diesem Augenblick einen Gang höher. In „Sunset Overdrive“ bedeutet das einen Circle Pit und in die Mitsing-Einlage während „Dead Or Alive“ stimmen die Fans ebenfalls gerne ein, bevor in „Once And For All“ eine stattliche Wall of Death ansteht.

„Viel Glück da in der Mitte“, wünscht Dominic Christoph den einzelnen Verrückten, die todesmutig im Epizentrum der nachfolgenden Erschütterung tanzen. Verletzte gibt es am Ende natürlich nicht, dafür aber ein per Fingern geformtes Herz vom Interimsfrontmann für das Geschehen zu seinen Füßen. Da PARASITE INC. diesen Elan über „Cyan Night Dreams“ mit seinem klar gesungenen Refrain bis hin zum Bandhit „The Pulse Of The Dead“ mitnehmen können, sind am Ende nicht nur die Musiker, sondern auch wir überglücklich mit dieser Vorstellung.

PARASITE INC. Setlist

1. First Born
2. Headfuck Rollercoaster
3. Follow The Blind
4. Sunset Overdrive
5. Dead And Alive
6. Once And For All
7. Cyan Night Dreams
8. The Pulse Of The Dead
9. When All Is Said

Fotogalerie: PARASITE INC.

SKELETON PIT

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Ihren Auftritt fassen SKELETON PIT erst ganz am Ende treffend zusammen: Als „Violent Raid“ könnten wir diesen Überfall des Trios ohne Bedenkzeit oder Zweifel bezeichnen. Nach dem vermeintlich ruhigen Intro holzt die Formation mit Vollgas los, verbissen und energisch schneiden die Thrash-Riffs durch die staubdicke Luft. Die Belohnung ist ein kleiner Pit in „Awaken The Claw“, für das SKELETON PIT ebenfalls die richtigen Worte in der Hinterhand haben: ein „Hit in the Pit“?

Aber sicher; wer hätte gedacht, dass der Backkatalog der Aalener selbst auf der Meta-Ebene eine ausgezeichnete Figur macht? Seine größte Stärke entfaltet das Material trotzdem hier und jetzt im Live-Kontext, wo der Thrash Metal des Gespanns bissig und kompromisslos zum Austoben anstachelt und dabei trotz seiner Grundhärte überraschend gut ins Ohr geht.

Fotogalerie: SKELETON PIT

BLOODRED HOURGLASS

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“I know, man… Can we still try?” – Manchmal muss man nur lieb fragen. Zwar hat Shouter Jarkko Koukonen vollstes Verständnis für die Strapazen, die sein Publikum nun den vierten bzw. fünften Tag in Folge auf sich nehmen muss. Über den anschließend gezeigten Einsatz, freut er sich trotzdem, als die Fans in der Nachmittagsglut zu „Where The Sinners Crawl“ auf und ab springen.

Dass es sich bei dem Stück um eines der wenigen älteren im Set handelt, scheint nicht der ausschlaggebende Punkt zu sein. Im Gegenteil feiern die Fans das im Fokus stehende aktuelle Werk „We Should Be Buried Like This“ (2025) mit der gleichen Begeisterung ab wie die Evergreens „Drag Me The Rain“ und „Veritas“.

BLOODRED HOURGLASS haben wir in der Vergangenheit kaum stärker erlebt als heute

Anteil daran hat sicherlich auch die Darbietung selbst: BLOODRED HOURGLASS treten heute spielfreudig auf, lassen die langen Haare – sofern vorhanden – synchron im Propellermodus rotieren und gehen mit gutem Beispiel voran, wenn es darum geht, am heißesten Tag des Open Airs ein paar Gänge höher zu schalten. Die einzige Pause in Form des nachdenklichen „God Has Favourites“ ist dennoch eine willkommene Abwechslung. Ein bisschen Durchschnaufen müssen wir trotz der erfrischenden Dusche mit dem Wasserschlauch zuvor.

Ein wenig Klargesang gibt es darüber hinaus in „Chasing Shadows“, wo Gitarrist Lauri Silvonen (WOLFHEART) zwischenzeitlich zum Mikro tritt und dabei eine durchaus gute Figur macht. Viel Raum für Kritik bleibt also nicht: BLOODRED HOURGLASS haben wir in der Vergangenheit kaum besser erlebt als heute, auch wenn wir natürlich dem einen oder anderen zusätzlichen Klassiker-Track nicht abgeneigt gewesen wären.

Fotogalerie: BLOODRED HOURGLASS

WUCAN

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Ohne Backdrop, dafür mit klassischen Orange Amps könnte man das schlichte Stageset als Statement lesen. Mehr als sich selbst – und ihre Instrumente versteht sich – brauchen WUCAN nicht, um eine packende Rock-Show aufzuziehen. Dass der Plan aufgeht, liegt zu nicht unwesentlichem Anteil an Francis Tobolsky: Das passionierte Auftreten der Sängerin bindet schnell unsere Aufmerksamkeit, während ihre Mitmusiker zwar abgeklärt, doch insgesamt eher unaufgeregt ihre Instrumente bedienen.

Das wiederum versprüht seinerseits eine gewisse Coolness; weniger aufgrund der Kippe, die Gitarrist Tim George lässig im Mundwinkel qualmen lässt, sondern weil die Band in passender Mode ein fast vergessenes Feeling von Rock’n’Roll heraufbeschwört. Musikalisch tritt das in „Irons In The Fire“ spürbar zutage, grundsätzlich jedoch bringen WUCAN eine ganze Reihe weiterer Einflüsse von progressiv bis psychedelisch mit sich. Das wiederum spiegelt sich in einem Solo wie dem von „Spectres of Fear“ oder im Querflötenspiel von Fronterin Francis.

WUCANs Bühnenpräsenz weckt eine gewisse Faszination

Deren ausdrucksstarke Gestik und Körpersprache schließlich führt dieses bunte Potpourri visuell zusammen und erzeugt im Bestfall einen regelrecht hypnotischen Sog. Das ist nicht jedermanns Sache, wie wir mancher Reaktion innerhalb der ersten Minuten entnehmen, weckt in uns aber eine gewisse Faszination – auch wenn wir letztendlich terminbedingt nur Teile des Auftritts verfolgen können.

Fotogalerie: WUCAN

ORBIT CULTURE

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Die Main-Stage-Premiere war nur eine Frage der Zeit. ORBIT CULTURE sind seit ihrem letzten Auftritt auf dem SUMMER BREEZE OPEN AIR nicht ohne Grund durch die Decke gegangen. Catchy, melodisch, groovend und massiv wie eine Urgewalt erklingen die Schweden, wohin sie auch kommen – und kehren heute nicht von diesem Erfolgsrezept ab. Entsprechend fett und klar ist der Soundmix, der dem Quartett dabei verhilft, schon mit „Death Above Life“ ihren bevorstehenden Siegeszug zu verkünden.

Dass manche Fans direkt während des Openers schon auf dem Hosenboden Platz nehmen, um zu rudern, hatte Frontmann Niklas Karlsson zwar nicht auf dem Schirm, er nimmt diesen Ausdruck von Wertschätzung jedoch ebenso gern entgegen, wie den folgenden Circle Pit im nach vorn preschenden „The Storm“. Dass der moderne Death Metal ORBIT CULTUREs ein generationenübergreifendes Ding ist, hätten wiederum wir nicht erwartet, bis wir im Hit „North Star Of Nija“ einen Papa mit seinem Sprössling beim gemeinsamen Crowdsurfen erspähen.

Die treue Fangemeinde ORBIT CULTUREs setzt Sänger Niklas Karlssons Wünsche in Windeseile um

Dergleichen soll es später noch eine ganze Menge geben, wobei Karlsson zunächst andere Pläne hat: „Bloodhound“ sei für Konzerte wie dieses geschrieben. Doch gleichzeitig müsse der Pit noch um ein paar Meter anwachsen – eine Forderung, der die Metalheads binnen Sekunden Folge leisten. Dass eine solch gigantische Lücke auch logistische Herausforderungen mit sich bringen kann, erleben wir aus nächster Nähe in „Rasen“: Weil man nicht so recht weiß, wohin man nun die Crowdsurferin reichen soll, wird ein spontaner Entschluss gefasst. „Durch den Pit!“, heißt es plötzlich im Chor, woraufhin man die Dame per Eillieferung zielstrebig wie sicher durch die Gefahrenzone transportiert.

Das Timing könnte nicht besser sein, hätte man sich dort doch Minuten später am Schauplatz einer Wall of Death wiedergefunden. Bei so viel Action in der Menge könnte man fast vergessen, dass auf den Brettern selbst vier gut eingespielte Musiker den Takt vorgeben. Gitarrist Richard lässt mit finsterer Miene vorwiegend die Haare fliegen, während Fredrik Lennartson am Bass „The Tales of War“ mit ein paar zusätzlichen Backing Vocals veredelt – dank mehrerer aufgestellter Mikrofone aus jeder Ecke der Stage.

Gänsehautgarantie gibt es bei ORBIT CULTURE nicht nur für die Fans

Das Fazit dieser einstündigen Machtdemonstration kommt derweil von Niklas Karlsson selbst: „Ich hab‘ am gesamten Körper Gänsehaut.“ – Ein Gefühl, das man auf dem Infield augenscheinlich bestens nachvollziehen kann, ziehen wir den Jubel heran, mit dem die Skandinavier nach dem kompromisslosen „Vultures Of North“ verabschiedet werden.

ORBIT CULTURE Setlist

1. Death Above Life
2. The Storm
3. The Tales Of War
4. North Star Of Nija
5. From The Inside
6. Bloodhound
7. Rasen
8. While We Serve
9. Hydra
10. Vultures Of North

Fotogalerie: ORBIT CULTURE

TESTAMENT

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Ein bisschen unangenehm berührt sind wir schon angesichts dieses Fehlstarts: Ein animierter Schädel spricht während des Intros direkt zum Publikum: „Scream!“, lautet die Anweisung, bevor der Knochenkopf gleich zweimal nach einer noch lauteren Reaktion verlangt. Der Haken an dieser – eigentlich – interaktiven Einleitung ist jedoch, dass diese Forderung vor der Main Stage kaum jemand mitbekommt. Totenstille ist die Resonanz, als würde man das Filmchen eben noch über sich ergehen lassen, bevor sich TESTAMENT endlich selbst die Ehre geben.

Tatsächlich ändert sich die Stimmung auf dem Battlefield mit einem Schlag, als die Thrash-Veteranen mit „Into The Pit“ und damit direkt einem Klassiker einsteigen. Dergleichen haben die US-Amerikaner selbstverständlich eine ganze Menge im Gepäck, wobei sich die Mannen um Chuck Billy – heute wieder stilsicher mit Stirnband – keineswegs nur auf den Lorbeeren von „More Than Meets The Eye“ und Co. ausruhen.

Es ist beeindruckend, wie aktiv TESTAMENT selbst heute noch über die Bühne fegen

Ihr jüngstes Schaffen stellt die Bay-Area-Band beispielsweise mit „Shadow People“ vor und präsentiert sich zugleich hungrig wie zu Anfangstagen. Generell ist es beeindruckend zu sehen, wie aktiv die Mannen selbst heute noch über die Bühne fegen: von Müdigkeit oder Erschöpfung ist weiterhin nichts zu spüren.

Dem schließen sich die Fans an, die gerne mitsingen, sofern es sich anbietet, oder eben auf andere angebrachte Weise partizipieren: Fäuste recken, Haare schütteln – wir alle kennen die Spielchen nur zu gut. Mitmachen lohnt sich heute zudem gleich doppelt, denn neben dem Spaß lockt auch eine kleine Belohnung. Immer wieder wirft Sänger Chuck Billy in hohem Bogen kostenlose T-Shirts ins Publikum. Wer eingangs noch mit den Gedanken woanders war, brüllt nun natürlich umso euphorischer in Richtung Main Stage. Also ganz so, wie es sein soll, wenn sich TESTAMENT mal wieder in Dinkelsbühl blicken lassen.

Fotogalerie: TESTAMENT

DECAPITATED

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Wie sehr die vergangenen Tage den Besucher:innen in den Knochen stecken, ist gerade vor der T-Stage zu spüren. Während DECAPITATED die Daumenschrauben anziehen, bleibt die Luft davor erstaunlich klar. Warum hier weniger Staub als sonst fliegt, liegt nicht allein am zuvor bewässerten Infield: Die Fans sind schlicht müde. Was aber nicht die Wertschätzung für die polnische Death Metal- / Deathcore-Band schmälern soll, denn sobald Sänger Eemeli Bodde das Wort ans Publikum richtet, ist die Resonanz deutlich zu hören.

Man hat augenscheinlich Spaß mit Songs wie „Last Supper“ oder „Earth Scar“ – die Fäuste schießen in den dafür vorgesehenen Parts reihenweise in die Höhe -, doch für mehr fehlt den meisten schlicht die Energie. Das ist insofern schade, da DECAPITATED sichtlich gut aufgelegt sind und mit dem nicht mehr ganz neuen Frontmann Bodde einen fähigen wie sympathischen Mann an vorderster Front wissen.

Mit fortschreitender Spieldauer bekommt auch der harte Kern im Pit stetigen Zuwachs

Ohne allzu viele Worte verlieren zu müssen, spricht das Grinsen des Shouters Bände. Breiter wird es nur, als mit zunehmender Spieldauer der harte Kern im Pit stetigen Zuwachs zu bekommen scheint. Eigentlich nur logisch, denn mit der schwindenden Sonne werden die Temperaturen erträglicher, während es bei Songs à la „404“ dank des guten Mix und der beherzten Performance selbst in unseren Füßen kribbelt. Fehlt eigentlich nur noch eine zweite Live-Gitarre statt des Backing Tracks und wir wären nahezu wunschlos glücklich.

DECAPITATED Setlist

1. The Blasphemous Psalm To The Dummy God Creation
2. Last Supper
3. Earth Scar
4. A Poem About An Old Prison Man
5. Cancer Culture
6. 404
7. Spheres Of Madness
8. Kill The Cult
9. Suicidal Space Programme
10. Iconoclast

Fotogalerie: DECAPITATED

ALESTORM

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Die Quietscheentchen vermehren sich nicht nur, sie werden auch immer größer. Von den drei Stück auf der Bühne überragt noch die kleinste Frontmann Christopher Bowes um einen guten Meter, während sich auf dessen Kappe neuerdings ein Miniaturexemplar eingenistet hat. Lange müssen wir zudem nicht warten, bis in „Keelhauled“ ein weiteres der gelben Maskottchen ins Publikum segelt. Die Message ist somit klar: ALESTORM sind nach wie vor die Alten, also ein Garant für 80 Minuten Party der feuchtfröhlichen Sorte.

Und wem das noch nicht zu deutlich ist, bei dem sollte der Groschen spätestens beim Dad-Joke des Festivals fallen: „Let me see your hands in the air, SOME-ARE-BEES!“, fordert er das spontan umgetaufte Open Air auf. Das macht man in Dinkelsbühl gerne, obgleich nicht immer nur zum Klatschen: Schon in „Killed To Death By Piracy“ häufen sich die Crowdsurfer, die gleich mehrfach auf menschlichen Brettern unterwegs sind. Zum Piratengimmick der Schotten passt das natürlich hervorragend. Allerdings würden Fans der Band wohl das Gleiche über das rosafarbene Axolotl sagen, welches sich über die Köpfe der Menge tragen und dabei Seifenblasen in den Abendhimmel aufsteigen lässt.

Von Sombrero bis Heiratsantrag – an Schauwerten mangelt es während der ALESTORM-Show nicht

An Schauwerten mangelt es während der Show somit sicherlich nicht, gerade weil es im Publikum vom fröhlich hüpfenden Circle Pit bis hin zu zahlreichen Schwimmutensilien an Kuriositäten nur so wimmelt. Die Größte aber hält sogar die Filmkamera fest, als irgendwo im Publikum gefühlt aus dem Nichts die Frage aller Fragen gestellt wird – der Soundtrack dazu? „Zombies Ate My Pirate Ship“ natürlich, wird man sich doch von nun an gemeinsam einen Kahn teilen.

Direkt vor den Brettern bekommt man den Heiratsantrag nicht mit: Hier rudern die Anhänger:innen um die Wette – und das nicht zum letzten Mal an diesem Abend. Denn während die Grabenschlampen zu „Nancy The Tavern Wench“ gemütlich schunkeln, sitzen die Hardcore-Fans in der Mitte längst wieder im Staub. Mitunter scheint uns der Einsatz der Leute fast schon inszeniert, als zu „Mexico“ plötzlich ein Crowdsurfer im Sombrero an uns vorbeizieht.

Zur Hitparade im letzten Drittel fliegt plötzlich ein knappes Dutzend Riesenenten über die Menge

Dennoch passt man inmitten des Tohuwabohus aufeinander auf: Als die mittlerweile ungesund aussehende Riesenente in den Pit geschleift wird, schwant uns schon Schreckliches, doch alle missglückten Versuche, in der Folge auf dem gelben Wassertier zu reiten, enden sanft in den Händen der umstehenden Personen.

Bei so viel Zusammenhalt kann ja eigentlich nichts schief gehen, als man endlich zum „guten Zeug“ kommt, wie Chris Bowes den unverschämt eingängigen Hit „P.A.R.T.Y.“ ankündigt. Um anschließend die völlige Eskalation sicherzustellen, sucht das Battlefield plötzlich eine Invasion riesiger Quietscheentchen heim. Ganze neun Stück zählen wir zwischenzeitlich zum Evergreen „Drink“.

Aus der Ferne wirkt das Gastspiel ALESTORMs zweifelsohne wie die größte Party des Festivals

Dass wir währenddessen langsam den Weg zur T-Stage antreten, ist ein Jammer, hat jedoch auch einen Vorteil: Von der höher gelegenen Zweitbühne aus bietet sich ein beeindruckendes Bild der Main Stage, wo sich die Enten mittlerweile bis zu den Menschenmassen am hinteren Ende durchgeschlagen haben. Wären wir nicht gerade selbst dort gewesen, wir hätten panische Angst verspürt, gerade die größte Party des Festivals verpasst zu haben.

ALESTORM Setlist – ca. 80 Minuten

1. Keelhauled
2. Killed To Death By Piracy
3. The Sunk’n Norwegian
4. Zombies Ate My Pirate Ship
5. Mexico
6. Under Blackened Banners
7. Banana
8. Hangover
9. Hyperion Omniriff
10. Nancy The Tavern Wench
11. Alestorm
12. Shipwrecked
13. The Storm
14. P.A.R.T.Y.
15. Shit Boat (No Fans)
16. Drink
17. Uzbekistan
18. Fucked With An Anchor
19. Rumpelkombo

Fotogalerie: ALESTORM

SOULFLY

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Warum denn hier so viel los sei, fragt unsere unwissende Begleitung, die mit dem Namen Max Cavalera eben keine mehr als vier Dekaden andauernde Erfolgsgeschichte verbindet. Der prägende Einfluss des Brasilianers sorgt dafür, dass es auf dem T-Square um halb neun ziemlich kuschelig zugeht, was dem Großmeister allein allerdings nicht genug scheint.

Mit dem unverwüstlichen Evergreen „Back To The Primitive“ machen SOULFLY sodann Nägel mit Köpfen: Die Meute soll den Kopf ausmachen und zum groovenden Tribal-Rhythmus am besten beide Beine vom Boden lösen. „Everybody jump!“, lauten die ersten Worte Cavaleras, welchen natürlich Folge geleistet wird. Und somit steht die Marschrichtung für die nächste Stunde: Ob SOULFLY nun „Seek ’n‘ Strike“ oder „No Hope = No Fear“ nachschieben, die Devise bleibt unverändert.

Roh und ungezügelt lassen SOULFLY nicht locker

Und so springen diejenigen, die noch etwas Sprit im Tank haben, die ersten zehn Minuten pausenlos durch, um dann mit den ersten Takten von „Prophecy“ umso energischer ineinander zu krachen. So kraftvoll der Pit, so roh und ungezügelt die Performance der Band. Das schließt den Bandkopf mit ein, der heute gewohnt roh, doch stimmlich auch ein bisschen müde klingt. Die Urgewalt der Anfangstage verspüren wir heute somit nicht, von Altersmilde wollen derweil weder wir noch Max Cavalera etwas wissen. Das Tribal-Instrumental „Bumba“ mit Percussioneinsatz ist somit nur als Zäsur anzusehen, bevor in „Downstroy“ wieder die gewohnte Abrissbirne zum Einsatz kommt.

Fotogalerie: SOULFLY

HELLOWEEN

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Ganze zwei Stunden bekommen HELLOWEEN, um ihre Jubiläumsshow zum 40-Jährigen auf die hiesige Festivalbühne zu bringen. Das ist eine halbe Stunde mehr als üblich und doch muss die Power Metal-Legende hier und da den Rotstift ansetzen, um nicht zu überziehen: bei der Setlist, bei den Ansagen, nicht aber beim animierten Intro, das über die seitlichen Videotafeln flimmert und die Diskografie der Band in einer kargen Felslandschaft in Szene setzt. Das ist mit seinem 2000er Charme etwas trashig, soll uns aber nicht weiter stören. Denn besser ein angestaubtes Intro, als ebensolche Musik.

Jene hat hingegen zeitlosen Charakter scheint die Botschaft, die uns das animierte Uhrwerk im Hintergrund der zweistöckigen Bühne überliefern will. „March of Time“ ist ein geradliniger Opener mit entsprechender Größe und ein klares Statement, das in punkto Megalomanie nur von Daniel Löbles vier Bassdrums umfassenden Kit in den Schatten gestellt wird – SPINAL TAP würden vor Neid erblassen.

Andy Deris und Michael Kiske teilen sich die Aufgaben am Mikrofon brüderlich und ergänzen sich erstaunlich gut

Dennoch ist das erst der Auftakt einer Zeitreise, wie uns der animierte Hüter der sieben Schlüssel anschließend erläutert. Gespickt mit Hits, Klassikern und ein paar aktuellen Nummern ziehen HELLOWEEN eine entsprechend pompöse Show auf, die insbesondere gesanglich großes Kino ist. Zugegeben, während „March Of Time“ haben wir noch etwas mit Andy Deris‘ hohen Noten gefremdelt, doch schon in „The King For A 1000 Years“ sind wir voll an Bord. Deris und sein Kollege Michael Kiske ergänzen sich dabei auffallend gut, teilen sich die Aufgaben am Mikro brüderlich und überlassen dem jeweils anderen für einzelne Songs das Rampenlicht.

Während beispielsweise Andi Deris in „We Burn“ im Schein der Flammenwerfer das Szepter übernimmt, überreicht er selbiges im Anschluss an seinen Partner, der „Twilight Of The Gods“ federführend übernimmt. Zwar glauben wir nicht, dass er damit die Obrigkeit verärgert hat, und doch prasseln während der Show plötzlich die Regentropfen vom Himmel. Lange ersehnt, kommt der Schauer nun zur denkbar schlechtesten Zeit.

In „Ride The Sky“ übernimmt Gitarrist und HELLOWEEN-Gründer Kai Hansen den Gesang

Immerhin heizen uns HELLOWEEN musikalisch ein, wenn sich Kiske und Deris nicht gerade in ihren einstudierten Ansagen verlieren. Immerhin wirkt das Hin und Her irgendwie sympathisch, vermutlich weil die Witzchen eher wie etwas steif vorgetragene Sketch-Einlagen wirken. Immerhin: Unterhaltsamer als Kai Hansen unnötiges Gitarrenintro zu „Future World“ ist der Dialog der beiden in jedem Fall.

Aber wir wollen nicht zu hart sein, schließlich hat der Gitarrist und Bandgründer ansonsten nur wenige Gelegenheiten, selbst federführend in Erscheinung zu treten. „Ride The Sky“ ist so ein Augenblick, wo Hansen an vorderster Front selbst ans Mikro tritt. Zwar scheint während der Solos etwas der Wurm drin, dafür entwickelt die Nummer einen kräftigen Zug nach vorne.

HELLOWEEN beenden ihre Headline-Show mit einem Feuerwerk

Die Powerballade „Into The Sun” holt uns anschließend wieder auf den Boden zurück, bevor HELLOWEEN mit „Hey Lord!“ einen Klassiker aus den 80ern anstimmen und dabei auf stimmliche Unterstützung hoffen, wie uns Andy Deris wissen lässt. Was zuvor schon bei „Future World“ und „We Burn“ ausgezeichnet geklappt hat, enttäuscht die Band natürlich auch jetzt nicht: Das SUMMER BREEZE zeigt sich heute Abend sowohl textsicher als auch gut bei Stimme.

Für uns wiederum ist das ein Signal, langsam weiterzuziehen: Band und Publikum sind jeweils in des anderen Arme gut aufgehoben, so dass wir – neugierig ob des Kontrastprogramms am T-Square – langsam losschlendern. Das große Finale jedenfalls können wir eine halbe Stunde später zwar nicht hören, dafür allerdings sehen: Mit einem Feuerwerk endet traditionsgemäß die Headline-Show des Samstags. Dass jenes uns diesmal ein wenig abgespeckt und weniger imposant erscheint, liegt wohl in der Dürre begründet: Einen Flächenbrand möchte man aufgrund fehlgezündeter Feuerwerkskörper in Dinkelsbühl vernünftigerweise nicht riskieren.

Fotogalerie: HELLOWEEN

PALEFACE SWISS

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Dabei handelt es sich um Bedenken, die PALEFACE SWISS völlig fremd sind, möchten wir meinen. Binnen Minuten stecken die Schweizer die komplette T-Stage in Brand und zwar aus allen möglichen Richtungen: Später im Set schießen die Flammen sogar von den Bühnenrändern zur Mitte und über die Köpfe der Musiker hinweg. Dieser Sinn für Ästhetik beginnt derweil schon beim Intro, wo Sound und Licht perfekt aufeinander abgestimmt sind und die Spannung schüren für einen regelrecht explosiven Auftritt.

Dass es auf dem Areal brechend voll ist, liegt folglich nicht nur am härteren Alternativprogramm, das PALEFACE SWISS all jenen bieten, die mit dem Headliner HELLOWEEN – im Übrigen Gitarrist Yannicks Einstiegsband in den Metalkosmos – wenig anfangen können. Genauso wenig lässt es sich mit dem bloßen Hype begründen, der die Formation derzeit umgibt. Die gegenwärtige Situation ist wohl in erster Linie Beleg für die Live-Qualitäten des Quintetts, das mit „I Am A Cursed One“ brachial und ungezügelt loslegt. Das geschieht mit Elan und Biss, weshalb die Eskalation im Pit nicht lange auf sich warten lässt.

Shouter Zelli hat sich in seiner Rolle als Frontmann endgültig gefunden

Natürlich ist der Mix aus Nu Metal à la SLIPKNOT und roher Hardcore-Attitüde, die gerne auch in den Backing Shouts zutage tritt, ein entsprechend effektives Gebräu. Gleichzeitig hat sich Zelli mittlerweile zum Frontmann von Format gemausert. Mit beispiellos eindringlicher Präsenz diktiert der Shouter das Geschehen, ohne dabei auf eine übertrieben harte Persona setzen zu müssen. Dass sich der Sänger mittlerweile in seiner Rolle gefunden hat, macht das Auftreten der Band aller verbissener Intensität zum Trotz sympathisch – selbst wenn wir selbst ein bisschen zu alt für das GenZ-Vokabular sein mögen.

Dafür verspricht uns Zelli keineswegs zu viel, wenn er uns verspricht, dass es nun „richtig ab[gehe], Brudi.“ Der Beweis ist die in der Dunkelheit zur undefinierbaren Masse gewordene Fangemeinde, die zu „…and with hope you’ll be damned“ auf und ab springt. Damit auch niemand auf den Gedanken kommt, anschließend einen Gang runterzuschalten, geht der Fronter in „Nail To The Tooth“ am Wellenbrecher auf Suche nach zusätzlicher stimmlicher Unterstützung – oder vielleicht auch nur, um herauszufinden, woher denn nun zu dieser späten Stunde die crowdsurfende Person im rosafarbenen „Hello Kitty“-Kostüm hergekommen ist.

Bei PALEFACE SWISS erreicht der Pit bisweilen Dimensionen, die wir an der T-Stage nur sehr selten zu sehen bekommen

Dass das SUMMER BREEZE das Mikro indes nicht unbedingt braucht, stellt es kurz darauf in „Best Before: Death“ klar, wo gefühlt das komplette Infield die Hook begleitet. Angesichts dieses Energielevels mag eine Powerballade wie „Everything Is Fine“ ein kleines Risiko sein, vor treuen Fans, die sich hier gegenseitig auf die Schultern heben, wird allerdings selbst diese Zäsur zum gefühlvollen Singalong. Wie man daran anknüpft? Mit einer Wall of Death natürlich – oder auch zwei, denn hinter dem Wellenbrecher geht es weiter.

Dabei erreicht der Pit Dimensionen, die wir an der T-Stage nur sehr, sehr selten zu sehen bekommen – und die Zelli dennoch nicht genug erscheinen: „Macht mal eure scheiß Smartphones weg, ihr guckt die Scheiße eh nie wieder an!“, erklärt er den Leuten am Rand mit weisen Worten: Da könne man ja stattdessen auch Teil der Erfahrung sein. Eskalation auf der Bühne, Eskalation davor – was will man mehr? Eben.

PALEFACE SWISS Setlist

1. I Am A Cursed One
2. Hatred
3. …And With Hope You’ll Be Damned
4. Nail To The Tooth
5. Best Before: Death
6. The Orphan
7. Everything Is Fine
8. The Gallow
9. My Blood On Your Hands
10. Love Burns
11. Let Me Sleep
12. Please End Me

Fotogalerie: PALEFACE SWISS

THY ART IS MURDER

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“Who the fuck is Jerry Grimefeld?” Was der neue Frontmann selbstironisch auf dem T-Shirt trägt, ist tatsächlich eine berechtigte Frage. Nur wenige Tage zuvor standen THY ART IS MURDER plötzlich mit neuem Mann am Mikro auf der Bühne – keine Ankündigung, keine Info zur Trennung von Vorgänger Tyler Miller. Die Stimme für den Job hat der Neuzugang jedenfalls. Grimefelds Bandbreite im extremen Spektrum ist enorm, die Screams so fies wie das Growling voluminös. Dass er in punkto Deutlichkeit noch zulegen kann, soll an Ort und Stelle erstmal nicht stören.

Denn selbstbewusst und mit ungewohnt lockerem Gang marschiert der Sänger über die Main Stage, während um ihn herum die Pyro-Effekte zünden. Selbst auf der großen Bühne verfehlt der Deathcore der Australier seine Wirkung nicht, so viel ist nach dem Einstieg mit „Blood Throne“ klar. Das liegt am ungemein fetten Soundmix, den klug gesetzten Special Effects und dem bewährten Songmaterial THY ART IS MURDERs, das heavy und doch für Genre-Verhältnisse eingängig daherkommt.

Ein medizinischer Zwischenfall überschattet eine bärenstarke Performance

Zweifel? Ein Blick auf den ARTE-Mitarbeiter an der Dolly-Kamera dürfte Klarheit schaffen, lässt es sich der gute Mann doch nicht nehmen, während der Arbeit selbst die Haare zu schütteln. Wir jedenfalls sind uns nach zehn Minuten schon sicher, hier unerwarteterweise eines unserer Festivalhighlights zu sehen, das nur durch einen medizinischen Zwischenfall während „Death Squad Anthem“ überschattet wird.

Rund zehn Minuten dauert der Einsatz der Sanitäter in Pit-Nähe, bevor es mit der Show weitergehen kann. Dazu gehört natürlich auch ein Circle Pit wie in „Slaves Beyond Death“. Aufeinander aufpassen solle man allerdings, merkt Jerry Grimefeld an. Eine Warnung, die nach dem vorherigen Unglück umso wichtiger erscheint – zumal die Fans im Zentrum weiterhin Vollgas geben. Diese Leidenschaft entschädigt schlussendlich auch für die ausgedünnten Reihen jenseits des zweiten Wellenbrechers.

THY ART IS MURDER beschließen das Programm der Main Stage mit Brachialgewalt

Als letzte Band auf der Main Stage müssen THY ART IS MURDER mit einem erlesenen, doch dafür umso begeisterungsfähigen Publikum vorliebnehmen. Aber mal ehrlich: Es gibt bedeutend Schlimmeres, als vor seiner treuesten Fangemeinde zu spielen, die es trotz Finaltags fertigbringt zu „Keres“ einen gigantischen Circle Pit vom Stapel zu brechen.

Fotogalerie: THY ART IS MURDER

SOEN

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Lief das Open Air unserer Erfahrung nach bislang ohne technische Komplikationen, dauert es nun geschlagene zehn Minuten länger, bis das Intro ertönt. Mit der „20th Century Fox“-Fanfare verspricht man uns jedenfalls einen Blockbuster, den wir – gemessen an vergangenen Auftritten SOENs – auch erwarten.

Da sich die Schweden auf ihre jüngeren Alben konzentrieren, stehen dementsprechend drückende Riffs auf dem Programm: mehr Alternative denn Progressive Metal. Das klingt live entsprechend massiv, über das komplette Set allerdings auch gleichförmiger als in der Vergangenheit, wo die Skandinavier ihre gesamte Bandbreite besser zur Schau stellten.

SOEN inszenieren sich selbstbewusst als Band der Stunde

Immerhin gibt es in Form von „Fraccions“ mit seinen TOOL-artigen Arrangements eine kleine Rarität, während „Lotus“ als obligatorischer Klassiker selbst diese Nacht veredelt. Dazwischen inszenieren sich SOEN selbstbewusst als Band der Stunde: vom großzügigen Pyro-Einsatz bis hin zur Militäruniform in „Memorial“ reichen die Showeinlagen, um die kraftvoll-eingängigen Songs zu untermalen.

Und doch scheint man hier nicht das volle Programm aufgefahren zu haben, wie Sänger Joel Ekelöf später auch die Verspätung erklärt. Man habe uns zwar nicht die Lightshow bieten können, die wir verdient hätten, aber die Musik spreche doch für sich selbst, so der Frontmann. Dass die aufgestellte Backline die ganze Zeit über dunkel geblieben war, fällt uns tatsächlich erst mit diesem Wissen auf. Essentiell scheint das Brimborium somit kaum.

Trotz eigentlich guter Show bleiben SOEN diesmal hinter den Erwartungen zurück

Denn im Grunde hat Ekelöf, der uns heute dennoch etwas arg selbstgefällig erscheint, ja Recht: Die Performance allein ist der Grund, warum uns SOEN in der Vergangenheit stets restlos begeistern konnten. Musikalisch ist das heute nicht anders: Die Soli sitzen, Drummer Martin Lopez spielt mit viel Gefühl, ein bisschen Rockstar-Feeling ist auf dem Areal ebenfalls zu spüren.

Nichtsdestotrotz will der Funke diesmal nicht so recht überspringen. Die Songauswahl ist sich mit Stücken wie „Primal“, „Violence“ oder „Unbreakable“ recht ähnlich und Joel Ekelöfs eigentliches Charisma bewegt sich mittlerweile nahe an der Grenze zur Arroganz, während die gesangliche Darbietung zwar gut, doch gerade zum Ende hin in „Unbreakable“ doch nicht immer sauber klingt. Unsere Erfahrung ruiniert das keineswegs, gemessen an unseren bisherigen Aufeinandertreffen mit der Band ist das heute allerdings eine geradezu nüchterne Vorstellung.

SOEN Setlist

1. Mercenary
2. Antagonist
3. Fraccions
4. Memorial
5. Discordia
6. Lotus
7. Primal
8. Violence
9. Unbreakable

Fotogalerie: SOEN

MØL

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Wir haben zuvor schon darüber gesprochen: Einen schöneren Tagesausklang als mit den überwältigenden Soundkulissen, wie sie der Post Black Metal errichtet, können wir uns nicht vorstellen. Dementsprechend heiß waren wir auf den Festivalabschluss mit MØL, welche mittels diverser Lichtsphären und einer ununterbrochen laufenden Nebelmaschine die passende Bildsprache dabeihaben.

Für die entrückt-verträumten Momente sorgt dabei das Material des neuen Albums „Dreamcrush“ (2026), das zauberhafte Clean-Arrangements und – wie in „Garland“ – sanften Klargesang einstreut. Davon abgesehen setzen die Dänen jedoch auf eine massive Wall of Sound, die zwar etwas unter dem matschigen Audiomix und den zu lauten Drums leidet, sein Ziel aber nicht verfehlt.

MØL beweisen, dass Blackgaze eine aufrüttelnde Angelegenheit sein kann

Dafür sorgt auch Frontmann Kim Song Sternkopf, dessen Silhouette im Nebel eine erratische Erscheinung darstellt. Den Mikroständer reißt der Sänger theatralisch in die Luft, bevor es ihn für „Photophobic“ das erste Mal in den Fotograben zieht. Zwischen Kakophonie und Seelenbalsam reichen die Extreme, die MØL in dieser Nacht bedienen und die das SUMMER BREEZE keinesfalls andächtig, sondern laut sowie unbeugsam enden lässt.

Er hasse Rituale, erklärt Sternkopf zum Ende, bevor er doch eine Ausnahme zugesteht: Ohne Ausflug ins Publikum gehe es offenbar nicht, weshalb sich der Sänger kurz darauf umringt von einem Pulk begeisterter Anhänger:innen wiederfindet. Ein bisschen mehr Feingefühl am Mischpult wäre zwar schön gewesen, doch immerhin verabschieden sich die Skandinavier mit einem Knall und dem unmissverständlichen Nachweis, dass Blackgaze eine ungemein aufrüttelnde Angelegenheit sein kann.

Fotogalerie: MØL

Was das SUMMER BREEZE Jahr für Jahr für den Besucherkomfort tut, ist keine Selbstverständlichkeit

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Der Weg zurück zum Campingplatz hat am letzten Tag immer auch etwas Wehmütiges. Beinahe surreal fühlt sich das nun stille Infield an, wo bereits die Aufräumarbeiten im Bereich der Hauptbühne und Shoppingmeilen angelaufen sind. Dass wir nach fünf Tagen schon am nächsten Morgen wieder zurück in die Realität müssen, scheint gerade noch eine Ewigkeit entfernt. Es ist eben eine kleine Wohlfühl-Bubble, in die wir uns jedes Jahr in Dinkelsbühl zurückziehen und auf die wir uns nun wieder zwölf Monate lang freuen dürfen.

Was nämlich von Ausgabe zu Ausgabe hier passiert, ist keinesfalls selbstverständlich – obwohl das ein Blick auf unsere letztjährigen Zusammenfassungen nahelegen könnte. Was wir 2025 etwa lobten, setzte sich in diesem Sommer nahtlos fort: Die schattigen Rückzugsorte wurden abermals und diesmal massiv erweitert, indem man ein gigantisches „Magic Sky“-Dach errichtete und durch zusätzliche sonnengeschützte Sitzgelegenheiten ergänzte. Diese breit angenommene Neuerung in irgendeiner Form auch auf das Battlefield-Areal nahe der Main Stage auszuweiten, wäre der nächste logische Schritt.

Das SUMMER BREEZE will auch weiterhin unabhängig bleiben

Zusätzliche Toiletten verbesserten zudem die sanitären Bedingungen auf dem Campingplatz. Dass jene noch dazu rund um die Uhr gewartet und gereinigt wurden, dürfte dem SUMMER BREEZE eine Vorreiterstellung in der Festivalszene einbringen. Ähnliches gilt für die Duschanlagen, die unserer Erfahrung nach hervorragend funktionierten, aber – wie uns zugetragen wurde – mancherorts nicht immer mit heißem Wasser dienen konnten. Dass die beengten Kabinen häufig ohne Vorhang kamen, sorgte allerdings für zusätzliche Herausforderungen. Abhilfe war zwar mit etwas Einfallsreichtum auch hier möglich; dennoch hörten wir oft den Wunsch nach einer festivalseitigen Lösung, so dass beim Umziehen auf Wunsch auch die eigene Privatsphäre geschützt werden kann.

Blicken wir nur zwei Dekaden zurück – immerhin feierte das SUMMER BREEZE OPEN AIR in diesem Jahr das 20-jährige Jubiläum in Dinkelsbühl -, dann merken wir schnell, dass wir hier über Luxusprobleme sprechen. Was das Festival seither für seine Besucher:innen getan hat, geht nämlich weit über das Maß hinaus. Möglich ist das auch, da die Veranstalter trotz der stolzen Größenordnung von rund 45.000-50.000 Gästen weiterhin vollständig unabhängig agieren. Ein Status, den man auch künftig beibehalten will, wie Gründer Achim Ostertag in der diesjährigen Pressekonferenz erklärte.

Das festivaleigene Motto „Respect Everyone“ machte das SUMMER BREEZE 2026 noch sichtbarer

Dass das SUMMER BREEZE 2026 so schnell ausverkauft war wie nie zu vor, spricht für die Politik der Organisatoren: Es sind die Früchte der harten Arbeit und der langjährigen Geschichte, die auf gegenseitigem Respekt beruht. Zu sehen ist das ganz konkret anhand verschiedener Poster und Plakate auf dem Festivalgelände. Hier spielt nicht nur Inklusion eine Rolle, wie wir sie während des von Metality organisierten Moshpits bei BROTHERS OF METAL erlebten, sondern auch ein Bekenntnis zu Toleranz und freiheitlich-demokratischen Werten.

„Respect Everyone“ ist eines der Mottos des Festivals, das in diesem Jahr noch sichtbarer wurde: An Kontrollpunkten wie Einlass oder Fotograben wiesen Aushänge auf verfassungsfeindliche Symbolik hin und hoben nach dem Security-Skandal auf dem diesjährigen WACKEN OPEN AIR auch jene Aufnäher und Botschaften hervor, die ausdrücklich erlaubt seien. Und sah man sich doch einmal mit rassistischer Symbolik konfrontiert, stand eine Security-Hotline zur Verfügung, deren Rufnummer auf dem Gelände allerdings künftig gerne noch sichtbarer gemacht werden darf.

Das kulinarische Angebot setzte 2026 auf größere Vielfalt, während das SUMMER BREEZE den Getränkepreis stabil hielt

Respekt ist zudem eine Art Leitidee, die sich bis in jede Facette der Veranstaltung erstreckt: Vom Ausschank über die mobilen Verkäufer:innen bis hin zum Sicherheitsdienst erlebten wir ausschließlich zuvorkommende Interaktionen. Im Bühnengraben schließlich sorgten traditionsgemäß die Grabenschlampen für gute Laune und sicher zu Boden gebrachte Crowdsurfer.

Bleibt also nur noch die gastronomische Situation: Keine Preiserhöhungen hat das SUMMER BREEZE für seine Getränkestände versprochen. Das macht 5,20€ für 0,4 Liter zwar nicht unbedingt attraktiver, ist aber immerhin ein Zugeständnis, das wir anerkennen wollen. Dafür empfanden wir das kulinarische Angebot so vielfältig wie nie, was sich auch im vegan/vegetarischen Bereich bemerkbar machte. Für den schmalen Geldbeutel war die Auswahl zwar erwartungsgemäß begrenzt, mit etwas Suchen fand man aber durchaus Verpflegungsoptionen mit immerhin adäquatem Preis-Leistungsverhältnis.

Ausverkauft in Rekordzeit: Das bedingungslose Vertrauen der Fans ist wohl das größte Kompliment für die Arbeit des SUMMER BREEZE OPEN AIRS

Seinen Kurs behält das SUMMER BREEZE folglich bei und scheint damit kaum zu stoppen. Schon Anfang September sind die Tickets für das 30-jährige Jubiläum 2027 restlos vergriffen. Man hält dem Festival in Süddeutschland also nicht nur die Treue, sondern schenkt ihm auch bedingungsloses Vertrauen. Ob also in der ersten Zeile neben ELECTRIC CALLBOY und EDGUY das in Teilen noch unter Verschluss gehaltene „Legends & Orchestra“-Special anstelle eines zugkräftigen Mega-Acts steht, ist nicht der springende Punkt.

Wenn das SUMMER BREEZE sich etwas Außergewöhnliches vornimmt, dann wird es sicherlich auch gut werden, scheint die Devise. Darüber hinaus feiert man im kommenden Jahr mit dem 30. Geburtstag ja ohnehin ein ganz besonderes Fest. Und obwohl es immer irgendeinen Grund zu feiern gibt, ist ein solcher Meilenstein doch fraglos ein ganz besonders schöner.

Fotogalerie: Impressionen

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