Die aktuellen Genre-Standards treibt das Quintett auf die Spitze, indem es den heruntergestimmten Gitarren in all ihrer Sumpfigkeit einen entfesselten Briton Bond zur Seite stellt. Der Shouter klingt boshaft wie nie, wechselt im Laufe der EP jedoch auch in andere Stimmlagen, wobei die wiederkehrenden Spoken-Word-Passagen eher schwachbrüstig ausfallen.

WAGE WAR gehen nicht unbedingt inspiriert zu Werke, bringen ihre Ideen aber auf den Punkt

Eine Prise Nu Metal à la KORN prägt das rohe „4×4“, das ähnlich wie das erwähnte „Karma“ auf stumpfen Höhlenmenschen-Groove setzt, doch genau deshalb so kurzweilig ist. Inspiriert gehen WAGE WAR nicht zu Werke, dafür bringen sie ihr Baukasten-Schema ohne Umwege auf den Punkt. Sogar die eingängige radiotaugliche Single „Blindfold“ hat dank ihres 6/8-Takts einen interessanten Twist, um den generischen Zutaten neues Leben einzuhauchen.

Mit Klargesang hält sich Gitarrist Cody Quistad ansonsten stärker zurück, als es in der jüngeren Vergangenheit der Fall war. Stattdessen steuert „It Calls Me By Name“ auf ein regelrecht gnadenloses Ende zu: Mit „Purify“ zeigen sich WAGE WAR so hart und verbittert wie schon lange nicht mehr – heavy heißt zwar auch hier nicht automatisch gut, doch gleichzeitig macht man mit einem solch humorlosen Breakdown zum Ende hin in der Regel selten etwas falsch.

Veröffentlichungstermin: 27.04.2026

Spielzeit: 40:37

Line-Up

Joel Birch – Vocals
Daniel Brown – Gitarre, Programming
Jonathan Reeves – Bass, Vocals
Joseph Longobardi – Drums

Produziert von Cody Quistad und WZRD BLD

Label: Fearless Records

Homepage: https://wagewarband.com/
Facebook: https://www.facebook.com/wagewar
Instagram: https://www.instagram.com/wagewar/
Bandcamp: https://wagewar.bandcamp.com/

WAGE WAR “It Calls Me By Name” Tracklist

1. Song Of The Swamp (Video bei YouTube)
2. 4×4
3. Blindfold (Video bei YouTube)
4. Karma
5. Purify

Denn mit Stringers markanter Singstimme ging auch ein prägender Teil Identität verloren, den sein Nachfolger Jonathan Reeves (KINGDOM OF GIANTS) eben nicht einfach so wettmachen kann. „House Of Cards“ hat somit von vornherein einen schwierigeren Stand in der Diskografie der Australier: Denn etwas beliebiger und weniger einzigartig klingt die Formation nach dem Besetzungswechsel schon.

THE AMITY AFFLICTION-Shouter Joel Birch zeigt sich auf „House Of Cards“ in Bestform

Dafür macht das Quartett an anderer Stelle Boden gut, wie wir binnen kürzester Zeit feststellen dürfen. Denn auf das Intro „Vide Nueva“ folgt mit „Kickboxer“ ein unerbittlicher Einstieg, der Shouter Joel Birch in Bestform zeigt. THE AMITY AFFLICTION ballen hier nicht zum letzten Mal die Faust, um uns ungespitzt in den Boden zu rammen. Während das groovende „Bleed“ etwas unter seinen synthetischen Sprachsamples leidet, zeigt „Eternal War“ die Gruppe zum Albumfinale von ihrer brachialen Seite.

Untermalt werden die Kompositionen genretypisch mittels diverser Synth-Spuren, zu welchen sich im restlichen Songmaterial außerdem Reeves‘ Klargesang gesellt. Dabei ist der Bassist nicht immer so prominent im Rampenlicht platziert, wie es im Titelstück der Fall ist. Gerade in den Refrains darf sich der Bassist für gewöhnlich dennoch austoben. „Heaven Sent“ hält als klassischer Modern Metalcore-Track diesbezüglich keine Überraschungen bereit, ist wie der Großteil der Platte dafür grundsolide umgesetzt.

THE AMITY AFFLICTION beweisen Konstanz und Willenskraft

THE AMITY AFFLICTION verschließen sich derweil nicht vor gegenwärtigen Trends, wenn sie etwa im Intro von „Break These Chains“ mit Drumcomputern arbeiten und hier sowie im nachfolgenden „Swan Dive“ den Pop-Appeal der Melodiebögen ausarbeiten. Dass „House Of Cards“ im Mittelteil an Schwung verliert, ist auch dieser Orientierung zuzuschreiben, obschon sich die Band dadurch keinesfalls definieren lässt.

Man legt also ein größeres Augenmerk auf das entsprechende Gleichgewicht: Den soften Momenten stellen THE AMITY AFFLICTION härtere Ausflüge in größerem Umfang entgegen. Inmitten dieser Schnittmenge ist zwar nicht jeder Track gleich packend und auch die großen Hits sind diesmal nicht mit von der Partie. Dafür beweist die Formation Konstanz und Willenskraft: Einsturzgefährdet ist dieses Kartenhaus wohl auch in absehbarer Zukunft nicht.

Veröffentlichungstermin: 27.04.2026

Spielzeit: 40:37

Line-Up

Joel Birch – Vocals
Daniel Brown – Gitarre, Programming
Jonathan Reeves – Bass, Vocals
Joseph Longobardi – Drums

Produziert von Dan Brown und Sam Bassal (Mix)

Label: Pure Noise

Homepage: https://theamityaffliction.net/
Facebook: https://www.facebook.com/theamityafflictionofficial
Instagram: https://www.instagram.com/theamityaffliction
Bandcamp: https://amityaffliction.bandcamp.com/

THE AMITY AFFLICTION “House Of Cards” Tracklist

1. Vida Nueva
2. Kickboxer
3. House of Cards (Video bei YouTube)
4. Heaven Sent
5. Bleed (Video bei YouTube)
6. Break These Chains
7. Beso De La Muerte
8. Swan Dive
9. Speaking in Tongues
10. Afterlife
11. Reap What You Sow
12. Eternal War

Auf „Coerced“ ist eine neue Stimme zu hören, die keine Gnade kennt: Emilia Henriksson passt perfekt zu GADGET und bringt neue Impulse in die Band.

Henriksson und der neue Gitarrist Kristofer Jankarls (ex-AXIS OF DESPAIR) vervollständigen die seit 2002 bestehenden Besetzung William Blackmon, Rikard Olsson und Fredrik Nygren, und schon haben GADGET mit „Coerced“ eine neue EP, die die lange Durststrecke beendet. Und diese währt, seien wir ehrlich, schon ein wenig länger. Denn „The Great Destroyer“ war ein rabiates, brutales Skandi-Grind-Album – sprich: mit viel Crust in der DNA –, aber die Intensität von „The Funeral March“ (2006) erreichten GADGET nur in wenigen der Songs. Also, legen GADGET endlich jetzt wieder so richtig los? Schwer zu sagen.

„Coerced“ spielt gleich zu Beginn mit den Nerven. Wir haben doch keine Zeit zu verlieren! Schließlich geht es hier um acht Songs in weniger als 14 Minuten! Und doch gibt es erst eine halbe Minute Intro-Feedback, bis der Song ausbricht, so räudig, dass die Vorgänger geradezu glattpoliert klangen. Emilia Henriksson schreit dazu so angepisst, mit einer Energie, die ihren Vorgänger locker in den Schatten stellt. Was GADGET bei all ihrer Freude, wieder lärmen zu dürfen, aber ein wenig übersehen haben, ist das Songwriting. Zwar sind die ersten drei Songs mit ihren geilen Riffs, zu denen die Blast Beats und höllisch schnellen D-Beats perfekt passen schön catchy, aber „Coerced“ wirkt recht fragmentiert. Kein Wunder: „No Sense Of Self“, „What Dosen’t Serve You“ und „Gnistan“ dauern keine Minute, „Funerary Rites“ und „Flatline“ liegen nur minimal darüber.

GADGET oszillieren zwischen impulsiver Wut und finsterem Drone: „Coerced“ ist zu kurz, um entschlossen Grenzen auszuloten.

Letzterer zerfällt und mündet in das fünfeinhalbminütige, instrumentale Drone-Stück „False Pulse“, das zwar Spannung aufbaut, aber insgesamt deutlich zu lange geraten ist und ein Drittel dieser EP einnimmt. Das abschließende „Violently Silent“ zeigt GADGET dann aber so gut wie selten, es hämmert repetitiv mit einem brachialen Groove und ist dadurch noch wütender als die blastenden ersten Songs. Insgesamt sind die extrem derb produzierten acht Songs etwas zu stark komprimiert. Klar, GADGET wollen wieder liefern, nun da sie wieder komplett sind. Ein wenig mehr kompositorische Substanz hätte dieser EP aber gutgetan. Es ist jedoch spürbar: „Coerced“, dessen Artwork ziemlich bemerkenswert ist, könnte der Auftakt für den zweiten Frühling einer Band werden, die immer etwas zu sehr unter dem Radar geblieben ist.

VÖ: 8. Mai 2026

Spielzeit: 13:44

Line-Up:
Emilia Henriksson – Vocals
Kristofer Jankarls – Guitar & vocals
Rikard Olsson – Guitar
Fredrik Nygren – Bass
William Blackmon – Drums

Label: De Nihil Records

GADGET „Coerced“ Tracklist:

1. Nonsense
2. No Sense Of Self
3. What Dosen’t Serve You
4. Gnistan (Official Visualizer bei Youtube) 
5. Funerary Rites
6. Flatline
7. False Pulse
8. Violently Silent

Mehr im Netz:

https://gadgetgrindcore.bandcamp.com/music
https://www.instagram.com/gadgetgrindcore/
https://www.facebook.com/GadgetGrindcore/

Nur das tote Schwein fehlt, aber das wird man auch nicht kriegen, denn WINSELMUTTER kommen mindestens zur Hälfte aus der antifaschistischen Punk-Szene, und wer die kennt, weiß, sie ist voller Veganer! Gut so. Auch ich habe mir beim letzten Culthe-Fest einen Kapu des Münsteraner Vegan-Labels „Roots of Compassion“ gekauft. Darauf zu sehen: ein süßes Osterlämmchen, das einen Schädel im Nazi-Helm zertritt, und eine Menge Gemüse. Geil!

WINSELMUTTER haben auch gespielt. Sie durften das (großartige, über alle Gebühr schöne, unvergleichliche und unverzichtbare) Festival eröffnen, und sie ließen niemanden, wirklich niemanden unzufrieden zurück. Was für ein Auftritt! Nicht einmal die technischen Probleme (fast zehn Minuten Pause musste man zwischendurch machen) konnten das infernalische Ritual wesentlich aufhalten, das da auf der Bühne zelebriert wurde; lediglich etwas mehr Schwertgefuchtel hätte ich mir gewünscht, aber man kann ja nun nicht alles haben.

„Ketzergeyst“ ist ein Riesen-Schritt nach vorne

Jedenfalls habe ich mir kurze Zeit später endlich „Ketzergeyst“ gekauft, die aktuelle EP der Band. Warum nicht früher? Nun: „Schattentod in der Leibeswelt“, das Debütalbum von 2025, ist zwar sehr gehypt worden letztes Jahr, aber erstens bin ich ja prinzipiell skeptisch Hypes gegenüber, und zweitens finde ich es einfach nicht so gut. Sogar ziemlich langweilig. Live aber hab ich dann doch ein paar Songs entdeckt, die ich unbedingt nochmal hören wollte, und da hab ich mir gedacht, dass die ja vielleicht auf der EP drauf sind?

Weiß ich nicht. Aber was ich weiß: „Ketzergeyst“ ist unglaublich gut, ein gigantischer Schritt nach vorne, ein Werk, das den Hype jetzt echt mal verdient hat. Vier Songs, die sich stilistisch beim Kanada-Black-Metal bedienen, aber deren maßgebliche Vertreter tatsächlich direkt übertreffen. Ja, WINSELMUTTER sind die besseren SPECTRAL WOUND, und auch die politisch leider in alle Richtungen offene Szene um den Quebecer Gitarristen und Tätowierer Nakkabre lässt man hinter sich. Es gibt ein melodisches Ohrwurm-Riff nach dem andern, es gibt hymnische Momente, rhythmisch wird von Punk bis Black Metal einiges geboten, und das Schönste ist, dass diese Zutaten wunderbar kohärente Songs ergeben.

Eine Kriegerin, die ihre Qualen heraus schreit

Was aber ist eine WINSELMUTTER? Nun, es handelt sich – so Wikipedia – um eine Sagengestalt, und zwar um die deutsche Version der aus der keltischen Mythologie bekannten Geisterfrau, der Banshee: eine meist ältere Frau, deren unheimliches Klagen von nahendem Tod kündet. Hört man die Frau am Mikro, wird klar, dass man keinen passenderen Namen hätte wählen können: Gut, sie ist nicht alt, aber ihr Klagen könnte nicht unheimlicher sein. Auf der Bühne wirkt sie dann eher wie eine Kriegerin, die ihre persönlichen Qualen in die Welt heraus schreit, aber sie ist ja auch schließlich nicht die WINSELMUTTER selbst, sondern eben die Ewige Chaos-Hexe aus geschwärzten Ritual-Nächten, also…

Jedenfalls klingt sie fantastisch. Und so auch der Rest der Band: „Ketzergeyst“ wurde, anders als das Debüt, im Holodeck-Studio bei Alex Pojda aufgenommen und in der Tonmeisterei von Role gemischt und gemastert, und so sehr ich Homerecording im Black Metal ja abfeiere, so gut tat dieser Band die Zusammenarbeit mit den Profis. Denn denen ist gelungen, den sägenden Sound der großen Vorbilder (s.o.) zu treffen und mit dem nötigen Druck zu versehen. Insgesamt ist dabei eine EP entstanden, die für die weitere Zukunft der WINSELMUTTER Großes verspricht und dieses Jahr zu den besten ihres Fachs zählen dürfte.

Und dem Lämmchen gefällt’s auch!

Spielzeit: 20:40 Min.

Veröffentlichungsdatum: 12.02.2026 (digital, Tape), 06.03.2026 (Vinyl)

Labels: Fucking Kill Records (Vinyl), Sapivon Records (Tape)

https://winselmutter.bandcamp.com/album/ketzergeyst
https://fuckingkillrecords.bandcamp.com/album/winselmutter-ketzergeyst

WINSELMUTTER „Ketzergeyst“ Tracklist

1. Cold Wind Ov Eternal Solitude
2. Bloodmoon Witchery
3. Where Once Was Our Heart
4. Sword Ov Spoil

Überstanden haben das nicht alle Tracks: „Forgotten“ macht seinem Namen alle Ehre, indem es durch Abwesenheit glänzt. Dafür bekommen wir zum Ausgleich den brandneuen Song „EVOLVE“, der am Ende der Scheibe mit markigen Breakdowns sowie futuristischen Synthesizern auf sich aufmerksam macht und dabei wie eine Art Bindeglied wirkt: eine Überleitung zu dem, was künftig kommen mag.

Für „Burn This World [EVOLVED]“ haben THE BROWNING auch die Arrangements überarbeitet

Herzstück von „Burn This World“ sind jedoch die althergebrachten Kompositionen, die in ihrem neuen Gewand tatsächlich an Durchschlagskraft hinzugewonnen haben: Die Produktion ist massiver, die Synthesizer klingen qualitativ hochwertiger und die tief gestimmten Gitarren sorgen für die so typisch gewordene Brachialgewalt des Trios.

Das Zusammenspiel von Deathcore-Urgewalt und Club-Atmosphäre funktioniert allein aus diesem Grund hervorragend, was nicht zuletzt die pumpenden Bässe in „Bloodlust“ unterstreichen. Doch auch den Opener „No Escape“ haben THE BROWNING mit einem ausgedehnten Intro angereichert, während das anschließende „Not Alone“ dank des treibenden Drummings inklusive neu gesetzter Blastbeats und Doublebass-Einlagen zusätzlichen Schwung erhält.

THE BROWNING lassen zu keinem Zeitpunkt locker

Gleichzeitig vermittelt „Burn This World [EVOLVED]“ einen homogenen Eindruck, indem Stücke ineinanderfließen, ähnliche Tonfolgen aufgegriffen werden oder in ihrer Variation als natürlich fortschreitende Entwicklung präsentiert werden. Locker lassen THE BROWNING dabei zu keinem Zeitpunkt, weshalb die Band ihr eingangs zur Schau gestellte Intensität von A wie „Ahamed“ bis „T wie „Tragedy Of Perfection“ lückenlos aufrechterhält. Variation im Tempo findet dennoch statt, wie in „Living Dead“ der Wechsel von sakral-unheilschwangerer Atmosphäre hin zu verbissenen Blasts zeigt. Nur eines darf man vorab nicht vergessen: Ob nun Trance, Hardstyle oder andere EDM die harten Eruptionen wahlweise durchbrechen oder anreichern, für eine gänzlich neue Hörerschicht ist „Burn This World [EVOLVED]“ eher nicht gedacht.

Das ist nicht schlimm, sondern eher als Hinweis für das eigene Erwartungsmanagement zu sehen. Ohne die Bereitschaft, sich dem eigenwilligen, doch überaus eingängigen Stil der Band zu öffnen, dürfte der Besuch der zum Pit gewordenen Tanzfläche nur kurz andauern. Denn so viel Liebe THE BROWNING der Reinkarnation ihres Erstlingswerks geschenkt haben, ist „Burn This World [EVOLVED]“ eben doch ein Album für die etablierte Fangemeinde, die nun einen aufgemotzten und an den richtigen Stellen polierten Soundtrack für eine Welt am Abgrund ihr eigen nennen darf.

Veröffentlichungstermin: 11.02.2026

Spielzeit: 45:07

Line-Up

Jonny McBee – Vocals, Programming
Akeem Bivens – Gitarre
Brandon FUnera – Drums

Produziert von Jonny McBee

Label: FiXT Music

Homepage: https://www.thebrowning.net/
Facebook: https://www.facebook.com/TheBrowningOfficial/
Instagram: https://www.instagram.com/thebrowningofficial/
Bandcamp: https://thebrowningofficial.bandcamp.com/

THE BROWNING “Burn This World [EVOLVED]” Tracklist

1. No Escape [EVOLVED] 02:12
2. Not Alone [EVOLVED] 04:15 (Lyric-Video bei YouTube)
3. Bloodlust [EVOLVED] 04:20 (Video bei YouTube)
4. Standing On The Edge [EVOLVED] 02:51
5. Burn This World [EVOLVED] 03:01
6. Ashamed [EVOLVED] 03:23
7. Living Dead [EVOLVED] 03:44
8. Time Will Tell [EVOLVED] 03:10
9. Tragedy Of Perfection [EVOLVED] 03:13
10. Dominator [EVOLVED] 03:52 (Visualizer bei YouTube)
11. I Choose You [EVOLVED] 03:05 (Lyric-Video bei YouTube)
12. The Sadist [EVOLVED] 04:50
13. EVOLVE 03:01(Lyric-Video bei YouTube)

Genau: Die Texte liegen mir gar nicht vor diesmal, denn ich will nicht warten auf die Special Edition, ich rezensiere nur die Promo, und da sind keine Texte bei, aber die Lektüre dieser wird ich lohnen: „I am my own maggot – consuming myself!“ rotzt uns Sänger Curse zum Einstieg mal vor die Füße, und allein dieses Rotzen, dieser völlig irre Spoken-Word-Gesangsstil zwischen Proklamation und Wahnsinn wäre genug, um mich erneut in Begeisterungsstürme zu versetzen, aber die Textfetzen, die ich verstehen kann ohne mitzulesen, zeigen, dass sich hier auch lyrisch mal wieder Welten öffnen, die sich lohnen zu betreten, wenn man – vorsichtig ausgedrückt – eine gewisse Skepsis gegenüber der herrschenden Normalität sein Eigen nennt.

Ein perverses Cabaret

Doch der Gentlemen’s Club Of A FOREST OF STARS wäre nicht eben jener, wenn er nicht auch musikalisch auf fast 74 unglaublich kurzweiligen Minuten wieder alle Register ziehen würde. Dabei wählt er einen Weg, den viele avantgardistisch agierende Bands kennen, den der wachsenden Zugänglichkeit nämlich: Jeder Song auf „Stack Flow in Corpse Pile Interface“ wartet mit geradezu lieblichen Melodien auf, dargeboten von „Katheryne, Queen Of The Ghosts“ auf ihrer Violine oder mit ihrer Stimme. Wenn sie geigt, klingt das wunderbar melancholisch und niemals schräg (ein Glück!), und wenn sie singt – und das tut sie oft diesmal – , erinnere ich mich erstaunlicherweise an THE GATHERING, als diese mit „How To Measure A Planet“ damals den Metal hinter sich ließen. (Wer sich davon überzeugen will, möge eines der im Stile des Artworks animierten Lyric-Videos anklicken – ich empfehle „Roots Circle Usurpers“.)

Doch keine Angst: A FOREST OF STARS sind nach wie vor eine Metal-Band, und jedes der sechs Stücke bietet ausreichend Gitarren und sogar Blast Beats, so dass ich die Einordnung als „Black Metal“ durchaus nachvollziehen kann, wenngleich hier stilistisch der Doom im Vordergrund steht und A FOREST OF STARS nach wie vor eher in ein perverses Cabaret passen würden als in eine satanische Messe oder einen norwegischen Fjord. Ja, das hier ist trotz der gestiegenen Zugänglichkeit und der vielen elegischen Parts immer noch ganz schön sperrig, auch wenn man doch einiges an zarten Melodien mehr dabei hat (es gibt sogar eine folkloristisch anmutende gespielt auf einem Glockenspiel!) und am Ende wirklich alle Bombast-Register zieht – dafür sorgt nicht zuletzt Mr Curse mit seinem unglaublichen Charisma, und dafür sorgt die Band durch ihr perfekt ausbalanciertes Spiel mit Harmonie und Disharmonie.

A FOREST OF STARS sind und bleiben einzigartig (wütend)

Aber nochmal zu Herrn Curse: Mann, was ist der wütend! Ich hasse Studio-Videos, aber von ihm würd ich mir eins anschauen; egal, ob er über „a thousand miserable piss artists“ schimpft oder beklagt, dass man sich doch bitte sein eigenes Loch graben möge, dieses hier sei seins… Es ist immer eine Wonne, und dabei hab ich – s.o. – noch nicht einmal damit angefangen, mir Gedanken über den eigentlichen Gehalt seiner Texte zu machen. Es gibt so einen Sänger kein zweites Mal, lediglich Alasdair von den auch sonst sehr von A FOREST OF STARS inspirierten ASHENSPIRE klingt ähnlich, aber Curse war eher da, und er hat Katheryne an seiner Seite, um den ganzen Hass, der sich durch ihn Bahn bricht, durch Zartheit auszugleichen. Es ist kein besonders originelles Rezept, sicherlich, aber die künstlerische Umsetzung dessen sucht einfach ihresgleichen in der internationalen Metal-Szene.

Übrigens auch visuell: Wie immer haben A FOREST OF STARS ein Gesamtkunstwerk geschaffen und bieten eine aufwändige Special Edition an, die neben einer 28minütigen EP namens „Ticket To Writhe“ auch dazu einlädt, sich in das von Mr Curse stammende, gewohnt unkonventionell in bunten Farben gehaltene Artwork zu vertiefen. Ja, „Stack Overflow in Corpse Pile Interface“ mag, typisch für die Band, schrill, irre, pompös und avantgardistisch sein – es ist vor allem bunter, wehmütiger, insgesamt weniger aufgedreht als die Vorgänger und in sich sehr stimmig: ein reifes, großes Werk einer brillianten Band, die genau weiß, was sie tut und was sie will, nämlich auf einem Fundament aus opulenter, schwelgerischer Wehmutsmusik wilde Worte voller Wut ausspucken über eine Welt, die so schön sein könnte (und es paradoxerweise ja auch ist). Danke, danke, danke!

Spielzeit: 73:33 Min.

Veröffentlichungsdatum: 08.05.2026

Label: Prophecy Productions

Tracklist – A FOREST OF STARS – „Stack Overflow In Corpse Pile Interface“

• 1. Ascension Of The Clowns (Lyric-Video auf YouTube)
• 2. Street Level Vertigo (Lyric-Video auf YouTube)
• 3. Mechanical Seperated Logic
• 4. Roots Circle Usurpers (Lyric-Video auf YouTube)
• 5. Sway, Draped In Vague
• 6. Not Drinking Water

Mehr im Netz:

facebook.com/aforestofstars

instagram.com/aforestofstarsband/

a-forest-of-stars.bandcamp.com

Highlights auf „Turbulence“ sind die vom guten Gesang geprägten Ohrwürmer

Besonders angetan kann man von der hohen, aber leicht rauchigen Stimme von Alexandre „Lex Thunder“ Carrapiço (ALASTOR, Ex-MIDNIGHT PRIEST) sein, der in der Ballade „Dying Star“ auch in Sachen Volumen einer „normalen“ Gesangsstimme sein Potenzial aufzurufen vermag. Aber auch die Gitarrenarbeit weiß – insbesondere in den Lead- und Solo-Passagen – etwa in „King of the Hammer“ – zu gefallen. Dies alles wurde in eine gute und passend zum Stil warme Produktion eingefangen, für welche Jamie Gomez Arellano verantwortlich zeichnet.

Veröffentlichungstermin: 24.04.2026

Spielzeit: 38:54 Min.

Line-Up:
Lex Thunder – Guitars, Vocals (lead)
Michael Blade – Guitars
Infernando – Bass
Tommy 666 – Drums

Label: Dying Victims Productions

Mehr im Netz: https://www.facebook.com/toxikull
Mehr im Netz: https://toxikull.bandcamp.com

TOXIKULL „Turbulence“ Tracklist

1. Midnight Fire (Video bei YouTube)
2. Turbulence (Video bei YouTube)
3. Dragon Magic (Lyric-Video bei YouTube)
4. Blessed By The Night
5. Dying Star
6. Strike Again
7. Hard To Break
8. Burning Spark
9. King of the Hammer
10. Flames of Glory

Veröffentlichungstermin: 17.04.2026

Spielzeit: 16:58 Min.

Line-Up:
Alasdair Scott
Calum Stewart
Haydn Park-Patterson
Adam Campbell

Label: Eigenproduktion

Mehr im Netz: https://goutgoutgout.bandcamp.com/

GOUT „Actual Bastard“ Tracklist

01 inmate
02 Too Bleak
03 I Am a Beacon of Health and Wellbeing (Audio bei Bandcamp)
04 Junk Sick
05 Tarmac

Veröffentlichungstermin: 01.03.2024

Spielzeit: 30:31 Min.

Line-Up:
Elizabeth Castillo – Bass
Caro Saturni – Gitarre
Nicolás Garza – Schlagzeug
Kenichi OM – Gitarre
Marlene Muñoz – Gesang

Label: Concreto Records

Mehr im Netz: https://www.soygband.com
Mehr im Netz: https://www.facebook.com/soygband
Mehr im Netz: https://soygbandofficial.bandcamp.com

SPIT ON YOUR GRAVE „Arkanum“ Tracklist

1. The Infection 03:23
2. The Heretic 03:53
3. Vigilia 03:41
4. Into The Devil’s Realm 04:21
5. Dark Lullaby 03:37
6. Broken Hourglass 03:15
7. Self Sacrifice 03:35
8. The March Of The Innocents 04:47

EVEALEs Black Metal ist angenehm zeitlos: „Enter The Woodland Realm“ passt neben Klassiker ebenso, wie neben die neue RABM-Elite.

Zwischen frühen BORKNAGAR und ULVER in ihren ersten Jahren, sowie moderneren Bands wie MORTAL THRALL, GUDSFORLADT und WEALD + WOE lassen EVEALE auch stellenweise eine leichte Punkigkeit wie von UNGFELL in der Musik zu. In dieser Nische fühlt sich die Band hörbar wohl, hat aber genügend Platz, um sich auszutesten und zu entwickeln. Was mit „Laments Of The Dryad“ noch etwas unspektakulär, aber doch brutal und kalt beginnt, wird schon bei „The Enemy“ größer und epischer – und genau dort liegt EVEALEs Schokoladenseite. Ein eingängiges Mainriff und melodische Tremolo-Gitarren erzeugen Storytelling, allein durch die instrumentale Arbeit. Boshaft wird darüber gekreischt, nicht hysterisch, aber voller Leidenschaft und schließlich traut sich Monarch Of The Hillside an Cleangesang, der noch etwas zu schüchtern ist.

Gitarrist und Komponist North East Wizard Tyrant aka Steve Weiner hat schon mit seinem fantastischen Avant Black Metal-Projekt AM I IN TROUBLE? bewiesen, dass er als Gitarrist und Komponist sehr unkonventionell denkt. Dieses Talent auf eine traditionellere Metalrichtung angewendet sorgt für bisweilen großartige Songs, in denen sich Grimmigkeit und Epik nicht gegenseitig ausschließen. Der abschließende Titelsong krönt das Album, auch dank der beherzten, leidenschaftlichen Gesangsperformance. Es gibt daneben viele gelungene Songs zu hören, gerade in der zweiten Albumhälte: „The Ritual“ startet als grimmiges Akustikstück und fließt in ein furioses Finale, dessen Leadgitarren noch lange nachhallen. Das schrulligste Stück des Albums „Our Flame“ trieft vor Pathos und Dreck gleichermaßen und kann sich einen proggigen 70ies Teil nicht verkneifen. „The Quest“ zeigt EVEALE von einer harmonischen Seite, in der Monarch Of The Hillside größtenteils mit Cleanstimme singt – ein wenig unbeholfen, aber irgendwie doch sympathisch. Beim schwarzmetallischen Finale des Tracks wird aber deutlich, wo seine Komfortzone liegt.

Kompositorisch ist „Enter The Woodland Realm“ beeindruckend und lässt vermuten, dass in EVEALE noch mehr schlummert.

Wirklich blass ist keines der Stücke auf „Enter The Woodland Realm“, „Carniflora“ und „Pursuit Beneath The Moonlight“ sind aber vergleichsweise unspektakulär. Rein technisch gesehen müssen sich EVEALE aber definitiv nicht verstecken: Das Drumming ist solide, die Gitarrenarbeit gar hervorragend, die Produktion passt perfekt zur Musik. Insgesamt ist EVEALEs Debütalbum kurzweilig und kompositorisch souverän, selbst wenn es keine wirkliche Sensation geworden ist, dafür sind die Momente, in denen sie über den Tellerrand blicken etwas zu selten. Und doch, in EVEALE schlummert das Potenzial ein richtig großes Album zu schreiben. Sicher ist: In den Wäldern auf beiden Seiten des Großen Teichs versteckt sich genug Inspiration für weitere Abenteuer.

Wertung: 7 von 10 Waldtherapien

VÖ: 1. Mai 2026

Spielzeit: 37:38

Line-Up:
Monarch Of The Hillside – Vocals and lyrics, Bongo, Tibetan singing bowl, field recordings („The Beckoning“)
North East Wizard Tyrant – Electric guitars, bass, acoustic guitars, falsetto backing vocals (“Our Flame”)
Basher At Things – Drums

Label: Hypaethral Records (CD & Vinyl) / Fiadh Productions (Tape)

EVEALE „Enter The Woodland Realm“ Tracklist:

1. The Beckoning
2. Lament Of The Dryads
3. The Enemy
4. Carniflora
5. The Ritual
6. Pursuit Beneath The Moonlight
7. Our Flame
8. The Final Quest
9. Enter The Woodland Realm

Mehr im Netz:

https://eveale.com/
https://www.instagram.com/evealeblackmetal/
https://eveale.bandcamp.com/
https://www.youtube.com/@evealemetal

Entsprechend rastlos und launisch zeigen sich die acht Kompositionen bisweilen, die von plötzlichen Stimmungswechseln durchzogen sind und daher so viel zu geben haben, wie sie gleichzeitig einfordern. Denn „Alt Som Finnes“ lässt sich kaum in eine Schublade stecken, ist so vielseitig, wie es unser eigenes Dasein mit all seinen Höhen und Tiefen ist. Das knackige „Hun“ dient dabei fast schon als erweitertes Intro, dessen energischen Charakter eine sphärische Leadgitarre durchdringt.

Das traditionelle Black Metal-Korsett sprengen BIZARREKULT mit Freude

Gallig und roh greift „Blikket Hennes“ diesen Faden auf, webt Dissonanzen und einen zähfließenden Mittelpart mit ein, der schließlich mit getragenem Klargesang und feinen Gitarrenarrangements auf ein Finale zusteuert, das wir durchaus in der Nähe ENSLAVEDs verorten würden. Frostig und mit eiskalter Entschlossenheit beginnt „Drøm“, wobei BIZARREKULT auch hier das traditionelle Black Metal-Korsett letzten Endes sprengen, um mittels entrückt-träumerischer Post Rock-Anleihen samt Gastbeitrag von PREDATORY VOID-Sängerin Lina R. in andere Sphären zu entfliehen.

Bei so viel Wandelbarkeit fällt ein vergleichsweise geradlinig konzipiertes Stück wie „Avmakt“ fast schon aus dem Rahmen. Hier zeichnen BIZARREKULT eine düstere Atmosphäre, die uns in einen Sog aus wiederkehrenden Mustern zieht, bis wir uns unserer eigenen Ohnmacht gewahr werden: nicht immer schön im klassischen Sinn, aber eben der eingangs erwähnte Kontrollverlust in seiner tongewordenen Ausweglosigkeit. Melancholie sowie Schwermut wiederum bilden das Rückgrat von „Håp“, das mit sonorem Damengesang überrascht und aufgrund seiner unverzerrten Gitarrenarrangements eine Art dramaturgischen Ruhepol repräsentiert.

Hinter „Alt Som Finnes“ verbirgt sich mehr, als es zunächst offenbaren will

Das latente Unbehagen aber bleibt hier genauso wie im kompromisslosen Genre-Stück „Verdens Verste“, das sich erst für die letzte Minute ein wenig öffnen will. Daran anzuknüpfen ist der nächste logische Schritt, der „Alt Som Finnes“ zu seinem würdigen Schlussakt führt. Schleppend und schwerfällig ist das Fundament von „Aversjon“, das sich durch die prägnante Leadgitarre ein klares Profil schenkt, bevor das englischsprachige „Tomhet“ mit Unterstützung von MØLs Kim Song Sternkopf nochmals die Post Rock-Seite der Band erstarken lässt. Der kreativste Moment des Albums ist der Rausschmeißer in Abwesenheit überraschender Kniffe zwar nicht, ein kompetent ausgeführter Genre-Beitrag mit klug gesetzter Eruption bleibt das Stück aber allemal.

Ist das also wirklich alles? Ja und nein: Denn die Freude an „Alt Som Finnes“ steckt im Detail. Nicht jedes Arrangement klingt auf Anhieb berauschend, reißt uns aus dem Alltag in eine nie dagewesen Welt. Doch haben wir uns da noch nicht dem Prozess hingegeben: Wie die Sinnfindung seine Zeit braucht und auch Eigeninitiative voraussetzt, verbirgt sich auch hinter BIZARREKULTs Drittwerk mehr, als es zunächst offenbaren will. Wir müssen nur bewusst danach greifen.

Veröffentlichungstermin: 20.02.2026

Spielzeit: 42:46

Line-Up

Roman V. — Vocals
Ignat P. — Guitars & Bass
Alexander P. — Drums

Produziert von Miguel Tereso

Label: Season of Mist

Facebook: https://www.facebook.com/bizarrekult
Instagram: https://www.instagram.com/bizarrekvlt/
Bandcamp: https://bizarrekult.bandcamp.com/

BIZARREKULT “Alt Som Finnes” Tracklist

1. Hun (02:58)
2. Blikket Hennes (06:18) (Video bei YouTube)
3. Avmakt (06:10) (Audio bei YouTube)
4. Håp (06:22)
5. Drøm (04:42) (Video bei YouTube)
6. Verdens Verste (04:22)
7. Aversjon (05:24)
8. Tomhet (06:27)

LAIR OF THE MINOTAUR lassen nichts anbrennen: „I Hail I“ hackt die Grenzen zwischen Thrash, Sludge und Death-Doom zu Brei.

„I Hail I“ heißt das chaotische und brutale fünfte Album, auf dem LAIR OF THE MINOTAUR die Basis aus derben Riffs, donnerndem Drumming und pumpenden Bässen als Unterlage für das Caveman-Gebrüll von Rathbone legen. Die Band, nun mit Neu-Bassist Sanford Parker (ex-BURIED AT SEA, ex-MINSK, ex-NACHTMYSTIUM und Produzenten-Tausendsassa) vervollständigt, lässt in den 30 Minuten von „I Hail I“ nichts anbrennen. Ähnlich wie auf „Evil Power“ gibt es viel HELLHAMMER-artiges Geprügel zu hören, vermischt mit Sludge, Thrash, Death-Doom und einem Hauch Black Metal. All das in 30 Minuten unterzubringen ist schon ehrgeizig, aber LAIR OF THE MINOTAUR haben diese Mischung besser unter Kontrolle als auf dem Vorgänger.

Als würde der wütende Minotaurus mit seiner Axt aus dem Labyrinth herausstürmen, startet „I Hail I“ mit dem thrashigen „Emperor Of Dis“ ohne Vorwarnung. Es bricht aus LAIR OF THE MINOTAUR heraus, in weniger als zwei Minuten wird alles kurz und klein geschlagen. Mit dem Titelsong, der weiterhin Proto-Thrash bietet, aber mit einem Chorus zum Mitbrüllen und Fäuste in die Luft recken gesegnet ist, findet das Trio seine Form rasch wieder. Doch das Chaos lässt sich nicht so leicht eindämmen: „Fucked Inside Out“ und „Deepest Hell“ stehen in ihrem Furor, in ihrer blinden Wut an der Grenze zum Grind. Das macht Spaß, aber wertet das Album nicht zwingend auf, zumal LAIR OF THE MINOTAUR an anderer Stelle beweisen, dass sie richtig gutes Songwriting auch trotz aller Impulsivität beherrschen.

Primitive Riffs und starkes Songwriting schließen sich nicht gegenseitig aus: LAIR OF THE MINOTAUR haben Hits und auch diverse Überraschungen auf „I Hail I“ versteckt.

Songs wie „Enthroned In Violence“, „Saturnus Reign“ und „Prowler Twin Sister“ klingen schon sehr nach HIGH ON FIRE. Das Rezept: Geile Riffs mit einem räudigen Gitarrensound, die von Chris Wozniaks direktem, aber pfiffigen Drumming ins Gehirn getrieben werden. Am wildesten ist jedoch das ETHEL CAIN-Cover „Family Tree“, das stimmig in den LAIR OF THE MINOTAUR-Sound überführt wurde, mit LoFi-Black Metal-Anstrich. Hier, und bei dem auf Synthesizer basierendem „Vulture Worship“ wird deutlich, dass Steven Rathbone und seine beiden Mittäter keine Scheuklappen tragen, wie andere Bands aus dem old school-Spektrum. Allerdings: „Vulture Worship“ will nicht so recht zum Rest von „I Hail I“ passen, könnte aber die Basis für ein Dungeon Synth-Projekt legen.

Auch das abschließende „Tartarus Apocalypse“, der unvermeidliche Doom-Death-Brecher mit siebeneinhalb Minuten Länge wirkt wie eine Pflichtübung, die erst gegen Ende mit der Intensität der besten Songs von „I Hail I“ mithalten kann und dann frustrierend abrupt endet. Der Drumsound klingt etwas platt, gerade im Zusammenspiel mit dem Gitarrensound, dabei verdient Chris Wozniaks grooviges Schlagzeugspiel eigentlich eine schönere Bassdrum. Steven Rathbones vielseitige Vocals zwischen tiefen Growls und urgewaltigem Gebrüll sind überraschend vielschichtig, und gerade in „Enthroned In Violence“ meint man überdeutlich Matt Pike zu hören. Es ist also schön, dass die Barbarei von LAIR OF THE MINOTAUR in die nächste Runde geht und die Band nach sechzehn Jahren unter der Erde noch immer quietschfidel ist, selbst wenn „I Hail I“ nicht an die ersten drei großen Alben von Chicagos nastiest heranreicht.

Wertung: 7 von 10 Ariadnefäden

VÖ: 1. Mai 2026

Spielzeit: 30:13

Line-Up:
Steven Rathbone – Guitar, Vocals, Synth
Chris Wozniak – Drums
Sanford Parker – Bass

Label: The Grind-House Records

LAIR OF THE MINOTAUR „I Hail I“ Tracklist:

1. Emperor Of Dis
2. I HAIL I (Official Audio bei Youtube) 
3. Enthroned In Violence
4. Fucked Inside Out
5. Deepest Hell
6. Saturnus Reign
7. Prowler Twin Sister (Official Video bei Youtube) 
8. Family Tree (Ethel Cain Cover)
9. Vulture Worship
10. Tartarus Apocalypse

Mehr im Netz:

https://lairoftheminotaur.bandcamp.com
https://www.instagram.com/lair.of.the.minotaur/

Es ist eine Lösung, die einerseits zweckmäßig klingt – gutes Marketingpotenzial inklusive – und in der Praxis zumindest ein ordentliches Resultat liefert, obschon die Beiden die unverkennbare Klangfarbe ihres Vorgängers kaum erreichen. Im Gegenzug bleiben NEKROGOBLIKON stilistisch den Eskapaden der jüngeren Vergangenheit treu, indem Melodeath-Riffing mit folkigen Rhythmen und Synthesizern vermengt werden.

„The Boiling Sea“ ist kauzig, kurzweilig, doch auch berechenbar

Dementsprechend einfach lässt sich zum losgelösten „Show Me Your Goblin“ das Tanzbein schwingen, auch weil der Refrain so unverschämt catchy aus den Lautsprechern schallt. Dieses Rezept ist zugleich das Fundament der kompletten EP: „The Boiling Sea“ ist kauzig, kurzweilig, doch auch berechenbarer, als wir es von NEKROGOBLIKON gewöhnt sind. Gerade ein bissigeres Stück mit Tempo und Elan hätte der Platte daher gutgetan. Originell wird es immerhin mit der REEL BIG FISH-Kollaboration „Secret Elephant“, wo die beschwingten Blechbläser spritzig und damit absolut ansteckend wirken.

Ansonsten lässt das Songwriting ohne den langjährigen Bandkopf jedoch die ausgefallenen Momente vermissen, welche das unverwechselbare Profil der Gruppe schärften. Einzig der Titeltrack definiert sich durch erratische Stimmungsschwankungen und freche Einschübe; nur im Ohr bleibt letzten Endes wenig davon.

NEKROGOBLIKON entzaubern sich ein wenig

Komplettiert wird das Paket durch fünf Live-Mitschnitte solcher Klassiker wie „No One Survives“, „Powercore“ oder „Prince Of The Land Of Stench“, deren Qualität eigentlich in Ordnung wäre, doch die aufgrund des kaum hörbaren Publikums und besonders der mäßigen Screams ohne saubere Diktion dem runderneuerten Line-up keinen Gefallen tun. Ein wenig entzaubern sich NEKROGOBLIKON mit „The Boiling Sea“ also, obwohl die grüne Fratze letztlich auch mit neuer Stimme noch ein paar launige Minuten verspricht.

Veröffentlichungstermin: 17.04.2026

Spielzeit: 42:32

Line-Up

Grady James Welch (John Goblikon) – Vocals
Dickie Allen – Vocals
Joe “Diamond“ Nelson – Gitarre
Alex “Goldberg” Alereza – Gitarre
Aaron “Raptor” Minich – Keyboards
Eric William Brown – Drums

Produziert von Jason Suecof

Label: Eigenproduktion

Homepage: https://www.nekrogoblikonofficial.com/
Facebook: https://www.facebook.com/nekrogoblikon/
Instagram: https://www.instagram.com/nekrogoblikonofficial
Bandcamp: https://nekrogoblikon.bandcamp.com

NEKROGOBLIKON “The Boiling Sea” Tracklist

1. Show Me Your Goblin (Video bei YouTube)
2. Fiend (Video bei YouTube)
3. Closer to the Sun
4. Secret Elephant feat. REEL BIG FISH (Video bei YouTube)
5. Dead-ish
6. The Boiling Sea
7. Prince of the Land of Stench (Live)
8. No One Survives (Live)
9. Powercore (Live)
10. The Magic Spider (Live)
11. This Is It (Live)

THE GROGGY DOGS spielen Celtic-Folk-Punk der alkoholhaltigen Sorte

Natürlich funktioniert das Prinzip „Je peinlicher das Image, desto größer das Interesse“ noch immer. Und so fand sich der Rezensent dieser Zeilen – also ich – nach einem deprimierenden Pflegeheimbesuch plötzlich dabei wieder, doch auf den verlinkten Song zu klicken. Das Ergebnis: ein überraschend breites Grinsen. Aber seid gewarnt: Ob man das nun für weit angenehmer oder noch schlimmer als generischen Metal hält, hängt in Zweifel vom richtigen Alkoholpegel ab.

Die Stimme ist nicht schön, aber schön versoffen, das Tempo hoch – und dann ist da dieses Instrument, das man wirklich mögen muss. Töne, die gequetscht, gefiedelt und herausgepresst werden, als würde jemand eine leckgeschlagene Kogge mit Gewalt wieder flottmachen. Richtig: das Schifferklavier. Laut, unermüdlich und im Dauerduell mit der Geige von Fatima Caballero Ramirez, die ebenso hartnäckig im Hirn kreist, bis einem schwindelig wird. Dudeldideldumdidei. Aua. Und doch ist sofort rauszuhören: Die Harmonien so wieselflink kreisen zu lassen, erfordert Kunstfertigkeit. Das ist mehr als nur trockener Schiffszwieback.

Damit wäre die Zielgruppe für dieses Album auch ziemlich schnell umrissen. Das spanische Räuber-Sextett spielt flotten Celtic-Folk-Punk, irgendwo zwischen FLOGGING MOLLY, DROPKICK MURPHYS, FIDDLERS GREEN und den schnelleren THE POGUES. Und man kann nicht behaupten, dass sie das auf subtile Weise tun. Denn inhaltlich sind sie ziemlich monothematisch unterwegs: Elf Trinklieder bekommen wir aufgetischt, in denen mehr Alkohol fließt als im Bierkönig. Was, die Band heißt „Die beschwipsten Hunde“? Ich hätte es auch ahnen können.

Man könnte sogar meinen, diesem Album lag ein Trinkspiel zugrunde: Wie oft bekommt man in einem Song ein alkoholisches Getränk untergebracht? Wer im Studio keine Idee hatte, musste trinken. Meine Güte, wie oft kann man über die Distanz eines ganzen Albums ein alkoholisches Getränk aufzählen? Über elf Songs hinweg wird jedenfalls mit bewundernswerter Konsequenz nicht wirklich variiert. Rum ist die Grundkonstante. Wenn kein Rum getrunken wird, dann wird Grog getrunken. Und wenn kein Grog getrunken wird, dann wird eben wieder Rum getrunken. Dieses Album ist ein rollendes Rumfass.

Die Melodien lehnen sich an klassische Shantys an

Nun bin ich weit davon entfernt, den Suff verklären zu wollen. Ich selbst trinke seit vier Jahren keinen Alkohol mehr – und weiß aus eigener Erfahrung, wie viel Schaden er anrichten kann. Entsprechend sehe ich mich in der etwas ungewöhnlichen Situation, dieses Album – hahaha – nüchtern bewerten zu müssen. Dabei wäre es vermutlich angemessener gewesen, es komplett im Delirium zu rezensieren.

Und ich würde nicht ausschließen, dass so mancher Hörer hier nach wenigen Minuten zur Anlage stürmt, um völlig entnervt und mit kreisendem Kopf die Stopp-Taste zu drücken. Die Eigenkompositionen lehnen sich stark an klassische Shantys an, die Melodien sind maximal eingängig. Auf ihren beiden Vorgängeralben haben die Spanier noch viele Traditionals gespielt – darunter natürlich auch das berühmt-berüchtigte „Drunken Sailor“. Ich werfe euch nur wenige Zeilen vor den Bug und schwöre, ihr habt einen fiesen Ohrwurm für Wochen: „What will we do with a drunken sailor?/ What will we do with a drunken sailor?/ What will we do with a drunken sailor?/ Early in the morning!“ Bitteschön!

Shantys waren nie für Feinschmecker gedacht, sondern für Mannschaften auf Segelschiffen des 19. Jahrhunderts, die im Takt arbeiten mussten – etwa beim Segelsetzen, Ankerhieven oder Tauziehen. Entsprechend simpel sind Aufbau und Wirkung: einfache Melodien, klare Refrains, maximale Wiederholung. Einer gibt vor, der Chor antwortet. Genau dieses Prinzip treiben die GROGGY DOGS auf die Spitze.

Eine gewisse Abnutzungsgefahr ist nicht von der Hand zu weisen: Die Songs sind oft sehr ähnlich gebaut, zumal hier durchgehend hohes Tempo gefahren wird. Die Segel werden nur selten eingezogen, um der Mannschaft eine Verschnaufpause zu gönnen. Diese Kogge pflügt so schnell durchs Wasser, dass sie so manches Speedboot versenkt. Abwechslung bieten Songs wie „Go To Sea No More“, die melodisch eher der Irish-Folk-Ballade verwandt sind.

Die Folkinstrumente sind mit Chuzpe gespielt

Auch kann man der Band streng genommen vorwerfen, dass sie diese Art von Folk ein Stück weit missversteht. Folk lebt eben auch von Brüchen, von sozialen Themen und dem, was zwischen den Zeilen mitschwingt. Die emotionale Tiefe der POGUES – etwa in der todtraurigen Auswanderer-Hymne „Thousands Are Sailing“ – findet sich hier kaum. Es fehlen die genauen Beobachtungen, die Details, das Allzumenschliche.

Andererseits hat diese Band durchaus ihre Qualitäten. Die Folkinstrumente sind hier keineswegs nur Alibi, sondern im Mix klar präsent – und sie werden mit ordentlich Chuzpe gespielt. Schön dreckig, rau und im schwindelerregenden Tempo schießen Violine und Schifferklavier aus den Boxen. Der Punk im Sound ist durchaus vorhanden, Energie und Spielfreude stimmen. Auch die Rockinstrumente sind sauber produziert und druckvoll.

Zudem sind die GROGGYS deutlich dem Gesetz des Offbeat verpflichtet: Der Sound hat neben Alkohol auch deutlich Ska im Blut. Nur dass die kurzen, stoßartigen Akzente hier von den Folk-Instrumenten gesetzt werden, nicht von der Gitarre. Das bewahrt die Band davor, in allzu seichten SANTIANO-Gewässern auf Grund zu laufen. Die Instrumentalparts greifen auch klar auf traditionelle irisch-keltische Folk-Muster zurück – schnelle, verzierte Melodielinien, die in der Spielpraxis oft deutlich komplexer sind, als sie zunächst wirken. THE CHIEFTAINS sind mit an Bord. Gerade der Irish Folk ist hier superkompetent und lebendig gespielt.

Das Album wirft einige Hits für die Partyplaylist ab

Fakt ist: Dieses Album wirft für die Zielgruppe durchaus einige Hits ab, die sich direkt auf die Trinkspiel-Playlist setzen lassen. Das mit schnellen Ska-Rhythmen versehene Trinklied „One Last Toast“, das noch schnellere – öhm – Trinklied „Fifteen Men on a Dead Man’s Chest“ oder die im Jig-Feeling hüpfende Volkstanz-Nummer „The Sea for the Free“ (6/8-Rhythmus?), zu der man natürlich auch trinken kann, sind kompetent dargeboten, komplett drüber – und machen durchaus Laune.

Und so stellt sich gar nicht die Frage, wie viele Leser mich Kielholen wollen, wenn ich dieses Album auf „Empfehlung“ setze, statt mit dem Daumen nach unten zu zeigen. Denn ich habe ja beschrieben, was hier passiert. Wer schon beim Wort „Schifferklavier“ reflexartig zum Eimer greifen muss, soll mir bitte nicht in den Ausguck steigen, wenn er sich das Album versehentlich in die heimische Kajüte holt.

Weil die Texte auch konsequent auf Übertreibung setzen und kein Klischee auslassen – Outlaws werden glorifiziert, Papageien kommentieren das Geschehen, Schiffe gehen spektakulär zu Bruch – und am Ende landet alles zuverlässig im Reich der trinkfesten Legende –, kann man der Band kaum vorwerfen, hier Authentizität vorzugaukeln, wo keine ist. Sie wissen genau, was sie da tun. Wenn das Schiff kein stolzer Dreimaster ist, sondern ein Gummiboot – auch egal. Es gibt schlechtere Soundtracks, um über die Reling zu kotzen. Dass das Ganze live noch einmal eine Ecke mehr Spaß machen dürfte, ist eh klar. Ich vergebe stabile 7,5 Promille.

Er trug nie Orden und kümmerte sich nicht um Befehle,
ein wildes Herz, das für keine Königsfahne segelte.
Keine Krone, vor der man sich verbeugte. Kein Schiff, das ihm gehörte –
nur Feuer in den Augen und ein furchterregender Name.

Er tanzte mit den Stürmen, lachte mitten im Kampf,
sein Schatten war lang im bleichen Mondlicht.
Mit Spucke und Feuer beherrschte er die Flamme,
der Beste am Grill – ohne jede verdammte Scham.

Hebt das Glas auf Woodenhand Sam,
den Kühnsten, der segelte, ohne sich einen Dreck zu scheren!
Er grillte wie ein König und trank jedes Unheil weg –
verdammt, wir trinken heute auf seinen Namen.

THE GROGGY DOGS „No Grog No Glory“-Tracklist

1. Storms Ahead!
2. All Hands on Deck (Video bei Youtube)
3. One Last Toast (Video bei Youtube)
4. Fifteen Men on a Deadman’s Chest
5. Roll The Grog Around
6. The Ballad of Woodenhand Sam
7. Seven Seas of Grog
8. The Sea for The Free
9. Go To Sea No More
10. Roll The Woodpile Down
11. The Keelhauling Set

VÖ: 24. April 2026

Spielzeit: 42:12

Label: Eigenverlag

Line-Up:

Cap’n Mauro – Vocals & Guitar
Fátima “The Voodoo Witch” – Violine
Charlie “The Cook” – Bass
Lucas “The Deadman” – Drums
Naoki “The Castaway” – Keyboards, Akkordeon

Mehr im Netz:

Instagram: https://www.instagram.com/thegroggydogs
Bandcamp: https://thegroggydogs.bandcamp.com/music
Offizielle Webseite: https://www.thegroggydogs.com/

Jedenfalls dann, wenn man mit der Entwicklung des Quartetts konform geht: Musikalisch lässt die Formation die teils harten Spitzen und aggressiven Bretter von „You’re Hellcome“ (2023) nämlich im Schrank, um die launige, melodiebetonte Seite des eigenen Sounds ins Zentrum zu rücken. Damit einher geht ein stärkerer Fokus auf Sebastian Fischers Klargesang, welcher ein glückliches Händchen für einprägsame Hooks beweist.

„Press Start“ zeigt SAMURAI PIZZA CATS facettenreich und kurzweilig

Ohrwürmer haben SAMURAI PIZZA CATS zuhauf in der Hinterhand, während gleichzeitig das Modern (Post-)Metalcore-Fundament Einflüsse aus allen Richtungen aufzusaugen scheint. Scratches, futuristische Synthesizer und poppige Akzente mischen den Opener „Pandastruck“ auf, wohingegen „Ramen-Man“ seine schwachbrüstige Bridge durch kauzige J-Pop-Vibes inklusive Gastbeitrag der Idol-Gruppe BABYBEARD wettmacht.

„T-Rex(plosion)“ prägt wiederum der charmante Gesang Jessie Williams‘ (ANKOR), so dass der präsente Alternative-Rock-Einfluss nur eine von vielen Facetten darstellt, die „Press Start“ so kurzweilig werden lässt. Die Electronic-Rock-Hook in „Fear No Slice“ schließlich ist nicht nur tanzbar, sondern trägt tatsächlich einen Hauch ELECTRIC CALLBOY in sich – eine Referenz, die sich in Daniel Haniß‘ Gitarrenarbeit ohnehin immer wieder herauslesen lässt.

SAMURAI PIZZA CATS experimentieren viel, lassen ihre aggressive Seite aber in der Schublade

Dass bei so viel Wandelbarkeit mit den 80er- und Wave-Ausflügen von „Error 808“ auch ein weniger spannendes Experiment den Weg auf „Press Start“ gefunden hat, lässt sich verschmerzen. Dafür entschädigen SAMURAI PIZZA CATS mit oftmals umso geschmeidigerem Songwriting, das im aufbauenden „Super Zero“ dank seiner catchy Gesangslinie die Grenzen zum Kitsch bewusst auszureizen scheint.

Allein die extremere Seite des Debüts kommt auf dem Folgewerk etwas zu kurz, was der Scheibe letztendlich ein noch schärferes Profil und generell etwas Fleisch auf den Rippen hätte schenken können. Als Album ist „Press Start“ eben laufzeitbedingt auch eine magere Angelegenheit – schließlich versteht man unter der Shrinkflation auf dem Teller für gewöhnlich nicht den unseres Plattenspielers.

Veröffentlichungstermin: 27.03.2026

Spielzeit: 29:57

Album-Line-Up

Sebastian Fischer – Vocals
Daniel Haniß – Gitarre
Stefan Reufer – Bass
Stefan Buchwald – Drums

Band-Line-Up 2026

Sebastian Fischer – Vocals
Daniel Haniß – Gitarre
Stefan Reufer – Bass
Robin Scheer – Drums

Produziert von SAMURAI PIZZA CATS und Christoph Wieczorek

Label: Century Media

Facebook: https://www.facebook.com/samuraipizzacats
Instagram: https://www.instagram.com/samuraipizzacats/
Bandcamp: https://centurymedia.bandcamp.com/album/press-start-24-bit-hd-audio

SAMURAI PIZZA CATS “Press Start” Tracklist

1. Insert Coin
2. Pandastruck (Video bei YouTube)
3. T-Rex(plosion) (feat. Ankor) (Video bei YouTube)
4. Fear No Slice (Video bei YouTube)
5. Error 808
6. Level Up
7. Ramen-Man (feat. BABYBEARD)
8. Penguin Supreme
9. Super Zero  (Video bei YouTube)
10. City of Gold  (Video bei YouTube)
11. Thanks for Playing
12. Pizza Homicide – STVW Version

ASTRAYA schaffen auf „Atropine“ auch in kurzen Songs beeindruckende Spannungsaufbauten.

Wirklich giftig klingt die Band aus Stuttgart auf ihrem zweiten Album allerdings nicht. Ist sie also ein eher Mittel gegen den Weltschmerz? „Atropine“ mäandert jedenfalls zwischen THE GATHERING zu Zeiten von „The West Pole“, späten ANATHEMA und zeitgenössischen Künstlerinnen wie ELLEREVE. Das ergibt emotionale Musik zwischen Progressive und Post Rock mit einem Hauch Metal. Schon die Eröffnung „A Spark Within“ entwickelt sich in dreieinhalb Minuten von einem reduzierten Stück hin zu einem leidenschaftlich-epischen Song, bei dem die Gitarren sich umgarnen, ohne auf Twin-Leads zu setzen, während die Rhythmus-Einheit subtil aber bestimmt groovt und Sängerin Melina Abele in sphärische Höhen vordringt.

Dass „Lighthouse“ recht beherzt mit schweren Riffs beginnt und dann eine melodiösere, luftigere Richtung nimmt, funktioniert ebenso gut, wie „In Devotion“, das leise und träumerisch startet, dann zunehmend heavier wird und in ein Gitarrensolo mündet, das ebenso leidenschaftlich und verspielt ist, wie Ricardo Amorims Soli bei MOONSPELL. Hier und auch im folgenden „A Theory Of Time“ klingt Melina Abele nach Silje Wergeland bei THE GATHERING durch ihre Stimmfärbung und Melodieführung und verschafft mehr als nur einmal Gänsehaut. Der Song schafft ebenso wie die Stücke zuvor, in relativ kurzer Zeit einen starken Aufbau und fließt organisch ein sehr gefühlvolles Finale. Überhaupt schaffen ASTRAYA viele gute Steigerungen, siehe „Desendant Of A Dead Man“ oder „Valley Of The Dead Part II“.

Etwas mehr Selbstbewusstsein und etwas weniger Understatement hätte „Atropine“ gutgetan, denn ASTRAYA haben viel Talent.

ASTRAYA feilschen nicht um Aufmerksamkeit und bleiben häufig zurückhaltend, und hier hätte „Atropine“ etwas offensiver und mutiger sein dürfen, denn die fünfköpfige Band hat viel zu bieten. Gerade in der zweiten Hälfte verlieren sich ASTRAYA dadurch zwischendurch immer wieder in der Gleichförmigkeit. Melina Abele, so schön ihre Stimme auch über den Songs schwebt, hätte etwas mehr Variation liefern dürfen, einige Stücke fließen zu unaufgeregt vor sich hin und nicht immer hat die Band die Heaviness im Griff: „In The Pale Glow Of Torches“, wirkt mit seinen abrupten Tempo- und Stimmungswechseln zwischendurch etwas konfus, fängt sich aber wieder und fließt mit tollen Harmonien dem Ende entgegen. Gitarrist Tim Suske, der als Soundingenieur für den Mix zuständig ist, lässt „Atropine“ organisch wirken, etwas wuchtiger und differenzierter hätte das Soundbild aber sein dürfen.

Das Atropin steht auf der Liste der unentbehrlichen Arzneimittel der WHO. Ist nun auch „Atropine“ ein unentbehrliches Album geworden? Nicht zwingend. Aber nicht falsch verstehen: ASTRAYA haben wirklich schöne und auch bewegende Momente auf ihrem Album stehen und stellenweise müssen die Hörer*innen ein wenig nach dem Besonderen in der Musik suchen. Wer sich aber Zeit für „Atropine“ nimmt, findet vieles im Unperfekten, das unter die Haut geht, wie das versteckte KATATONIA-Flair im abschließenden Titelsong. Hörer*innen der oben genannten Künstler*innen, die Lust auf eine frische Band in diesem Bereich haben, dürfen ASTRAYA gerne eine Chance geben.

Wertung: 7 von 10 Hausapotheken

VÖ: 24. April 2026

Spielzeit: 45:01

Line-Up:
Melina Abele – Vocals
Benny Gölz – Guitar
Tim Suske – Guitar
Tobias Hänsel – Bass
Klaus Wintermayr – Drums

Label: These Hands Melt

ASTRAYA „Atropine“ Tracklist:

1. A Spark Within (Official Video bei Youtube) 
2. Lighthouse
3. In Devotion
4. A Theory Of Time (Official Video bei Youtube)
5. Descendant Of A Dead Man
6. Valley Of The Damned Part I
7. In The Pale Glow Of Torches
8. Arrival
9. Valley Of The Damned Part II
10. Atropine

Mehr im Netz:

https://www.astrayaband.com/
https://astraya.bandcamp.com/
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„The Ghost Of A Future Dead“: ein Vermächtnis

Ursprünglich sollte das Album „The Dissonant Void“ heißen, die Band änderte den Titel aber etwas später in „The Ghost Of A Future Dead“ – und alleine dieser Albumtitel kann einem eine Gänsehaut über den Rücken jagen. Mich hat diese Veröffentlichung schon berührt, ohne dass ich einen Song daraus gehört habe. Denn der Titel könnte eine Vorahnung sein: Mit diesen Songs spricht der Geist, die Persönlichkeit von jemandem zu uns, zu einer Zeit, in der diese Person bereits tot ist.

In diesem Album steckt so viel AT THE GATES, dass klar wird, wie sehr diese Band fehlen wird

Musikalisch ist „The Ghost Of A Future Dead“ so typisch AT THE GATES, dass es wehtut, es anzuhören. Spätestens als im Opener „The Fever Mask“ diese typischen zweistimmigen AT THE GATES Gitarrenmelodien zu hören sind, musste ich eine erste Träne wegblinzeln. Und es bleibt so emotional: „The Dissonant Void“ braucht nur ein nicht mal zehnsekündiges Intro, um eine dichte, düstere Stimmung zu schaffen, bevor man wieder mittendrin ist in dieser seltsamen, wehmütigen und fassungslosen Stimmung, in der man gleichzeitig froh ist, zuhören zu dürfen. Der Song erinnert noch am ehesten an die beiden letzten Alben „The Nightmare of Being“ und „To Drink From The Night Itself„, leicht dissonante Gitarren, Breaks, überraschende Übergänge, hier fassen AT THE GATES nochmal ihr Spätwerk und ihre progressive Seite zusammen.

„Det Oerhorda“ beginnt ungewohnt, mit Soundsamples wie aus einem Horrorfilm, biegt dann ab in Richtung „Slaughter Of The Soul“, um schließlich was ganz Neues zu machen: So hymnisch hat man AT THE GATES noch nie gehört. Natürlich sind die Schweden auch dabei so weit, wie es nur geht, entfernt von dem, was gerne als (Metal)-Hymne gilt: Das ist kein stumpfer, möglichst eingängiger Mitgröhltrack, sondern majestätisch, ergreifend, erhaben, einschüchternd, ja vielleicht sogar angsteinflößend. Auf Deutsch bedeutet der Songtitel übrigens: „Das Schreckliche“. „In Dark Distorsion“ ist zu einhundert Prozent AT THE GATES und bringt alle Trademarks dieser außergewöhnlichen Band nochmal auf den Punkt: Melodien, die direkt ins Herz gehen, eine ungebändigte Kraft, und mit der Rückkehr von Anders Björler im Jahr 2022 wieder einige Thrash-Riffs, die da treffen, wo’s wehtut.

„The Ghost Of A Future Dead“ wird lange, sehr lange nachhallen

Es ist Absicht, dass nach dem ruhigen, düsteren Instrumental „Forgangligheten“ (zu deutsch Vergänglichkeit) mit „Black Hole Emission“ einer der wütendsten AT THE GATES Songs überhaupt folgt. Dieses Album endet nicht mit einer Trauerfeier, einem sanften Ausfaden, sondern mit einem Statement. Die Band sagte, auf diesem Album sei alles so, wie Tomas es sich gewünscht hatte. Er wollte offenbar auch einen ganz besonderen Schlusspunkt setzen. Das ist ihm, Anders und Jonas Björler, Martin Larsson und Adrian Erlandsson gelungen. „The Ghost Of A Future Dead“ ist nicht das erste Album von AT THE GATES, das in die Geschichte eingeht. Es nimmt dort einen ebenso wichtigen Platz ein wie „Slaughter Of The Soul“.

Und am besten hört man sich „The Ghost Of A Future Dead“ an, wenn die Sonne untergeht. Denn „The Red in The Sky is Ours“ – und niemand kann es uns wegnehmen. Genausowenig wie die Erinnerungen, die wir mit Tomas Lindberg, seiner Stimme und den Songs von AT THE GATES verbinden.

Übrigens, wenn man das Cover aufmerksam anschaut, bemerkt man, dass Folgendes draufsteht:

the GHOST
AT THE GATES
of a FUTURE DEAD

Ob und was das bedeuten mag, kann man sich ja selbst überlegen, ein kleiner Kunstgriff ist die Gestaltung aber allemal.

AT THE GATES „The Ghost Of A Future Dead“ Tracklist

1. The Fever Mask (03:12) (Video bei YouTube)
2. The Dissonant Void (02:47) (Video bei YouTube)
3. Det Oerhörda (03:35)
4. A Ritual of Waste (03:35)
5. In Dark Distortion (03:50)
6. Of Interstellar Death (03:45)
7. Tomb of Heaven (03:53)
8. Parasitical Hive (04:34)
9. The Unfathomable (04:07)
10. The Phantom Gospel (02:44)
11. Förgängligheten (02:41)
12. Black Hole Emission (03:39)

VÖ: 24. April 2026

Label: Century Media Records

Line-Up:

• Tomas Lindberg – Vocals
• Jonas Björler – Bass
• Anders Björler – Guitars
• Martin Larsson – Guitars
• Adrian Erlandsson – Drums

Mehr im Netz:

atthegates.se

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Auf „To Become The Endless Static“ reichern AVERSIO HUMANITATIS pessimistischen, zeitgenössischen Black Metal mit  dissonantem Death Metal an.

Ohne Vorwarnung prescht „Long Stretch The Shadow“ vor, mit Blast Beats, dissonanten Riffs, die eine klaustrophobische Stimmung ausstrahlen, sowie bitterbösen Vocals, und reduzieren nach anderthalb furiosen Minuten die Geschwindigkeit deutlich und fokussiert sich auf Atmosphäre. „To Become The Endless Static“ steckt dadurch gleich am Anfang das Feld ab. Es wird schnell klar, dass AVERSIO HUMANITATIS ein dichtes Album geschrieben haben, dessen soghafte Energie die Rezipienten in ein schwarzes Loch zu ziehen droht. Trotz Fokus auf Blast Beats und sägenden Gitarren sind die sechs Songs nicht eindimensional: in den meisten Songs gibt es kurze Einschübe, die zumindest ein wenig Luft zum atmen lassen. Meist dominiert aber der Furor. Zwar fühlt sich „Blackened Mold Marrow“ so an, als wäre man in einem Strudel gefangen, der einen hinabzieht, aber die Grundidee des Songs ist so mitreißend, mangelnde Variation über fünf Minuten nicht ermüdet.

Mit „Strange Angle“, dem längsten Stück von „To Become The Endless Static“, bauen AVERSIO HUMANITATIS in der ersten Hälfte eine fast schon absurde Geschwindigkeitssteigerung auf, die dann in sich zusammenfällt und eine kriechende zähe Masse verwandelt. Im Anschluss lassen „The White Noise Is Calling“ und „Collapsing Into The Resonance“ zwischendurch ein wenig Harmonie erahnen, schrauben sich dann wieder in den Wahnsinn, der physisch und psychisch spürbar ist. „To Become The Endless Static“ als Ganzes schafft wie der Vorgänger das Kunststück, depersonalisiert und persönlich zugleich zu wirken. Beklemmung und Raserei werden beinahe real spürbar im Lauf dieser 35 Minuten. Zwischen den Tönen verortet sich ein Nihilismus, der jenseits allen Schmerzes liegt. Das alles ist sehr intensiv, sehr erschöpfend, und so gut die Songs geschrieben und gespielt sind, es kostet etwas Überwindung, dieses Album zu hören. Taucht man aber ein, gibt es kaum einen Weg aus dieser bildgestörten Welt.

Das Eintauchen in „To Become The Endless Static“ kostet Überwindung, aber AVERSIO HUMANITATIS haben ihr Publikum fest im Griff.

AVERSIO HUMANITATIS gehören nicht zu den produktivsten Bands der zeitgenössischen Black- und Death Metal-Szene. „To Become The Endless Static“ erscheint sechs Jahre nach dem zweiten Album „Behold The Silent Dwellers“, die Arbeit und Hingabe, die darin steckt, ist aber spürbar. Die Band aus Madrid lässt sich Zeit im Songwriting und liefert ein kurzes, aber wirkmächtiges Album ab, dessen Komplexität nach und nach erarbeitet werden will. Mit hervorragender instrumentaler Arbeit und einem Sound – von Gitarrist Simon da Silva persönlich – der speziell im Bereich der Gitarren durch Mark und Bein geht, ist dieses Album quasi unschlagbar und muss sich nicht hinter Bands wie MISþYRMING, PANZERFAUST, SPECTRAL WOUND oder SELBST verstecken. Dass „To Become The Endless Static“ mit sechs Songs in 35 Minuten sehr kompakt ist, ist indes kein Nachteil. AVERSIO HUMANITATIS‘ Musik ist so intensiv, dass diese relativ kleine Dosis absolut ausreichend ist, zumal es über die gesamte Spielzeit keine Atempause gibt. Sofern die Hörer*innen durch die tägliche digitale Hölle noch nicht zu genüge im Strudel des Wahnsinns gelandet sind, dieses statische Rauschen gibt ihnen den Rest. Bon voyage.

Wertung: 4,5 von 6 Flimmerkisten

VÖ: 24. April 2026

Spielzeit: 34:30

Line-Up:
A. – Bass & Vocals
S. – Guitars
D. – Guitars
J. – Drums

Label: Debemur Morti Productions

AVERSIO HUMANITATIS „To Become The Endless Static“ Tracklist:

1. Long Stretch The Shadows
2. To Become The Endless Static (Official Video bei Youtube)
3. Blackened Mold Marrow (Official Video bei Youtube)
4. Strange Angles
5. The White Noise Is Calling
6. Collapsing Into The Resonance

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Es ist sein drittes Album und bereits sein Meisterwerk, soviel ist klar, denn was hier an Melodie, Atmosphäre und fetten Beats aufgefahren wird, ist ganz einfach nicht mehr zu toppen: Die Lieder, allesamt 3-4 Minuten lang, vereinen zärtliche, sehnsuchtsvolle Akustik-Gitarren, entrückte Flötentöne, perfekt gebaute 90er-Jahre-Black-Metal-Riffs, fieses Gekrächze und angenehm unperfekten, aber stets passenden Klargesang mit einer Ästhetik, die zwar original aus Norwegen der 90er stammen könnte, aber stets subtil gebrochen wird, so dass die Gefühle, die der weinende Ork transportieren will, nicht überschattet werden können von irgendeiner Form von Redundanz.

Ugh!

Wobei die Flasche Cola, die er im brillianten Video zur Hitsingle „Three Winters Away“ schwingt, schon mehr als nur eine subtile Brechung der Ästhetik darstellt. Macht aber nichts: Auch solcherlei Manöver funktionieren im Kosmos KEKHT ARÄKH, dafür ist die Musik einfach zu echt und schön und abwechslungsreich: Mal fühle ich mich zurückversetzt in „Stormblast“-Zeiten („Mörker över Mörker“), mal meine ich, ein 25 Jahre altes Indie-Folk-Stück zu hören („Genom Sorgen“), dann wieder bin ich einfach nur entzückt von der cleveren Idee, Cloud-Rap-Beats mit Rumpel-Schlagzeug und Blastbeats zu mischen.

I said: Ugh!

Das ist aber nur ein Teil des Erfolgsrezepts, viel wichtiger sind die Clean Vocals, vor allem von Crying Orc selbst, aber auch vom Norweger „Spöke“ (von VS–55) und Stargast „Bladee“, einem mir bis dato völlig unbekannten Helden der mir bis dato ebenfalls völlig unbekannten Cloud-Rap-Szene, denn ich bin ja, s.o., ein alter Mann. Jedenfalls: Was Bladee in „Eternal Martyr“ macht, ist wirklich herzzerreißend und das Feature letztlich völlig logisch, schaut man sich mal Videos von dem Typen an – er sieht aus wie Crying Orc selbst, nur halt ohne Schminke, und bewegt sich auch so. Faszinierend, schräg, interessant, und ja, ich merke selber, dass ich total cringe klinge.

„Morning Star“ ist große Kunst mit großem Gefühl

Überhaupt, cringe: Das ist das hier ja eigentlich komplett, aber gerade darin, gerade in dem Mut sein Herz so kompromisslos zu öffnen und eine Ästhetik des totalen Kitsches zu nehmen, es irgendwie zu schaffen, dem Ganzen den Kitsch zu nehmen, indem er ironisiert und übertrieben wird, bis nur noch das Gefühl selber übrig bleibt, das ist große Kunst und funktioniert für mich so gut, dass ich „Morning star“ ganz unironisch jetzt schon auf dem Treppchen sehe am Ende des Jahres.

Spielzeit: 50:12 Min.

Label: Sacred Bones Records

https://kekhtarakh.bandcamp.com/album/morning-star

Veröffentlichungsdatum: 27.03.2026

Tracklist – KEKHT ARÄKH – „Morning Star“

01. Wänderer
02. Castle
03. Lament
04. Genom Sorgen (Ft. VS–55)
05. Angest
06. Mörker Över Mörker
07. Three Winters Away
08. Drömsång
09. Raven King
10. Vigil
11. Eternal Martyr (Ft. Bladee)
12. Trollsång (Ft. Spöke)
13. Land Av Evig Natt L
14. Land Av Evig Natt Ll
15. Gates
16. Morning Star
17. Outro (Ft. Varg2)

Es ist somit wenig überraschend, dass dieses Album kälter und brutaler klingt, als das, was PURE WRATH zuvor veröffentlichten, und gerade das schreckt im ersten Moment ein wenig ab. „Hymn To The Woeful Hearts“ hatte diese leidenschaftlichen, mitreißenden Momente, diese Melancholie und den Hauch des Vergangenen in sich, die dieses Album so atemberaubend machten. In „Bleak Days Ahead“ muss man dies zunächst suchen. Aber keine Sorge, Januaryo Hardys Handschrift ist noch immer zu gegenwärtig. Die Melancholie ist nur ein wenig vergraben unter der brutalen Oberfläche und es mag daher ein wenig dauern, bis sich „Bleak Days Ahead“ öffnet.

„Bleak Days Ahead“ ist kälter und aggressiver als das Vorgängeralbum, aber PURE WRATH verstecken viele Facetten unter der schroffen Oberfläche.

Dass PURE WRATH eine neue konzeptuelle Ausrichtung wagen, wirkt sich nicht nur in Sachen Aggression auf die Musik aus. Aus „Bleak Days Ahead“ schälen sich einige neue Facetten heraus. Eine Noir-Atmosphäre durch Mellotron und Saxophon schiebt sich behutsam dazu, verdrängt die subtilen folkloristischen Elemente indes nicht ganz. Weil Hardy seine Kompositionen jederzeit fest im Griff hat, funktionieren die teils langen Kompositionen problemlos. Dabei ist das Album recht klar gegliedert: die ersten beiden Stücke, „Bleak Days Ahead Pt. I“, respektive „Pt. II“ sind kalt, aggressiv und impulsiv, während die restlichen drei Songs introvertierter und vielschichtiger sind.

„Haven Of Echoes“ lässt sich einige Minuten lang Zeit, bevor es die Zähne zeigt, und doch überwiegen hier die düstere Atmosphäre und eine bedrohliche Aura. „Spectral Insomnia“ ist der rasantere Teil der zweiten Hälfte, besticht mit schneidenden Riffs und schnellem Blast Beat-Drumming sowie einer völlig entfesselten Stimme. Ab der Mitte leitet dieser Song das Ende von „Bleak Days Ahead“ ein, mit Hammond-Orgeln und getragenem, trauernden Cleangesang und einem furiosen Finale, das in Sachen Emotionalität an den Vorgänger beim Vorgänger andockt.

Immer spürbar auf „Bleak Days Ahead“: Die Emotionalität und Authentizität von PURE WRATH.

Besonders wird vor allem „Opaque Mist“, das mit dem Gastgesang von Andrew Rodin (STONED JESUS) und Trip Hop-Beats beginnt, switcht in Richtung KATATONIA und schickt einen letzten Blast Beat mit ergreifenden Harmonien dem Ende entgegen, als gäbe es dennoch die trotzige Hoffnung auf ein besseres Leben. Gerade dieses Finale macht den Gesamteindruck dieses Albums so komplett, obwohl es völlig anders beginnt, als es begonnen hat. Es ist sicherlich keine Heldenreise, aber es sieht die Dinge im zweiten Akt in einem anderen Licht. Was aber immer spürbar bleibt: die Emotionalität und die Authentizität.

Wer WHITE WARD und ULTHA liebt, sollte spätestens für „Bleak Days Ahead“ bei PURE WRATH einsteigen. Das vierzigminütige Album hat erstaunlich viele Facetten und fließt von Wut hin zur Trauer und will trotz allem nicht die Hoffnung aufgeben, dass bessere Tage kommen – allen Anzeichen zum Trotz. Dass mit Drummer Yurii Ciel und Gastsänger Andrew Rodin zwei ukrainische Musiker an Bord sind, festigt diesen Eindruck auch auf der Metaebene. Januaryo Hardy selbst baut mit diesem Album sein songschreiberisches wie technisches Können aus – auch in Bezug auf Produktion und Tontechnik. „Bleak Days Ahead“ klingt voll und rund, aber auch kratzig und fies, und nicht zuletzt beeindruckt das Artwork nachhaltig. Einzig die Emotionalität und das Konzept des Vorgängers werden hier nicht ganz erreicht. Und doch ist eindeutig: Trostlose Zeiten mögen sich ankündigen, aber zumindest künstlerisch wird die Zukunft für PURE WRATH auch weiterhin rosig sein.

Wertung: 8 von 10 Hochfunktionale Depressionen

VÖ: 24. April 2026

Spielzeit: 41:12

Line-Up:
Januaryo Hardy – Vocals, guitars, bass, piano, synths, soundscapes
Yurii Ciel (CAILLEACH CALLING) – All drums, whispers („Opaque Mist“)
Dany Tee (LOS MALES DEL MUNDO) – Foreword („Haven of Echoes“)
P.F. – Saxophone („Bleak Days Ahead, Pt. I“)
Tandani Mutaqim (WARKVLT) – Throat singing („Bleak Days Ahead, Pt. II“)
Andrew Rodin (STONED JESUS) – Backing vocals

Label: Debemur Mort Productions

PURE WRATH „Bleak Days Ahead“ Tracklist:

1. Bleak Days Ahead, Pt. 1
2. Bleak Days Ahead, Pt. 2
3. Haven Of Echoes (Official Video bei Youtube) 
4. Spectral Insomnia (Official Video bei Youtube)
5. Opaque Mist

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Die Gitarrenarbeit im Titeltrack oder „Great Pain“ wiederum bewegt sich in der Nähe des ALLEGAEON-Debüts „Fragments Of Form And Function“ (2010), was durchaus seinen Grund hat, wurde MIRE doch von deren Ex-Gitarrist Ryan Glisan ins Leben gerufen. Eine latente Industrial-Note schwingt derweil im Gesang Benton McKibbens mit, welcher seine Screams durch melodischere Techniken ergänzt, so dass klar gesungene Refrains keinen Seltenheitscharakter besitzen. Den Höhepunkt hierbei bildet „Send Us“, wo McKibbens in der Hook eine Stimmfarbe erreicht, die völlig unerwartet an BORKNAGARs Lars Nedland erinnert.

„Pale Reflection“ steht MIREs Debütalbum in nichts nach

Den größten Teil der Laufzeit verbringt „Pale Reflection“ im Midtempo, was MIRE keinen schwerfälligen, doch einen drückenden Charakter verleiht. In Verbindung mit den präzise getakteten Drums und Riffs könnten phasenweise gar SCARVE als Referenz dienen – obgleich Parallelen wohl nur zu deren gedrosselten Kompositionen gezogen werden können. Im Gesamten gehen MIRE nämlich geordneter ans Werk, wodurch es den vier Musikern überdies gelingt, die einzelnen Versatzstücke schlüssig miteinander zu verbinden.

Weder der präsente Gesang noch die cleveren Gitarrenarrangements überschatten die jeweils anderen Komponenten. Das Resultat ist mit „Pale Reflection“ ein Zweitwerk, das seinem Vorgänger in nichts nachsteht, sondern mit Elementen aus Death, Thrash, Groove, Industrial und Progressive sein eigenes Süppchen kocht – ohne Zwänge oder Altlasten ist das Ergebnis schlicht erfrischend: Moderner Metal neu gedacht.

Veröffentlichungstermin: 10.04.2026

Spielzeit: 42:11

Line-Up

Benton McKibben – Vocals
JP Andrade – Drums
Nick Hipa – Guitar
Ryan Glisan – Guitar & Bass

Produziert von Grant McFarland und Carson Slovak

Label: Eigenproduktion

Homepage: https://thebandmire.net/
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Bandcamp: https://thebandmire.bandcamp.com/

MIRE “Pale Reflection” Tracklist

1. Pale Reflection (Video bei YouTube)
2. Cultures of Violence (Video bei YouTube)
3. The Master (Video bei YouTube)
4. Where I Belong
5. Great Pain
6. Human Condition
7. Significance Plague
8. Which One Am I
9. Send Us

Hier hätten VISIONS OF ATLANTIS also tiefer in die Materie eingreifen müssen, um ihrem aktuellen Studioalbum „Pirates II – Armada“ (2024) tatsächlich neues Leben zu schenken. In der Praxis behalten die zwölf Kompositionen ihre Arrangements ohne größere Veränderungen bei, was dann ohne Gesang und Rock-Instrumentarium bis zu einem gewissen Grad unvollständig wirkt.

Wirklich entfalten kann „Armada – An Orchestral Voyage“ sein Potenzial nicht

Sein Potenzial kann die Idee in der Folge kaum entfalten, da VISIONS OF ATLANTIS lediglich die Gesangsspuren durch Streich- bzw. Blasinstrumente ersetzt haben. Von Violine bis Flöte reicht das Spektrum – dank Gastmusikern wie Fabio Polo (ELVENKING) oder Sandro Friedrich allerdings formidabel umgesetzt.

Die Krux der Geschichte ist jedoch der überschaubare Mehrwert, den diese Alternativ-Versionen bieten: Was VISIONS OF ATLANTIS zum Vollpreis feilbieten, legen andere Künstler:innen in vergleichbarer Güte ihren Alben nicht selten als limitierten Bonus bei. Dadurch wird zumindest die physische Fassung von „Armada – An Orchestral Voyage“ zur zwiespältigen Angelegenheit, der wir viel Wohlwollen entgegenbringen müssen, um den Anschaffungspreis zu rechtfertigen. Dann aber lassen sich immerhin die entscheidenden Schlachten von „Mythic Battles“, „Blood Rage“ oder vergleichbaren Brettspielabenteuern in adäquater Epik begleiten.

Veröffentlichungstermin: 06.02.2026

Spielzeit: 53:34

Band-Line-Up

Clémentine Delauney – Vocals
Michele Guaitoli – Vocals
Christian Douscha – Guitar
Herbert Glos – Bass
Thomas Caser – Drums

Produziert von Michele Guaitoli

Label: Napalm Records

Homepage: https://www.visionsofatlantis.at/
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Instagram: https://www.instagram.com/visionsofatlantis/
Bandcamp: https://visionsofatlantis.bandcamp.com

VISIONS OF ATLANTIS “Armada – An Orchestral Voyage” Tracklist
To Those Who Choose to Fight
The Land of the Free
Monsters
Tonight I’m Alive
Armada
The Dead of the Sea
Ashes to the Sea (Video bei YouTube)
Hellfire
Collide
Magic of the Night
Underwater
Where the Sky and Ocean Blend

Entsprechend beginnt das gitarrengestützte Intro mit einem erschütternden Schrei, bevor ATREYU in „Dead“ tatsächlich die Fäuste ballen. Mit Melodeath-Einschlag und einem akustischen Zwischenpart bewegt sich das Stück zwischen IN FLAMES und BULLET FOR MY VALENTINE, während sogar Sänger Brandon Saller in den Strophen ein paar Screams beisteuert. Für uns Hörer ist das ein Segen, da Kollege Port McKnight im harschen Spektrum für ein komplettes Album leider die Bandbreite fehlt. Das unterstreicht später noch „In The Dark“, welches sich aber schnell vom IN FLAMES-artigen Brecher zum kitschigen Kuschelrocker samt Chören und Saxofon wandelt.

ATREYU fahren auf „The End Is Not The End“ etwas öfter die Ellenbogen aus

Energischer geht hingegen „Ego Death“ zu Werke, das mit Hardcore-Einschlag stark beginnt, bis der poppige Refrain das Stück mit vollem Schwung gegen die Wand setzt. Eingängige Singalongs haben sich ferner nicht aus der bandeigenen DNA verabschiedet, obschon ATREYU die Stadionrock-Ambitionen spürbar zurückgeschraubt haben. Dennoch setzt „Break Me“ auf moderne US-Rock-Riffs, deren Groove auf natürliche Weise in die klar gesungene Hook überleitet. Noch plakativer ist der Airplay-Fokus in „All For You“ zu spüren, wo das Quintett dem Arena-Sound schlussendlich doch nicht auskommt.

Aktuelle Fans der US-Amerikaner müssen sich somit keinesfalls auf ein blaues Wunder gefasst machen. Reich an süßlichen Melodien ist „The End Is Not The End“ weiterhin, wobei nun eben die Zugänglichkeit durch häufigere Einschübe der härteren Gangart kontrastiert wird. „Glass Eater“ ist ein gutes Beispiel hierfür, „Death Rattle“ ein weiteres, wo ATREYU ein wenig die Ellenbogen ausfahren.

Ihren Kuschelkurs haben ATREYU nur teilweise aufgegeben

Mit Akustikgitarren und poppigem Schunkel-Rhythmus geht „Afterglow“ indes auf Kuschelkurs, nachdem es die Powerballade „Wait My Love, I’ll Be Home“ bereits im vorherigen Verlauf mit dem Pathos übertrieben hatte. Dass allein diese beiden Stücke ausreichen, um die Marketing-Abteilung Lügen zu strafen, versteht sich von selbst, insbesondere wenn man zum Vergleich mit „The Curse“ (2004) das Frühwerk der Band heranzieht.

Andererseits sind ATREYU schon lange nicht mehr dieselbe Band wie damals, weshalb diese aktuelle Entwicklung, die härtere Klänge nicht mehr scheut wie der Teufel das Weihwasser, uns grundsätzlich positiv stimmt. Insbesondere, weil die fünf Musiker noch lange nicht ans aufhören denken, wie sich zumindest vom Titel ihres zehnten Studioalbums ableiten lässt.

Veröffentlichungstermin: 24.04.2026

Spielzeit: 45:08

Line-Up

Brandon Saller – Lead Vocals
Dan Jacobs – Guitar
Travis Miguel – Guitar
Porter McKnight – Bass/Vocals
Kyle Rosa – Drums

Produziert von Matthew Pauling

Label: Spinefarm Records

Homepage: https://www.atreyuofficial.com/
Facebook: https://www.facebook.com/Atreyu
Instagram: https://www.instagram.com/atreyuofficial/

ATREYU “The End Is Not The End” Tracklist

1. The End Is Not The End
2. Break The Glass
3. Dead (Video bei YouTube)
4. Break Me
5. All For You (Video bei YouTube)
6. Ghost In Me
7. Glass Eater
8. Wait My Love, I’ll Be Home Soon
9. Ego Death (Video bei YouTube)
10. Death Rattle
11. Children Of Light
12. In The Dark
13. Afterglow

„Doodswens“ ist ein transformatives Album, mit dem die Band eine ursprüngliche Kraft entstehen lässt.

Die niederländische Band, deren Name übersetzt „Todeswunsch“ bedeutet, lässt auf den ersten Blick auf ein anderes Mindset schließen. DOODSWENS widerstehen aber und fokussieren sich darauf, so zu leben, dass es egal ist, ob morgen schon der Tod wartet, weil das Leben völlig ausgekostet wurde. Das ist spürbar in der Energie, die in den Songs liegt. Bandleaderin, Sängerin und Drummerin I. drischt und schreit voller Inbrunst, die Riffs von P. (OSSAERT, DÖDSRIT) sind primitiv aber im allergrößten Fall absolut treffsicher. Die Art des Black Metals, den DOODSWENS spielen, ist völlig frei von Innovationen und reiht sich zwischen zeitgenössischen Bands wie ASAGRAUM und CULTUS PROFANO ein, die ihrerseits der Schule der zweiten Welle (denke DARKTHRONE) aus einer zeitgemäßeren und auch weiblicheren Perspektive Tribut zollen, natürlich nicht im Sinne von Symphonic Metal mit wallenden Kleidern, sondern mit einer ursprünglichen, schwefelig-pechschwarzen Aura.

Das Ergebnis ist unvergleichlich kraftvoll und direkt: Auch wenn die Songs mal über sechs Minuten dauern, repetitive Langeweile gibt es keine auf diesem Album. Egal ob es kompakte, punkige und leicht thrashige Black Metal-Songs („Verrot“, „Devil’s Stone“, „Vlaamse Vloek“) sind, oder ob die DOODSWENS etwas atmosphärischer und langsam vorgehen („She Carries The Curse“), fast immer schafft es das Trio, dass die Musik wirklich berührt und unter die Haut geht. Dabei sind die Songs so gut geschrieben, dass es schnell klick macht. Besonders trifft das auf „These Wounds Never Healed“ zu, das sich nach einem schleppenden Start erst in eine epische Richtung entwickelt und dann an Geschwindigkeit gewinnt.

DOODSWENS pusten den Staub vom Black Metal der zweiten Welle: „Doodswens“ ist ein frisches und fast schon kathartisches Album.

„Doodswens“ ist völlig unoriginell und somit wird es die Zeit zeigen müssen, ob dieses Album auch langfristig begeistern kann. Immerhin sind die Songs gespickt mit erstklassigen Riffs, soliden Arrangements und einer starken Gesangsperformance. Zwar sind nicht alle Songs auf gleichbleibend hohem Niveau, Ausfälle gibt es aber keine. Und verglichen mit so mancher schlecht gealterten Genregröße ist hier noch Feuer und Leidenschaft zu spüren. Die Energie, mit der sich DOODSWENS trotzig der grauen Wolke entgegenstellen, ist bemerkenswert. Nicht zuletzt deshalb ist ihr zweites Album ein sehr kraftvolles, beinahe kathartisches Werk, das laut gehört werden will und bei gewissen Personengruppen besondere Resonanz finden wird – bei denjenigen, die sich der grauen Wolke eben nicht hingeben wollen, egal wie dicht sie über dem Haupt schwebt. Starkes Album!

Wertung: 5,5 von 7 Wunschzettel

VÖ: 17. April 2026

Spielzeit: 37:30

Line-Up:
I. – Drums, Vocals
R. – Bass
P. – Guitar

Label: Svart Records

DOODSWENS „Doodswens“ Tracklist:

1. Driven By Death (Official Video bei Youtube) 
2. Verrot
3. The Black Flame (Official Video bei Youtube) 
4. These Wounds Never Healed
5. She Carries The Curse
6. Devil’s Stone
7. Vlaamse Vloek

DOODSWENS „Doodswens“ Full Album Stream bei Youtube 

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Und so beginnt das Album: Das Instrumentalstück „One Man Wall Of Death“ – nebenbei bemerkt ein Anwärter auf den Songtitel des Jahres – startet mit comichaften Samples und einem tonnenschweren Riff, bevor die Düsternis, durchzogen langsam einsickert, begleitet von diesen bizarren Dialogfetzen nach Art von Hammer-Filmen der 1960er und einem krachenden Noise-Crescendo. Die Samples sind es auch, die CRIPPLED BLACK PHOENIX durch das Album hindurch ziehen und die das bizarre Theater zusammenhalten. Und der Vorhang, der hier gelüftet wird, lässt auf der Bühne allerhand wilde Charaktere, respektive Songs tanzen.

Laute und krachende Songs sind auf „Sceaduhelm“ in der Unterzahl: CRIPPLED BLACK PHOENIX fokussieren sich auf Melancholie.

Atmosphärisch und todtraurig ist das alles, cool und doch mit der ungebremsten Kraft des Rock And Roll. Ein wenig so, als wäre die Schwärze von „Ellengaest“ zurückgekehrt. „Sceaduhelm“ ist dabei kompakter und weniger verkopft als sein Vorgänger. Greaves schenkt sich die Dienste eines Frontmannes in diesen Songs, mit Joel Segerstedt hat es offensichtlich nicht dauerhaft funktioniert. Neben ihm sind vor allem Sängerin und Lyrikerin Belinda Kordic, Lucy Marshall an den Tasten, Gitarrist Andy Taylor und Wes Wasley am Bass zu hören. In dieser Besetzung entsteht gleich zu Beginn der krachende Hit „Ravenettes“, das dreckig wie die eingängigen Stücke vom Nebenprojekt JOHNNY THE BOY ist, aber auch etwas Extravaganz atmen.t

Die lauten, angriffslustigen Songs sind in der Unterzahl, und doch ist der beste Song des Albums sehr wuchtig. CRIPPLED BLACK PHOENIX haben mit der unglaublichen Gothrock/Post Punk-Nummer „Vampire Grave“ bei der Ryan Patterson (FOTOCRIME) wieder zu hören ist, ein unverschämt sexy und cooles Stück auf „Sceaduhelm“. Zumeist gibt es melancholische, düstere Songs zu hören, wie das tieftraurige „Things Start Falling Apart“ mit Sänger Justin Storms, dessen Uptempo-Finale etwas zu abrupt kommt, oder auch „Under The Eye“, auf dem Belinda Kordic so gut wie noch nie singt – beschwörend, todtraurig und voller Größe.

CRIPPLED BLACK PHOENIX große stilistische Varianz und gleichzeitige Stimmigkeit lassen „Sceaduhelm“ wie im Flug vergehen.

„Colder And Colder“ verdient seinen Titel zurecht. Mit Wave-Gitarren, pumpendem Bass und dem unterkühlten Gesang von Justin Storms lässt dieses Stück einen Schauer über den Rücken laufen, das leise „Tired To The Bone“ ergänzt das perfekt, gewürzt mit etwas innerem Frieden. „No Epitaph – The Precipice“ mit Americana-Flair und Ryan Pattersons tiefem Gesang, hat einen sensationell coolen Refrain und entwickelt sich zu einem kraftvollen Song, der am Ende die Post Rock-Dynamik aus CRIPPLED BLACK PHOENIX’ Vergangenheit aufleben lässt. Wenn am Ende mit dem beinahe doomigen, von erhabenen Harmonien überlagerten „Beautiful Destroyer“ das Album seinen tristen Schlusspunkt findet, wirkt es gar nicht so, als wären bereits 66 Minuten vergangen.

„Sceaduhelm“ gelingt ein Kunststück: Trotz großer stilistischer Varianz, zwischen todtraurigen, in sich gekehrten Songs und lauten, brachialen Stücken fließen die zwölf Songs ineinander über und erschaffen ein Album, das facettenreich wie geschlossen wirkt. Das geschieht einerseits durch die generell düstere Ausrichtung der Songs, aber auch durch den Sound, der durch das Drumming, die Gitarren und Iver Sandøys Mix gut zusammengehalten wird. Dreieinhalb Jahre nach „Banefyre“ hat Justin Graves ein beeindruckend vielseitiges doch kompaktes Album geschaffen, das nur in der Mitte mit „Hollows End“ und „Dropout“ einen kleinen Einbruch hat. „Sceaduhelm“ berührt mit seinen melancholischen Songs und reißt mit den lauten Stücken mit, und es feiert die vielen Facetten einer oftmals unterschätzten Band – mit Songs wie diesen müssen sich CRIPPLED BLACK PHOENIX definitiv nicht im Schatten verstecken.

Wertung: 10 von 12 Schattenspiele

VÖ: 17. April 2026

Spielzeit: 66:20

Line-Up:
Justin Greaves – Guitars, Drums, Melotron, Synths Samples
Wes Wasley – Bass
Lucy Marshall – Piano, Synth, Hammond
Belinda Kordic – Vocals
Justin Storms – Vocals
Ryan Patterson – Vocals
Rene Misje – Guitar
Andy Taylor – Guitar
Iver Sandøy – Percussion
Robin Tow – Percussion

Label: Season Of Mist

CRIPPLED BLACK PHOENIX „Sceaduhelm“ Tracklist:

1. One Man Wall Of Death
2. Ravenettes (Official Video bei Youtube) 
3. Things Start Falling apart
4. No Epitaph / The Precipice
5. The Void
6. Hollows End
7. Dropout
8. Vampire Grave (Official Audio bei Youtube) 
9. Colder And Colder (Official Audio bei Youtube) 
10. Under The Eye
11. Tired To The Bone
12. Beautiful Destroyer

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Was macht das Skateboard im Horrorpunk?

Die Frage, warum ich mich auf einem Skateboard befinde, lässt sich ziemlich schnell beantworten. Ich habe mir „Blade Manor“ geangelt, das Debüt der kalifornischen Horrorpunks DARK RIDE. Und schon höre ich die Einwände: Horrorpunk und Skateboard – passt das überhaupt zusammen?

Müsste man sich nicht eher zu Halloween in einem Freizeitpark wiederfinden oder als untoter Statist aus dem Grab steigen? Wo bleiben Dracula und Frankenstein? Vielleicht wäre die Totenkutsche, gezogen von schwarzen Rössern mit glühenden Augen, die passendere – und deutlich ungefährlichere – Fortbewegungsart. Oder gleich ein Cadillac-Leichenwagen aus den 50ern. Doch stattdessen: Skateboard. Maximaler Bildfehler.

Mein Irrtum hat einen Grund. Ich frage mich schon seit längerem, wo eigentlich das große Melodic-Punk-Revival bleibt. Bands wie BAD RELIGION, PENNYWISE oder THE OFFSPRING – also jene Vertreter, die Ende der 80er und Anfang der 90er mit schnellen Songs und eingängigen Singalongs die Tony Hawk’s dieser Welt dazu brachten, mit ihren Brettern die Straßen in improvisierte Halfpipes zu verwandeln. Genau hier kommt ‚Blade Manor‘ ins Spiel – das kommt der Sache schon verdammt nahe. Wenn der Himmel eine Halfpipe ist, wie OPM einmal behauptet haben, warum dann nicht auch die Hölle?

Ein wenig MISFITS, ein wenig poppiger Skate- und Surfpunk

DARK RIDE wurden 2019 ursprünglich als Soloprojekt von Emilio Lenze gegründet. Der Sänger und Multiinstrumentalist aus dem Pazifikparadies Santa Cruz – wo Surf- und Skatekultur zum Alltag gehören – ist auch Frontmann der MISFITS-Coverband PLAN 9, die weltweit unterwegs ist. Zuvor stand er bei den Psychobilly Horror Punks STELLAR CORPSES am Mikro, die von 2005 bis 2023 aktiv waren. Ein Newcomer ist er folglich nicht – eher jemand, der weiß, wie man Untote zum Singen bringt.

Begleitet wird Lenze von Jesus Lopez am Bass, Rob Hyodo an der zweiten Gitarre und Schlagzeugerin Briana Mota, die auf dem Album allerdings erst bei zwei Songs zu hören ist. Als Einfluss nennen DARK RIDE dabei ausdrücklich die MISFITS – und auch optisch wird das deutlich: Teufelstolle, schwarze Lederkluft, Muskelshirts, Schweißbänder. Auch ein leicht schauriges Goth-Feeling ist dezent vorhanden.

Allerdings setzt Lenze dabei einen eigenen Akzent: Seine Stimme ist deutlich weniger aggressiv, eher melodisch geführt und nicht so komplett testosterongeschwängert wie bei den großen Vorbildern. Sie bewegt sich eher im mittleren Register und wirkt insgesamt weniger düster, als es das Image vermuten lässt. Die Songs selbst sind dabei fast ein wenig zu fröhlich, um wirklich dunkel zu sein. Catchyness wird hier in größtmöglichen Lettern an die Friedhofsmauer geschrieben.

Und hier beginnt der Spaß. Denn auch wenn die Musik ungefähr so originell ist wie Omas Goldrandteller – die Riffs etabliert und simpel, der Songaufbau mit Strophe, Prechorus und Chorus schnell durchschaut –, entfaltet genau diese Mischung aus Horror- und klassischem Melodic Punk eine ziemlich infektiöse Wirkung. Das liegt nicht zuletzt daran, dass Menze hier Hit um Hit auf den Hörer loslässt. Und auch wenn das Album in anderen Rezensionen aus den genannten Gründen nicht gut wegkommt – ich kann mich nicht erinnern, wann ich zuletzt beim Hören eines Albums so viel Spaß und gute Laune hatte.

Vom Spukschloss der Küste entgegen

Am ehesten an Horrorpunk erinnern noch Songs wie der atmosphärisch schöne Opener ‚Blade Manor‘, der mit spinettartigen Klängen beginnt – das Instrument überzogen von Spinnweben, das Notenblatt mit Blut beschrieben, und auf dem Hocker bedient eine Frau in weißem Gewand die Tasten, ohne sich im Spiegel zu zeigen. Die Band lockt uns mit einer Geste der Verführung in dieses Album, hinein in ein gespenstisches Szenario, das zugleich faszinierend, erotisch und unbehaglich wirkt:

Rotwein und Geheimnisse fließen über
ihre Lippen und von ihren Zungen.
Schwarzes Leder, ewig jung.

Ihr brodelndes Lied –
ja, es lockt dich hinein
in ihre Hallen und verborgenen Türen.
Angst steckt in den Dielenbrettern.

Heißes violettes Wachs trocknet und reißt
auf ihren Schultern
und ihren Schlüsselbeinen.

Du wirst es berühren wollen,
du wirst es wissen wollen!

Doch schon im zweiten Song ‚Coffin‘ verlassen wir die verwunschenen Räume und rasen mit hoher Geschwindigkeit der Küste entgegen. Ein hochmelodisches, punkiges Gitarrenriff, dazu Singalongs im Refrain – wer hier nicht an Bands wie BAD RELIGION oder auch neuere IGNITE denken muss (letztere vor allem wegen des melodischen Gesangs), ist selbst schuld. Das funktioniert großartig!

Wir haben es hier definitiv mit Monstern zu tun, die sich gern auch einmal am Strand die Sonne ins Gesicht scheinen lassen. Der Text selbst schlägt dabei deutlich leisere Töne an: Ein Untoter, gegen den kein Messer etwas ausrichten kann, trauert seiner Liebsten nach, die im Grab liegt. Doch auch die Melancholie und der leicht wehmütige Gesang bremsen die Energie kaum aus.

Der beste Partysong des Jahres?

Und in dieser Schlagzahl geht es weiter. ‚Rewind‘ ist eine Hommage an die Zeit, als in Videotheken noch B-Horrorfilme die am heißesten gehandelte Ware waren. Lenze selbst hat zehn Jahre in einer Videothek gearbeitet – es sei die beste Zeit seines Lebens gewesen, wie er erzählt. Der Song eröffnet mit einem verrauschten Saxophon-Sample, bevor auch er Fahrt aufnimmt und in einen hymnischen Chorus mündet. Den Refrain hat man nach dem zweiten Hören drauf – Mitgrölen ausdrücklich erwünscht. Merkt Euch schon einmal diese Zeilen!: „And Saturday Nights / of sacrifice and psychopaths / who love their knives / Will we be dead by dawn? / Or will we lose our minds?“ Am Ende wird das Tape zurückgespult.

Ihr wollt ne Pause? Vergesst es – es gibt Stromschläge! ‚Electrocuted‘ verspricht uns, dass selbst eine Elektroschocktherapie uns nicht sterben lässt – auch wenn wir uns von der lebenden Hülle verabschieden müssen. Es hat keinen Sinn, sich ins Grab zu legen, heißt es sinngemäß. Warum auch? Wir rasen weiter im Hymnenmodus, getragen von fröhlichen Melodien und maximaler Energie. Das, was hier aus den Boxen kommt, hat 15.000 Volt.

Und dann kommt er: der Song, der vielleicht schon jetzt Anspruch auf die Krone des besten Partysongs des Jahres erhebt. ‚I Bury Boyfriends‘ ist ein blutiger Spaß, der sofort mitgesungen werden will und in den Moshpit lockt – ob auf Sommerpartys, auf Friedhöfen oder in überfüllten Supermärkten. Ein klimperndes Piano über Handclaps-artigen Rhythmen:

„I bury boyfriends / beheaded husbands / No dream-date getaway / cuz it’s their dying day… all men to be slayed“. Männer haben hier schlechte Karten, die Aufschneider, Aufreißer und Verführer. Hier zeigen sich die Stärken des Genres wie unter dem Brennglas (äh, sorry: wie auf der glühenden Klinge): derber Witz, Singalongs und verdammt gute Laune.

Ein Album, das durchgehend Spaß macht

Letztendlich ist das hier ein Album, das fast durchgehend enormen Spaß bereitet. ‚Life at the End of October‘ ist eine melancholische, zugleich im Uptempo gehaltene Nummer mit einem melodischen Refrain, der zumindest mich wieder an BAD RELIGION oder frühe AFI erinnert.

‚Fever Dream‘ überfährt einen im Skatepunk-Modus mit schnellen Rhythmen – klassisches Melodic-Punk-Feeling inklusive. Und ‚Ruined‘ mischt schließlich BAD RELIGION mit frühen MISFITS und RAMONES. Erst dann stellen sich leichte Ermüdungserscheinungen ein. Bei welchem Song sind wir eigentlich? Fast am Ende der Rennstrecke.

Und nein, dieses Album ist keineswegs perfekt. Natürlich kann man bemängeln, dass die Songs zu ähnlich gebaut sind und es der Band auch an Eigenständigkeit fehlt. Eine erste Idee für einen eigenen Sound ist mit der Kreuzung von Horror und Westcoast-Skatepunk aber gefunden. Und oft übertreibt es die Band mit den ‚Whooawhooawhooa‘-Chören, die in fast jedem Song auftauchen – mal auch als ‚Hooohooohooo‘, mal als ‚Whooowhooowhooo‘. Das haben die Songs nicht nötig, sie funktionieren auch ohne solche Effekte.

Aber kann man das einem Album verübeln, das gut unterhält und einfach Laune macht? Also: kommt mit aufs Skateboard – wir rumpeln gemeinsam die Treppe hinunter. Wir pimpen unseren fahrenden Sarg und statten ihn mit Breitreifen aus. Wir lassen uns eine MISFITS-Tolle wachsen und buchen einen dreijährigen Urlaub in Kalifornien. Wir laden die Geister, Vampire und Zombies zur Sommerparty ein. Und jetzt alle: „I bury boyfriends / beheaded husbands…!“

Veröffentlichungstermin: 13.03.2026

Spielzeit: 41:00

DARK RIDE Line-Up
Emilio Menze – Vocals, Gitarre, Bass
Rob Hyodo – Gitarre, Backing Vocals
Jesus Lopes – Bass, Backing Vocals bei „Life at the End of October“ und „Rest In Pieces“
Henry Chadwick – Drums
Briana Mota – Drums bei „Life at the End of October“ und „Rest In Pieces“
Randy Moore – Gitarre bei „Coffin“, „Fever Dream“ und „Do Or Die“
+ weitere Gastmusiker

Produziert von Randy Moore und Olav Tabatabi

Label: Fiend Force Records

Facebook: https://www.facebook.com/DarkRideSC/

DARK RIDE „Blade Manor“ Tracklist

1. Blade Manor
2. Coffin (Video bei YouTube)
3. Rewind (Video bei YouTube)
4. Electrocuted
5. I Bury Boyfriends
6. Life at the End of October
7. Seascape Samhain
8. Fever Dream
9. Ruined
10. Rest In Pieces
11. Do Or Die
12. Psycho Summer

Das sei allerdings bewusst so gewählt, wie Frontmann und Songwriter Alpha jüngst in einer virtuellen Fragestunde erklärte: Dass diese ausgerechnet im „r/metalcore“-Forum der Social Media-Plattform Reddit stattfand, dürfte Salz in den Wunden der alteingesessenen Hörerschaft sein. Black Metal sei eine „sehr einschränkende Szene“, ließ der Bandkopf dort verlauten, während er neben seiner Liebe zu WATAIN eben auch den Metalcore als wichtigen Baustein von „Loss“ herausstellte.

Auf „Loss“ ringen GAEREA um eine neue Identität

Wobei wir doch eher das „Post“-Präfix heranziehen würden als die klassischen Wurzeln der Stilrichtung. Letztlich ist es eher die moderne Definition der Spielart, welche ihre Spuren hinterlässt. Der Auftakt „Luminary“ entpuppt sich gar als Blackened Groove Metal-Brecher, der im Refrain melodischere Vocals einfließen lässt. Die gute Nachricht: Diese Schnittmenge schärft durchaus das Profil der Portugiesen, wenngleich die Intensität vorheriger Werke nicht erreicht wird.

Zugleich ist das die größte Schwäche von „Loss“: Im Ringen um eine neue Identität, inmitten des konstanten Aufbrechens alter Strukturen, verlieren GAEREA hin und wieder den Blick für das Wesentliche. Gerade das Black-Metal-Fundament war es, das in der Vergangenheit die emotional aufgeladenen Kompositionen und Melodiebögen zusammenführte. Durch dessen Reduktion erreicht uns zwar die Emotion, die Alpha und seine Mitstreiter in die Kompositionen legen, nur bis unter die Haut reichen will sie selten.

„Loss“ hält durchaus Höhepunkte bereit, nicht immer agieren GAEREA jedoch zwingend

Dabei gibt es durchaus mutige Augenblicke, wo das funktioniert: „Submerged“ leidet zwar etwas unter seiner platten Lyrik, verbindet Alt und Neu aber nahtlos zu einem packenden Auf und Ab, das noch dazu mit dezenten Ambient-Synths punkten kann. Ebenfalls catchy, allerdings eindeutig auf Hit getrimmt, zeigt sich „Nomad“, das den Schwerpunkt doch arg auf den Refrain legt. Immerhin: Was uns zunächst ein wenig flach vorkam, konnte uns letztendlich doch seinen verborgenen Charme offenbaren, zumal die Gitarren und das Drumming in den Strophen mit Feuereifer nach vorne drängen.

Ähnlichen Drive entwickelt die Single „Hellbound“, die gemeinsam mit „Uncontrolled“ wohl den härtesten Ausflug von „Loss“ markiert. Letzteres schielt allerdings mit seiner tief gestimmten Rhythmusgitarre samt entsprechend modern gehaltener Riffs stärker in Richtung Post Metalcore, obschon die Symbiose mit angeschwärzten Stilmitteln ein Gegengewicht bereithält. Richtig zwingend wirken GAEREA hier und im folgenden „Phoenix“ allerdings nicht, obgleich letzteres zumindest mit seiner melodischen Gitarrenarbeit punkten kann.

Zum Ende hin wandeln GAEREA auf den Spuren SLEEP TOKENs

Die größte Zäsur setzt derweil „Cyclone“, das ruhig und intim beginnt: Zu Alphas Klargesang im Intro gesellt sich ganz dezent Gitarristin Deltas Stimme, bis sich die Nummer Stück für Stück aufbäumt und an Entschlossenheit gewinnt – auch wenn der Refrain mit Vocoder-Modulation nicht ohne Selbstzweifel scheint. Noch einen Schritt weiter geht das abschließende „Stardust“, wo GAEREA mittels Piano-Akkorde, Drumcomputer und modulierten (Sprech-)Gesangs plötzlich SLEEP TOKEN nacheifern.

Was phasenweise gezwungen wirkt, rettet die Band aber letztlich mithilfe der mitreißenden Eruptionen, die uns daran erinnern, wie sattelfest die Formation immer noch im (Post) Black Metal unterwegs sein kann. Auf den letzten Metern geht „Loss“ also doch noch durch Mark und Bein; auszugsweise jedenfalls, denn die großen Emotionen bleiben bei diesem soliden und doch leicht enttäuschenden Album zu oft aus – und das ist ja ehrlich gesagt der eigentliche Verlust.

Veröffentlichungstermin: 20.03.2026

Spielzeit: 46:05

Line-Up

Alpha – Vocals, Gitarre
Beta – Gitarre
Delta – Gitarre, Backing Vocals
RHO – Bass
XI – Drums

Produziert von GAEREA und Miguel Tereso (Mix und Mastering)

Label: Century Media

Homepage: https://www.gaerea.com/
Facebook: https://www.facebook.com/gaerea/
Instagram: https://www.instagram.com/gaerea_
Bandcamp: https://centurymedia.bandcamp.com/album/loss-24-bit-hd-audio

GAEREA “Loss” Tracklist

1. Luminary
2. Submerged (Video bei YouTube)
3. Hellbound (Video bei YouTube)
4. Uncontrolled
5. Phoenix (Video bei YouTube)
6. Cyclone
7. LBRNTH
8. Nomad (Video bei YouTube)
9. Stardust

Die Musik an sich geht auf „Eclipsed Realms“ im Mix etwas unter

Ganz so dicht, wie es diese Genre-Konstellation vermuten ließe, ist das dritte Album von MUERTO nicht, wenngleich von all den Ingredienzen ein bisserl etwas in „Eclipsed Realms“ mitschwingt. So herrscht beinahe durchgehend ein schleppendes Tempo vor, das böse anmutende Geschrei von Penelope Matamoros ist zweifelsfrei angeschwärzt und was den Post-Metal anbelangt… Hm, vielleicht ließe sich hier die eine oder andere melodische Gitarren-Spur heranziehen, so man diese denn gut hören kann. Denn, was gleich zu Beginn des Albums auffällt, ist der klar auf den Gesang fokussierte Mix des Albums. Die Instrumente verschwinden im Background-Nebel des Sounds, während das Schreien und Kreischen klar die Songs dominiert. Das verleiht der Stimme nochmals einen zusätzlichen Push, aber wird auf Dauer etwas eintönig, wohl auch weil die Kompositionen im Hintergrund etwas zu einfach und zu ähnlich sind. Zwar schieben MUERTO dann und wann Akustik-Passagen ein (etwa in „Veil of Desolation“, das allzu abrupt endet) und variieren auch das Tempo (am besten umgesetzt in „Burning Shadows“), doch eine kompositorische Offenbarung ist das alles nicht.

MUERTO haben noch ein paar Stellschrauben anzuziehen

Auch gesanglich bleibt das Album etwas eindimensional, wenngleich die Frontfrau in „Decay“ erstmals auch cleane Vocals zum Einsatz bringt. Der Klargesang ist dabei etwas wackelig und für die Abwechslung zumindest gut gemeint. In „Radiance“ sind die Vocals dann auszugsweise noch sanfter… und noch wackeliger, doch überrascht der abschließende Song im letzten Drittel dann doch mit einem kompositorisch interessanteren Übergang. Dennoch, die musikalische Wirkung, die „Eclipsed Realms“ ausübt, bleibt für mich überschaubar. Da gehören noch ein paar Stellschrauben in Sachen Komposition, Dramatik und Sound angezogen.

Veröffentlichungstermin: 17.04.2026

Spielzeit: 36:10 Min.

Line-Up:
Penelope Matamoros – Gesang & Bass
Juan Mondragon – Gitarre
Eddel Jared – Schlagzeug

Label: Transcending Obscurity Records

Mehr im Netz: https://www.facebook.com/muertoband
Mehr im Netz: https://muerto-label.bandcamp.com/

MUERTO „Eclipsed Realms“ Tracklist

1. Serpentine Echoes (Audio bei YouTube)
2. Veil of Desolation (Audio bei YouTube)
3. Burning Shadows
4. Wilderness (Audio bei YouTube)
5. Decay
6. Radiance (Audio bei YouTube)

Emily Highfield als Gründerin von SULDUSK

Musikalisch ist „Anthesis“ dann nicht ganz so einprägsam und einzigartig, als dass wir in den vergangenen Jahren schon mehrfach Bekanntschaft mit Dark Folk / Blackgaze-Projekten machen durften, die eine musikalisch und stimmlich bestimmende Frontfrau zu bieten haben: Man denke nur an MYRKUR, SYLVAINE oder HELGA. Im Falle von SULDUSK ist es Emily Highfield. Die Australierin gründete die Band noch als Solo-Projekt, ehe sie eine ganze Band um sich scharte. Und das ist auch gut so, als dass die Kompositionen dadurch breiter aufgestellt sind – inklusive männlichem Gesang von Shane Mulholland oder die melodramatischen Violine-Spuren von Hayley Anderson bzw. Cello-Klänge von Raphael Weinroth-Browne in „A Luminous End“.

„Anthesis“ bleibt großteils auf der sentimentalen Seite

Das Songmaterial an sich ist zumeist auf der eher ruhigen und sentimentalen Seite, bricht dann aber immer wieder einmal dramatischer und angeschwärzt aus (wie in „Verdalet“ oder im emotional aufgeladenen, jedoch trotzdem ausgewogenen und daher starken Titeltrack). Aber auch durchgehend ruhige Songs wie „Sphaera“ wissen zu gefallen, wobei mir es hier der sanfte männliche Gesangspart besonders angetan hat. Das gefährliche Tal eines Durchhängers muss das Album dann aber im letzten Drittel durchschreiten („Mythical Creatures“ und „Leven“ im Verbund), ehe das abschließende „A Luminous End“ dann wieder – inklusive Blast Beat-Passagen – zündet. Und dieser Zunder genügte nun eben auch, um „Anthesis“ wieder in Erinnerung zu rufen.

Veröffentlichungstermin: 01.03.2024

Spielzeit: 46:50 Min.

Line-Up:
Vocals, Guitars: Emily Highfield
Vocals Guitars: Shane Mulholland
Bass: Daniel Green
Guitars: Josh Taylor
Violin: Hayley Anderson
Drums: Frankie Demuru

Label: Napalm Records

Mehr im Netz: https://www.suldusk.com/
Mehr im Netz: https://suldusk.bandcamp.com/
Mehr im Netz: https://www.facebook.com/Suldusk/

SULDUSK „Anthesis“ Tracklist

1. Astraeus
2. Verdalet
3. Crowns Of Esper
4. Crystalline (Video bei YouTube)
5. Sphaera
6. Anthesis (Video bei YouTube)
7. Mythical Creatures (Video bei YouTube)
8. Leven
9. A Luminous End

Die Sternenverbieger mischten auf ihren Vorgängeralben alles zusammen, was nur auf den ersten Blick nicht wirklich zusammenpassen will. Sie nahmen das Schmieröl und die übersteuerten Gitarren aus der Motor City Detroit, hörbar an den Protopunks MC5 geschult. Sie rührten auch Haarspray hinein und zitierten den wild frisierten Sound des frühen L.A.-Hairmetals. Als Extras kamen die Plateauschuhe von KISS hinzu und die sonnigen Gesangsharmonien von FLEETWOOD MAC, die zwar nach Westcoast klingen, aber bekanntlich aus Großbritannien kamen. Und schließlich noch ein Schuss Pop-Punk und moderner Alternative Rock.

Diese Zutaten in einen Shaker getan, ordentlich geschüttelt – und BÄM: klar, dass diese Mixtur explodieren muss. „Sex with Attitude“, der Sound verschwitzter Großstadtclubs und klebriger Sofas in kinky Kellerbars, dazu der röhrende Auspuff eines Dodge Challengers. Was für sich genommen schnell in der Ecke „Classic Rock“ landen und leicht ranzig nach Bierzelt riechen könnte, wirkte hier plötzlich wieder wie eine Dynamitstange. Das liegt auch am Charisma von Frontfrau Shelter, die dem Ganzen einen deutlich feministischen Subtext verpasst. Der Sex ist präsent, ebenso die Anzüglichkeiten – aber gefiltert durch eine weibliche Perspektive.

„The Beast Goes On“ klingt süßer als seine Vorgänger

Unter diesen gesetzten Prämissen ist „The Beast Goes On“ zunächst eine kleine Enttäuschung. Die Platte klingt süßer, polierter und zugleich eingängiger als das Vorgängeralbum. Zwar tragen die Gitarren von Shelter und Kriss Tokaji (Yo, STARBENDERS sind durch und durch eine Band im Sternzeichen der Gitarre) noch diesen leicht übersteuerten, knarzigen Klang in sich, und auch der Bass pulst stark verzerrt im Mix. Insgesamt aber wirkt alles sortierter, sauberer produziert und hörbar zurückgenommen – zugunsten einer neuen, glatteren Eingängigkeit.

Und es treten neue Sounds stärker hervor, die auf den vorherigen Veröffentlichungen zwar anklangen, dort aber weniger ausgeprägt waren: mehr Melancholie, wenn auch mit einem verspielten Grundton, dazu Synthie-Pop im 80s-Style und stellenweise auch deutliche Post-Punk-Einflüsse. Unterstützt wird die Band beim Songwriting vom früheren Hausproduzenten Nico Constantine, der den Job an den Reglern aber nun an Matthew Pauling (ATREYU, BLINK 182) abgegeben hat. Er zimmerte dem Album einen modernen, aber transparenten und differenzierten Klang.

Es gibt zudem einen Wechsel im Line-up zu vermelden: Qi Wei ist neu an den Drums. Die aus Wuhan stammende Musikerin bringt eine sehr songdienliche, variable Spielweise mit und setzt immer wieder kleine rhythmische Raffinessen, die den neuen Songs zusätzliche Beweglichkeit verleihen. Mit mehr als 100.000 Follower*innen auf ihren Social-Media-Profilen steht sie für die wachsende Sichtbarkeit von Schlagzeugerinnen im digitalen Raum – und wird für viele junge Girls und Frauen zur möglichen Identifikationsfigur.

Der Opener wirft uns direkt in den Refrain

Welches Risiko die neue Rezeptur mit sich bringt, macht bereits der Eröffnungstrack des Albums deutlich. Keine Sekunde vergeht, bis „The Beast Goes On“ uns in seinen eingängigen Refrain wirft – der Song ist dabei vergleichsweise schlicht gebaut und setzt klar auf maximale Catchyness. Das Motiv der toxischen Beziehung ist sofort wieder da, das Shelter bereits auf früheren Veröffentlichungen verarbeitet hat. „Ich liebe die Art, wie du mich dazu bringst, dich zu hassen“, singt sie. Um festzustellen: „Dieses hungrige Herz kennt kein Maß / Du bist meine neue Religion.“

Doch sie bleibt nicht in einer Opferhaltung stehen: Vielmehr wechselt sie die Perspektive und schlüpft in die Rolle eines Vampirs. Sie steigert das Spiel aus Nähe und Gewalt bis zur Zuspitzung: sie trinkt das Blut der angesprochenen Person, um sie „zu verbiegen und zu brechen“. Ein gegenseitiges Wechselspiel aus Leidenschaft und Schmerz, totaler Hingabe und Zurückweisung.

Woher diese Motive stammen, ist schnell herauszuhören. Wann hat mich zuletzt ein Song so sehr an den dunkelromantischen Goth-Metal-Pop von HIM zu „Razorblade Romance“-Zeiten erinnert? Das hier wirkt wie eine weibliche Variante dieses Sounds. Und damit kein Missverständnis entsteht: Das ist keineswegs ein schlechter Song. Aber er ist zu schnell durchschaut, der Zuckerguss liegt etwas dick darüber.

Nuancen setzen die Hammondorgel im Refrain und die gewohnt knarzigen Gitarren in der Strophe, sodass man hier noch nicht von einem Abklatsch sprechen muss. Sehr wirkungsvoll ist auch die bittersüße Bridge mit ihren sanften Chorgesängen gesetzt, in der Shelter beweist, dass sie auch mit klarer und unerwartet hoher Stimme eine gute Figur macht.

Mit einer Rockband unterwegs durch ein zombifiziertes Amerika

Den Gegenpart liefert das folgende und unerwartet raue „Nothing Ever Changes“, auf der wir eine Rockband durch ein abgefucktes und zombifiziertes Amerika folgen. Hier knarzen und knurren die Gitarren tatsächlich in MC5-Manier, Kimi Shelter faucht wie in ihren besten Momenten. Der Rocktraum ist zerfetzt und zerfleddert, der Motor stottert bereits – ohne, dass er komplett aufgegeben wird. „We Sold Our Souls to Rock ’n‘ Roll“ werden BLACK SABBATH zitiert.

Die STARBENDERS halten an den Rockidealen fest, was bleibt ihnen auch anderes übrig? Neues Blut fließt, das Dynamit wird gezündet – „Wir sind die letzten Überlebenden eines sterbenden Traums“. Die Parolen klingen nach Aufbruch und Konfrontation, bleiben aber letztlich Schlagworte einer immer gleichen Pose. Rebellion wird hier zur vertrauten Geste, zur selbstzerstörerischen Leerformel im Dauerbetrieb. Und selbst der Anspruch auf Veränderung kippt ins Gegenteil: „Nothing ever changes for you and me“. Ein Song, der tatsächlich direkt im Gesicht explodiert, ausgebremst durch einen fast hymnisch-sakralen Prechorus, der sich dezent vor KISS verbeugt.

Ganz wunderbar ist auch das nachfolgende „Chantilly Boy“, das schroffe Gitarrenriffs mit maximalem Ohrenzucker kreuzt. Muss nur ich bei den Eröffnungsriffs an den schweißgetränkten Working-Class-Ethos von SAXON zu „Wheels of Steel“-Zeiten denken? NWOBHM-Zitate: Das hat die Band eben auch drauf. Dem entgegen stehen ein Prechorus und ein Refrain, der mundet wie ein Lollipop in Regenbogenfarben. Das hätte so – wirklich genau so – auch auf dem Debüt der jungen Popqueen MADONNA stehen können. Hier versteht es die Band wunderbar, Kontraste einzufangen: den Glamour und das Modebewusstsein von 80s-Hochglanzmagazinen und den Schweiß einer Kohlebaustadt wie dem britischen Barnsley.

Auch dieser Song spielt mit dem Kontrast aus Rock-Lifestyle und hereinbrechender Dunkelheit. „Chantilly Boy“ startet wie ein klassisches Road-Movie im Overdrive. Das Radio wird auf Anschlag gedreht, die Grenzen der Bundesstaaten werden vom Tourbus im Vorbeifahren geschluckt. Doch in diese Euphorie bricht etwas hinein. Zwischen „lost souls floating through the rock clubs“ und „cold hands around my soul“ wird die Clubwelt zur Durchgangsstation für etwas deutlich Dunkleres: Vereinzelung, Kälte und Kontrollverlust. „Chantilly Boy, trage dein Make-up auf“, singt Shelter im Refrain: Der Glamour ist auch Schutzschicht und Maskierung.

Mehrfach spielt die Band ihre Stärken voll aus

So gibt es auf dem Album durchaus Nummern, in denen die Band ihre Stärken voll ausspielt – wenn auch diesmal mit anderen Mitteln. Die vorab ausgekoppelte Single „Tokyo“ ist ein treibender 80s-Synth-Rock-Song, der funkelt und flimmert wie die nächtlichen LED-Reklamen der gleichnamigen Metropole. Wir treiben mit den Menschenströmen durch die Straßen, verlieren uns in Clubs und Bars, wir spüren eine Verheißung von Sex und Abenteuer. Die Luft ist schwer, feucht und warm, wir tragen nicht viel Kleidung auf der Haut. „Ich habe Gott um Mitternacht in Tokio gefunden“ – die Euphorie eines geheimnisvollen Ortes, an dem sich sämtliche Möglichkeiten wie eine Offenbarung zeigen.

In der Strophe zitieren die Gitarren dezent KILLING JOKE und JOY DIVISION, eine kühle nächtliche Brise. Der Refrain öffnet sich dagegen weit und hell, im besten FLEETWOOD-MAC-Spirit, getragen vom warmen zweistimmigem Gesang. Und ich könnte schwören, dass die Band hier ganz bewusst ein analoges, aber elektronisches Schlagzeug einsetzt, um mit leicht nostalgischem Spirit in die nächtliche Zauberwelt abzutauchen.

In die Kategorie „Weltklasse“ fallen auch Songs wie „June“ und „To Be Allright“, die uns mit sehnsuchtsdurchtränkten Harmonien und 70s-Flair direkt in den südkalifornischen Sommer beamen, leichtes Folk-Feeling inklusive. Wir tragen Blumen im Haar und fahren mit offenem Verdeck die langen Küstenstraßen entlang, um den Pazifikwind zu spüren. Auch letztgenannter Song eröffnet wieder mit Hammond-Klängen: Hier schmeckt die Süße nicht nach Billigzucker, sondern nach sonnengereifter Frucht. Öfter ist eine glockenklare Stimme zu hören, die Shelters raue, verrauchte Darbietung ergänzt – ist sie das selbst oder singt die neue Schlagzeugerin? Hier greift das Rezept, die Zügel etwas anzuziehen und den Songs den Dreck zu nehmen.

Ganz wunderbar ist auch „Summon My Heart“, eine tiefe Verneigung vor dem Sound von PAT BENATAR („Love is a Battlefield“, Ihr nichtwissenden Banausen!) zu Beginn der 80er Jahre. Treibender und hymnischer Radiorock, zu dem man sofort im Kreis springen oder die nächste Karaoke-Bar entern will. Nice! Und wirklich nicht die schlechteste Referenz. „Somebody Else“ hat diese zuckersüßen 80s-Momente, in denen ich sogar kurz denken muss: Singt da etwa KATE BUSH?

Es gibt zum Glück nur wenige Skip-Momente

Warum aber habe ich dann von einer kleinen Enttäuschung geschrieben? Auf der anderen Seite gibt es eben diese drei bis vier Nummern, die es sich etwas zu einfach machen – und gefährlich in die Nähe zum AOR/Pop-Punk-Radiorock geraten.

Dazu gehören die fröhlich swingende Nummer „Forever Mine“ und das verschleppte „Hello Goodbye“ mit seinen elektronisch gefärbten Rhythmen, die uns – ähnlich wie der Opener – etwas zu schnell in den Refrain werfen und zu einfach gebaut sind. Hier muss die Band aufpassen, nicht zu sehr in generische Radio Bob/THE RASMUS-Gefilde abzurutschen. Es würde mich aber auch nicht wundern, wenn aus genau diesen Gründen die Songs Airplay bei den üblichen verdächtigen Nebenbeihör-Rockformaten erhalten.

Am Ende bleibt in Summe doch ein starkes Album – weniger rau, weniger Dreck, mit mehr Synthies und neuen Referenzen. Und einigen Skip-Momenten. Es ist kein Beinbruch: Ich setze mich nach wie vor gern zu dem – nun nicht mehr ganz so wilden – Quartett ins Cabriolet. Hoffen wir, dass die Band diesmal endlich eine breite Hörerschaft findet und ihren Status als „beste Vorband der Welt“ verlassen kann.

Veröffentlichungstermin: 27.02.2026

Spielzeit: 46:00

STARBENDERS Line-Up
Kimi Shelter – Gesang, Gitarre
Aaron Lecesne – Bass
Kriss Tokaji – Gitarre, Synthesizer
Matt Pauling – Gitarre
Qi Wei – Drums

Produziert von Matthew Pauling

Label: Sumerian Records

Offizielle Webseite: https://starbenders.com/

STARBENDERS „The Beast Goes On“ Tracklist

1. The Beast Goes On (Video bei Youtube)
2. Nothing Ever Changes
3. Chantilly Boy
4. Cold Silver
5. Forever Mine
6. Hello Goodbye
7. Tokyo (Video bei Youtube)
8. Saturday
9. Summon My Heart
10. Somebody Else
11. To Be Alright
12. June

Die MELVINS führen den „Savage Imperial Death March“ an, NAPALM DEATH agieren eher als Sidekick auf dieser Kollaboration.

Es ist kein Wunder, dass die MELVINS die Erstgenannten auf dieser Kollaboration sind. Sprich: Diese acht Songs klingen größtenteils mehr nach ihnen als nach NAPALM DEATH oder einer Schnittmenge aus beiden Bands. Dabei startet „Savage Imperial Death March“ recht beherzt mit dem wunderschön betitelten „Tossing Coins Into The Fountain Of Fuck“. Ein brachialer Groove von Dale Crover trifft auf ein Riff, das schneller gespielt grooviger Deathgrind sein könnte, und auf Barney Greenways einmaliges Gebrüll. Ein cooler Opener, der aber wie ein Auftakt wirkt, nicht wie der heftigste Song der Kollaboration – neben „Stealing Horses“ –, der er nun mal ist.

„Savage Imperial Death March“ wurde in abgespeckter Form bereits vor einem Jahr über AMPHETAMINE REPTILE veröffentlicht, wird jetzt mit zwei weiteren Songs vervollständigt. Einer davon, „Awful Handwriting“ besticht durch einen zwingenden abgehakten Groove, seltsame Gitarreneffekte, Casio-Sounds und einen Basslauf, der auch ein verzerrter Moog sein könnte. King Buzzo stottert, im Hintergrund ist Barney Greenway ein Ein-Mann-Höllenchor. Ein kurzer, gewitzter Track und definitiv einer der coolsten auf diesem Album. An Coolness mangelt es weder den MELVINS noch NAPALM DEATH, sei es bei dem treibenden „Some Kind Of Antichrist“, dessen experimenteller Improvteil am Ende jedoch zu lange ist, oder bei „Nine Days Of Rain“, das an NAPALM DEATH denken lässt, wenn sie ihre Post Punk-Einflüsse ausspielen – nur durch eine MELVINS-Brille eben.

Bizarrer Humor, Experimente, fette Riffs und ein bisschen Wut: Auf „Savage Imperial Death March“ kommen einzelne Facetten von den MELVINS und NAPALM DEATH zum Tragen.

„Rip The God“ ist dann der erste Song, der einen Shane Embury-Signature-Basssound bietet, als Unterbau für ein typisches MELVINS-Riff, das sich immerhin mehr und mehr in Richtung Lärm steigert, während es mit einem maschinellen Rhythmus ins Hirn gehämmert wird. „Comparison Is The Thief Of Joy“ – welch Wahrheit spricht dieser Titel – fügt sich als noisiges, Synthrock-Stück mit gesampeltem Soprangesang überraschend gut ins Gesamtbild ein, bietet als Bonustrack aber nicht unbedingt Mehrwert – ein Glück, dass die Kollaboration nicht so konfus endet, sondern mit „Death Hour“, das den Faden von „Rip The God“ aufnimmt und dann dekonstruiert, bis hin zu einem Schlussakkord, einer Pointe, die man so nicht hat kommen sehen [wir wollen hier ja nicht spoilern].

Insgesamt ist diese Kollaboration natürlich gelungen, wie sollte es auch anders sein? Aber „Savage Imperial Death March“ spielt nicht all das Potenzial aus, was darin schlummert. NAPALM DEATH kommen etwas zu kurz, aber sehen wir es den MELVINS nach, schließlich ist Dale Crover nicht für seine Blast Beats bekannt und Danny Herrera … nun, wo war der eigentlich? Diese Kollaboration macht Spaß, zeigt NAPALM DEATH von ihrer humorvollen und die MELVINS von ihrer härteren Seite. Doch so sehr sich die Protagonisten auch bemühen, sie finden nur punktuell wirklich zusammen. Schlimmer noch: Über weite Strecken verkommen NAPALM DEATH zu Sidekicks. „Savage Imperial Death March“ macht also Spaß, es bleibt aber der Nachgeschmack, dass hier viel mehr möglich gewesen wäre.

Wertung: 5 von 8 Lockenmähnen

VÖ: 10. April 2026

Spielzeit: 39:33

Line-Up:
Buzz Osborne – Guitars, Vocals
Dale Crover – Drums
Mark „Barney“ Greenway – Vocals
Shane Embury – Bass
John Cooke – Guitar

Label: Ipecac Recordings

MELVINS WITH NAPALM DEATH „Savage Imperial Death March“ Tracklist:

1. Tossing Coins Into The Fountain Of Fuck (Official Audio bei Youtube) 
2. Some Kind Of Antichrist
3. Awful Handwriting
4. Nine Days Of Rain
5. Rip The God (Official Audio bei Youtube) 
6. Stealing Horses
7. Comparison Is The Thief Of Joy
8. Death Hour

Mehr im Netz:

https://www.themelvins.net/
https://melvinsofficial.bandcamp.com/
https://www.facebook.com/melvinsarmy
https://www.instagram.com/melvinsdotcom/
https://napalmdeath.org/
https://napalmdeath.bandcamp.com/
https://www.facebook.com/officialnapalmdeath
https://www.instagram.com/theofficialnapalmdeath/

Den frostigen Gitarren und Blastbeats stehen natürlich weiterhin Farbtupfer gegenüber, welche nicht selten auf Riikka Hatakkas warme Stimme zurückgehen. Neuerdings hat die Sängerin jedoch auch die harsche Seite für sich entdeckt: Ihre giftigen Screams in „The Blights Nine“ harmonieren ausgezeichnet mit Toni Hatakkas voluminösem Growling.

HANGING GARDEN spielen mit neuen Klangfarben, die bandtypische Handschrift behält „Isle Of Bliss“ aber bei

Zwischen mächtigen Gitarren und leichtfüßiger Lead-Arbeit wandert „Eternal Trees Of Turquoise“ ähnliche Pfade, wie es MARIANAS REST und IN MOURNING beizeiten tun. Als weitere Referenz dürfen überdies SWALLOW THE SUN genannt werden: Parallelen zu den Landsmännern waren aufgrund der gegenläufigen Entwicklung beider Formationen wohl nie größer.

Die klassische, bandtypische Handschrift kommt hingegen in „Her Waning Light“, „To The Gates Of Hell“ und dem Titelstück besonders deutlich zum Tragen, wo liebliche Melodien den Arrangements immer eine Spur Optimismus bewahren. Doch selbst das zunächst bissig beginnende „Arise, Black Sun“ verliert seinen Schrecken, wenn HANGING GARDEN mittels Synthesizer und sanften Clean-Vocals einen Lichtstrahl ins Dunkel richten.

Die Balance aus düsterer Melancholie und Hoffnungsschimmer gelingt HANGING GARDEN einmal mehr

Dieser Kontrast und vor allem diese Balance zwischen den Extremen sind letztendlich das definierende Markenzeichen der Band. Das Spiel mit den beiden unterschiedlichen Gesichtern gelingt HANGING GARDEN auf ihrem neunten Werk einmal mehr, ohne sich dabei im Kreis zu drehen: Der Blackened-Anstrich bringt frischen Wind und genug Drive, so dass wir nichts dagegen hätten, wenn die finsteren Tage diesmal gerne noch einen Albumzyklus länger anhalten würden.

Veröffentlichungstermin: 20.03.2026

Spielzeit: 46:49

Line-Up

Jussi Hämäläinen – guitars, backing vocals
Nino Hynninen – synths
Toni Hatakka – vocals
Jussi Kirves – bass, synths
Riikka Hatakka – vocals
Antti Ruokola – drums, programming
Kimmo Tukiainen – guitars

Produziert von Jaime Gomez Arellano und Jussi Hämäläinen

Label: Agonia Records

Facebook: https://www.facebook.com/HangingGardenOfficial/
Instagram: https://www.instagram.com/hanginggrdn/
Bandcamp: https://hanginggarden.bandcamp.com/

HANGING GARDEN “Isle Of Bliss” Tracklist

1. To Outlive the Nine Ravens (Video bei YouTube)
2. Eternal Trees of Turquoise (Video bei YouTube)
3. Isle of Bliss (Video bei YouTube)
4. To the Gates of Hel
5. The Death Upon Our Shoulders
6. The Blights Nine
7. Arise, Black Sun
8. Her Waning Light
9. Beneath the Fallen Sky

IMMOLATION sind auch vier Jahre nach „Acts Of God“ eine gut geölte Maschine: „Descent“ zeigt routiniert alle Facetten der Death Metal-Band.

Das zwölfte Album der New Yorker Death Metal-Band ist aber hörbar gut gereift, ohne dass es die Energie missen lässt. IMMOLATION, deren Debütalbum dieses Jahr das 35. Jubiläum feiert, klingen gesetzter als früher, aber noch immer angriffslustig. Mit „These Vengeful Winds“ und „The Ephemeral Curse“ startet das Album schnell, mit dissonanten Riffs, chaotischen Leadgitarren, entfesseltem Drumming und Ross Dolans charismatischen Growls. Nachdem IMMOLATION die Aufmerksamkeit mit klassisch gutem Songwriting gewonnen haben, sind es auch Songs wie „God’s Last Breath“ und „Attrition“, die mehr auf Groove setzen dürfen, insgesamt aber etwas zu konservativ gelagert sind, um wirklich mitzureißen. Das Gegenteil davon ist „Host“: Hier beweist die Band Mut. Die repetitive Drum-Figur führt das Stück mit Heaviness an, gegen Ende dreht sich der Song und driftet ins Chaos ab. So schaffen es IMMOLATION auch nach so vielen Jahren, neue Akzente zu setzen. Es hätten mehr Songs wie „Host“ auf „Descent“ stehen dürfen.

Und auch einen Hit haben sie vorzuweisen: „Bent Towards The Dark“ baut eine starke Hook ein und hat einen Refrain, der als Klimax schlüssig funktioniert. Insgesamt haben IMMOLATION über die gesamte Spielzeit viele starke Songs auf „Descent“, wenn auch wenige, die wirklich herausragend sind. Einer davon ist der abschließende Titelsong, in den die New Yorker ihr ganzes Können gepackt haben: düstere Riffs und dissonante Leads an der Schwelle zum Black Metal, chaotisches Drumming zwischen Blast Beats und Grooves und ein episches Finale. Das positive Gesamtbild wird durch die restliche Ästhetik abgerundet: Die größtenteils anachronistische Produktion passt, selbst wenn der Snaresound etwas zu penetrant geraten ist. Auch Eliran Kantors Artwork überzeugt, ob es zunächst ziemlich durchschnittlich wirkt – es sind die Details, die das Cover so intensiv werden lassen.

Trotz ihres gefestigten Stils setzen IMMOLATION zwischendurch Akzente – es hätte mehr mutige Songs wie „Host“ auf „Descent“ geben dürfen.

„Descent“ zeigt, dass IMMOLATION noch immer das Potenzial haben, Akzente zu setzen, ohne von ihrem Kurs abzuweichen. Dass sie diesen Spagat nicht in allen zehn Songs durchhalten, sollte niemanden wundern. Nein, ein neues „Close To A World Below“ haben IMMOLATION nicht geschrieben, sie sind aber auch meilenweit von einem „Kingdom Of Conspiracy“ entfernt, das mit zeitlichem Abstand betrachtet, IMMOLATIONs Lowlight war. „Descent“ zeigt aber auch, dass diese Band im Death Metal eine echte Sonderstellung hat: Wie ein Feld in der Brandung trotzen sie Trends und haben nach wie vor das Potenzial sich als Songwriter immer noch ein bisschen weiterzuentwickeln, selbst wenn fraglich ist, ob es dieses Album sein wird, an das man sich in 20 Jahren erinnert, wenn man an IMMOLATION denkt. Dennoch: US-Death Metal der alten Schule spielt auch 2026 niemand so überzeugend, niveauvoll und relevant wie IMMOLATION.

Wertung: 7,5 von 10 Engelsstürze

VÖ: 10. April 2026

Spielzeit: 43:04

Line-Up:
Ross Dolan – Bass, Vocals
Robert Vigna – Guitar
Alex Bouks – Guitar
Steve Shalaty – Drums

Label: Nuclear Blast Records

IMMOLATION „Descent“ Tracklist:

1. These Vengeful Winds
2. The Ephemeral Curse
3. God’s Last Breath
4. Adversary (Official Video bei Youtube) 
5. Attrition (Official Video bei Youtube) 
6. Bend Towards The Dark
7. Host
8. False Ascent
9. Banished
10. Descent

Mehr im Netz:

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Alles beim Alten bei VOMITORY? Ja klar, was habt Ihr erwartet, ne Jazz-Platte?

Aber was soll man zu einem neuen VOMITORY-Album groß schreiben? Überraschungen waren nicht zu erwarten und wurden auch nicht geliefert. VOMITORY ziehen stur ihr Ding durch, was auch sonst? Die Schweden machen auf Album Nummer zehn das, was sie am besten können – old school Death Metal spielen, der eher amerikanisch als schwedisch klingt, gerne eine ordentliche Thrash Schlagseite hat und bei “Wrath Unbound” wird mal wieder großzügig im Territorium von BOLT THROWER gewildert. Die wird es nicht stören, sind ja schließlich nicht mehr aktiv. Diese Harmonien haben allerdings schon sehr deutlich “For Victory” auf der Stirn stehen. Macht nichts, ich finde es geil.

Souverän und routiniert prügeln sich VOMITORY durch “In Death Throes”

“Two And A Half Men” kloppt im Ufta Thrash Beat alles klein, “Erased In Red” darf zumindest stellenweise mal im Mid Tempo vor sich hin walzen und ansonsten feuern VOMITORY ihre tighten Death Metal-Attacken mit einer Präzision und Souveränität ab, wie man das halt so macht, wenn man wenige Jahre vor dem vierzigjährigen Dienstjubiläum steht. Ohne Scheiss, was wolt ihr noch hören? Wenn Ihr VOMITORY bisher geliebt habt, dann wird euch auch “In Death Throes” vollauf zufrieden stellen. Die Begeisterung mag nicht ganz so groß sein wie bei “All Heads Are Gonna Roll” aber das ändert nichts daran, dass “In Death Throes” euch den Schädel abschrauben wird.

Veröffentlichungsdatum: 10.04.2026

Spielzeit: 38:40

Line-Up:
Erik Rundqvist – bass, vocals
Urban Gustafsson – guitar
Christian Fredriksson – guitar
Tobias Gustafsson – drums

Label: Metal Blade Records

Bandhomepage: https://www.vomitory.net
Facebook: https://facebook.com/vomitoryband
Bandcamp: https://vomitory.bandcamp.com
Instagram: https://www.instagram.com/vomitoryband

VOMITORY „In Death Throes“ Tracklist

01. Rapture in Rupture
02. For Gore and Country (Video bei YouTube)
03. Forever Scorned
04. Wrath Unbound (Video bei YouTube)
05. In Death Throes
06. Cataclysmic Fleshfront
07. Two and a Half Men
08. Erased in Red
09. The Zombie War General
10. Oblivion Protocol

Auf „Mondo Tomorrow“ ist musikalisch alles beim Alten, konzeptionell sind THE NEPTUNE POWER FEDERATION nicht so stark wie zu vor – das färbt aufs Songwriting ab.

Oha, drängt sich da nicht ein Verdacht auf, ist man mit dem Œuvre von THE NEPTUNE POWER FEDERATION bereits vertraut? Sieht man im inneren Auge nicht bereits die Screaming Loz Sutch mit Dr. Frank N. Furter im Gesangsduell? Spoiler vorweg: Es gibt kein Duett auf „Mondo Tomorrow“ zu hören. Rein musikalisch scheint zunächst auch alles beim Alten: Rock And Roll voller Energie, primitiv-brillante Riffs, treibende Rhythmen, angesiedelt zwischen Hardrock, Stoner Rock, der Energie des Punk und dem Glamour der räudigen Sorte haben THE NEPTUNE POWER FEDERATION längst ihre Nische gefunden. Schleichen sich deshalb erste Ermüdungserscheinungen ein?

Seien wir ehrlich, „Mondo Tomorrow“ ist nicht das erste Album, das mehr vom Gleichen bietet, aber es überzeugt konzeptuell nicht so, wie die beiden Vorgänger. Dabei starten THE NEPTUNE POWER FEDERATION sehr routiniert mit „The Ghost Of Tomorrow“: Die üblichen Elemente sind enthalten, außer vielleicht dem großen Refrain. Der fehlt auch „The Grip Of Death“, aber hier zeigt die Band, dass sie partiell doch mehr zu bieten haben, als es zunächst den Anschein macht: Der Mittelteil mit Percussions und dem verzerrten Bass ist leicht psychedelisch, hat aber gewaltige Power. Mehr Energie bietet „And The Bones Decay“: Vermutlich ist dieser Song der Hit des Albums, geht in den Overdrive beim Refrain und hat dann eine dramatische, brodelnde und fast schon atmosphärische Bridge, bevor der Song abschließend explodiert.

Ein Album ohne Hits können THE NEPTUNE POWER FEDERATION gar nicht schreiben: Auf „Mondo Tomorrow“ funktioniert zumindest die Hälfte der Songs tadellos.

„Mondo Tomorrow“ funktioniert am besten, wenn THE NEPTUNE POWER FEDERATION Gas geben, groovigere Songs braucht es dazwischen selbstredend auch. „Living In The Gutter“, das ein wenig Musicalflair ausstrahlt, ist aber viel zu lange geraten. „Cybernetic Times“ hat dann endlich die unwiderstehliche Mischung aus einem fantastischen Bass- und Gitarrenriff und einer irren Hook – nur leider verliert sich der Song in der Mitte etwas. „Mind Controller“, das mit der Dynamik spielt und nebenbei einen richtig derben Gitarrensound hat, geht da viel besser ins Ohr und die Beine, ebenso „Rhypsody In Blue“, bei dem sich THE NEPTUNE POWER FEDERATION endgültig der Cheesiness hingeben – dieser Chorus bleibt lange im Gedächtnis. Der Abschlusstrack „The Barbarian Dominion“ zerfasert dann auch nach einem guten Start und hinterlässt eher Fragmente als den Eindruck eines Knallers, da kann es in der letzten Minute noch so cineastisch werden.

Innovation bringen THE NEPTUNE POWER FEDERATION kaum auf „Mondo Tomorrow“ in ihren Sound, am ehesten noch durch die selten eingestreuten, retrofuturistischen Keyboards. Dass das Songwriting nicht mehr ganz so frisch und zwingend ist, trägt sein Übriges bei. Dank der wie üblich hervorragenden Instrumentalisten, dem fetten Sound und der überirdischen Performance von Screaming Loz Sutch bekommt „Mondo Tomorrow“ das Prädikat Stagnation auf hohem Niveau. Für das nächste Album darf man sich wieder etwas mehr Mut und Einfallsreichtum wünschen.

Wertung: 5,5 von 8 Mad Scientists

VÖ: 10. April 2026

Spielzeit: 37:26

Line-Up:
Screaming Loz Sutch – Vocals
Search and DesTroy – Guitar
Inverted CruciFox – Guitar
Jaytanic Ritual – Bass
River Sticks – Drums

Label: Cruz Del Sur Music

THE NEPTUNE POWER FEDERATION „Mondo Tomorrow“ Tracklist:

1. Mondo Tomorrow (Official Video bei Youtube) 
2. The Grip Of Death
3. And The Bones Decay (Official Video bei Youtube) 
4. Living In The Gutter
5. Mind Controller
6. Cybernetic Times
7. Rhapsody in Blue
8. The Barbarian Dominion

Mehr im Netz:

https://theneptunepowerfederation.bandcamp.com/
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https://www.instagram.com/theneptunepowerfederation

MYSTFALL punkten beim Gesang und bei der Produktion

Einen echten Wiedererkennungswert setzt die Band dagegen mit Sängerin Marialena Trikoglou (MARIALENA, Ex-HORRORGRAPHY), die – tatsächlich klassisch ausgebildet – ihre Vocals gut zur Geltung bringt (stark im Titeltrack) und dabei trotz Sopran / Mezzosopran nicht aufgesetzt wirkt. Nicht zuletzt deshalb sind die Vocals auch durchgehend in den Vordergrund gemischt. Die gelegentlichen Growls erfüllen ihren Zweck (in „Fading Memories“ recht passend eingesetzt), wären aber nicht zwingend nötig gewesen. Wäre man sehr scharfzüngig, würde man das gleich auch vom Album an sich sagen können. Doch MYSTFALL ist zugute zu halten, dass ihr zweites Album im Gesamten recht flüssig wirkt, keinen echten Durchhänger zu verbuchen hat und vor allem – dank Dionisis Christodoulatos (SORROWFUL ANGELS) – recht gut produziert ist. Und das ist es auch, was man sich von einem Scarlet Records-Album erwarten würde, womit sich der Kreis schließt: irgendwie wusste man schon, was einem auf „Embers of A Dying World“ erwarten wird.

Veröffentlichungstermin: 20.03.2026

Spielzeit: 38:21 Min.

Line-Up:
Marialena Trikoglou – vocals
Aris Baris – guitar
Stelios Vrotsakis – bass, vocals
Dimitris Miglis – drums

Produziert von Dionisis Christodoulatos (SORROWFUL ANGELS)

Label: Scarlet Records

Mehr im Netz: https://mystfallofficial.com/
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MYSTFALL „Embers of A Dying World“ Tracklist

01 Whispers In The Tempest (Audio bei YouTube)
02 Embers Of A Dying World (Audio bei YouTube)
03 Guardians Of The Earth
04 The Nectar And The Pain
05 Sleeper In The Abyss (Video bei YouTube)
06 Fading Memories
07 Crimson Dawn
08 Cosmic Legends
09 Echoes Of Arcadia
10 Remnants Of Tomorrow

Raum für Wiederholungen und schrittweisen Songaufbau sind nach wie vor gegeben; das A und O des Atmospheric Black Metal werfen GRIMA somit ebenso wenig über Bord wie das charakteristische Akkordeon, das die Soundwelt von „Nightside“ in entscheidendem Rahmen prägt. Das mag man Gimmick nennen, ist aber zugleich Alleinstellungsmerkmal und passt hervorragend in die frostigen Soundscapes, indem das Instrument das kalte Fundament mit Leben und damit Wärme füllt.

Für ein Atmospheric Black Metal-Album ist „Nightside“ überaus harmonisch angelegt

Das Grundkonzept bleibt folglich organisch geprägt, was das Album in Zusammenspiel mit dem gestrafften Songwriting greifbarer werden lässt. Ein wenig Andersweltlichkeit erschaffen zudem gelegentliche Ambient-Synths wie im Outro von „Flight Of The Silver Storm“, das als Single ähnlich zugänglich konzipiert ist wie das nachfolgende „Skull Gatherers“. Hier wiegt uns das clean gespielte Intro in Geborgenheit, bevor ein getragenes Akkordeon durch den recht konservativ angelegten Song führt.

Genau das symbolisiert wohl auch die größte Stolperfalle: Selbst für ein Atmospheric Black Metal-Werk ist „Nightside“ überaus harmonisch angelegt. Das minimiert einerseits Berührungsängste, vermeidet aber auch ein gesundes Ringen mit der eigenen Erwartungshaltung. Überraschungen gibt es schlicht nicht, wenn eine Rückkehr des einleitenden Akkordeon-Themas aus „Intro (Cult)“ im Titeltrack den größten Aha-Effekt darstellt.

GRIMA können mit einer dichten, heimeligen Atmosphäre punkten

Zu hoch hängen wollen wir diesen Makel indes nicht, denn im Umkehrschluss gelingt GRIMA ein eingängiges Genre-Werk, das sich wunderbar zu jeder Gelegenheit hören lässt und darüber hinaus mit einer dichten, heimeligen Atmosphäre punkten kann. Ob nun zwischenzeitlich die Folk-Einflüsse in „Impending Death Premonition“ in den Vordergrund treten, „Curse Of The Void“ zwischen galligen Eruptionen und chorgestützten Gesängen wandelt, der Titeltrack phasenweise das Tempo anzieht oder „Mist And Fog“ bedrohlich nach vorne kriecht: „Nightside“ wirkt trotz seiner verschiedenen Gesichter wie aus einem Guss.

Dass oftmals das Akkordeon das verbindende Element darstellt, fällt zunächst gar nicht so sehr auf. Trotz seiner Präsenz ist es doch auf natürliche Weise in die Songs verwoben und wiegt uns ein ums andere Mal in einer freundlichen Umarmung, wodurch unser anfängliches Stirnrunzeln schlussendlich doch entspannter Zufriedenheit weichen darf.

Veröffentlichungstermin: 13.02.2026

Spielzeit: 49:36

Line-Up

Vilhelm – Vocals, Gitarre
Morbius – Gitarre

Gastmusiker:
Serpentum – Gitarre
Vlad – Drums

Produziert von Vladimir Lehtinen

Label: Napalm Records

Facebook: https://www.facebook.com/grimablackmetal
Instagram: https://www.instagram.com/grimablackmetal/
Bandcamp: https://grima.bandcamp.com/

GRIMA “Nightside” Tracklist

1. Intro (Cult)
2. Beyond the Dark Horizon (Video bei YouTube)
3. Flight of the Silver Storm (Video bei YouTube)
4. Skull Gatherers (Video bei YouTube)
5. Impending Death Premonition
6. The Nightside
7. Where We Are Lost
8. Curse of the Void
9. Mist and Fog
10. Outro (Memories of a Forgotten Home)

„Did You Ask To Be Set Free?” ist die deutliche Antwort, welche die Briten geradezu routiniert nach vorne blicken lässt. Der Haken an der Sache: Die Entwicklung des Vorgängers „Ultraviolet“ (2023) setzt das Gespann konsequent fort, was zu einer weiteren Verschiebung des Schwerpunkts in Richtung braven Alternative Rocks bedeutet.

AS EVERYTHING UNFOLDS beugen sich nun gänzlich den Trends des Markts

Die rotzige Seite des Debüts fehlt dem Drittwerk vollkommen: Gelegentliche Screams und härtere Gitarren wirken eher kalkuliert denn authentisch, während sich die Arrangements vorwiegend um moderne Synthesizer, Drumcomputer („Set In Flow“) und Charlie Rolfes Klargesang herum aufbauen. Leider fehlt Letzterem zusehends der Charme, da sich AS EVERYTHING UNFOLDS nun den Trends des Markts beugen und die Stimme ihrer Sängerin durch mehrere Instanzen von Postproduktion schicken (u.a. „Denial“, „Cut The Lies“).

Dass von Rolfes natürlicher Ausstrahlung dadurch nicht mehr viel übrigbleibt, ist bedauerlich, passt aber zum Songmaterial, das sich mit der Kreativität auch seiner verbleibenden Kanten entledigt. Die letzten Spuren von Post Hardcore hat das Quartett geflissentlich ausgemerzt und durch Pop-Anleihen ersetzt – deutlich zu hören in „Reverie“. Airplay-Fokus heißt der neue Gott im Hause AS EVERYTHING UNFOLDS, der sich bis in die simpel gestrickten Texte voller einsilbiger Reime und erschöpfter Metaphern („Gasoline“) ergießt.

„Did You Ask To Be Set Free?“ nimmt ein ganz bestimmtes Publikum ins Visier

In dieser Schnittmenge vermag es nicht einmal BURY TOMORROW-Shouter Dani Winter-Bates Akzente zu setzen, dessen Gastauftritt in „What You Wanted“ eben nur an der Leine stattfinden darf. Deutlich wird das im treibenden „Idols“, wo Sängerin Charlie Rolfe zumindest kurzzeitig richtig gallig wird. Immerhin endet „Did You Ask To Be Set Free?“ auf uenrwartet versöhnliche Weise: “Setting Sun” ist als getragen-melancholische Rock-Nummer ein schöner Abschluss inklusive kleinem Gitarrensolo.

Nichtsdestotrotz: Für das verflixte dritte Album ist das zumindest aus unserer Sicht zu wenig, wobei wir nicht ausklammern dürfen, dass AS EVERYTHING UNFOLDS mit dieser Platte ein ganz bestimmtes Publikum ins Visier nehmen. In der Peripherie von FUTURE PALACE und Co. dürften sich diese zwölf Stücke schlussendlich pudelwohl fühlen und sich darüber hinaus über die entsprechende Resonanz freuen. Keine Bruchlandung im eigentlichen Sinn also, aber gemessen am Debütalbum mit viel verschenktem Potenzial.

Veröffentlichungstermin: 10.04.2026

Spielzeit: 41:31

Line-Up

Charlie Rolfe – Vocals
Adam Kerr – Guitar
George Hunt – Bass
Jon Cassidy – Synths/Programming

Produziert von Adam Kerr und Jon Cassidy

Label: Century Media

Homepage: https://www.aseverythingunfolds.com/
Facebook: https://www.facebook.com/AsEverythingUnfolds/
Instagram: https://www.instagram.com/aseverythingunfolds/
Bandcamp: https://centurymedia.bandcamp.com/album/did-you-ask-to-be-set-free-24-bit-hd-audio

AS EVERYTHING UNFOLDS “Did You Ask To Be Set Free?” Tracklist

1. Denial (Video bei YouTube)
2. Gasoline (Video bei YouTube)
3. Point Of View (Video bei YouTube)
4. Find Another Way
5. Cut The Lies
6. Break It Away
7. Set In Flow (Video bei YouTube)
8. What You Wanted (Video bei YouTube)
9. Idols
10. Reverie
11. Edge Of Forever
12. Setting Sun

Apropos NEUROSIS: Es ist natürlich etwas unfair, das neue Werk einer Künstlerin wie JARBOE in den Schatten einer anderen Band zu stellen, wie der Verfasser es eingangs tat, zumal „Sightings“ nur vordergründig beruhigend und entspannend klingt. Das verstörende Element, dass in JARBOEs Musik immer vorhanden war, ist nun subtiler in die Stücke integriert als zuvor. Das wird gleich bei „The Holy Water“ deutlich, das langsam mit JARBOEs beschwörendem, irgendwie abwesend wirkenden Gesang, Drones und Hand Drums eingeleitet wird. Je mehr Instrumente sich darauf legen – Klarinette, Horn, Trompete von Thor Harris, Violine und Cello von Andrea Calderon – umso voller und betörender wird das Stück. Und so dominiert die Schönheit dennoch über weite Teile: Das kürzeste Stück des Albums „Francesca Sun“ schwelgt mit leisem Piano und Streichern, während JARBOE darüber zu schweben scheint.

JARBOE nutzt Drones und Field Recordings als Basis für „Sightings“, ein Album das zwischen Ambient, Neofolk und Minimal pendelt und dabei sogar subtil Jazz integriert.

„Sightings“ ist ein doppelbödiges Album, spätestens „Choir And Night Fox“ lässt das besonders deutlich werden. Als beschwörender Neofolk-Song mit reicher Instrumentierung kommt das nokturne Thema gut zur Geltung, und gerade das Bellen des Fuchses ist zumindest beim ersten Mal fast ein Jump Scare. Obwohl das Stück durch die Repetition keine Längen aufweist, hätten die acht Minuten vielleicht letzten Endes doch ein wenig gestrafft werden dürfen. Mit „Breathe“ geht es weiter hin die Nacht hinein, es scheint zu zerfasern, fließt aber über neun Minuten wie ein Traum durch die Dunkelheit und bleibt so vage, dass selbst JARBOEs Stimme nur selten zu hören ist.

Ab diesem Song wirkt das Album dann etwas zu fragmentarisch, und das, obwohl der offizielle Teil mit der friedvollen, schönen „Vireo Serenade“ endet. Hier taucht JARBOE aus der dunklen Nacht wieder auf. Ein schöner Sommermorgen, der Vireo singt und begrüßt den Tag begrüßt, mit nichts außer verträumtem Klavier und einem Gesang, der von JARBOE ebenso stammen könnte, wie von Field Recordings. Der Bonus-Track der digitalen Version und der CD „The Holy Waters (Sangha Mix)“ dient als instrumentale Alternative zur Eröffnung des Albums und schließt einen der Kreise, die dieses Album darstellt. „Sightings“ ist nebenbei ein sehr depersonalisiertes Album, keines, dass die Künstlerin in den Mittelpunkt stellt. Ihre Kompositionen und ihre Stimme bilden viel mehr die Basis, und erst durch ihre Kollaborationspartner Thor Harris, Andrea Calderon und die Gitarristen Brett Robinson und Freddie Murphy wird „Sightings“, das Anklänge aus Jazz und Minimal in sich vereint, zu einem großen, geheimnisvollen Ganzen.

Mit „Sightings“ zieht JARBOE ihr Publikum in den Bann, so wie es dem Vireo mit seinem Gesang und seinen Augen gelingt.

Am Ende steht mit „Of Ancient Memory“ noch die Neuinterpretation eines Songs von JARBOEs Debütalbum „Thirteen Masks“, das sich völlig homogen in den Rest von „Sightings“ einfügt und praktisch nichts mit dem 35 Jahre altem Song gemein hat. Hier schließt sich ein weiterer Kreis: JARBOE betrachtet ihre Vergangenheit mit den Augen der Frau, die sie heute ist. Das mag den Vireo etwas in den Hintergrund drängen, aber vielleicht ist dieser kleine Vogel auch nur ein Katalysator für das künstlerische Mysterium „Sightings“ geworden. Das verdeutlicht, dass kaum eine Musikerin so eigenwillig und facettenreich ist wie JARBOE, aber auch nur wenige sind so schwer zu fassen. Auch wenn „Sightings“ kein bahnbrechendes, überwältigendes Werk geworden ist, JARBOE hat mit diesem knapp 50-minütigen Album ihrer reichhaltigen Diskografie eine weitere Facette geschenkt.

Wertung: 5 von 7 Birdings

VÖ: 3. April 2026

Spielzeit: 47:51

Line-Up:
JARBOE: Voice, Keyboard, Synth, Field recordings, Words, Concept, Composition architecture
Andrea Calderon: Violin, Cello
Brett Robinson: Guitar, Synth, Field recordings
Chiara Lee: Synth, Electronics
Freddie Murphy: Guitar, Breathing, Field recording
Thor Harris: Bass drum, Hand drum, Gong, Cymbal, Crotales, Clarinet, Baritone horn, Trumpet, Marimba
Fox: Vixen’s screams
Vireo: Vocalizations

Label: Consouling Sounds

JARBOE „Sightings“ Tracklist:

1. The Holy Waters (Official Video bei Youtube)
2. Francesca Sun
3. Choir and Night Fox
4. Breathe
5. Vireo Serenade
6. The Holy Waters (Sangha Mix) [CD & Digital versions only]
7. Of Ancient Memory (Oblivion Mix)

Mehr im Netz:

https://thelivingjarboe.com/
https://jarboe1.bandcamp.com/
https://www.facebook.com/TheLivingJarboe
https://livingjarboe.tumblr.com/
https://www.instagram.com/jarboeliving/
https://soundcloud.com/jarboe-living

Was indes auf der Strecke bleibt, ist das eigene Profil. Zwar blitzt die Handschrift der Band phasenweise noch hervor, im Großen und Ganzen agiert das Quartett jedoch erkennbar generischer. Der Elan, die Energie, welche die Punk-Rock-DNA vorheriger Veröffentlichungen sicherstellte, nimmt – mit Ausnahme des schmissigen „Halos“ – nunmehr eine Nebenrolle ein. Im Zentrum stehen poppige Melodiebögen, in glatten, eingängigen Refrains bemerkbar machen und von simplen Texten garniert werden. Zu hören ist das besonders deutlich in „See Through“, „My Religion“ oder dem seichten „3 am“ mit seinen Pop-Punk-Vibes.

„A.R.S.O.N.“ fehlt der Charakter, auch wenn STORY OF THE YEAR zu routiniert für eine Bruchlandung sind

Nicht verlernt haben STORY OF THE YEAR dafür das Schreiben lockerer Rock-Songs à la „Disconnected“ oder „Into The Dark“, welches sich in der Strophe bissig zeigt und in der Hook gar zur Hymne mausert. Hier kommt die Erfahrung der Band zum Tragen, die mit der Macht der Routine „A.R.S.O.N.“ letztlich ohne größere Blessuren ins Ziel bringt. Arm an Höhepunkten und Charakter bleibt von der immerhin kompakt gehaltenen Platte letztlich wenig in Erinnerung: Easy-Listening für Modern Rock-Fans lautet das Fazit, das auch die einleitende Frage beantworten dürfte. Die Wahrheit liegt wohl einmal mehr in der Mitte.

Veröffentlichungstermin: 13.02.2026

Spielzeit: 34:43

Line-Up

Dan Marsala | Gesang
Ryan Phillips | Gitarre
Adam Russell | Bass, Backing Vocals
Josh Wills | Schlagzeug, Percussion

Produziert von Colin Brittain und Kevin McCombs

Label: SharpTone Records

Homepage: https://www.storyoftheyear.net/
Facebook: https://www.facebook.com/storyoftheyear/
Instagram: https://www.instagram.com/storyoftheyear

STORY OF THE YEAR “A.R.S.O.N.” Tracklist

1. Gasoline (All Rage Still Only Numb) (Audio-Stream) (Video bei YouTube)
2. Disconnected (Video bei YouTube)
3. See Through
4. Fall Away
5. 3 am
6. Into The Dark
7. My Religion
8. Halos
9. Good for Me / Feel so Bad
10. Better Than High
11. I Don’t Wanna Feel Like This Anymore

„Emerald Dream“ wirkt homogen und rund

Dabei funktioniert „Emerald Dream“ als Ganzes: die Scheibe wirkt homogen und rund – mit Ausnahme vielleicht von „Quest For Fire“, das ein wenig bruchstückhaft zusammengesetzt wirkt -, verzeichnet keine Längen (selbst nicht beim instrumentalen Titeltrack) und lebt von coolen Riffs, Orgel-Begleitung sowie dem passenden („Pyre Of Love“) und ja, auch variantenreichen Gesang („Stardust Regulator“). Für ein Debütalbum nenne ich das mal eine äußerst reife Leistung.

Veröffentlichungstermin: 13.03.2026

Spielzeit: 35:22 Min.

Line-Up:
Alex Bigras – Guitars
Snake St-Louis – Drums
Vick Trigger – Bass
Chub – Synths/Organ/Backing
Jim Laflamme – Lead Vocals/Tambourine

Label: From the Urn Records

Mehr im Netz: https://www.facebook.com/Fangusband
Mehr im Netz: https://fangus.bandcamp.com/

FANGUS „Emerald Dream“ Tracklist

I – Howling Hammer
II – Pyre Of Love (Video bei YouTube)
III – Psychoïd Telepath
IV – Quest For Fire
V – Emerald Dream
VI – Time Gambler
VII – Shapeshifter (Audio bei Bandcamp)
VIII – Stardust Regulator

Veröffentlichungstermin: 23.02.2024

Spielzeit: 30:18 Min.

Line-Up:
Peter Thielemans – Bass
Sara Vanderheyden – Vocals
Arvid Vermote – Violin
Robin Ritzen – Guitars
Harald Bouten – Drums

Label: Massacre Records

Mehr im Netz: https://www.cathubodua.com/
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CATHUBODUA „Interbellum“ Tracklist

01. Effigy Of Aftermath (Video bei YouTube)
02. Foretelling (Video + Stream)
03. Will Unbroken
04. Amidst Gods (Video bei YouTube)
05. The Mirror
06. Goddess Fallacy

Veröffentlichungstermin: 23.01.2026

Spielzeit: 39:00 Min.

Line-Up:
Kayley “Hell Kitten” Davies – vocals, drums
Max “Leather Messiah” Newsome – guitars, drums

Label: New Heavy Sounds

Mehr im Netz: https://skyvalleymistress.com
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SKY VALLEY MISTRESS „Luna Mausoleum“ Tracklist

1. An Eagle’s Epitaph
2. The Exit List
3. Too Many Ghosts (Video bei YouTube)
4. No Sleep
5. House of the Moon
6. Live Past Life
7. White Night
8. Thundertaker (Audio bei Bandcamp)
9. Blue Desert II

Allein, die Mittel reichen nicht aus, wenn sie irgendwann ermüden, und deshalb hat Bandkopf Mac Kennedy sich sehr viel Zeit genommen, „Hymn From The Hills“ zu konzipieren sowie mit seiner Band zu proben und aufzunehmen: Ja, auch dieses Album ist selbst aufgenommen worden, in einem neuen, exklusiven Probenraum allerdings, und das hört man direkt: Nicht nur bauen POISON RUIN zu Beginn („Lily Of The Valley“) mit einem dominanten Synthesizer ein neues Element in ihren Sound ein (keine Angst: Aus den meisten anderen Songs hält der sich weitestgehend raus), auch im Laufe des Albums wird immer wieder Neues ausprobiert und generell kompositorisch was gewagt: sphärisch-nerdige Analog-Synthie-Intros, frickelige Übergänge, melancholisch-euphorische Hymnen, sogar richtiger Krach.

„Hymns From The Hills“ – Flickwerk oder schlüssiges Album?

Das war notwendig, um auf Albumlänge bestehen zu können, und da mit dem Titeltrack, „Serpent’s Curse“ und dem unglaublichen „Pilgrimage“ mindestens drei süchtig machende Hits auf der Platte sind, funktioniert das auch, wenngleich der inkonsistente Sound mich nachhaltig verwirrt (ich mag es nicht, wenn einzelne Songs anders klingen als der Rest) und sich im Mittelteil vielleicht doch die ein oder andere Länge eingeschlichen hat („Turn To Dust“ und „Puzzle Box“).

So mag nämlich zunächst der Eindruck entstehen, dass man zwar viel experimentiert und viel will, aber letztlich kein schlüssiges Gesamtkunstwerk hinbekommen hat. Dieser Eindruck verflüchtigt sich jedoch eben, sobald sich einzelne Fixpunkte heraus kristallisiert haben, an denen man sich als Hörer festhalten kann, und ich bin mir sicher, dass auf dem nächsten Album die Band noch kohärenter, noch schlüssiger mit ihren Einflüssen umgehen wird.

POISON RUIN enden mit unglaublich viel Wumms

Denn wie POISON RUIN im letzten Drittel hier nochmal alle Register ziehen und „Hymn From The Hills“ mit einem überraschenden Doppel beenden, ist beeindruckend: „Crescent Sun“ stampft wuchtig und massiv aus den Boxen und geht dann ziemlich geil in „The Standoff“ über, einem ihrer vielleicht schmissigsten Songs überhaupt. Sowieso hat alles unglaublich viel Wumms (Mix: Jonah Falco, Master: niemand geringerer als der mächtige Arthur Rizk), was der Band auch mal richtig gut tut, zumal sie durch den Ansatz, trotzdem alles selber im Probenraum aufzunehmen, immer noch genug Dreck im Sound hat.

Also doch der große Wurf? Kommt drauf an, ob du die trockene, angepisste Seite der Band besser findest als ihre epische, melancholische. Beides findet sich auf „Hymn From The Hills“, aber für mich hätte der epische Aspekt noch mehr Raum bekommen dürfen – es gibt einfach schon genug Düsterpunk wie die Single „Eidolon“ auf der Welt. Da das Album aber dramaturgisch prima als solches funktioniert und genügend düstere Höhepunkte bietet, bleibt mir nur, ein zufriedenes „Prost!“ nach Philadelphia zu schicken und mich auf das zu freuen, was da noch kommen mag.

Spielzeit: 43:52 Min.

Veröffentlichungsdatum: 03.04.2026

Label: Relapse Records

POISON RUIN „Hymns from the Hills“ Tracklist

1 – Intro
2 – Lily Of the Valley
3 – Hymn from the Hills (Video bei YouTube)
4 – Eidolon (Video bei YouTube)
5 – Howls From the Citadel
6 – Pilgrimage
7 – Guts (Lay Your Self Aside) (Video bei YouTube)
8 – Turn To Dust
9 – Puzzle Box
10 – Serpent’s Curse
11 – Sleeping Giant (Interlude)
12 – Crescent Sun
13 – The Standoff

NEUROSIS setzen ein klares Statement – das macht schon der Titel „An Undying Love For A Burning World“ deutlich.

So wie NEUROSIS ihre Wiedergeburt mit einem Schrei begrüßen. „We Are Torn Wide Open“, schreien sie als Kanon des Schmerzes heraus. STEVE VON TILL sprach über das Thema der Entfremdung bereits vor einem Jahr, jetzt greift er das Thema mit der gesamten Band auf. Und wie könnte es nicht schmerzen? Immerhin fand auch in der Band eine Entfremdung statt. Dass NEUROSIS sich von SCOTT KELLY trennten, diesem scheinbar integeren Mann in der integersten Band überhaupt, hinterließ eine klaffende Wunde, auch in den Herzen der Fans. NEUROSIS schienen aber bereits zuvor müde. „Honor Found In Decay“ konnte man sich noch Schönhören, „Fires Within Fires“ hingegen zeigte die Band nur noch als traurigen Schatten ihrer selbst. Ob es nun an Neumitglied Aaron Turner (ex-ISIS, SUMAC) liegt, oder daran, dass die NEUROSIS ihre Kräfte gesammelt und wieder ihre Essenz gefunden haben, sei dahin gestellt, aber „An Undying Love For A Burning World“ zeigt die Band mit gereifter Perspektive und der Energie von vor 30 Jahren.

Und sie schreien sich die Lunge aus dem Leib in den ersten 50 Sekunden des gut einstündigen Werks. Sie reißen damit ein Tor auf: „Mirror Deep“ startet gleich mit einem brachialen Riff, Industrial-Grooves, und ist an Heaviness kaum zu überbieten, mit Vocals, die klingen, als platze der Brustkorb. Keine zwei Minuten nach diesem Auftakt schnaufen NEUROSIS erstmalig durch, nur um dann einen Gang hochzuschalten und die Intensität in der zweiten Hälfte nochmalig zu steigern. Das Spiel mit Dynamik und Geschwindigkeit beherrschen NEUROSIS noch immer. Aaron Turner erweist sich hier als einzig logische Möglichkeit, die klaffende Lücke zu schließen, und wird es im Laufe des Albums immer wieder beweisen. „Mirror Deep“ ist indes ein kompakter, aber weit ausholender Song, der in weniger als sechs Minuten absolut vollständig wirkt. Daneben steht mit „Untethered“ noch ein kurzer Song auf „An Undying Love For A Burning World“, der ebenso vollständig klingt, sich ins Gesamtbild einfügt und dennoch mit einem kleinen Amp Rep-Noiserock-Anteil leicht heraussticht.

Aaron Turner ist der Perfect Fit für „An Undying Love For A Burning World“: NEUROSIS klingen so relevant wie zuletzt im Jahr 2004.

Insgesamt dominiert bei NEUROSIS aber wie üblich das große Panorama und das große Epos. Mindestens acht Minuten dauern die meisten Stücke auf dem Album, die zwischen Verzweiflung, Wut und einer zarten Hoffnung pendeln. Freilich, „An Undying Love For A Burning World“ zermalmt mit seinen kratzigen und krachenden Riffs die Subtilität, aber sie ist nicht totzukriegen. „First Red Rays“ startet mit einem Riff, das einen echten Aaron Turner-Moment hat und erst langsam, dann im Uptempo eine Gesangsperformance bietet, die früher ein feuchter Traum gewesen wäre: Turner und VON TILL ergänzen sich derart gut als brüllende Sänger, dass die Luft wegbleibt. Der leise Mittelteil atmet einen Hauch psychedelischen Friedens mit sich umgarnenden Gitarren und Synthesizern, bevor die Härte wieder überhandnimmt und ganz am Ende STEVE VON TILL stimmlich Trost spendet, trotz der Instrumente am Anschlag. Ähnlich gewaltig ist „Seething And Scattered“, dessen Beginn wie ein Schlag ins Gesicht wirkt und dessen verspielter Mittelteil in ein lautes Noise-Crescendo übergeht.

Auch die Rhythmussektion ist auf diesem Album mit vollem Herzen dabei. Dave Edwardson, der endlich auch wieder seine unnachahmlichen Growls der Band schenkt, groovt mit einem stellenweise gewaltig verzerrtem, dann wieder mit einem atmosphärischen Post Punk-Sound. Besonders ergreifend ist Jason Roeders Performance. Der Drummer, der zwischenzeitlich seinen Rückzug aus der Musikwelt erklärt hatte, ist durch die neue Banddynamik so beflügelt, dass seine kräftigen Rhythmen ihre eigene Erlösung bieten. Die Rhythmen erden die Musik, wie in „Blind“, das mit seinem getragenen Tempo ein wenig nach „The Last You’ll Know“ von „Times Of Grace“ klingt, ist aber dank des atmosphärischen Mittelteils von Noah Landis deutlich vielschichtiger. Wie STEVE VON TILL hier voller Trauer singt und Aaron Turner parallel als Gegenstück brüllt, kann man nicht umhin, als hier einen der ergreifendsten Momente des Albums zu erkennen.

NEUROSIS balancieren Dissonanz und Dynamik exzellent aus: „An Undying Love For A Burning World“ beweist, dass die Band ihr Handwerk nach wie vor beherrscht.

„An Undying Love For A Burning World“ ist ein Alles-Oder-Nichts-Album, ein ultimativer Moment in der Subkultur zwischen Metal, Hardcore und Punk. Es geht um Verbindung, daraus, das Schweigen zu brechen, angesichts der Verbrechen gegen den Planeten. Und damit letztendlich auch gegen alle Spezies, die Menschheit eingeschlossen. Wie sich im Angesicht dieser großen Katastrophen NEUROSIS erheben und so direkt wie nie zuvor ihre Agenda kommunizieren, ist Statement genug. Dass dieser Auftritt so wirkmächtig ist, spricht für die große Lücke, die NEUROSIS in den letzten Jahren hinterließen, die weder CULT OF LUNA, noch AMENRA oder THE OCEAN zur Gänze schließen konnten. Somit sorgt dieses Album, diese wiedererstarkte Band für eine universelle Verbindung – und das kann gar nicht hoch genug angerechnet werden.

In den letzten beiden Songs fährt „An Undying Love For A Burning World“ dann die ganz großen Momente auf. „In The Waiting Hours“ startet dabei sehr leise, daraus bricht nach zweieinhalb Minuten aber das Riff heraus, das für Tage im Gedächtnis bleibt. Dieser Moment ist der vielleicht größte, den NEUROSIS in dieser Stunde bieten. Die Variationen, die daraus entstehen, sind gehaltvoll genug, um die zehn Minuten immer wieder aufwallen zu lassen, bis die Riffs an den Emotionen der Musiker brechen. Die Steigerung dessen ist „Last Light“, das innovativste der acht Stücke. Es beginnt rein elektronisch, mit einem nervösen Beat und Synthesizer-Drones, über die Aaron Turners Stimme in Hysterie abgleitet. Nach zweieinhalb Minuten erwächst daraus ein klassischer NEUROSIS-Song, der sich glazial und mit unbändiger Kraft über das Intro schiebt. In fünf Sätzen zwischen Verzweiflung, Wut und Hoffnung bewegt sich der Song in seinen siebzehn Minuten etwas fragmentarisch dem Ende des Albums entgegen. Und ja, er hätte gestrafft werden dürfen – „Last Light“ mit seinen prophetischen Lyrics ist aber als solches schon ein selbstbewusstes Statement; da darf es auch den großen Auftritt bekommen.

Mit „An Undying Love For A Burning World“ wird das Erbe bewahrt und die Geschichte fortgesetzt: NEUROSIS schenken ihren Fans einen Full Circle-Moment.

„An Undying Love For A Burning World“ ist einer der definitiven NEUROSIS-Momente, wie bereits „Enemy Of The Sun“, „Through Silver In Blood“, „Times Of Grace“ und „The Eye Of Every Storm“. Ein Album, das für sich steht, mehr als jedes andere zuvor, sich aber dennoch stimmig in die Diskografie der Band einfügt. Mit leichten Anpassungen, nicht nur geschuldet durch Aaron Turner, sondern auch durch ein leichtes Öffnen des eigenen Stils. Dazu gehört natürlich auch, dass der 2024 verstorbene Steve Albini als langjähriger Produzent ersetzt werden musste. KOWLOON WALLED CITY-Gitarrist Scott Evans ist als Toningenieur für Aufnahmen und Mix aber eine exzellente Wahl – sein Sound ist frisch und absolut voluminös; trotz der Heaviness ist jedes Detail zu erkennen. So maßgeblich Steve Albinis Produktionen auch waren, und so sehr Albinis Erbe bewahrt werden muss: Dieses Album klingt besser.

Dass NEUROSIS überhaupt wieder zurückgekehrt sind, zeugt von Ermächtigung. Und somit konnte dieses Album gar nicht schiefgehen, selbst wenn die Musik darauf völlig misslungen gewesen wäre. Dass NEUROSIS zehn Jahre nach ihrem bisher letzten Werk eines der besten Alben ihrer Karriere glücken würde, war noch vor zwei Wochen völlig undenkbar. So ist „An Undying Love For A Burning World“ ein Statement, ein stures Nicht-Aufgeben-Wollen angesichts dessen, auf das die Menschheit zuzusteuern scheint. Aber Aufgeben ist keine Option, nicht für Menschen mit dem Ethos von NEUROSIS, nicht für ihr Publikum, egal wie schwer die Wolken über dem Firmament hängen mögen. Denn es existiert noch Verbindung zwischen den Menschen, nicht zuletzt durch die Kraft der Musik. Dieser Urschrei namens „An Undying Love For A Burning World“ ist der lebende Beweis dafür.

VÖ: 20. März 2026 (digital) / 15. Mai 2026 (CD, LP, Tape)

Spielzeit: 63:30

Line-Up:
Jason Roeder – Drums
Aaron Turner – Guitar, Vocals
Steve Von Till – Guitar, Vocals
Dave Edwardson – Bass, Vocals
Noah Landis – Synths, Samples, Vocals

Label: Neurot Recordings

NEUROSIS „An Undying Love For A Burning World“ Tracklist:

1. We Are Torn Wide Open
2. Mirror Deep
3. First Red Rays
4. Blind
5. Seething And Scattered
6. Untethered
7. In The Waiting Hours
8. Last Light

Mehr im Netz:

https://www.neurosis.com/
https://www.instagram.com/neurosisoakland
https://www.facebook.com/officialneurosis/

YEAST MACHINE überzeugen mit mehrstimmigen Gitarren und Gesängen und guten Ideen

So finden sich mehrstimmige Gesänge und Gitarren, herrlich schwer bratend und dennoch harmonisch verteilt im Stereo-Mix des Albums. Viele nette Soundspielereien in den Intros und den Songs selbst halten die Lieder auch nach mehreren Durchgängen spannend, hier und da mischen sich auch weibliche Vocals in die Songs, wie in der zweiten Strophe vom DOZEResken „Falling Rocks“, die für eine weitere spannende Facette sorgen. Irgendwo zwischen NIRVANA, DOZER und THE JESUS LIZARD pendelt sich das meiste Songmaterial dann auch ein, vollgepackt, aber nicht überladen, durchaus selbstbewusst, und klingt dabei warm und organisch.

Interessant wird es immer dann, wenn die Band aus ihrem Raster ausbricht. So groovt sich „Wobbly Wizzard“mit 70er-Jahre-Wah-Wah-Gitarren-Charme frisch nach vorne, während  „Feeding Poison To The Spiders Was Never Really My Thing“ dich durch seinen spannenden Songaufbau förmlich in den Song hineinzieht. Genau hier zeigt sich eine Schwäche des Albums, die ich weiter unten noch konkretisiere: Statt die Spannung konsequent auszureizen und die Sperrigkeit bis zum Schluss durchzuziehen, lösen YEAST MACHINE sie in einem typischen 90er Grunge-Refrain inklusive Rückung auf. Das raubt dem Song die letzte Konsequenz und lässt ihn unnötig flach verklingen.

„Bad Milk“ überzeugt in vielen Momenten, es fehlt aber noch der letzte Mut

Das ist auch mein einziger Kritikpunkt an diesem erwähnenswert guten Album: Trotz gewollter Schräglagen und den eingearbeiteten Dissonanzen bleibt das Album spürbar auf Zugänglichkeit getrimmt. Dort, wo die Referenzen der Neunziger durch Exzesse und musikalische Unbekümmertheit Alben für die Geschichtsbücher schrieben, bleiben YEAST MACHINE hörbar kontrolliert. Das schmälert dann ein wenig die ursprüngliche Idee, die Radikalität und den Schmerz, aus dem heraus diese Musik einst entstand. Es schmälert nicht aber die Qualität: „Bad Milk“ überträgt die Ästhetik von Seattle und Chicago überzeugend ins Hier und Jetzt – eben nur ohne den Mut, sie konsequent auszureizen.

Live dürfte das alles aber sehr gut funktionieren, und ich bin gespannt, wohin die Reise von YEAST MACHINE noch führt. Mit „Bad Milk“ sollte sie jedenfalls noch nicht zu Ende sein.

Tracklist – YEAST MACHINE „Bad Milk“:

Globalized Condolences
Falling Rocks (feat. The Red Flags)
Bad Milk
Foreshadowing
Dust on the Radio
Feeding Poison to the Spiders Was Never Really My Thing
Karthago
Honey & Sweat
Wobbly Wizzard
The Golden Cage

VÖ-Datum: 20. März 2026

Spielzeit: 34 Minuten

Produktion

Produced & Mixed: Markus Graf
Mastered: Stefan Brüggemann

Label/Promo: Noisolution

YEAST MACHINE – Besetzung

Fabian Köninger – Gitarre, Vocals
Tobias Köninger – Gitarre
Benjamin Frenzel – Vocals, Synth
Marcel Gundlach – Bass, Vocals
Jonas Bischof – Drums

Im Netz:

YEAST MACHINE bei Bandcamp

Ist es im Auftakt noch die Verbissenheit, die schließlich einem introspektiven Mittelpart weicht, darf im folgenden „Halo“ erstmals Gitarrist Olexii Zatserkovnyi die Singstimme erheben. Besonders markant ist dessen Organ zwar nicht, dafür sind die Melodiebögen durchaus gefällig.

SPACE OF VARIATIONS gehen konform mit zeitgenössischen Trends, zeigen sich auf „Poisoned Art“ aber deutlich gereift

Grundsätzlich gehen SPACE OF VARIATIONS zwar mittlerweile konform mit zeitgenössischen Trends – die elektronischen Elemente unterstützen die Arrangements merklich, ohne zu sehr in den Vordergrund zu drängen -, zeigen sich im Vergleich zum Frühwerk aber deutlich gereift. Das Songwriting ist in der Regel auf den Punkt, indem es die Balance aus Härte und Melodie wahrt. Kalkuliertes Airplay-Material haben die Ukrainer trotz allem nicht vorwiegend im Gepäck: Selbst catchy Refrains à la „Mayday“ werden von satten Breakdowns und drückenden Riffs flankiert, wohingegen das emotionale „Parallel Realities“ seinerseits ein paar krachende Ausbrüche zu verzeichnen hat.

Ein bisschen anbiedernd gestaltet sich zwar der Klargesang in „Godlike“ und „Lies“, dafür sorgen in Ersterem dezente Djent-Einflüsse für das entsprechende Gegengewicht. Mit genrefremden Einflüssen experimentieren SPACE OF VARIATIONS darüber hinaus in „Back To Dirt“ sowie „Coldheaven“, wo sich zwischendurch Drumcomputer sowie etwas Hip-Hop-Flair einschleichen.

SPACE OF VARIATIONS machen ihre Sache gut, müssen ihre Konturen jedoch schärfen

Letzten Endes vereint „Poisoned Art“ somit alles, was im Genre gerade angesagt ist. Das macht es für die Band einerseits schwer, sich innerhalb der Szene zu positionieren, weiß aufgrund der soliden Umsetzung jedoch immerhin zu gefallen. Möglicherweise ist das sogar ein weiteres Indiz für die eingangs erwogene Annahme: So ordentlich sich SPACE OF VARIATIONS präsentieren, lässt sich angesichts des vagen musikalischen Profils über die nächsten Schritte der Band nur spekulieren. Fast scheint es so, als hätte man sich mit der Endstufe des zeitgenössischen Metalcore gleichzeitig in eine Sackgasse manövriert.

Veröffentlichungstermin: 13.02.2026

Spielzeit: 40:11

Line-Up

Dmytro Kozhukhar – vocals
Olexii Zatserkovnyi – guitar, vocals
Anton Kasatkin – bass
Tymofii Kasatkin – drums

Produziert von SPACE OF VARIATIONS

Label: Napalm Records

Facebook: https://www.facebook.com/SpaceOfVariations
Instagram: https://www.instagram.com/spaceofvariations_band/
Bandcamp: https://spaceofvariations.bandcamp.com

SPACE OF VARIATIONS “Poisoned Art” Tracklist

1. TRIBE (Video bei YouTube)
2. HALO (Video bei YouTube)
3. MAYDAY
4. PARALLEL REALITIES (Video bei YouTube)
5. DOPPELGÄNGER (Video bei YouTube)
6. GODLIKE
7. GHOST TOWN (Video bei YouTube)
8. COLDHEAVEN
9. BACK TO DIRT
10. SNAKE SKIN
11. LIES (Video bei YouTube)
12. ECHO

Natürlich hat „Transience“ typische Doom Metal-Momente

Wer klassischen Doom Metal sucht, findet auf „Transience“ Songe wie „Slow Wind“, der so typisch für MIRROR OF DECEPTION ist wie „Orphans“, „Immortal“ oder „Ghost“:  melodisch, schwermütig, eindringlich. „Looking Back | no more of Signs of Life | in the valley below“ klagt Sänger Michael „Siffi“ Siffermann, und die Textzeilen brennen sich sofort ins Bewusstsein. In „Currents“ rifft die Band zu Ende hin minutenlang auf derselben Stelle, das gehört einfach dazu, macht Doom Metal aus – und das Riff ist halt auch einfach gut. Und zum Heulen schöne Gitarrenharmonien konnten MIRROR OF DECEPTION ja schon immer, fast 40 Jahre Erfahrung helfen den beiden Bandgründern Jochen Fopp und Michael Siffermann wahrscheinlich obendrein, so ergreifende Melodien wie in „Consumed“ oder „Meander“ zu schreiben.

MIRROR OF DECEPTION können mehr als Doomriffs schrubben

Doch „Transience“ bietet auch reichlich Unerwartetes wie die leicht disharmonischen Gitarren und die Growls in „Haven“. Als Gastsänger ist im Booklet Michelle Darkness (END OF GREEN) aufgeführt, er kümmerte sich auch um Produktion, Mix und Mastering und kann sich mit „Transience“ ein wirklich rundum gelungenes Referenzwerk ins Regal stellen. Der Sound: klar, sehr warm, druckvoll und vor allem mit einem eigenen Charakter. „Transience“ ist ganz weit weg von den üblichen Einheitsproduktionen. Herausragend sind die Gesangsarrangements. Neben Jochen Fopp und Michael Siffermann gehören heute zur Band Schlagzeuger Uwe Kurz und Bassist Pascal Schrade, der auch singt. Und so geben MIRROR OF DECEPTION auf „Transcience“ ihren Songs mit einigen zwei- und mehrstimmigen, geflüsterten und anderweitig dynamisch-abwechslungsreichen Gesangsparts zusätzliche Tiefe, zum Beispiel in „Death, deliver us“ oder „Meander“. In „Slow Winds“ fragt Sänger Michael Siffermann „when will they find out | where will they search | where will i be | will the winds whisper what happened?“ Wer diesen Song auch nur einmal gehört hat, wird ihn wegen dieser Zeilen immer sofort wiedererkennen.

Danke MIRROR OF DECEPTION, dieses Album heilt Wunden

MIRROR OF DECEPTION waren schon immer wichtig für die deutsche Doom Metal-Szene, mit ihrem sechsten Album setzen sie ihr eigenes Denkmal auf einen Sockel. Der ist so hoch, dass man die Band nicht mehr übersehen kann, auch außerhalb der eingeschworenen Szene. „Transience“ erscheint übrigens als Eigenproduktion auf dem bandeigenen Label Estuarial Records als CD, Tape und LP.  Das sagt einiges über die Musikindustrie aus. Offenbar drückt man lieber die x-te generische Genre-Band in den Markt. Sei’s drum. Wer „Transience“ für sich entdeckt, wird sich wie ein Strandspaziergänger fühlen, der etwas ganz Besonderes findet. Sein Fund ist nicht nur schön, er hat eine Bedeutung und er gewinnt weiter an Bedeutung, je mehr man sich damit beschäftigt. „Transience“ ist von Anfang ein gutes Album, wächst aber mit jedem Durchgang, mit jedem Detail, das man neu entdeckt, sei es in den Songs, in den Texten, im Booklet.

Danke MIRROR OF DECEPTION, dieses Album ist mehr als Doom, es heilt Wunden. Alles ist endlich. Alles ist vergänglich. Lass uns deshalb das Beste auf jedem Moment machen, so könnte man das Motto von „Transience“ zusammenfassen. Und deshalb sollte jeder das Album oder zumindest den Übersong „Meander“ an seinem Lieblingsplatz hören, einmal, zweimal und nochmal. Wer da nicht berührt ist und vielleicht gar so etwas wie einen kurzen inneren Frieden findet, muss aus Stein sein.

Live kann man MIRROR OF DECEPTION übrigens an historischer Stätte mit anderen feinen Bands beim DOOM IN BLOOM am zweiten Aprilwochenende in Göppingen sehen. 

MIRROR OF DECEPTION „Transience“ Tracklist

Death, Deliver Us
Currents
Haven
Slow Winds (Bandcamp)
Consumed (Bandcamp)
The Sands
Meander

VÖ: 27. März 2026

Label: Estuarial Records / Eigenproduktion

Spielzeit: 43 Minuten

Mehr im Netz

MIRROR OF DECEPTION bei Bandcamp

„Georgie And The Dragon“ war genau das: ein Versuch, die eigene Unschuld wiederzuerlangen, indem man alles auf Null setzte. Aber die Unschuld war weg, und die Fans wollten das ganze Paket, geilen Sound, aber bitte nicht zu geilen, geile Melodien, aber bitte ganz viel Gekrächze, und wozu eigentlich diese ganzen echten Instrumente, hä, ein Synthesizer kriegt das doch mindestens genau so gut hin, ach was, viel besser, und kann mir verdamm tnochmal bitte jemand nochmal den Krug vollmachen?!

„Castle Crusher“ – Wunderschön, großartig und absolut geil

Abysmal Specter ist ein Genie und hat den Ruf gehört: „Castle Crusher“ ist, anders als von Vinyl-Label Phantom Lure angekündigt, zwar keine „Full-Length“ (das stellt Abysmal Specter schon im Intro klar, Leute!), aber ein 20minütiges verficktes Meisterwerk, und wer was anderes behauptet, kriegt eins mit dem Morgenstern. Denn hier sind acht Songs drauf, und alle acht sind perfekt.

Ja, selbst die ohne offensichtliche schöne Melodien. Denn die haben schöne Rhythmen und Sounds (und schöne Melodien). Und einen guten klaren Klang, der an „Siege Ubsessed!“, das eigentliche Meisterwerk CURTA’N WALLs, erinnert, aber ihn noch verfeinert: Schlagzeug und Gitarren klingen klar und druckvoll, aber reduziert, und einen Bass braucht man im Mittelalter nicht wirklich, denn sämtliche Feinde sind bereits durch Axt und Amboss – nun ja – gecrusht worden, angelockt von den Synthesizer-Sirenen, die Specter seine Freundinnen zu nennen die Ehre hat.

Denn das ist in der Tat das Großartige und Neue an diesem Release: CURTA’N WALL weiß, was es kann, hat sich ausprobiert in jeder Hinsicht und setzt seine Mittel nun bewusst ein, und dann hören wir ein fieses Black-Metal-Stück wie „Kingdom Come“ ebenso gerne wie einen spaßigen Mittelalter-Folk-Synthie-Klopper wie „The Holy Grail“, und danach verzaubert uns „Ye Olde Roman Road“ als reines Akustik-Folk-Stück. Das ist wunderschön, großartig und absolut geil und genau das, was ich von CURTA’N WALL hören will. Ach, das Ganze dauert nur 20 Minuten? Ja, schade, aber es ist alles drin, und Abysmal Specter ist so kreativ, dass die nächste EP, das nächste Album oder was auch immer jederzeit erscheinen könnte, denn Grime Stone Records geben ja auch einen gepflegten Fick auf Veröffentlichungskonventionen.

Also alles geil? Na ja: die „Wizard Party“ von DJ JOHN am Ende hätte ich jetzt nicht unbedingt noch gebraucht. Insofern werft ihm bitte jetzt einen Dollar Fuffzig in den Rachen und genießt die beste Mittelalter-Metal-EP des Jahres. Danke!

Spielzeit: 23:07 Min.

Veröffentlichungsdatum: 20.03.2026

Labels: Grime Stone Records (digital & Kassette), Phantom Lure (Vinyl)

https://grimestone.bandcamp.com/album/curtan-wall-castle-crusher

Tracklist – CURTA’N WALL – „Castle Crusher“

1. Introduction to the Program
2. Wizard Party
3. Kingdom Come
4. Clover’s Tower (ft. Count Jeffrey)
5. The Holy Grail
6. Ye Olde Roman Road
7. Castle Crusher!
8. Brick By Brick
9. Breaking Wheel
10. Wizard Party (DJ JOHN Remix)

Mit Wucht und stampfendem Groove ist der eigentliche Opener „Tower“ somit nicht allzu weit von ORBIT CULTURE entfernt, wobei ATLAS im direkten Vergleich stilistisch kaum Berührungspunkte mit klassischen Genres wie Death oder Thrash Metal haben. Gitarren und Schlagzeug tragen in „Salt And Sulfur“ vielmehr etwas Nu bzw. Alternative Metal in sich, den Leevi Luoto (ex-ONE MORNING LEFT) geschickt für sich zu nutzen weiß.

„Sunder“ ist ein melancholisches Album, das ATLAS auf konstantem Niveau zeigt

Der helle Klargesang des Gitarristen harmoniert im Hintergrund ausgezeichnet mit Frontmann Patrik Nuortevas erdiger Stimme. Gefühl zeigt der Sänger in der getragenen Ballade „I Whisper Your Name Like A Curse“, aber auch die dosierten Gothic-Anleihen à la HIM fügen sich in „Altar Of Your Love“ und „Coven Of Two“ gut ins Soundgefüge ein.

Über die knappe Spielzeit von rund 29 Minuten bleiben ATLAS darüber hinaus konstant, wodurch immerhin keine Längen auftreten. Im Gegenzug fehlen „Sunder“ vielleicht ein bis zwei indiskutable Höhepunkte, die der Dramaturgie dieses melancholischen Albums gutgetan hätten. Dennoch kommen die Finnen auf ihrem dritten Studiowerk keineswegs in Straucheln. Dafür ist das musikalische Rückgrat zu stabil, die zeitgenössischen Stilmittel zu kompetent arrangiert. „Sunder“ ist eben durch und durch ein Produkt unserer Zeit, aber genau deshalb auch so standfest in seiner Ausführung.

Veröffentlichungstermin: 20.02.2026

Spielzeit: 28:46

Line-Up

Patrik Nuorteva – Vocals
Tuomas Kurikka – Gitarre
Leevi Luoto – Gitarre, Vocals
Kevin Apostol – Bass
Aku Karjalainen – Drums

Produziert von Tuomas Kurikka (auch Mix) und Buster Odeholm (Mix und Mastering)

Label: Odyssey Music Network

Homepage: https://www.atlas-northcore.com/
Facebook: https://www.facebook.com/atlasfin/
Instagram: https://www.instagram.com/atlasfin/

ATLAS “Sunder” Tracklist

1. Sermon of the Dying Light
2. Tower (Lyric-Video bei YouTube)
3. Salt and Sulfur (Video bei YouTube)
4. I Whisper Your Name Like a Curse (Video bei YouTube)
5. Coven of Two (Video bei YouTube)
6. Altar of Your Love (Video bei YouTube)
7. Anodyne (Video bei YouTube)
8. Sunder