HOLLER Line-Up
Terence Holler – lead vocals
Denis Chimenti – guitar, backing vocals
Luca Fuligni – guitar, backing vocals
Matteo Chimenti – keyboards, backing vocals
Leonardo Peruzzi – bass, backing vocals
Alex ʻDemonoidʼ Lera – drums

HOLLER „Next In Line“ Tracklist

01 A Miracle
02 Stormy (Video bei YouTube)
03 Chandelier (Video bei YouTube)
04 Don’t Fool Me
05 The Ocean
06 24Seven
07 Crystal Eyes
08 Trust (Audio als Stream)
09 Away
10 The Leader
11 Perfect Place

Der „Skelefant im Raum“, wie ihn die Finnen hier bezeichnen, ist aber der Unwillen, sich neuen Einflüssen zu öffnen. Fanden LORDI in der Vergangenheit durchaus Gefallen daran, sich von verschiedenen Strömungen der vergangenen vier Dekaden Rock-Geschichte treiben zu lassen, kochen sie anno 2025 lieber vermehrt das gleiche Süppchen. Unterbrochen von viel zu vielen Interludes verlassen sich LORDI auf relativ simples Songwriting, das durchaus eingängig und gefällig sein kann, wenn etwa „Legends Are Made Of Clichés“ die flächigen Synthesizer aus den 80ern importiert oder ein flinkes Gitarrensolo einschiebt.

LORDI können mit „Limited Deadition“ nicht an ihre größten Momente anknüpfen

Das Fundament von „Limited Deadition” steht auf festem Boden, keine Frage. Nichtsdestotrotz scheinen sich die Horror-Rocker zu oft mit dem kleinsten gemeinsamen Nenner zufrieden zu geben. Den Songtitel „Skelephant In The Room“ kräht Frontmann Mr. Lordi etwa im Refrain recht lustlos in den Äther, nachdem er zuvor in den Spitzen von „Syntax Terror“ noch leidenschaftlich den UDO gemimt hatte.

Die pianogestützte Ballade „Collectable“ wiederum bedient sich gängiger Konventionen, punktet aber textlich mit seinem Blick durch die Augen einer verfluchten Sammelfigur. An ihre größten Momente können LORDI hier wie im weiteren Verlauf des Albums aber kaum anknüpfen. Fast schon unaufgeregt rockt „Frighteousness“ vor sich hin, lässt wieder die 80er-Elemente aufblitzen, ohne aber in irgendeiner Weise zwingend zu wirken.

„Limited Deadition“ wird seinem Titel nicht gerecht

Ob es ein Mangel an Ideen ist, der „Limited Deadition“ zurückhält, oder ob das Material einfach nur im Schnelldurchlauf entstanden und eingespielt wurde, ist schwer zu sagen. Am Ende des Tages jedenfalls bleiben LORDI hinter ihren Möglichkeiten zurück. Ihr neuester Ableger mag keine Bauchlandung sein, kann ohne den Biss der früheren Werke die titelgebende Implikation jedoch in keiner Weise in die Realität übertragen. „Limited Deadition“ ist mehr Stangenware als exklusives Bonmot.

Veröffentlichungstermin: 21.03.2025

Spielzeit: 45:00

Line-Up

Mr. Lordi | Gesang
Kone | Gitarre
Hiisi | Bass
Hella | Keyboard
Mana | Schlagzeug

Produziert von Mr. Lordi

Label: Reigning Phoenix Music

Homepage: https://www.lordi.fi/
Facebook: https://www.facebook.com/LordiOfficial
Instagram: https://www.instagram.com/lordiofficial

LORDI “Limited Deadition” Tracklist

01. SCG XIX The Hexecutioners
02. Legends Are Made Of Clichés
03. Syntax Terror (Video bei YouTube)
04. Skelephant In The Room
05. SCGTV Saturday Night Main Event
06. Killharmonic Orchestra
07. Collectable
08. SCGTV Monstersquad Action Figures
09. Fangoria (Lyric-Video bei YouTube)
10. Hellizabeth (Video bei YouTube)
11. SCGTV The Hexecutioners Seasion
12. Retropolis (Video & Stream)
13. Frighteousness
14. SCGTV Crazee Ralph Promo
15. Limited Deadition
16. You Might Be Deceased

Reinhören kann man in die Single „Fire In YouR Eyes“:

ROULETTE „Go“ Tracklist & Cover

Answer To My Prayers
Fire In Your Eyes (Video bei YouTube)
We Remember You
Strangers
What Are We Looking For
Take Me As I Am
Brand New Start
Don´T Be Sorry
She Can´T Hide
Better Walk Away

FLIGHT OF ICARUS Line-up:
Elisabeth Särnefält Rösehag: Lead & backing vocals
Oskar Frantzén: Guitars, bass & keyboards

FLIGHT OF ICARUS „Terra Nova“ Tracklist

01. Icarus Rise
02. Terra Nova (Video bei YouTube)
03. Lost Highway
04. To the Sun (and Back Again)
05. Through Space and Time
06. Deus
07. God Bless
08. War Cry
09. Nangilima
10. Liberi
11. Flight of Icarus (IRON MAIDEN cover)- CD Exclusive Bonus Track

CAPTAIN BLACK BEARD Line-Up:
Robert Majd – bass
Fredrik Vahlgren – vocals
Daniel Krakowski – guitar
Vinnie Strömberg – drums

CAPTAIN BLACK BEARD „Chasing Danger“ Tracklist

1. Dreams
2. When It’s Over (Video bei YouTube)
3. Chasing Rainbows
4. Shine
5. AI Lover (Video bei YouTube)
6. Can’t You See
7. Read Your Mind (Video bei YouTube)
8. Piece Of Paradise
9. Where Do We Go
10. In Your Arms

STREETLIGHT Line-Up:
Johannes Häger – Lead vocals, Guitars
Filip Stenlund – Guitars, Bgv’s
John Svensson – Keys, Bgv’s
Johan Tjernström – Bass, Bgv’s
Erik Nilsson – Drums, Bgv’s

STREETLIGHT „Night Vision“ Tracklist

1. Long-Distance Runner (Lyric-Video bei YouTube)
2. Captured In The Night (Video bei YouTube)
3. Sleep Walk
4. Learn To Love Again (Audio bei YouTube)
5. Late Night Hollywood
6. Leanna
7. Straight To Video
8. Where Eagles Fly
9. Where Did Love Go
10. End Game

Hauptsächlich enthält das Buch Anekdoten, die mal mehr und mal weniger bekannt sind (abhängig auch vom Alter des Lesers). Zum Beispiel von der liberalen Einstellung von LED ZEPPELIN zum Urheberrecht über Partyexzesse, Drogendelikte oder übergriffige Musiker bis zu tatsächlichen Kirchenabbrennern im Black Metal oder gestörten Mördern, die glücklicherweise aus der vierten oder fünften Reihe der Metal-Musiker besteht.

Das Buch ist mit leichter Hand geschrieben und amüsiert auf den 240 Seiten durchgängig

Das alles ist mit leichter Hand geschrieben und amüsiert auf den 240 Seiten durchgängig, hat aber auch einige wirkliche Tiefpunkte. Zum Beispiel behandelt ein komplettes Kapitel die monothematisch veranlagten Grindcorler MACABRE, die sich ihre Inspirationen in bester True Crime Manier von realen Fällen holen, und anscheinend auch nur von diesen. Die Verfehlungen der gesammelten Serienmörder, Vergewaltiger und geisteskranken Folterknechte wird auf zwanzig unfassbar zähen Seiten beschrieben und macht eher den Eindruck des Seitenschindens.

Außerdem nervt zumindest mich der bemüht „lustige“ Erzählton Burgwächters, der meint überall noch ein Wortspiel oder eine Anmerkung anbringen zu müssen. Dazu passend habe ich hier übrigens ein wenig nutzloses Wissen über den Autor: Till Burgwächter ist nur ein Pseudonym, er hört auf den bürgerlichen Namen Marc Halupczok. Außer den unter Metallern bekannten Werken wie „JGTHM – Juhr Gait tu Hewi Mettäl“, „Tillicus Glossicus Metallicus. Metal-Glossen aus der Hölle“ oder „Die Wahrheit über Wacken“ ist er unter anderem übrigens auch Autor von „Elyas M’Barek. Das ultimative Fanbuch“, Wrestling oder St. Pauli (also nicht das Viertel, sondern die Merchandising Abteilung mit angeschlossenem Fußballverein). Aber das nur am Rande.

Selbst für den langjährigen Fan gibt es noch Kleinigkeiten zu entdecken

Insgesamt unterhält das mit Hardcover-Einband und zahlreichen Abbildungen im Verlag Andreas Reiffer erschienene Buch ordentlich. Besonders jüngere Leser, die den Anekdoten aus den Achtzigern und Neunzigern von Skandalnudeln wie OZZY, SKID ROW; MÖTLEY CRÜE oder Axl Rose noch nicht zu damaligen Zeiten begegnet sind werden sich freuen. Selbst für den langjährigen Fan gibt es noch Kleinigkeiten zu entdecken. Oder wisst ihr, wieso Mike Patton mit seinen FAITH NO MORE von der GUNS N‘ ROSES Tour geflogen sind? Eben.

Hardcover: 240 Seiten

Verlag: Verlag Andreas Reiffer, 1. Auflage (2025)

ISBN 978-3-910335-99-8

Größe: 12,54 x 20 cm

20,00 Euro

Des verstorbenen Gitarristen David Andersson wird Sänger Björn „Speed“ Strid (SOILWORK) später am Abend noch einmal gedenken, bis dahin jedenfalls ehrt die Formation ihr Gründungsmitglied auf die bestmögliche Art und Weise: mit einer bärenstarken Performance vor ausverkauftem Haus. Zunächst allerdings werden in der Backstage Halle etwas andere Töne angeschlagen.

METALITE

Statt 80er Huldigung drehen METALITE an ungleich moderneren Stellschrauben. Power Metal mag der Ausgangspunkt sein, doch mittels zahlreicher Synthesizer und einem Faible für Pop-Melodien sind die Skandinavier bisweilen gar nicht so weit weg von den Landsmännern AMARANTHE. Das mag man aufgrund der catchy Hooks und Melodien süffisant als Eurovision-Metal titulieren, entfaltet live für gewöhnlich allerdings eine nicht zu unterschätzende Energie. Überraschend ist es daher, dass der Funke im Münchner Backstage anfangs noch nicht überspringen will.

In Teilen liegt das wohl heute auch am arg basslastigen Mix, der die elektronischen Backing-Spuren über weite Strecken verschluckt und erst gegen Ende des 45-minütigen Sets etwas mehr Raum zugesteht. Gut ins Ohr gehen Stücke wie „Disciples Of The Stars“ oder „Cyberdome“ nichtsdestotrotz, wobei sich das eher gesetzte Publikum zunächst kaum aus der Reserve locken lässt. Es wird in der Halle zwar anerkennend mitgenickt und zum Medley aus „Nightmare“ und dem Bandhit „Afterlife“ hier und da motiviert die Faust gereckt. Recht viel mehr ist trotz motivierter Band und eine starken Gesangsleistung Erica Ohlssons in dieser Dreiviertelstunde aber leider nicht drin.

METALITE sind stilistisch zu weit weg vom Headliner, um das Publikum vollends mitzunehmen

Geschuldet mag das möglicherweise auch der stilistischen Diskrepanz: Ausgenommen einiger weniger eingefleischter METALITE-Fans scheint das Backstage primär auf den Auftritt des Headliners hinzufiebern. Die gewünschte Party bleibt somit bedauerlicherweise aus, wohlwollend aufgenommen hat man den kurzweiligen Auftakt der Schweden in München aber allemal.

Fotogalerie: METALITE

THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA

Bei aller Wertschätzung für das Vorprogramm ist es doch ein Unterschied wie Tag und Nacht, als sich gegen Viertel nach neun die Halle verdunkelt und nur die aufgestellten Bäumchen samt bunter Lichterketten etwas Farbe auf die Bretter projizieren. Statt weihnachtlicher Stimmung kommt jedoch eher Urlaubsflair auf: Am rechten Bühnenrand lockt eine eisgefüllte Wanne mit allerlei Spirituosen und erweckt den Eindruck, als könne man sich während der kommenden 100 Minuten auch den einen oder anderen Longdrink mixen lassen.

Während sich derlei Bedürfnisse zumindest an der hinteren Bar stillen lassen, stimuliert das Geschehen auf der Bühne primär andere Sinne: Mit geradezu ohrenbetäubendem Jubel heißen die Münchner:innen den Headliner Willkommen, der mit „Stratus“ vom aktuellen Werk „Give Us The Moon“ gut vorlegt, um mit dem nachgeschobenen „California Morning“ den Sack eigentlich schon zuzumachen. THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA sind nach der pandemiebedingten Absage 2020 offenbar mit einer Mission zurückgekehrt.

THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA können auf ihr begeisterungsfähiges Publikum zählen

Dank eines hitgespickten wie abwechslungsreichen Sets und ausgezeichneter Rahmenbedingungen, welche nur der etwas zu dominante Bass im Audiomix minimal trüben kann, ist sich selbst Sänger Björn Strid nach der ersten Viertelstunde sicher, dass man heute eine Nacht erleben würde, die man nicht vergesse. Glauben wollen wir ihm das gerne, da die bayerische Landeshauptstadt kurz zuvor in „Divinyls“ fast schon hingebungsvoll mitgesungen hatte und sich auch weiterhin ins Zeug zu legen weiß.

Zum beschwingten „Gemini“ etwa lässt nicht nur Gitarrist Rasmus Ehrnborn entspannt die Hüften kreisen, auch das Publikum schwingt hier und im Hit „Satellite“ munter das Tanzbein. So viel Begeisterung lässt natürlich selbst routinierte Musiker wie Bassist Sharlee D’Angelo (ARCH ENEMY) nicht kalt, dem ein ums andere Mal ein verstohlenes Grinsen über die Lippen huscht.

Andächtig wird es im Backstage, als THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA an Gründungsmitglied David Andersson erinnern

Alleine ist er damit keineswegs, denn auch wir verlieren uns immer wieder in der ausgelassenen Atmosphäre, die THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA nur selten, doch dann aus gutem Grund, auszubremsen wissen. So lässt uns Frontmann Strid vor dem ergreifenden „Paloma“ an dem durchaus ernsten Hintergrund des Stücks um eine einseitig-toxische Beziehung teilhaben. Geprägt wird der Track im Live-Format zudem durch den hellen Gesang der Background-Sängerinnen Anna Brygård und Åsa Lundman, die auch sonst oftmals einen beträchtlichen Beitrag zur Grundstimmung des 80er inspirierten Sounds beitragen.

Nachdenklich und ernst werden die Schweden nur noch einmal vor dem getragenen „Transatlantic Blues“, als sie des verstorbenen David Andersson gedenken, dessen Verlust für die Band einen tiefen Einschnitt bedeutete und dessen kompositorischem Talent man mit diesem Stück Ehre erweisen möchte. Es ist ein aufrichtiger Augenblick, der auch im Backstage seine Wirkung nicht verfehlt.

Zum Abschluss zieht eine Polonaise durch die rappelvolle Backstage-Halle

Weil Andersson zu Lebzeiten aber auch eine ganze Menge aufrüttelndes Material geschrieben hat, ist es nur folgerichtig, mit dem unverkrampften „Burn For Me“ eine seiner tanzbarsten Nummern ans Ende des regulären Sets zu stellen. Auf dem Höhepunkt der Stimmung angekommen werden die drei folgenden Zugaben in München mit dem größtmöglichen Enthusiasmus aufgenommen: Während die „Aeromanticas“ Anna Brygård und Åsa Lundman zu „White Jeans“ eine einstudierte Choreo zum Besten geben, reckt die Meute die Fäuste nach oben, nimmt in „Way To Spend The Night“ an einer imaginären Kneipentour teil und beschließt das rockige „West Ruth Ave“ mit einer immer weiter anwachsenden Polonaise durch die rappelvolle Halle.

Bei solch eindeutiger und geradezu überwältigender Resonanz ergibt plötzlich auch die jüngste Forderung der Schweden eine ganze Menge Sinn. Dass so viel Huldigung einen (gesunden) Größenwahn zur Folge haben muss, scheint nachvollziehbar: Nach der Welt fordert man jetzt auch noch den Mond: für die Münchner Anhängerschaft dem Anschein nach ein kleiner Preis, den man gerne zu zahlen bereit ist. Liegt es an der Magie der 80er oder den fransenbewehrten Bühnenoutfits, dass man in der bayerischen Landeshauptstadt erst NESTOR und nun THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA vollständig erlegen ist? Die Antwort müssen wir für heute schuldig bleiben, solange wir uns noch Gedanken machen, welchen Himmelskörper wir der Allstar-Gruppe wohl als nächsten Tribut zahlen könnten.

THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA Setlist – ca. 100 Min.

1. Stratus
2. California Morning
3. Shooting Velvet
4. Divinyls
5. Domino
6. Gemini
7. Cosmic Tide
8. This Boy’s Last Summer
9. Paloma
10. Satellite
11. Transmissions
12. Can’t Be That Bad
13. Transatlantic Blues
14. Burn For Me
—————————
15. White Jeans
16. Way To Spend The Night
17. West Ruth Ave

Fotogalerie: THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA

Fotos: Tatjana Braun (https://www.instagram.com/tbraun_photography/)

Der Tod traf ausgerechnet eine Band, die vielleicht wie keine andere für Hedonismus und eine gewisse Leichtigkeit steht. Eine Band, die den unbeschwerten Sound des 80s-AOR mit Flugkapitäns-Mütze und silbern glitzernden Pailletten auf die Bühne brachte. Melodien wie buntes Konfekt, oft begleitet von einem Augenzwinkern – man käme nicht auf die Idee, hier zuerst nach Sucht und Depression zu suchen. Obwohl die Liste der Musiker, die auch in diesem Metier einen frühen Tod fanden, beachtlich ist: Jani Lane von WARRANT oder Steve Clark von DEF LEPPARD, um zwei Beispiele zu nennen.

Die Erben des „Hook-Driven Rock“?

Ich muss an dieser Stelle einen kleinen Exkurs einschieben, um hier einiges richtigzustellen. THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA spielen „AOR Rock“ und kokettieren auch liebevoll mit dem Begriff (Death to false AOR!, so heißt die aktuelle Tour). „Adult Oriented Rock“ also. Nur das ist, ich hatte es an anderer Stelle schon erwähnt, ein ziemlicher Scheißbegriff. Weil er erstens nichts benennt, weil zweitens die wichtigsten Bands des Genres in den 70er und 80er Jahren ebenfalls ein jugendliches Publikum hatten, und weil der Begriff drittens oft abwertend verwendet wurde, um einer Band eine bestimmte Relevanz und Tiefgang abzusprechen.

Um was also geht es hier? Es ist eine Spielart des Rock, die ursprünglich auf Radioairplay zielte, mit einer Überdosis an hymnischen und eingängigen Melodien, aber auch mit ausgefeilten Arrangements und großem musikalischen Können: und einem unabstreitbaren Mitsingfaktor. Ja, es ist in diesem Sinne schon auch gezähmte Musik, aber es hat ihr auch nie geschadet, wenn sie jugendlich ungestüm daher kam, mit einer gewissen Leichtfüßigkeit, mit Singalongs und Attitüde. Bitte erzähle mir keiner, dass BON JOVI oder BRYAN ADAMS in ihren Ursprüngen Daddy Rock waren! Es gab Bravo-Starschnitte, die bevorzugt von weiblichen Fans in ihre Jugendzimmer gehängt wurden.

Aber es gibt ein gemeinsames Moment, und das lässt sich leicht identifizieren, quasi die Faustregel des AOR-Rock: Wenn du den Song nicht mitsingen kannst, dann ist es kein AOR. Alles auf die Hook, alles auf die Melodie! Und deshalb schlage ich hiermit offiziell als Alternative die Genrezeichnung „HDR-Rock“ (Hook-Driven Rock) vor. Ihr dürft mir später danken – oder mir um die Ohren hauen, wie doof das nun wieder ist.

Es gibt einen einfachen Test, um die Qualität eines echten Hook-Driven-Rock-Songs (HDR) zu prüfen:

• Kannst du mit dem Song im Ohr 100-mal die Treppe zum Philadelphia Museum of Art hochrennen wie Rocky Balboa auf dem Weg zum Boxkampf? Check! Wahrscheinlich ein HDR-Song!
• Fühlst du dich großartig, wenn du mit dem Cabrio an der Strandpromenade von Miami (oder Leverkusen) entlangcruist und der Song läuft? Check! Definitiv ein HDR-Song!
• Würdest du im tiefsten Winter bei minus 20 Grad glücklich ein Magnum-Eis essen, während deine Hände langsam blau anlaufen? Check! Das ist ein HDR-Song!
• Du fährst mit deinem BMX und der Boombox zum Sommersee, die Musik voll aufgedreht, während dein Hund hechelnd neben dir läuft und die Leute dir zuwinken? Check! Ganz klar ein HDR-Song!

THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA sind zurück in der Spur

Es geht also bei dieser Art von Musik auch um eine gewisse Leichtigkeit, ein euphorisierendes Moment, um Hedonismus und ein optimistisches Lebensgefühl – und natürlich stellt sich die Frage, ob THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA nach dem schweren Schicksalsschlag daran wieder anknüpfen können und wollen. Das schließt ernste Themen nicht aus (wie etwa die Lebenskrisen-Songs, „No Easy Way Out“ von Robert Tepper, den Strid mit einem Sideprojekt auch gecovert hat – immer mit dem Versprechen, sich am eigenen Schopf wieder aus dem Morast zu ziehen). Trotzdem: Ist der Motor noch intakt? Kann das Orchester noch zum Nachtflug abheben?

Den vakanten Posten an der zweiten Gitarre hat seit 2022 Rasmus Ehrnborn inne, der bisher vor allem als Sessionmusiker in Erscheinung trat, aber auch bei SOILWORK Bass spielt. Und obwohl die Gitarren hier nicht im Vordergrund stehen, sondern gleichberechtigt neben den anderen Instrumenten, braucht es für diesen Sound zwei Gitarren. Die doppelläufigen Harmonien und melodischen Akkordfolgen sind ein prägendes Element, und zusammen mit Sebastian Forslund sorgt Ehrnborn nun für die Riffs und Leads.

Will man über die neue TNFO sprechen, so muss aber dringend ein weiter Akteur hervorgehoben werden: Keyboarder John Lönnmyr, seit 2020 mit an Bord. Noch nie waren die Keys auf einem Album der Band so präsent, noch nie setzten sie derart Akzente: und das ist absolut positiv gemeint.

Lönnmyr ist kein Musiker, der einfach einen Song mit Teppichen zukleistert. Er setzt seine Tasteninstrumente höchst variabel und geschmackvoll ein, zaubert eigene Leadharmonien, oft wechselt sich sein Spiel mit den Gitarren ab, als würde es auf die Akkorde antworten oder diese kommentieren. Und natürlich ist der Sound analog und Vintage, kein Billigschrott: wir reden von einem Musiker, der aus dem Jazzbereich kommt. Und ja, es gibt auch diese typischen Fanfaren, die cineastischen Sounds, die bombastischen Momente. Müssen wir hier betonen, dass einer der bekanntesten Songs des Genres, EUROPEs „The Final Countdown“, von seinen markanten Synth-Fanfaren lebt?

Dann wären da noch die beiden Girls als Teil der Crew, die mit ihren Background-Gesängen für den richtigen Zartschmelz sorgen: Anna Brygard und Åsa Lundman. Sie sorgen dafür, dass die Refrains und Strophen auch ja nicht ihre Wirkung verfehlen. Gemeinsam mit Björn Strids kraftvollem und angenehmem Bariton kommt hier nicht selten ein leichtes 70s-Pomprock-Feeling auf, das aber auch mal in Richtung Soul oder 80s-Wavepop (HEAVEN 17! BRYAN FERRY!) abbiegen kann. Zu subtil soll es ja nun auch nicht zugehen.

Wer jetzt an Bord kommt, wird feststellen, dass die Markenzeichen der letzten sechs Alben alle noch da sind: die euphorischen Uptempo-Songs, die Disco-Grooves und die extrem eingängigen, teils leicht süßlichen Harmonien. Doch wenn nun in manchen Rezensionen zu lesen ist, die Band würde sich wiederholen (auf den beiden vorherigen „Aeromantic“-Alben konnte man schon den Eindruck gewinnen), so trifft das hier eben nicht zu. Es gibt leichte Verschiebungen im Sound, die dominanteren Keyboards habe ich bereits erwähnt. Was jedoch besonders auffällt, ist die enorme Detailverliebtheit in den Arrangements: bis ins letzte Detail ausgereift und voller Ideen, die sich – trotz aller Eingängigkeit – vor allem in den instrumentalen Passagen widerspiegeln.

Die Songs stecken voller liebevoller Details

Natürlich ist auch vorliegendes Werk „Give Us The Moon“ wieder eine komplette 70s/80s-Retronummer. Wir fliegen von Helsingborg ins New York der 80er Jahre, um in SoHo Graffiti an Wände zu sprühen und die neueste Kollektion von Vivienne Westwood zu begutachten. Dann geht’s ins Tokio der 70er, um durch die neonbeleuchteten Straßen von Shibuya zu schlendern, in den ersten Elektronikläden die neuesten Synthesizer zu entdecken und in den Underground-Clubs den Sound von Yellow Magic Orchestra zu erleben. Und schließlich landen wir in Berlin, wo die Mauer das Stadtbild prägt – und wir mit DAVID BOWIE und IGGY POP am Küchentisch sitzen. Klar: Stilistisch winken Acts wie SURVIVOR, KENNY LOGGINS oder die unterbewerteten TOTO verlegen herüber.

Aber wer TNFO darauf reduziert, übersieht, welch bunte Torte sie uns hier auf Rollerblades servieren. Im begeisternden ‚Miracolous‘ gibt es eine absolut fantastische E-Piano-Akkordfolge, über die sich schnittige FOREIGNER-Gitarren legen, während das Schlagzeug von Jonas Källsbäck tight, trocken und tanzbar groovt (überhaupt eine Stärke des Albums: das variable, mit allerlei Percussion und Raffinessen versehene Schlagzeugspiel!). Im Mittelteil wechseln sich melodische Gitarrenharmonien mit einem Keyboardsolo ab, das an den futuristischen 70er-Progrock von ELP erinnert. Der Refrain ist erstklassiges Ohrenfutter und schmiegt sich tief in die Gehörgänge.

‚Paloma‘ ist dagegen ein zuckersüßer, melancholischer Song, der jede 80er-Romanze mit Richard Gere und Julia Roberts hätte untermalen können – ein Song über eine toxische Beziehung zwischen einem Flugkapitän und einer betrogenen Frau. „Du siehst dein Spiegelbild in den Sternen der Nacht, die Angst bleibt, bis du ihn hinter dir lässt – eine falsche Wüstenblume am dunklen Sommerhimmel – Oh-oh-oh – Es gibt eine Zukunft, an die es sich zu glauben lohnt – Oh-oh-oh – Schau nach vorn, Paloma, lass es auf dich wirken“.

Heavy Rock und Psychedelic!

Cosmic Tide kommt als nervöser Psychedelic-Banger daher, das melodische Tingeltangel-Keyboard begleitet einen Bass, der sich über ungerade, leicht stolpernde Rhythmen windet. Auch hier zaubern die Tasten ein Progrock-Gedächtnissolo, während das Schlagzeug vorantreibt und wirbelt, der Song wiederkehrend Wendungen nimmt. Manchmal erinnert mich das Key-Spiel auch leicht an GENESIS in eben jener Phase, als sie noch Prog waren, aber schon in Richtung Pop schielten: Wer hat „That’s All“ noch im Ohr?

‚Melbourne, May I‘ ist ein erstklassiger Hardrocker, der WHITESNAKE Anfang der 80er Jahre hervorragend zu Gesicht gestanden hätte, mit tollen, melodischen Riffs und prägnanten Keyboard-Akkorden. Ganz anders ‚A Paris Point of View‘ , eine reinrassige 70s-Diskonummer mit Studio 54-Flair und einem Synthie-Basslauf, bei dem Giorgio Moroder sicher nichts auszusetzen gehabt hätte. Wir schnippen mit den Fingern, proben den Electric Slide, und alle schauen sich an, wie gekonnt wir in Stilettos tanzen, während das Hemd glänzt und sich Schweißflecken am weißen Jackett bilden.

‚Like The Beating Of A Heart‘ funktioniert ganz ähnlich – eine Diskonummer, die hörbar vor „I Was Made for Lovin’ You“ von KISS den Hut zieht. Doch im Gegensatz zu jenem Song (sorry, KISS-Fans) klingt dieser hier nicht so komplett vollscheiße. Besonders, weil die unsäglichen „Huuuhuuhuuhuuuu“-Chöre, die jede Ü-50-Party in eine nach Bier müffelnde Hölle verwandeln, glücklicherweise fehlen. Stattdessen bringt der Song, wenn auch mit einem Hauch Discofox, eine Prise Latino- und Calypso-Vibes ein, die Schlagzeuger Källsbäck geschickt einstreut. Muss man mögen.

Bittersüße Momente, gescheiterter Eskapismus

Die gewohnt bittersüßen Überhymnen mit catchy, supercatchy Schokostreusel-Melodien dürfen natürlich auch nicht fehlen: mal flott und nach vorn preschend wie im Opener „Stratus“ oder dem folgenden „Shooting Velvet“, die bunter funkeln als die Auslagen im Candyladen. Oder mal getragener im Titeltrack, der mit einem unverschämt einschmeichelnden Prechorus ausgestattet ist und sorgfältig getextet. Strid serviert uns in seinen Texten ja keineswegs banalen Partykram – im Gegenteil. Immer wieder schimmern nachdenkliche und zweifelnde Momente durch, die von der rauen Realität zeugen. Nachts wach liegen, grübelnd, nicht einschlafen können, auf düstere Zeiten zurückblicken – und Veränderung einfordern. Und so heißt es:

Gib uns den Mond, er ist unsere einzige Rettung
Es sollte bald sein, denn die Sonne kommt danach
Gib uns den Mond und die richtige Medikation

Oft geht es ums Reisen, Strid gibt den Beobachter und Flaneur, auch den Suchenden, es geht um Romanzen und süßen Eskapismus, der nicht von Dauer ist, auch Entfremdung ist ein wiederkehrendes Motiv. Wir bewegen uns mit Strid in den Metropolen, den Rollkoffer stets hinter uns herziehend, wir daten die falschen Frauen und Männer, finden Trost in einer flüchtigen Umarmung. „Melbourne, alles, was ich will, ist mich lebendig fühlen,/ Ich bin tausend Meilen geflogen, nur um die Sache geradezurücken/ Die Heilung ist wertvoll, auch wenn sie mich blind macht,/ Und ich komme immer wieder genau rechtzeitig zurück./ Melbourne, darf ich?“ Verlockung und Verheißung, die im nächsten Aufbruch und in der nächsten Suche mündet.

So gibt es auf dem neuen Album von NIGHT FLIGHT ORCHESTRA diesmal von allem mehr: mehr eingängige Refrains und mehr Hooks, mehr Euphorie und Melancholie, mehr Pop und Disko, mehr Detailfreude in den Arrangements. Es gibt hier schlicht mehr zu entdecken als auf vorherigen Alben. Stagnation sieht anders aus – und endlich zünden auch die Refrains wieder, die auf vorherigen Alben manchmal ein bisschen erzwungen klangen. Oft werden die einschmeichelnden Melodien getragen von einem staubtrockenen, hart groovenden Hard-Rock-Groove: auch das findet man so vielleicht nicht bei den Vorbildern. Saßen NESTOR soeben noch auf dem AOR-Thron? Vielleicht müssen sie nun wieder Platz machen.

Veröffentlichungstermin: 31.01.2025

Spielzeit: 58:57

Line-up:
Björn Strid – Vocals
Sharlee D’Angelo – Bass
Jonas Källsbäck – Drums
Sebastian Forslund – Guitar, Percussions
John Lönnmyr – Keys
Rasmus Ehrnborn – Guitar
Anna Brygard – Backing Vocals
Åsa Lundman – Backing Vocals

Label: Napalm Records

Facebook: https://www.facebook.com/thenightflightorchestraofficial

THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA „Give Us The Moon“ Tracklist

1. Final Call (Intro)
2. Stratus
3. Shooting Velvet (Video bei YouTube)
4. Like The Beating Of A Heart
5. Melbourne, May I?
6. Miraculous
7. Paloma (Video bei YouTube)
8. Cosmic Tide
9. Give Us The Moon (Lyrics-Video bei YouTube)
10. A Paris Point Of View
11. Runaways
12. Way To Spend The Night (Video bei YouTube)
13. Stewardess, Empress, Hot Mess (And The Captain Of Pain)

Auf diesem Sampler fand sich auch „Love Don’t Lie“, diese herrliche Schmachtnummer mit Pathos und Zuckerguss, die einen 12-Jährigen (mich!) vom ersten Mal träumen ließ. Eine Angebetete zu diesen sanften Klängen verführen? Jessas! Schreibt man über Lieblingssongs der Pubertät, wird es schnell schlüpfrig. Die Urheber dieses Songs, HOUSE OF LORDS, galten damals als Balladenband.

Gerade ihre ruhigen Nummern waren vom Feinsten, auf Fotos posierten sie mit güldenen Locken, übergroßen Gürtelschnallen und Puffärmeln. Das Hemd oft weit offen, um das frisch gekämmte Brusthaar zu zeigen. Wir wissen, wie das endete: Kurt Cobain hatte keine Lust auf diese Art von Romantik, und die 90er fegten diesen Sound fast komplett weg. Wer damals versuchte, mit HOUSE OF LORDS ein Girl (oder einen Boy) aus der Parallelklasse zu beeindrucken, erntete meist Lacher oder mitleidige Blicke. Gott hat dem Hard-Rock-Softie so manche schwere Prüfung auferlegt. Die schwerste kam von Beavis und Butthead, die diese Musik mit spöttischen Kommentaren zerlegten.

HOUSE OF LORDS: Rohdiamanten des Melodic Rock mit „neuer“ Mannschaft

Ach ja, die HOUSE OF LORDS: Lasst uns kurz in Nostalgie schwelgen. 1988 von KISS-Bassist Gene Simmons für sein Label gesignt, erspielten sie sich mit ihren ersten drei Alben den Ruf einer exzellenten Melodic-Rock-Band.

Der Mix aus rockigen Nummern und Balladen war oft wenig ausgewogen, sodass gefühlt sechs ruhige Herzschmerz-Songs pro Album das Ohr umschmeichelten. Die Tracks waren meist stark, und das Keyboardspiel von Hauptsongwriter und Goldlöckchen Gregg Giuffria verlieh ihnen eine erhabene, pompöse Note – und eine gewisse Eigenständigkeit. Dazu kam die markante Stimme von James Christian, damals einer der besten seiner Zunft. Mit rauer, kräftiger Stimme säuselte er seine Balladen genauso überzeugend, wie er in den härteren Songs den Hardrock-Crooner gab. Unter den Donuts im Candyladen waren die Lords die Sahnetorte.

Und heute? Nach einer zwölfjährigen Pause sind die HOUSE OF LORDS seit 2004 wieder aktiv. Sänger James Christian ist das einzig verbliebene Originalmitglied, seitdem veröffentlichen sie regelmäßig Alben. Der Sound hat sich gewandelt: weniger Schmalz, mehr moderner Hardrock. „Full Tilt Overdrive“ ist mittlerweile das zwölfte Studioalbum. Schon das Cover gibt die Richtung vor: Ein blinkender Flipperautomat in einem altehrwürdigen, leicht unheimlichen Gebäude, umgeben von Kerzen (klar, ein bisschen cringe – typisch KI?). Der Albumtitel: „Mit Vollgas im Overdrive“. Der Motor heult auf, bis er stottert und ätzt, wird auf Hochtouren gefahren. Heute geht’s dreckiger zu – eher V8 als Edelkutsche mit Vollblütern.

Für das Gitarrenspiel ist seit 2005 Jimi Bell verantwortlich: Typ verhinderter Gitarrenhero in der Endgegner-Version. Er hat unter anderem bereits Werbejingle für Wrestling und die amerikanische Rennserie NASCAR geschrieben. Dass sein Spiel eher muskulös und breitbeinig daher kommt, verwundert folglich nicht. Seine Riffs und Soli sind eine Stärke auf dem vorliegenden Album. Mit kraftvoll treibenden Powerchords unterlegt er Christians Stimme, mal hart und schroff, mal mit einem rauen, bluesigen Knarren. Dann wieder schälen sich flinke und filigrane Soli heraus, melodische Leads. Neben klassischen Hardrock-Riffs der RATT/DOKKEN-Schule lässt er auch immer mal wieder schnelle Akkordfolgen hören, wie wir sie eher aus dem melodischen Metal kennen.

Und dann gibt es noch Keyboarder Mark Mangold, der den heutigen Sound der Band mitprägt – und seit dem 2022er Album „Saints and Sinners“ mit an Bord ist. Im Vergleich zu Giuffrias früher sehr dominantem Spiel tritt er eher in den Hintergrund und setzt verstärkt auf traditionellere Klänge: Hammond-Sounds und gelegentlich verspielte, bombastische Passagen, die an die 70er Jahre oder an Melodic Metal erinnern. Und ja, dem Synthesizer-Solo ist er nicht abgeneigt, Jon Lord lässt grüßen. Mangold hat übrigens auch für JENNIFER RUSH und MICHAEL BOLTON komponiert – um mal beim Thema Cringe zu bleiben.

Aber wie bereits geschrieben: auf zuckrige Balladen und formatfreundliche AOR-Klänge haben die nicht mehr ganz so jungen Herren anno 2024 eher selten Lust. Wenn das hier Melodic Rock ist, dann ist er wie Obelix als Kind in den Zaubertrank gefallen und strotzt vor Kraft. Dazu passt, dass der Schwede Johan Koleberg den vakant gewordenen Posten hinterm Schlagzeug übernommen hat. Wir kennen ihn unter anderem von THERION und den True-Metallern WOLF. Mit einfachen, aber effektiven Rhythmen treibt er die Songs voran, oft im schnelleren mittleren Tempo.

„Full Tilt Overdrive“ lässt von Beginn an die Muskeln spielen

Nachdem nun die Mannschaftsaufstellung verkündet ist (meine Güte, warum kann ich mich nicht kurz fassen?), schnallen wir uns an und starten den Motor. Was erwartet uns auf dem neuen Output der adeligen Rocker?

Ein kurzes Sprachsampel zum Einstieg, ein Wirrwarr von Stimmen, dann ein markantes, schroffes Riff, die Hammondorgel steigt ein: und satter Groove. Gleich zu Beginn reitet die Lordschaft mit „Crowded Room“ zur Attacke. Ein eher düsterer Song, „Zu viele Stimmen in meinem Kopf/ Ich kenne sie alle beim Namen/ Ich, ich brauche einen Retter“, fleht Christian.

Auch mit 71 Jahren ist der Edelsänger noch exzellent bei Stimme – sein raues Timbre sofort wiedererkennbar. In den Höhen fehlt es zwar etwas an Kraft, doch Christian bleibt ein Sänger, der den Unterschied macht, egal ob er druckvoll-aggressiv oder sanft und verletzlich singt. „Kein Platz in diesem überfüllten Raum, / Weckst mich mitten in der Nacht, / Bittest mich, mich selbst zu verletzen, / Wenn sonst niemand da ist. / Ich, ich fühle die Gefahr, / Wenn ich allein bin, betrittst du mein Zuhause, / Ich wünsche dir den Tod und das Verschwinden.“ Süße Klänge? Sanfte Balladen? Fehlanzeige!

Man sollte erwähnen, dass auch früher schon so mancher Song der Lords eine dunkle, zuweilen fast mystische Atmosphäre hatte – am ausgeprägtesten wohl auf ihrem besten Werk „Demons Down“ von 1992, das nicht ohne Grund diesen Titel trägt.

Der zweite Song „Bad Karma“ führt den Spirit des Openers fort, funktioniert aber doch etwas anders. Ein scharf angeschlagenes, präzises Riff, wie wir es von einer Band wie RATT kennen, bildet die Basis für einen nahezu klassischen Hair-Metal-Stampfer, der im Refrain mit Gangshouts und weiblichen Background-Chören aufwartet. „Was weißt du über die Dämonen, die in dir leben? / Öffne die Augen, sieh, wohin du gehst / Schüttle es ab“, singt Christian. Da hatte wohl jemand mit inneren Konflikten zu kämpfen – und ja, vor einiger Zeit hat der Sänger eine Krebserkrankung öffentlich gemacht. By the way: Kommt irgendjemand auf die Idee, bei der Zeile „Sh Sh Sh Shake It Up“ im Pre-Chorus und Refrain an TAYLOR SWIFT zu denken?

Nachdem „Cry of the Wicked“ (wir bleiben lyrisch in düsteren Gefilden) mit einem fast klassischen AOR/Melodic-Rock-Refrain aufwartet und so an die Glanzzeit der Band Ende der 80er Jahre erinnert – im Soloteil duellieren sich Gitarre und Keyboard – ist der Titelsong „Full Tilt Overdrive“ eine echte Überraschung. Fast rotzig, mit Streetrock-Attitüde, kommt der flotte Song daher, und selten fühlte ich mich bei einem Riff und der Melodie so sehr an die deutsche Kultband THUNDERHEAD mit Edelshouter Ted Bullet erinnert. Zufall? Nö: Gitarrist Jimi Bell gehörte zur letzten Besetzung, kurz bevor sich die Band aufgelöst hat. Eine geradlinige Nummer mit flotter Hammond-Begleitung, right in your face!

„Taking the Fall“ ist dann ein ruhigerer Song mit schwülem Südstaaten-Flair. Es ist eine besondere Ironie, dass gerade die ruhigeren Nummern nicht zu den stärksten des Albums zählen. Zwar ist das bluesige Akustik-Riff klasse, und Christians gecroonte Strophe überzeugt, aber der Refrain wirkt ein wenig zu sehr nach Schema F gestrickt. Der Southern-Rock-Vibe gefällt mir allerdings. Nicht schlecht, aber kein Highlight.

HOUSE OF LORDS musizieren mit fast metallischer Härte

Während das düstere „Cursed“ schroffes Riffing mit Melodic-Rock-Harmonien verbindet und den Moment des Sich-Verliebens als eine Art Verwunschenwerden darstellt, ist „Not The Enemy“ eine weitere Überraschung – und eine echte Herausforderung für jeden traditionsbewussten Hardrock-Fan. Der Song kommt, ohne Quatsch, mit elektronischen Spielereien und Breakdowns daher. HOUSE OF LORDS im Metalcore-Modus? Mir gefällt der Song, weil er catchy ist und sich als echter Ohrwurm entpuppt – auch wenn der Refrain leicht an kitschigen Powermetal der neueren Generation erinnert. Dennoch kein Song, der misslungen oder Fehl am Platz wirkt, so etwas beherrschen sie eben auch.

Überhaupt fällt auf, wie oft die US-Amerikaner hier die Grenze zum Melodic Metal streifen. Das hat der Band auf den neueren Alben Vergleiche mit den Schweden ECLIPSE eingebracht (Mäh), was ich allerdings für ziemlich abwegig halte. Schon die düstere, eher schroffe Ausrichtung spricht dagegen, sie mit den fröhlichen Mitsing-Hymnen der eher biederen Schweden zu vergleichen: auch wenn die Melodien natürlich unverschämt catchy sind.

Mir kommt da eher ein anderer Vergleich in den Sinn: Oft erinnert der Sound in seiner Machart ein wenig an die Dänen PRETTY MAIDS (Yeah) oder die Soloalben von deren Sänger RONNIE ATKINS. Und das ist ein Stil, den ich sehr begrüße. Zwischen US-Hard-Rock, AOR und europäischem Metal changierend, gibt es hier einige großartige Momente zu hören – die so manchen Newcomer steinalt aussehen lassen.

Mit der astreinen Hardrock-Hymne „State of Emergency“, die lyrisch ein düsteres Bild des Nachtlebens in US-amerikanischen Metropolen zeichnet – von Drogensucht und Obdachlosigkeit – und dem abschließenden Bombastrocker „Castles High“ haben die Floridaner weitere Highlights im Programm. Da verzeiht man ihnen auch eine biedere und einfallslose Ballade wie „Don’t Wanna Say Goodbye“.

Unter den Hardrock-Alben des Jahres zählt dieses hier zu den deutlich stärkeren – auch wenn nicht jeder Refrain sofort zündet und man dem Album etwas Zeit geben sollte. Mir macht die frische und aktualisierte Version der HOUSE OF LORDS, die sich in den letzten 20 Jahren mit ihrem gewandelten Sound etabliert hat, sehr viel Spaß.

(PS: Was macht eigentlich die 80s-Rock-Ikone Robin Beck? Die mittlerweile 70jährige ist hier auf „Castles High“ zu hören – und auch für einen Teil des Backgroundgesangs verantwortlich. Nicht von ungefähr, denn sie ist die Ehefrau von James Christian. Schön, wenn ich auch ein bisschen Tratsch verbreiten konnte.)

Veröffentlichungstermin: 11.10.2024

Spielzeit: 56:09

Line-Up

James Christian: Vocals, Bass Guitar
Jimi Bell: Lead Guitar
Mark Mangold: Keyboards
Johan Koleberg: Drums
Robin Beck: Guest Vocals on „Castles High“ + Background Vocals
Kristian Fyhr: Background Vocals

Label: Frontiers Records

HOUSE OF LORDS „Full Tilt Overdrive“ Tracklist

1 Crowded Room
2 Bad Karma (Video bei YouTube)
3 Cry Of The Wicked
4 Full Tilt Overdrive (Video bei YouTube)
5 Taking The Fall (Audio bei YouTube)
6 You’re Cursed
7 Not The Enemy
8 Don’t Wanna Say Goodbye
9 Still Believe
10 State Of Emergency
11 Castles High

Es ist allerdings nur einer von vielen Gründen, die uns heute ins Münchner Backstage ziehen. Natürlich gibt es etwas nachzuholen, wenn die schwedische AOR- / Melodic Rock-Band erstmals in der bayerischen Landeshauptstadt halt macht. Doch auch abseits der ersehnten Hits fehlt es nicht an Reizen: Authentischer als das Quintett fängt wohl kaum eine Band derzeit den Geist der 80er ein – sowohl visuell als auch musikalisch öffnen NESTOR somit ein Portal in die Vergangenheit: Realitätsflucht der romantischen Sorte, die natürlich auch in München Anklang findet.

VELVETEEN QUEEN

Wirklich verblüffend ist es somit nicht, dass die gut gefüllte Backstage Halle selbst dem Opening Act wohlgesonnen gegenübertritt. Was VELVETEEN QUEEN an Alter und Erfahrung noch fehlen mag, macht das Gespann mit der richtigen Attitüde locker wieder wett. Von den Bühnenoutfits über die Haarpracht bis hin zum penibel adaptierten Sound scheint das Quartett einer Zeit vor ihrer Zeit entsprungen zu sein.

Das Rockstar-Gen scheint jedenfalls nicht nur bei Sänger Samuel Nilsson besonders stark ausgeprägt – auch die beiden Gitarrist Lukas Axx und Noah Mardh posieren mal Rücken an Rücken, dann wieder mit stolz zur Schau gestelltem Instrument für ein theatralisch inszeniertes Solo. Stilistisch mag der Hard / Sleaze Rock der Skandinavier zwar nicht ganz unsere Baustelle sein, launig ist die motivierte Darbietung aber in jedem Fall, sodass auch das Eis bald spürbar zu bröckeln beginnt.

VELVETEEN QUEEN tragen offensichtlich das Rockstar-Gen in sich

Tatsächlich ist es letztendlich die Power-Ballade „Dreamer“ im AEROSMITH-Stil, welche das interessierte, doch zunächst verhaltene Publikum auf die eigene Seite zieht. Als Frontmann Nilsson gerade ein kleines E-Piano vor die Nase gesetzt wird, outen sich in der Ecke der Halle doch einige treue Fans der Band. Nur der Einladung des Musikers, doch gleich auf der Bühne auszuhelfen, will man lieber nicht nachkommen. Vielleicht ist das auch besser so, denn dort sind mit VELVETEEN QUEEN durchaus Profis am Werk.

Ob mittels Rock’n’Roll-Vibes in „Kenny’s Blues“ oder dem launigen Megafon-Einsatz in „Trauma“ – die Stimmung für den Main-Act anzuheizen gelingt der Gruppe bis zum Ende ihres 40-minütigen Sets nahezu ohne größere Anlaufschwierigkeiten.

Fotogalerie: VELVETEEN QUEEN

NESTOR

Eine solche Steilvorlage zu verwandeln, dürfte NESTOR selbst im Schlaf noch gelingen. Gespart wird bei den Schweden dennoch an keinem Detail: Selbst die fleißig umherschwirrende Crew trägt die Eishockey-Jerseys der „Falköping Rebels“ aus dem „Victorious“-Clip (Link zu YouTube). Noch schicker haben sich nur die Musiker selbst in Schale geworfen. Ganz in weiß mit perlen- und fransenbesetzten Uniformen zeigt das Quintett ein geschlossenes Bild, wobei vor allem Keyboarder Martin Frejingers Pilotenmütze ein exzentrisches Ausrufezeichen setzen kann.

Begleitet wird das herrlich kitschige Auftreten von einer farbenfrohen Lightshow, die sich bis auf das mit LEDs geschmückte Drumset Mattias Carlssons erstreckt. Stilsicher sind NESTOR somit vom ersten Augenblick an, als das Intro „The Law Of Jante“ den aufpeitschenden Klängen des Openers „We Come Alive“ weicht. Spätestens der ohrenbetäubende Beifall im Anschluss setzt das ganze Spektakel in Relation: In gerade einmal drei Jahren sind die Skandinavier vom obskuren Geheimtipp zum ernstzunehmenden Main-Event gewachsen.

Stimmlich präsentiert sich NESTOR-Sänger Tobias Gustavsson von seiner besten Seite

Dass all das für die Jugendfreunde, die nach der Bandgründung 1989 erst in der Pandemie wieder zusammengefunden haben, wie ein Fiebertraum wirken muss, verraten die Mienen von Sänger Tobias Gustavsson und Gitarrist Jonny Wemmenstedt, die trotz bester Bemühungen ihre Überwältigung nicht komplett verstecken können.

Immerhin scheint es sich dabei um keine einseitige Angelegenheit zu handeln, wie die Resonanz im Münchner Backstage klar zu verstehen gibt. Schon zu „Stone Cold Eyes“ springen die vorderen Reihen auf und ab, nur um dann im herausragenden „Perfect 10 (Eyes Like Demi Moore)“ an der Seite Tobias Gustavssons so ziemlich jede Silbe leidenschaftlich mitzusingen. Der improvisierte Backgroundchor ist auf den Brettern natürlich höchstwillkommen, wenn auch kaum nötig. Denn stimmlich präsentiert sich der Frontmann heute geradezu herausragend, was durch den ungemein differenzierten Audiomix erfreulicherweise umso besser zur Geltung kommt.

NESTOR reihen im Münchner Backstage einen Hit an den anderen

Daher gelingt auch die „gesanglich herausfordernde“ Ballade „The One That Got Away” auf Anhieb. Den Barhocker räumt der Sänger aber schon nach diesem kurzen Intermezzo wieder, um mit „Unchain My Heart“ den „ersten Airplay-Hit“ NESTORs anzukündigen. Im Endeffekt ist es heute Abend jedoch völlig einerlei, welche Nummer die Melodic-Rock-Band im Verlauf der knapp 80 Minuten aus dem Ärmel schüttelt: Textsicher und engagiert zeigen sich die Münchner:innen bei jedem der Tracks. Das bleibt natürlich auch den Mannen im Rampenlicht nicht verborgen, weshalb Fronter Tobias Gustavsson zwischendurch auch mal den Kniefall übt, um den Fans am Bühnenrand direkt in die Augen blicken zu können.

Die wiederum danken es mit vollem Stimmeinsatz im fabelhaften „Caroline“, wo Gustavsson den heiß laufenden Saiten von Gitarrist Jonny erst mit seinem wedelnden Handtuch Abkühlung verschafft, um dann im finalen Singalong Juror zu spielen. Ob München tatsächlich so laut war wie das Publikum der vorherigen Termine? Spielverderber will heute natürlich niemand sein, weshalb wir das Kompliment gerne mit in den Zugabenblock nehmen, wo NESTOR endlich auch jene Songs präsentieren dürfen, für die im Sommer keine Zeit mehr war.

Für das Finale haben sich NESTOR zwei ihrer größten Hits aufgespart

Ihr Versprechen löst das Gespann mit den beiden Hits „On The Run“ und „1989“ sodann ein, um uns gleich mit dem nächsten in die Nacht zu entlassen: Selbstverständlich werde man die Millionenstadt möglichst bald wieder beehren, geben uns NESTOR als Botschaft mit auf den Weg. Gewiss sind das auch tröstende Worte, um die abrupte Rückkehr ins vergleichsweise triste Hier und Jetzt ein wenig abzudämpfen, verfehlen aber dennoch ihre Wirkung nicht. Sogar wir würden am liebsten jetzt schon die Tage zählen, bis wir ein weiteres Mal mit den sympathischen Mannen die Uhr zurückdrehen dürfen.

NESTOR Setlist – ca. 80 Minuten

1. We Come Alive
2. Kids In A Ghost Town
3. Addicted To Your Love
4. Stone Cold Eyes
5. Last To Know
6. Perfect 10 (Eyes Like Demi Moore)
7. The One That Got Away
8. Unchain My Heart
9. Signed In Blood
10. Victorious
11. Caroline
12. Firesign
———————-
13. On The Run
14. Teenage Rebel
15. 1989

Fotogalerie: NESTOR

Fotos: Tatjana Braun (https://www.instagram.com/tbraun_photography/)

Veranstalter: Backstage Concerts GmbH

TZIMANI „I Feel Fine“ Tracklist

1. We Stand and Fight (4:30) (Audio bei YouTube)
2. Breaker (3:28)
3. Hold On (4:31)
4. Haunting (3:59) (Audio bei YouTube)
5. Endless Road (5:24)
6. Bleeding Life (3:29)
7. Empty (3:27)
8. I Feel Fine (4:56)

Als Support spielen BEASTO BLANCO und MIKE TRAMP playing Songs of WHITE LION.

03.11. Hamburg – Gruenspan
05.11. Köln – Essigfabrik
06.11. München – Technikum
09.11. Bochum – Ruhrcongress
10.11. CH-Pratteln – Z7
16.11. AT-Wien – Simm City
17.11. Frankfurt – Gibson

Für das Vorprogramm konnten VELVETEEN QUEEN gewonnen werden.

Tickets im Vorverkauf sind u.a. via eventim.de verfügbar.

NESTOR, VELVETEEN QUEEN Tourdaten 2024

• 26.10.24 DE – Hamburg / Bahnhof Pauli
• 27.10.24 DE – Bochum / Matrix
• 29.10.24 DE – Osnabrück / Kleine Freiheit
• 30.10.24 DE – Köln / Club Volta
• 31.10.24 DE – Frankfurt Am Main / Das Bett
• 02.11.24 CH – Winterthur / Gaswerk
• 03.11.24 DE – Memmingen / Kaminwerk
• 04.11.24 DE – München / Backstage Halle | Tickets via backstage.eu
• 06.11.24 AT – Wien / Viper Room
• 07.11.24 DE – Nürnberg / Hirsch
• 08.11.24 DE – Leipzig / Moritzbastei
• 10.11.24 DE – Berlin / Hole 44

Fotogalerie: NESTOR – Summer Breeze 2024 – 17.08.2024

Möglicherweise ist es dieses Bild einer heilen und irgendwie grenzenlos wirkenden Welt: Weil wir noch nicht von Social Media verdorben waren; weil es sich ohne Internet und Smartphone dort draußen nach Abenteuer angefühlt hat; die Reizüberflutung in den Arcade-Hallen etwas Besonderes war und nicht als Teil des Alltags in der Hosentasche steckte.

Die Essenz der 80er einzufangen ist die große Kunst, die NESTOR spielend meistern

Was auch immer hinter dieser Magie steckt, bändigen kann sie wohl keiner so gut wie NESTOR. Das zeigte die AOR / Melodic Rock-Band auf ihrem Debüt „Kids In A Ghost Town“ (2021) und das transportiert sie nun ebenso zielsicher auf dem Nachfolger „Teenage Rebel“. Überraschend ist das keineswegs: Schon vor drei Jahren orakelten wir, dass der große Labeldeal wohl nicht mehr fern sei. Der Zuschlag ging in der Folge an Napalm Records, unter deren Banner NESTOR exakt so weitermachen wie zuvor.

Und das meinen wir im bestmöglichen Sinn, denn die Essenz dieser Ära einzufangen, ist die große Kunst, welche auch „Teenage Rebel“ spielend meistert. Das beginnt bei der Produktion, welche die Songs atmen lässt und den einzelnen Instrumenten viel Raum gibt. Das Schlagzeug klingt geerdet und doch füllend, während die Gitarren im rockigen Titeltrack unverkrampft und belebend zum Tanzen einladen. Seine Power zieht das Stück wie das aufrüttelnde „Victorious“ derweil aus Tobias Gustavssons kraftvollem Gesang, welcher stets ein wenig Pathos, doch noch viel mehr Leidenschaft in sich trägt.

NESTOR verpacken auf „Teenage Rebel“ sogar Schwermut in einen packenden Hit

Das spüren wir zuvorderst in den Balladen „Daughter“ und „The One That Got Away“, deren intime Atmosphäre ähnlich unter die Haut geht wie der emotionale Singalong „Caroline“, wo NESTOR die zugrundeliegende Schwermut in einen Hit verpacken, als wäre es die selbstverständlichste aller Übungen. Neben Gustavssons Performance tragen auch die variablen Keyboards zum markanten Charakter des Zweitwerks bei. Ob feinfühliges Piano oder groß angelegte Synth-Akzente: Martin Frejinger trifft stets die perfekte Stimmungslage, um „Teenage Rebel“ authentisch wie zeitlos zu halten.

Die verlässliche Konstante dabei: dieses unverkennbare Gefühl, dass plötzlich alles möglich sei. Natürlich darf man sich dabei von NESTOR auf eine Reise in die Vergangenheit mitnehmen lassen, sich wieder jung fühlen; als der Geschmack der Freiheit noch mit jedem Atemzug auf der Zunge lag. Doch ist Nostalgie eben nur ein Teil der Antwort, die dem Geheimnis der Schweden zugrunde liegt. Entspringt die Musik des Quintetts aus einer tiefen Verbundenheit zur eigenen Jugend, trägt „Teenage Rebel“ diesen Quell doch bis in den heutigen Tag, indem das Album an genau das erinnert, was wir – desillusioniert – im Erwachsenenalter viel zu oft vergessen: So sehr wir uns an unsere Erinnerungen klammern mögen, so sehr sie uns beizeiten Trost spenden, sollten wir doch niemals aufhören zu träumen. Eben so, wie es im Jahr 2021 fünf Jugendfreunde aus Falköping nach fast 30 Jahren gewagt haben.

Veröffentlichungstermin: 31.05.2024

Spielzeit: 41:58

Line-Up

Tobias Gustavsson – Vocals
Jonny Wemmenstedt – Gitarre
Martin Frejinger – Keyboard
Marcus Åblad – Bass
Mattias Carlsson – Drums

Produziert von Tobias Gustavsson, Håkan Glänte, Sebastian Forslund (Mix) und Thomas „PLEC“ Johansson (Mastering)

Label: Napalm Records

Homepage: https://www.nestortheband.com/
Facebook: https://www.facebook.com/nestortheband
Instagram: https://www.instagram.com/nestor_theband/

NESTOR “Teenage Rebel” Tracklist

01. The Law Of Jante (featuring Freya Miller)
02. We Come Alive
03 Teenage Rebel (Lyric-Video bei YouTube)
04. Last To Know
05. Victorious (Video bei YouTube)
06. Caroline (Video bei YouTube)
07. The One That Got Away
08. Addicted To Your Love
09. 21
10. Unchain My Heart
11. Daughter

Den Tour-Support hat die Band derzeit noch nicht verraten.

THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA Tourdaten 2025

• 30.01 (NL) TILBURG, 013
• 31.01 (FR) LYON, O TOTEM LIVE
• 01.02 (UK) LONDON, GARAGE
• 02.02.(FR) PARIS, PETIT BAIN
• 04.02 (ES) BILBAO, SANTANA27
• 05.02 (PT) LISBON, LISBOA AU VIVO
• 07.02 (ES) MADRID, MON
• 08.02 (ES) BARCELONA, WOLF
• 11.02 (IT) MILAN, LEGEND CLUB
• 13.02 (HU) BUDAPEST, DURER KERT
• 14.02 (AT) WIEN, SZENE
• 15.02.(DE) MÜNCHEN, BACKSTAGE
• 16.02 (CZ) PRAGUE, FUTURUM
• 18.02 (CH) AARAU, KIFF
• 19.02 (DE) ASCHAFFENBURG, COLOS SAAL
• 20.02.(DE) NÜRNBERG, HIRSCH
• 21.02 (DE) KARLSRUHE, SUBSTAGE
• 22.02 (DE) BERLIN, FRANZ CLUB
• 24.02 (DE) HAMBURG, BAHNHOF PAULI

PLEASURELAND Line-up:
Björn Segerblad – Lead Vocals
Jonna Sailon – Lead Vocals
Jalle Westergren – Guitars
Tom Rydell – Bass
Mattias Andrén – Keyboards
Martin Fernandez – Drums

PLEASURELAND „Pleasureland“ Tracklist

1. Before I Die (Audio bei YouTube)
2. Hardly Believe It
3. The Game (Audio bei YouTube)
4. City Of Rain
5. Right Before My Eyes
6. Shotgun City (Audio bei YouTube)
7. Waiting In The Wing
8. White Light
9. King Of Confusion
10.Hate Stronger then Love (Audio bei YouTube)
11. Mr Jackson

„Heartageddon“ ist das dritte Album der Finnen und wird am 13. September 2024 via Inverse Records erscheinen.

WAKE THE NATIONS Line-Up:
Krister Stenbom (Gesang)
Risto Tuominen (Gitarre)
Janne „Gekko“ Granfors (Bass)
Tuomas Pelli (Schlagzeug)

WAKE THE NATIONS „Heartageddon“ Tracklist

01. Alive (Video bei YouTube)
02. Don’t Call Me Tonight
03. Never Say
04. Bulletproof (Video bei YouTube)
05. Wheel Of Fortune
06. Lifesaver
07. Seven (Lyric-Video bei YouTube)
08. Crossroads Of Love
09. I Can Take It All
10. The Shadows
11. Cowboyz & Call Girlz
12. Hey
13. Street Of Fire

Und da sind wir auch schon bei MAVERICK, die definitiv keine Newcomer mehr sind. Mit „Silver Tongue“ bringen die sympathischen Nordiren bereits ihr fünftes Album heraus, das Debüt liegt genau zehn Jahre zurück. Und die Erfahrung hört man der Band an. Die Songs schmettern tight und spielfreudig aus den Boxen, die Hooks stimmen, und es gibt genug Dreck und Energie, dass die Musik innerhalb der Genregrenzen frisch und aufregend bleibt. Aber auch jede Menge melodische Momente, die angenehm an den Muskeln kitzeln und dieses leicht schwebende Gefühl geben, dieses gewisse Kribbeln, das ein gutes Hardrock-Album einfach braucht, um eben nicht biederer Einheitsbrei zu sein. Dass diese Band noch immer ein gut gehütetes Geheimnis ist, trotz Support-Slots für Bands wie H.E.A.T. und zahlreichen Festival-Auftritten, ist ausdrücklich zu bedauern.

MAVERICK spielen ihren Hardrock hungrig und perfekt

Doch der Blick auf den Hardrock offenbart Nuancen: Wie also klingen MAVERICK? Ein Ford Mustang amerikanischer Bauart mit rotem Lederinterieur, die Karosserie kraftvoll, aber gleichzeitig weich und geschmeidig, kein schwerfälliges Ungetüm wie heutige Sportwagen. Das verchromte Sportlenkrad lässt sich gut lenken, das Leder fühlt sich weich und griffig an. Tritt man aufs Gaspedal, schiebt sich der Wagen energisch vorwärts, die Kraftübertragung ist direkt, die Beschleunigung sofort spürbar, der Motorsound warm. Cabrioverdeck offen, die Fender Stratocaster liegt honigfarben auf dem Beifahrersitz. STOP! STOP! Meine Güte, bin ich etwa Ulf Poschardt? Oder ein Autohausverkäufer? Und hatte ich schon erwähnt, dass Hardrock ein konservatives Genre ist? Man kann zu diesen Klängen auch gut mit dem E-Bike zum See rasen und sich eine fette Boombox um die Schultern hängen.

Vielleicht muss man hier auch einen Volvo neueren Baujahrs vorfahren, denn die Band hat auch einiges von den skandinavischen Neo-Sleaze-Bands zu bieten, die heute wohl am überzeugendsten die 80er-Fönfrisur – äh – in den Wind halten. Es gibt einen leicht europäischen Einschlag, auch Bands wie PRETTY MAIDS klingen immer mal wieder durch, und eine gewisse Erdverbundenheit. Es ist keineswegs so, dass MAVERICK rein äußerlich Wert auf perfektes Styling legen, in Videos sieht man sie auch mal mit Basecap und Metal-Kutte. Sie headbangen auf der Bühne, Sänger David Balfour trägt im Video zu „Sweet Surrender“ ein SODOM-Shirt. Bitte erwartet hier keine Pudelband, ich will keinen falschen Eindruck erwecken. Es geht auch um Schweiß, um kleine verrauchte Clubs, um dreckige Energie. Zuweilen erinnert der Enthusiasmus an Bands wie BLACK STONE CHERRY, wenn auch ohne Southern- und Neogrunge-Momente.

Sänger David Balfour ist ohne Zweifel ein Aushängeschild der Band. Mit seiner kraftvollen und vielseitigen Stimme meistert er sowohl hohe Töne als auch rauere Momente, immer mit einer leicht rauchigen, kehligen Note – und das auf höchstem technischen Niveau. Wie gut ist Balfour? Am Ende ihres Albums covern die Iren den Song „We All Die Young“ von STEELHEART. Ihr kennt sicher die Audition-Szene aus dem biederen Film „Rock Star“, in der Mark Wahlberg den gerade ausgestiegenen Sänger seiner Lieblingsband ersetzen soll, erst nervös und unsicher wirkt und dann plötzlich alle verblüfft, weil er leidenschaftlich und kraftvoll Töne trifft, die für einen Rocksänger ungewöhnlich sind? Seine Freundin, gespielt von Jennifer Aniston, steht mit weit aufgerissenem Mund da und ist überwältigt. Natürlich singt nicht Mark Wahlberg, sondern Miljenko Matijevic, einer der besten seines Fachs. Balfour meistert diesen Song ebenfalls beeindruckend. Ein möglicher Kritikpunkt könnte sein, dass seine Interpretation dem Original zu nah bleibt.

MAVERICK bewegen sich in den Genrekonventionen, sind aber raffinierte Songwriter

Das Songwriting bewegt sich im Rahmen der Genre-Konventionen, ist aber raffiniert und variabel genug, um nicht cheesy zu sein. Ja, es gibt „Whoawhoowhoo!“ und „Yeah Yeah Yeah!“-Momente aus der Mottenkiste des Singalongs, die hier aber gut eingebettet sind – und in der Regel funktionieren. Und es gibt eine druckvolle, angenehm wuchtige Produktion, die alle Beteiligten gut in Szene setzt. Dass das Album in mehreren Studios aufgenommen wurde, hört man ihm nicht an: ein transparenter Sound, der modern, aber nicht künstlich klingt und die erdige Note betont.

Höhepunkte finden sich bereits im ersten Drittel des Albums. Da startet der Opener „Puppet Show“ mit pulsierendem Bass und tight groovendem Schlagzeug, um im schnelleren Midtempo einen Refrain auszupacken, der live schnell sitzen sollte und aus zwanzig wie aus zwanzigtausend Kehlen funktionieren könnte. Es folgt mit „Sweet Surrender“ der vielleicht heimliche Hit des Albums, Refrain und Postchorus sind infektiös und clever gesetzt. Die Powerchords des Gitarrenduos Ryan Balfour und Ric Cardwell klingen angenehm schroff und halten die Balance zwischen tiefem Groove und dezenter Verspieltheit. Die Soli sind großartig.

Hardrock-Perlenfischer sollten sich vom etwas plakativen Beginn des dritten Songs „Daywalker“ nicht abschrecken lassen. Wenn Sänger Ryan mit kraftvollem Timbre zum Refrain ansetzt, erinnert das an die sträflich unterschätzten und zu Unrecht vergessenen Melodic-Metal-Virtuosen GLENMORE. Exzellent! Hier zeigt sich die songwriterische Reife der Band, sodass man das kraftvolle, aber etwas konventionelle Riff gerne mitnimmt. Auch die folgende Halbballade „Lorelei“, ein sehnsuchtsvolles Stück Powerballade, das Ende der 80er gute Chancen auf MTV-Rotation gehabt hätte, trägt das GS-Gütesiegel.

Musik für Leinenhemd-Träger und BMX-Kleinstadtrebellen

Der Mittelteil des Albums fällt dann etwas ab, bietet aber immer noch genügend Hooks und erinnerungswürdige Momente, um mit einem deutlich überdurchschnittlichen Ergebnis über die Ziellinie zu brausen. „Halfway to Heaven“ ist ein treibender Rocker mit geschickt gesetzten Lead-Harmonien und einprägsamem Refrain, „Evenfall“ ein sehr okayer AOR-Rocker zwischen Midtempo und Ballade: „The second Kiss is never the same“, singt Balfour in dem Song, der wieder gut komponiert ist, aber nur knapp am Etikett „zu gefällig“ vorbeischrammt. Und wer den Refrain von „Bloody Mary“ nicht nach dem zweiten Hören mitsingen kann, sollte mal dringend seine Ohren untersuchen lassen.

Es folgt mit „Time“ der Schwachpunkt des Albums, wenn auch dieser noch okay ist: eine angenehm und stimmungsvoll düstere Strophe nimmt im Prechorus ordentlich Anlauf – um einen Refrain zu präsentieren, der große Ballade sein will, aber doch etwas erzwungen und verkrampft klingt. Die Latte ist nicht gerissen, nur leider ist der Hochspringer darunter durchgesprungen. Mögen oder nicht mögen? Ich habe mich tendenziell zu letzterem entschieden, behalte mir das Recht auf Korrektur meiner Meinung aber vor.

Entschädigt werden Hörer mit „Hideaway“, bei dem sie sich auf den Lederbezügen eines weißen Ferrari Testarossa wiederfinden, an den schlanken Palmen von Miami vorbeirauschen und in Art-Déco-Villen mit Sonny Crockett Kriminalfälle lösen. Der rosafarbene Leinenanzug sitzt perfekt, und die Girls winken. Ein flottes Stück 80s-AOR mit breiten Kotflügeln. Auch der kraftvolle Rocker „Do Or Die“ ist mit seinem eleganten Refrain, verschnörkelten Soli und den Mitsingmomenten ein weiteres Highlight. In seinen hohen Stimmlagen zeigt hier David Balfour wieder, welch exzellenter Sänger er sein kann.

Weil auch „Cheyenne“ ein exzellenter Track mit melodischen Riffs, flotter Strophe und tollem Refrain ist, steigen wir zufrieden und mit breitem Grinsen aus dem Ferrari aus, um uns abends noch ein bisschen im weißen Sand zu sonnen. MAVERICK bieten mit „Silver Tongue“ ein starkes und zuweilen euphorisierendes Hardrock-Album, das Kuttenträgern mit Vokuhila ebenso empfohlen sei wie Seidenhemden-Trägern am Strand von Miami oder am Starnberger Ufer. Und natürlich ist es auch ein Tipp für BMX-fahrende Kleinstadtrebellen, die vom zweiten Album der Überflieger NESTOR etwas enttäuscht waren. Denn hier geht es rauer und druckvoller zur Sache. Gerade live, da bin ich mir sicher, kann diese Musik wunderbar funktionieren: Augen auf, wenn sie mal in der Gegend sind!

VÖ: 21. Juni 2024

Spielzeit: 48 Min. 52 Sek.

Line-Up:
David Balfour – Vocals
Ryan Balfour – Guitars, Keyboards
Ric Cardwell – Guitars
Richie Diver – Bass
Mike Ross – Drums

Label: Metalapolis Records

MAVERICK „Silver Tongue“ Tracklist:

1. Puppet Show
2. Sweet Surrender (Offizielles Video bei Youtube)
3. Daywalker
4. Lorelei
5. Halfway To Heaven
6. Evenfall
7. Bloody Mary (Offizielles Video bei Youtube)
8. Time
9. Hideaway
10. Do Or Die
11. Cheyenne
12. We All Die Young

Mehr im Netz:

Offizielle Bandwebseite

Bereits der Albumtitel lässt erkennen, dass es auf dem neuen Werk wieder komplexer zugeht, dreizehn Silben, altgriechische Topoi, mittelalterliche Kosmologie: „The Empyrean Equation Of The Long Lost Things“. Wow. Gäbe es eine Art Scrabble, bei dem man Albumtitel auf das Spielbrett legen muss, eine extrem hohe Punktzahl wäre damit sicher. Das Cover ist brennend rot, es zeigt eine metallene Libelle, auch eine Armillarsphäre: oder ist das eine Zodiakalmappe? Konzentrische Ringe, Himmelskörper. Ihr merkt schon, es ist nicht ganz einfach, aber doch höchst faszinierend, mythisch geheimnisvoll. Wissenschaft, Glaube und Emotion vermischen sich. Man kommt schnell ins Deuten, und doch ist das Motiv so typisch Progressive, dass fast keine Zweifel aufkommen können, welche Spielart von Rockmusik hier geboten wird. Progressive ist auch eine Haltung, so wie Punk eine Haltung ist: Mache es dem Hörer nicht zu leicht, öffne den Raum für überraschende Kontexte. Moment, ich verliere mich gerade in Assoziationsketten.

VANDEN PLAS haben eine eher behutsame Evolution vollzogen

Es ist ja nicht so, als wüsste man bei VANDEN PLAS nicht, was einen erwartet. Sie haben ihre Evolution eher behutsam vollzogen, von anfänglichen DREAM-THEATER-Vergleichen hin zu einem pompöseren, theatralischeren Sound, der auch mal Musical-Elemente aufnimmt, und Wiedererkennungswert besitzt. Und da wäre noch das markante Gitarrenspiel von Hauptsongwriter Stephan Lill, dessen Einflüsse herauszuhören sind (Chris DeGarmo!), aber der im Laufe der Jahre eine ganz eigene Sprache entwickelt hat, sehr schroffe und hart groovende Riffs mit ungeraden Taktarten in höchst melodische Leads und Soli münden lassen kann, eine beachtliche Vielfalt an Klangfarben bietet. Das neue Album ist definitiv ein Gitarrenalbum, nicht nur aufgrund seiner kompakten Härte: Es lohnt sich, das Gitarrenspiel zu erkunden, hier ist keine Note überflüssig, Lill ist einfach richtig gut, zuweilen atemberaubend gut.

Und es gibt eine Neubesetzung zu vermelden, vielleicht zum ersten Mal in der Bandgeschichte. Keyboarder Günter Werno ist ausgestiegen, dafür lässt der Italiener Alessandro Del Vecchio die Finger über die Tasten fliegen. Der Keyboarder ist auch aus einem Hardrock-Umfeld bekannt, veröffentlichte unter anderem Alben mit HARDLINE, JORN und GIANT. Sein Spiel ist facettenreich, doch öfters noch als sein Vorgänger erinnert es an Vorbilder aus den 70er Jahren, etwa Jon Lord und Ken Hensley, gern macht er von der Hammond-Orgel Gebrauch und darf sich mit Soli einbringen. Hoch anzurechnen ist ihm, dass die Keyboards auf dem Album zwar sehr präsent sind, aber sich doch lebendig in den komplexen und härteren Sound einfügen: wenig Schwulst, dafür umso öfter virtuose und sehr flink gespielte Tonkaskaden mit explosiver Dynamik. Aber auch geschmackvolle Pianoparts findet man reichlich.

Weitere Fixpunkte im VANDEN PLAS-Kosmos sind Eingeweihten längst bekannt: Andi Kuntz verfügt über eine klare und kraftvolle Stimme, zeigt in ruhigen Tonlagen ein sanftes Timbre, klingt manchmal auch ein bisschen nasal, was dem Hörgenuss aber nicht schadet. Kuntz ist auch für die komplexen und ambitionierten Texte verantwortlich, die nicht ganz pathosfrei sind, gern verschachtelt daher kommen (der Albumtitel!), aber doch lesenswert bleiben. Mit ihm schauen wir in die Sterne und suchen die Monster unter dem Bett, begeben uns in Gedankenmaschinen und in historische Kulissen. „Auf der Suche nach der dunklen Seite des Mondes/ Sind alle meine Götter ins große Unbekannte entschwunden/ Bei Sonnenuntergang auf den Feldern der Bruderlaterne/ Und heute Nacht nach dem Einschlafen/ will ich wissen, wer meine Träume vertreibt/ Wieder sehe ich brennende Planeten fallen/ Blutige Federn beginnen im Wind zu tanzen“, textet er in „The Sacrilegious Mind Machine“, von mir frei übersetzt. Und da wäre noch das lebendige und präzise Schlagzeugspiel von Andreas Lill, mit akzentuierten Fill-Ins und subtiler Vielfalt, sowie das songdienliche, aber oft überraschend druckvolle Bassspiel von Torsten Reichert. Aber warum erkläre ich das hier alles? Vielleicht, man kann es nicht ausschließen, gibt es da draußen noch Progfans, denen die Band kein Begriff ist. Also lasst uns mal etwas tiefer in das neue Album eintauchen.

VANDEN PLAS spielen komplex, hart, zuweilen entfesselt

Der Opener „The Empyrean Equation Of The Long Lost Things“ macht deutlich, dass VANDEN PLAS wieder Lust auf komplexe Kompositionskunst haben. Das achtminütige Stück hat eine Tendenz zum Instrumentalstück: Ein sanftes Piano eröffnet, eine umschmeichelnde Leadgitarre, behutsam eröffnende Rhythmen, bis eine wilde Reise beginnt, bestehend aus hart groovenden Gitarrenriffs, zahlreichen Tempowechseln, Hammond-Orgeln und virtuosen Soli: kein leichter Einstieg, aber doch ein faszinierender. Der Metal im Prog wird hier groß geschrieben, Gitarren und Rhythmus erinnern im Härtegrad an die trocken groovenden Riffgewitter von „Awake“, dem wohl härtesten Werk von DREAM THEATER. Alles ist groß gedacht, mit ausladenden Kompositionen und weit ausholende Harmoniebögen. Die einzelnen Parts kreisen mit der Anziehungskraft von Planeten in ihrem eigenen Kosmos und bilden, auch in ihren widerstrebenden Momenten, ein harmonisches Gesamtbild.

„My Icarian Flight“ lockt dann mit harmonischen Leadgitarren, die auch bei QUEENSRYCHE wunderbar gepasst hätten, klar strukturierten Riffs und einschmeichelnden Melodien. Dass VANDEN PLAS auch Eingängigkeit beherrschen, wissen wir nicht erst seit ihrem Melodic-Metal-Projekt ALL MY SHADOWS, das voll auf Hooks und Melodien setzte. Auch hier gibt es spätestens ab der Mitte des Songs Widerhaken: arabeske Gitarrenharmonien und verschlungene Keyboard-Artistik, die an Keith Emerson erinnert, als er in den 70er Jahren wahre Tastenungetüme auf die Bühne hievte und mit hochhackigen Stiefeln darauf sprang, um schnelle, orgiastische Klangeskapaden zu zaubern. Wie viel Detail steckt in den Kompositionen? Sind da Falltüren versteckt? Es ist eine Stärke der Pfälzer, dass bei aller Komplexität das Gesamtergebnis sehr druckvoll und groovend klingt, zugleich atmosphärisch und stimmungsvoll. Man merkt den Songs die Erfahrung vieler Jahre an.

„Sanctiomonarium“ bietet metallische Epik, startet zunächst getragen, ein zehnminütiger Trip durch Proglandschaften: Im Mittelteil darf Neukeyboarder Alessandro Del Vecchio mit Soli glänzen, während Lill ebenfalls von einem tollen Solo ins nächste gleitet. Refrain und Strophe sind eingängig: der vielleicht pompöseste Track des Albums. Manches hier erinnert an SAVATAGE, diese Idee, auf dem Fundament schroffer Riffs bombastische Theatralik zu bauen, wobei gerade der progressive Mittelteil alle Fesseln löst und zuweilen berauschend wirkt. Auch das ist eine Kunst: Prog nicht verkrampft und manieriert klingen zu lassen, sondern in einer Art zu spielen, die auf der Haut kitzelt, enthusiastisch, zuweilen rauschhaft. Ein Seiltanz, ein dreifacher Salto, Artistik als Risiko und zugleich befreiend: VANDEN PLAS beherrschen das. Ein bombastischer Chor bildet den dramatischen Höhepunkt zum Ende des Stückes: ein Stilmittel, das auf diesem Album sehr behutsam eingesetzt wird.

DREAM THEATER werden sich Mühe geben müssen…

„The Sacrilegious Mind Machine“ ist dann ebenfalls ein hart gerifftes und elegant komponiertes Stück, dessen Refrain gegenüber dem Rest des Albums etwas abfällt und zu oft wiederholt wird, aber einen interessanten Mittelteil bietet. Dieser verschmilzt balladeske Momente mit harten und düster-atmosphärischen Klängen.

Kurz bevor sich die Band zum furiosen Finale aufmacht, dem fast 16minütigen „March Of The Saints“, gibt es mit „They Call Me God“ eine Halbballade zum Durchatmen. Wobei auch das relativ zu sehen ist, der Text gestaltet eine Schöpfungsgeschichte nach und wiegt entsprechend schwer, wieder SAVATAGE-Reminiszenzen im orchestral und episch groovenden Mittelteil. „Heute Nacht stehle ich die Sonne/ Tausend Milliarden von Sternen/ Um eine geheime Flucht zu bauen/ Ein privates eigenes Universum“, textet Lill, um später nachzuschieben: „Ich zeige dir – wo das große, epische Nichts ist/ Ich locke dich an das Ende des Regenbogens/ Mein größtes Geschenk ist das Gift, das dich traurig macht/ Willkommen mein Freund, du bist auf dem Weg in meine Todeszelle“: Man kann Balladen auch mit weniger schweren Motiven bestücken.

Es folgt das Finale, 15:45min lang, doch trotz der üppigen Spielzeit muss wenig geübten Hörern nicht bange sein. Es ist ein sehr melodieverliebtes Stück, durchaus zugänglich, in dem die Band ihre Trademarks noch einmal ausfaltet: angefangen beim ruhigen, mit Piano unterlegten Klängen bis hin zu einem an QUEENRYCHE erinnernden Pre-Chorus und einem umarmenden Refrain. Definitiv ein Highlight. Wenn VANDEN PLAS uns mit ihrem neuen Album auch einen Brocken hinlegen, der einige Durchläufe erfordert, so ist es doch ein sehr lebendiger, funkelnder, zuweilen wunderbarer und anschmiegsamer Brocken. DREAM THEATER werden sich verdammt große Mühe geben müssen, um mit ihrem anstehenden Album das zu toppen – oder zumindest gleichzuziehen. Groß!

VÖ: 19. April 2024

Spielzeit: 55 Minuten 14 Sekunden

Label: Frontiers Records

Line-up:
Stephan Lill (Gitarre)
Andy Kuntz (Gesang)
Alessandro Del Vecchio (Keyboards)
Andreas Lill (Drums)
Torsten Reichert (Bass)

„The Empyrean Equation of the Long Lost Things“ Tracklist:

1. The Empyrean Equation Of The Long Lost Things
2. My Icarian Flight
3. Sanctimonarium
4. The Sacrilegious Mind Machine (Official Lyric Video bei Youtube)
5. They Call Me God
6. March Of The Saints (Official Visualizer bei Youtube)

„Reborn“ wurde mit einem Cover-Artwork von Luca „Zeero“ Zironi ausgestattet und wird am 22. März 2024 via Scarlet Records erscheinen.

HOLLER „Reborn“ Tracklist

Do You Believe (Video bei YouTube)
I Don’t Want (Audio bei YouTube)
Music Is The One
Into Me Forever
Those Eyes
Falling Apart
Wrong Words
Don’t Walk Away
Invisible Man
How Long
Whitout You
Whitin Me
Yulia (Video bei YouTube)

Dieser Hair Metal ist ein feierwütiges Tier. Es tritt deine Tür ein und brüllt dir mitten ins Gesicht. Es schüttelt dich durch und kippt dir Bier über den Kopf. Es stöpselt die Luftgitarre ein. Es springt breitbeinig auf dein Bett. Es wirft deinen Flachbildfernser durch das geschlossene Fenster. Es hat die ganze Straße zur Party eingeladen. Schon siehst du Go-Go-Girls mit Federboas tanzen. Deine Nachbarin, obwohl schon etwas betagt, wogt sich im Tanga-Slip. Dein Nachbar, der alte glatzköpfige Mann, auch. Schon sprießt dein Brusthaar bis zum Boden. Arme schlingen sich verführerisch um deinen Bauch. Und du bist -1,2,3- in völliger Ekstase. Wann hast du so etwas zuletzt erlebt? Als du „New Jersey“ von BON JOVI gehört hast? Vergiss es! Hier sind die Gitarren knackiger. Die Rhythmen heavier. Die Hooks vielleicht noch infektiöser. Ich übertreibe? Dann lasst Euch das gesagt sein: Hier gibt es nicht eine Schmalzballade, sondern nur Hooks, Hooks und noch mehr Hooks! Oft präsentiert mit der Spritzigkeit eines Speedbootes. Die Gitarren fauchen, sie galoppieren, sie schlagen elegante Haken. Headbangers Unite!

Metal ist Liebe, STRIKER eine wilde Affäre

Lasst uns kurz die Musik etwas herunterdrehen, um die Fakten zu präsentieren. Es ist bekannt, dass STRIKER zu den talentiertesten Bands ihres Fachs zählen. Sie begannen 2007 mit klassischem Heavy- und Speed Metal, mischten Progressive bei, auf den letzten beiden Alben kamen AOR und Popmetal mit 80s-Prägung hinzu. Fette Chöre, mehrstimmige Harmonien, hymnische Refrains, brutale Eingängigkeit. Was bei anderen Bands in einer Katastrophe geendet hätte (Es gibt da viel seichtes, uninspiriertes!), funktioniert bei STRIKER wunderbar. Metal für die Stadien! Aber den Durchbruch schafften sie nie. Warum? Es gibt nur eine logische Erklärung: Weil die Welt manchmal ein großer, dampfender Kackhaufen ist. Und ein liebevoll verpacktes Geschenk, denn es gibt sie ja noch! „Ultrapower“ ist bereits das siebte Album, das zweite auf dem eigenen Label. Frontmann Dan Cleary könnte den jungen Geoff Tate in die Schranken weisen, Tim Brown und (Neuzugang) John Simon Fallon sind Riffgötter, das Schlagzeug von Jono Webster wirbelt variabel, der Bass von Pete Klassen pumpt wuchtig, manchmal gar funky. Und nun drehen wir wieder auf, denn:

STRIKER! Verdammt, ich zappel auf dem Tisch, auf dem Rücken liegend wie ein Käfer, die Beine in die Höh gereckt, die Luftgitarre im Anschlag. Ich singe Karaoke. Ich springe im Kreis. Das hier ist, zuweilen: tanzbar! Und es gibt auch noch den Speed in all den eingängigen Momenten. Sie brechen über dich herein, aber nur, um dir die nächste geile Melodie und das nächste geile Riff um die Ohren zu knallen. Im mittleren Tempo haben sie viel Atmosphäre. Im schnellen Tempo eine nicht zu bändigende Euphorie. Klar, subtil ist hier nichts. Oder doch? Es steckt schon verdammt viel Raffinesse in den mehrstimmigen Chören, in den virtuosen Soli, in den mehrstimmigen Leads, in den wilden Axt-Attacken. Die Produktion: perfekt. Wuchtige Drums, der hohe und kraftvolle Gesang sensationell in Szene gesetzt. Und das alles klingt, das ist vielleicht der größte Kniff, absolut zeitgemäß. Es ist knackig wie eine reife Weintraube, es schmeckt wie frisch gepflückt, obwohl das Einweckglas mit der Jahreszahl „1987“ beschriftet ist. Wie schaffen die das? Wie kann man aus alten Zutaten ein so frisches Buffet kredenzen?

Zu den einzelnen Songs: „Circle of Evil“? Ist geil. „BEST of the BEST of the BEST“? Ist geil. „Give it All“? Ist geil. „Blood Magic“? Ist auch geil. So mache ich jetzt einfach weiter, bis ich alle elf Songs aufgezählt habe. „BEST of the BEST of the BEST“ kommt mit einer so unverschämten Hommage an Harold Faltermeyer daher, dass man “KULT”! in knallbunten Lettern an die nächste U-Bahn sprühen möchte: Die Gitarren im flotten Song zitieren das Motiv von “Axel F” aus dem Soundtrack von “Beverly Hills Cop”. Und hatte ich im ersten Absatz den Sexy Sax Man erwähnt? Gemeint ist, na klar, Timmy Cappello, der Saxophonist von TINA TURNER, Ihr wisst schon: laszive Auftritte, breite Muskeln und Eisenkette über der wallenden Männerbrust. Tatsächlich kommt „Give It All“ im mittleren Tempo mit Lead-Saxophon und entsprechendem Solo daher, so dass man meinen könnte, er hätte es eingespielt. Es funktioniert wunderbar!

„Live to Fight Another Day“ ist so ein grandioser Hit. Ich sitze hier und weine. Ein Song für das Kämpfen, das Durchhalten auch in den beschissenen Momenten des Lebens. Wir sehen vor dem inneren Auge Rocky Balboa mit seinem Hund die Treppe hochlaufen, wieder und wieder und wieder. Rocky wird triumphieren, auch wenn er verliert. Überhaupt ist dies ein Geheimnis von STRIKER: Die Songs pushen dich, sie haben eine durch und durch optimistische Grundstimmung. Eine Trotzhaltung, die sich ins Positive verkehrt. Wenn die in die Höhe gereckte Faust des Metal irgendwo Sinn machte, dann hier. Und dann wissen wir: Metal ist Liebe. Oder eine heiße, brodelnde, aberwitzig verrückte, leidenschaftliche Affäre? Du spürst die Bisse an der Brustwarze, die feuchten Küsse auf der Haut, es schmerzt auch, sehr angenehm, der aufgekratzte Rücken. Grrr! Ich bin so komplett kirre und besoffen von dieser Musik, ich verwandle mich in Franz Josef Wagner.

Fuck, ist das geil. Holt Euch diese Platte! Macht diese Band endlich groß! Sonst komme ich vorbei und schütte Euch Bier über den Kopf.

Veröffentlichungstermin: 02.02.2024

Spielzeit: 41:30

Line Up:​
Dan Cleary – Vocals
Tim Brown – Guitar
John Simon Fallon – Guitar
Pete Klassen – Bass
Jono Webster – Drums

Produziert von Josh Schroeder

Label: Record Breaking Records

Webseite: https://www.striker-metal.com/

STRIKER: Ultrapower Tracklist

1. Circle of Evil – (3:44, Video bei Youtube)
2. BEST of the BEST of the BEST – (3:19, Video bei Youtube)
3. Give it All – (4:14)
4. Blood Magic – (4:35)
5. Sucks to Suck – (3:15)
6. Ready for Anything – (3:56)
7. City Calling – (3:45)
8. Turn the Lights Out – (2:49)
9. Thunderdome – (4:01)
10. Live to Fight Another Day – (4:00)
11. Brawl at the Pub – (3:47)

Wer MAGNUM als Weltflucht-Band bezeichnet, weil sie sich gerne auch progressiven Pompes bedienten, die Keyboards zuweilen aus gehäkelter Spitze bestanden, weil sie Zauberer und Einhörner auf ihren Covern zeigten (legendär: die Grafiken von Rodney Matthews), tut ihnen unrecht. Clarkin war auch ein politischer Beobachter, er schrieb eine Vielzahl von Antikriegssongs, angefangen beim mächtigen Heavyrocker „Soldier of the Line“ von 1982 bis hin zu „Run Into the Shadows“ auf dem jüngsten Album. Er schrieb religionskritische Texte, auch Songs, in denen er sich, manchmal resigniert, über die Sehnsucht vieler Menschen nach einer starken Erlöserfigur wundert und in denen seine Abneigung gegen Populismus zum Ausdruck kommt. Das alles ist oft verklausuliert und allgemein gehalten, mit biblischen und historisierenden Metaphern, aber autoritätsskeptisch und aktuell: „Sie suchen alle nach jemandem, der die Antworten kennt/ Sie werden noch tausend Jahre lang suchen“, heißt es in „The Seventh Darkness“, der ersten Single des neuen Albums. „Ja, ein blinder Mann sieht besser als sie/ In seiner Dunkelheit keine Angst,/ Ja, er lächelt, aber er weiß, wie man weint“. Die Zukunft erscheint als düstere Vision „in Klassenzimmern, wo die Alpträume sich verstecken“.

Auch der Vorwurf des Schmalzes ist und war oft unbegründet. Der Bombastrock der Briten hat bisweilen ein dystopisches Moment und eine dunkle Grundstimmung, auch wenn es immer wieder Mut machende Songs gab wie die Ballade „When the World Comes Down“ von 1986, wo Clarkin einen sentimental in den Arm nimmt. Wer sich in die Biographie der Band vertieft, stößt auf manch düster-schweren Song, in dem es unheimlich wogt und brodelt. Waren vor allem die Alben ab Mitte der 80er Jahre sehr glatt produziert und hielten auch manche AOR-Rock-Banalität bereit, so klangen die Alben ab dem Comeback im Jahr 2002 oft schroffer, waren erdiger in Szene gesetzt – der Bombast wirkte reduzierter. Weniger Chöre, die Keyboards weniger verspielt, und der Gesang von Bob Catley klang schon aufgrund seines fortgeschrittenen Alters rauer. Es gibt schmalzige Momente in der Geschichte von MAGNUM, sogar einige: Es ist nicht ihr Trademark. Am stärksten war die Band da, wo Epik auf progressiv angehauchten Hardrock traf, wo sie ihre Songs in ein mystisches Flimmern tauchten, aber auch in Dreck, wo die Magie ganz bodenständig war. Die Zauberer in MAGNUMs Welten bewegten sich an der Frontlinie des kalten Krieges, in den Industriebaracken britischer Großstädte – in einer verdächtig irdischen Kulisse. All das ist nun nicht mehr, denn hier, im Jahr 2024, wird die Reise der Band wohl enden: mit dem 23. Studioalbum, einem posthumen Geschenk an die Fans, veröffentlicht wenige Tage nach Clarkins Tod.

„Here Comes The Rain“ zeigt MAGNUM in Bestform

Tony Clarkin litt bereits seit längerem an einer Erkrankung der Wirbelsäule, im Dezember wurde festgestellt, dass sie sich verschlimmert hatte – und unheilbar ist. Doch zu diesem Zeitpunkt war „Here Comes The Rain“ bereits im Kasten. Sein Zustand verschlechterte sich schnell und rapide: Noch in der aktuellen Printausgabe des „Hardline“-Magazins erzählt Clarkin in einem Interview, das vermutlich Ende November geführt wurde, er höre gerade oft sein aktuelles Album, um sich die Songs für die anstehende Deutschland-Tour anzueignen. Eine Tour, die wenig später wegen der gesundheitlichen Probleme abgesagt werden musste. Doch an den baldigen Tod des Gitarristen dachte auch da noch niemand.

„Here Comes The Rain“ war folglich nicht als Abschiedsalbum gedacht: und vermutlich hätte die Band noch viele Jahre weitergemacht, wenn es die Gesundheit zugelassen hätte. Ohnehin ist das Durchhaltevermögen der Band beeindruckend. Clarkin war mit seinen 77 Jahren nur drei Jahre jünger als Keith Richards, eines der letzten Fossilien aus der Ursuppe des britischen Rock ’n’ Roll. Trotzdem haben MAGNUM regelmäßig hochwertige Alben aufgenommen und sind ausgedehnt durch die Lande getourt. Als sie „Here Comes The Rain“ eingespielt haben, blickten sie auf 52 Jahre Bandgeschichte zurück.

Dass sich das Album nun dennoch anhört wie ein Querschnitt durch die eigene Historie, liegt auch daran, dass MAGNUM ihre progressiven Elemente wieder etwas ausgebaut haben. In den 70er Jahren war die Band noch deutlich beeinflusst vom Progressive Rock der damaligen Zeit, von Bands wie QUEEN oder KANSAS. Das verspielte Keyboard, der Bombast und der mehrstimmige Gesang waren ein oft genutztes Stilmittel auch später noch, als sie kompaktere, einfachere Songs zwischen Melodic- und Hardrock schrieben. Nun hören wir auf „Here Comes The Rain“ wieder mehr Chorgesang (drei Backgroundsänger*innen sind im Booklet aufgeführt) und in einigen Songs von Klavier und Streichern getragene Strophen, die in einen Refrain mit weiten, schwebenden Melodiebögen münden. Der Titelsong „Here Comes The Rain“ ist hierfür bestes Beispiel.

Der Opener „Run Into The Shadows“ greift die Tradition der Band auf, mit einem kraftvollen Midtempo-Song in die Alben einzusteigen, ein Keyboardmotiv eröffnet, der Klang erinnert fast an ein Spinett. Dann nimmt Clarkins Gitarre die Melodie auf, kraftvoll und doch elegant, leichtfüßig wie eine Turnerin auf dem Schwebebalken. Wahnsinn auch, was Sänger Bob Catley mit seinen 76 Jahren hier stimmlich noch leistet. Ja, seine Stimme ist deutlich gealtert, sie ist rauer, dünner und brüchiger als in früheren Jahren. Aber er meistert die durchaus anspruchsvollen Gesangsharmonien, die ihm Clarkin auf den Leib schneidert, mit Autorität und Charisma. Sollen wir die Stimme mit jener aus jungen Jahren vergleichen, als er klarer und kräftiger sang? Besitzt eine gut gealterte Stimme nicht einen eigenen Reiz? Es ist wie bei einem Menschen, der bereits Falten und Narben trägt: Eine gealterte Stimme erzählt eine eigene Geschichte, ist Zeugnis eines gelebten Lebens.

Umarmung des Feindes im Angesicht der Kugel

Song Numero zwei und drei sind dann das, was man für eine Powerballade halten könnte: vorausgesetzt, man hört nicht so genau hin. Getragene und opulente Songs mit schwelgerischen Melodien, die Strophe des Titelsongs „Here Comes The Rain“ von einer Akustikgitarre begleitet, „Some Kind of Treachery“ von einem Piano. Es sind aber auch Songs über Irrwege und Bedrohungen, düstere Blicke in eine feindselige Welt, in der sich ein angesprochenes Du behaupten muss. „Hier kommt der Regen/ Durch den Mitternachtshimmel/ Ein dunkler Verrat/ Vor deinen Augen“, heißt es im Titelsong, den man als eine Art düsteres Spiegelbild des berühmten BEATLES-Hits „Here Comes The Sun“ lesen kann, das biblische Motiv der Sintflut ist schon im Titel enthalten. Erneut das Bild des Krieges: „Es gibt keine silberne Kugel in der Welt, die uns zusammenbringen wird/ Keine Worte, die clever genug sind/ uns ewige Existenz zu sichern“.

In der zweiten Ballade klingt düster die Suche nach einem heimischen Ort und einer Zuflucht durch, dunkle Gestalten lauern bedrohlich im eigenen Schatten, ein betender Mann fragt sich, ob er überleben wird – und wen es kümmert. „Du suchst nach jemandem, der gut ist/ Nach einem König oder einem Dieb oder einem Bettler/ Du bist auf der Suche nach der ganzen Menschheit“, heißt es im Text. Es ist eine nette Pointe, dass ein solcher Titel in der Blütezeit der Band Ende der 80er Jahre auch auf einem der vielen Balladen-Sampler hätte landen können, die zum Kuscheln einladen. Wer schert sich schon um Nuancen in einer schmachtenden Umarmung? Kuscheln mit MAGNUM ist im Zweifel auch: Kuscheln mit dem Feind im Luftschutzkeller.

„I Wanna Live“: Tony Clarkins fast trotziger Lebenshunger

Aber es gibt auch andere Momente auf dem Album, natürlich. Zum Beispiel die hoffnungsfroheren. „After The Silence“ und „I Wanna Live“ sind diese typischen, sanft groovenden Hardrock-Crooner, die mal dezent Fahrt aufnehmen, dann wieder abbremsen, damit Sänger Bob Catley Anlauf nehmen kann für einen dieser kunstvoll sich auftürmenden Refrains, die -klar- auch irgendwie pathetisch sind. Es ist kein Geheimnis, dass das Keyboard bei MAGNUM fast gleichberechtigt neben der Gitarre steht, mal die Akkorde aufnimmt, mal wieder kontrastiert, mal auch einfach atmosphärische Teppiche legt: Manch Kritiker nahm das der Band übel. Am besten ist Rick Benton, der Mann hinter den Tasten, aber dann, wenn er das E-Piano spielt oder sein Instrument nach Orgel klingen lässt wie am Ende von „I Wanna Live“. Er ist weiß Gott kein schlechter seines Fachs, stand als Sessionmusiker mit Acts wie den EAGLES oder PAUL YOUNG auf der Bühne, das ist nicht jedem vergönnt. „I Wanna Live“ verströmt, rückblickend tragisch angesichts von Clarkins Tod, einen fast trotzigen Lebenshunger, eine Hymne an das Überleben, versehen mit einer düsteren Ahnung: „Der Vorhang ist gefallen/ Macht die Lichter aus/ Tränenreich die Clowns“, textet Clarkin, um dann im Refrain fast flehend zu fordern: „Ich will leben/ Ich will schreien/ Ich will der Welt sagen/ Worum es eigentlich geht/ Ich will leben/ Mein einziger Wunsch…“.

„Blue Tango“ kommt lässig durch die Salontür hereingeschlendert und präsentiert sich mit Boogie-Woogie-Gitarren und Kneipen-Atmosphäre als echte Partynummer. Es ist eine tiefe Verbeugung vor dem Sound von STATUS QUO, der noch älteren britischen Legende, das Piano hämmert im Rhythmus der sich leerenden Bargläser, der Text ist verhalten optimistisch: Eine Aufforderung, im Chaos der Welt nicht den Verstand zu verlieren, keine Tränen zu vergießen. Eine Bitte zum Tanz, textlich wie musikalisch.

Am besten sind MAGNUM auf diesem Album aber wieder dann, wenn sie zur Epik ausholen, zu majestätischen Gesten, den Schulterschluss zu ihrer pompösen Phase Anfang der 80er suchen, wenn die Keyboards sich fanfarenartig auftürmen und trotzdem die Melodien sanft fließen: Dieser Kontrast aus Pomp und Geschmeidigkeit war stets eine Stärke der Band. Ob das feine „The Day He Lied“, mein Highlight des Albums, nun eine Ballade ist oder Epic Metal, liegt im Ohr des Betrachters. Der Text lässt an die Bewältigung eines Traumas denken, das Überstehen einer Lebenskrise, auch häusliche Gewalt schimmert durch: Clarkins Lyrics sind durchaus vieldeutig, zuweilen kryptisch. In der vorab ausgekoppelten Single „The Seventh Darkness“, einem opulenten Rocker, ersetzen Bläser die Keyboards und begleiten die Gitarrenharmonien von Clarkin mit fließender Leichtigkeit: Es ist ein Fest, wie die Gastmusiker hier mit der Band harmonieren, Chris Aldrigde spielt Saxophon, Nick Dewhurst Trompete. Es ist auch ein Statement, wie lebendig diese Band noch immer klingen kann, oder besser: klingen konnte. Schmerzhaft die Worte im letzten Song „Borderline“: „Kannst du die Grenze sehen? Ich finde den Heimweg nicht mehr…Ja, ich habe mein Ziel verloren“. Dann verklingt die Platte mit einer sanften Klaviermelodie, die wie aus dem Jenseits herüberweht.

Veröffentlichung: 12. Januar 2024
Spielzeit: 50:15

Line-Up:
Tony Clarkin – Guitars
Bob Catley – Vocals
Rick Benton – Keyboards
Dennis Ward – Bass
Lee Morris – Drums

Label: SPV/Steamhammer

MAGNUM “Here Comes The Rain” Tracklist

1. Run into the Shadows 5:22
2. Here Comes the Rain 4:37
3. Some Kind of Treachery 4:28
4. After the Silence 4:34
5. Blue Tango 5:26 (Stream)
6. The Day He Lied 4:34
7. The Seventh Darkness 4:41 (Stream)
8. Broken City 4:39
9. I Wanna Live 5:29
10. Borderline 6:16

RONNIE ATKINS veröffentlicht am 13.10. sein drittes Soloalbum „Trinity“

Auch in den letzten Monaten war Atkins nicht untätig. Bereits am 13.10. erscheint mit „Trinity“ sein drittes Soloalbum, wie seine Plattenfirma mitteilt, wie auch die Vorgänger über Frontiers Records. 12 Songs werden darauf zu hören sein: Produziert hat das Album sein PRETTY MAIDS-Kollege Chris Laney, der auch am Songwriting beteiligt war, für den Mix ist Jacob Hansen (VOLBEAT, ARCH ENEMY) verantwortlich.

Auch die Mitstreitenden sind keine unbekannten: Der zweite Gitarrist Marcus Sunesson war auf mehreren Alben von THE CROWN zu hören und spielt aktuell bei der Modern Metal-Band CYHRA, Schlagzeuger Allan Sörensen war lange Jahre bei den dänischen Prog-Metallern ROYAL HUNT in Diensten. Bassist Pontus Egberg sorgt unter anderem beim König himself KING DIAMOND für die tiefen Töne: und Sängerin Linnéa Vikström, die Background-Gesang beisteuert, kennen wir von THERION (Bandkopf Thomas Vikström ist ihr Vater) und THUNDERMOTHER.

„Ich denke, dass das Album etwas heavier geworden ist als die vorherigen, da die meisten Songs dieses Mal auf der Gitarre geschrieben wurden, aber vor allem ist es immer noch sehr melodisch“, sagt Atkins. „Textlich geht es ziemlich genau um das, was heute in der Welt vor sich geht, und das inspiriert mich. Viele der Songs sind auch sehr persönlich und ich versuche, ebenso ein bisschen Optimismus hineinzubringen.“

Die ersten beiden Soloalben zeigten Atkins‘ Vorliebe für melodischen Hardrock, aber auch Ausflüge in Power Metal und Balladen: Das treibende „Rising Tide“ vom letzten Album, in dem Atkins die Umweltzerstörung thematisiert, wäre auch auf den Alben der PRETTY MAIDS einer der härteren Tracks gewesen. Sein Solodebüt 2021 wurde vom Portal laut.de mit der Höchstnote ausgezeichnet und zur Platte der Woche gekürt. Auch kommerziell waren die Alben durchaus erfolgreich: „One Shot“ stieg auf Platz 19 in die deutschen Albumcharts ein, der Nachfolger ein Jahr später immerhin auf Platz 26.

Für den 58-jährigen sind die Soloalben eine Herzensangelegenheit. „Ich schätze, dass ich heute eine andere Perspektive auf das Leben habe als noch vor vier Jahren, und ich genieße jeden Tag mit allem, was dazugehört“, sagt Ronnie. „Ich möchte hinzufügen, dass mich das Schreiben von Songs und die Bühnenauftritte am Leben halten. Ich mag es, mich auf die positiven Aspekte des Lebens zu konzentrieren und mich Dingen hinzugeben, die ich wirklich aus vollem Herzen tun möchte.“ Einen guten Song mache für ihn eine gute Hook und Topline aus, erklärt Atkins weiter: neben der Melodie folglich das Zusammenspiel von Gesangsmelodie und Instrumenten.

Ronnie Atkins ist am 10. November in Hamburg zu sehen

Fans des Dänen dürfte es freuen, dass Atkins auch seine Live-Aktivitäten wieder aufgenommen hat. Bereits auf seinem persönlichen Facebook-Kanal postete er hin und wieder Bilder vereinzelter Auftritte: Nun ist für den November sogar eine Minitour mit sechs Konzerten angekündigt. In Deutschland wird er am 10. November in der Fabrik in Hamburg zu sehen sein. Weitere Konzerte führen ihn nach Helsingborg (03.11., Tivoli), Linnköping (04.11., Palasset), Kopenhagen (09.11., Amager Bio) und Horsens (11.11. und 12.11., Platform K.).

Lineup:
Ronnie Atkins- Lead and Backing vocals.
Chris Laney- Guitars and Keyboards
Pontus Egberg- Bass
Allan Sörensen- Drums
Marcus Sunesson – Guitars
Linnéa Vikström Egg – Backing Vocals

RONNIE ATKINS „Trinity“ Track List:

1. Trinity (Offizielles Video bei Youtube)
2. Ode to a Madman
3. Paper Tiger
4. Soul Divine
5. Via Dolorosa
6. Godless
7. Shine
8. If You Can Dream It (Offizielles Video bei Youtube)
9. Sister Sinister
10. Raining Fire
11. The Unwanted
12. What If

Das Stück folgt auf die Single „Strobe Lights & Cheap Perfume“ – diese gibt es als Audiostream bei bandcamp oder allen gängigen Streamingportalen.

Am 28. Juli 2023 erschienen beide Tracks als 7″-Vinyl, welche über das offizielle Bandcamp-Profil MELOIs erhältlich ist.

MELOI „Strobe Lights & Cheap Perfume“ Tracklist

1. Strobe Lights & Cheap Perfume (Audio bei bandcamp)
2. Struck By Surprise (Video bei YouTube)

STEVE LUKATHER baut mit „Bridges“ eine Brücke von seinen Solosachen zu TOTO

Der Opener „Far From Over“ rockt erfreulich hart los, führt über eine cremige Bridge zu einem gewohnt melodischen Refrain. Auch die ersten TOTO-Vibes tauchen auf. Dann wird es zappelig, „Not My Kind Of People“ kommt mit End-80er AEROSMITH-Drive, lässt auch mal an GIANT denken. Wäre damals auf MTV in Dauerrotation gewesen, heute macht es Freunden jeder Aera mächtig Spaß. „Someone“ klingt ein wenig, als würden STING und BRUCE HORNSBY bei TOTO spielen. Wo irgendwas von TOTO steht kann auch die Ballade nicht weit sein. „All Forevers Must End“ kommt zuckersüß, nachdenklich, hoch melodisch. Man taucht ein, lässt sich von den zarten Melodien tragen, kitschig und schön.

Die Single „When I See You Again“ rockt locker-flockig, TOTO Mitte der 80er, man wippt fleißig mit. Dann geht es mit „Take My Love“ Soul- und Bluesgetränkt in eine verrauchte Bar. LUKATHER zeigt mal wieder, wie vielseitig er seine Saiten bedient. Man denkt direkt an den späten bluesigen GARY MOORE, erkennt aber auch den Gruß Richtung JOE BONAMASSA. Das zieht sich durch das ganze Album, die Leads sind kein schmuckes Beiwerk, man hört dem Mann genau zu, seine Leads erzählen ihre eigene Geschichte.

STEVE LUKATHER grüßt auf „Bridges“ immer mal andere Gitarrenhelden

Wir grooven im Boogie/Shuffle-Mood zu „Burning Bridges“, wer mag kann hier bei den Leads den Gruß Richtung Billy Gibbons/ZZ TOP erkennen. Und auch hier tauchen wieder ganz klar TOTO auf. Wie beim Schlusstrack „I’ll Never Know“, auch hier wieder mit Verweisen auf Kollegen. Späte PINK FLOYD machen sich breit, die Leads orientieren sich entsprechend an DAVID GILMOUR. Wer gern RAY WILSON hört, der mag auch mal an den in Polen lebenden Schotten denken mit Ali Ferguson an der Gitarre.

„Bridges“ ist geprägt vom fantastischen, abwechslungsreichen Gitarrenspiel von STEVE LUKATHER. Seine Vocals sind gewohnt gut und vertraut, passend immer hoch melodisch. Jedem einzelnen Kollegen kann man gezielt zuhören, jeder bringt sich ideenreich ein und wertet die Songs auf. Das alles kommt im glasklaren, aber nicht kalt produziertem Sound. Keiner der durchweg guten Songs ist ein echter Hit, das Album wirkt als Gesamtwerk. Das hübsche Booklet kommt mit tollen Bildern, passend zu den Texten. LUKATHER baut wie versprochen eine Brücke von einem Soloalbum zu TOTO. Als Fan eben jener Band, LUKATHERs Solosachen, gepflegtem AOR und Classic Rock wird einem auch „Bridges“ gefallen.

Veröffentlicht am 16.05.2023

Spielzeit: 35:46 Min.

Lineup:
Steve Lukather – guitars, vocals
David Paich – Keyboards
Joseph Williams – Vocals, keyboards and percussion
Simon Phillips – drums
Shannon Forrest – drums
Leland Sklar – bass
Jorgen Carlsso – bass
Steve Maggiora – keyboards
Trev Lukather – guitars, keyboards, bass and background vocals

Label: The Players Club / Mascot

Homepage: www.stevelukather.com

Mehr im Web: https://www.facebook.com/SteveLukather

Die Tracklist von „Bridges“:

1. Far From Over
2. Not My Kind Of People (Video bei YouTube)
3. Someone (Video bei YouTube)
4. All Forevers Must End
5. When I See You Again (Video bei YouTube)
6. Take My Love
7. Burning Bridges
8. I’ll Never Know (Video bei YouTube)

„A Night To Remember“ wurde von Bandleader Magnus Björkroth produziert und von Joakim Styren gemastert. Das Cover-Artwork stammt von Drummer Jonas Michaneck. Erscheinen wird das Album am 25. August 2023 via Pride & Joy Music. Vorab gibt es den Song „Fortune & Fame“ zu hören.

WEST ALLEY sind Sänger und Keyboarder Magnus Björkroth, Bassist Jack Nielsen, Gitarrist Niclas Lundström und Drummer Jonas Michaneck.

WEST ALLEY „A Night To Remember“ Tracklist

01 – What A Night To Remember
02 – Good Times
03 – Fortune And Fame (Audio bei YouTube)
04 – Miracles Can Happen
05 – Give Me Just A Little Time
06 – Warning
07 – How Many Hearts
08 – Higher
09 – Angels
10 – Colors Of Love
11 – Feel Like A Clown
12 – It All Begins Where It Ends

Das Album besteht aus der Performance von vergangenen und aktuellen Mitgliedern des TOTO Familienstammbaums, zu denen DAVID PAICH, JOSEPH WILLIAMS, SIMON PHILLIPS, SHANNON FORREST, LEE SKLAR UND STEVE MAGGIORA gehören, sowie Lukes ältester Sohn Trev Lukather und GOV’T MULE Bassist Jorgen Carlsson.

STEVE LUKATHER präsentiert Songs vom neuen Soloalbum „Bridges“

Bereits veröffentlicht wurden als Singles „When I See You Again“, davor das Video zu „Someone“ sowie das rockende „Not My Kind Of People„. Ganz neu folgt nun die Ballade „I´ll Never Know“.

Luke erklärt: „Ich sehe es als eine Brücke zwischen meiner Solomusik und ToTo Music. Die Tatsache, dass Joseph Williams, David Paich und ich den größten Teil des Albums geschrieben haben, und die Tatsache, dass ich viele der alten ToTo-Gang eingeladen habe, zu kommen und zu spielen, Co-Autoren wie Randy Goodrum und Stan Lynch, bringt das alles zusammen. Es beweist auch, dass die meisten meiner alten Kumpels und ich immer noch gute Freunde sind, und ich wollte eine Platte „im Stil von“ machen, da ToTo nie wieder ein Studioalbum aufnehmen wird. Das ist so nah dran, wie wir nur kommen können.“

Zu dem aufgenommenen Repertoire gehört auch „Far From Over“, das er gemeinsam mit seinem ältesten Sohn Trevor geschrieben hat. Luke meint dazu: „Es ist schon komisch… als er vor 35 Jahren geboren wurde, sah ich ihm in die Augen, bevor ich die Nabelschnur durchtrennte, und sagte zu mir: ‚Ich frage mich, ob er in meine Fußstapfen treten wird?‘ Das hat er auf jeden Fall! Es ist eine unglaubliche Freude, denn er ist wirklich verdammt gut! Ich wünschte, ich könnte sagen, dass ich ihm alles beigebracht habe, aber das habe ich nicht. Er ist das einzige meiner vier Kinder, das (bisher) zur Musik gekommen ist und sie zu seinem Leben gemacht hat. Er hat eine natürliche Begabung, die man nicht lernen kann. Ich könnte nicht stolzer sein als ich es bin.“

Aber 1988 veröffentlichten VIXEN ihr Debütalbum. Als reine Frauenband waren sie eine Ausnahme in der von Machismo geprägten Glam-Metal-Szene von Los Angeles, wo sie sich niedergelassen hatten, um Karriere zu machen. Und man hatte den Eindruck, sie konnten nie wirklich zeigen, wozu sie in der Lage sind. Die Songs klangen super catchy, die Produktion war enorm glatt poliert, man stellte ihnen die bekanntesten Songwriter der Zeit an die Seite: Richard Marx, Jeff Paris. Schnell bekamen sie das Label „die weiblichen BON JOVI“ aufgedrückt. Zumindest das Debüt war ein Millionenseller, und unter der glatten Oberfläche glänzten so manches tolle Riff und überdurchschnittliches Können. Der feine Nachfolger „Rev It Up“ fiel in eine Zeit, in der Grunge sich anschickte, dieser Art des Pop-Metal ein unbequemes Grab zu schaufeln. 1991 löste sich die Band schließlich im Streit auf, es folgten mehrere Stilwechsel und Comeback-Versuche. Und schließlich der Tod von Jan Kuehnemund, Gitarren-Virtuosin und Bandchefin, die 2013 den Kampf gegen den Krebs verlor.

JANET GARDNER: noch immer gut bei Stimme

Da sind wir nun doch ein wenig schnell über die Geschichte von VIXEN drüber gehoppelt. Und man könnte das Kapitel an dieser Stelle schließen. Aber halt! Wer sich in den einschlägigen Hardrock- und Metal-Foren umschaut, wird feststellen, dass die Band noch immer eine große Fanschar hat und ihre Songs millionenfach gestreamt werden: Spotify zählt knapp 215.600 Hörerinnen und Hörer pro Monat. Und es gibt noch einen Grund, VIXEN nicht als Episode aus der Vergangenheit abzutun. JANET GARDNER ist noch da, Frontfrau und Reibeisenstimme, ohnehin das Aushängeschild der Band. Sie ist aktiv wie eh und je. Und falls jemand ihr Schaffen aus den Augen verloren haben sollte: Vielleicht war sie noch nie so gut wie heute.

„No Strings“ ist das zweite Album, das die mittlerweile 61-jährige mit ihrem jüngeren Gatten Justin James aufgenommen hat, als Gitarrist, Co-Songwriter und Produzent brachte er sich gleichberechtigt ein. Und wie schon der Vorgänger „Synergy“ von 2020 bietet das Album feinsten, kraftvoll arrangierten Hard Rock, der sich immer wieder auch in Richtung Glam Metal und Blues verneigt. Der Schwerpunkt liegt auf Hooklines, eingängigen Songs mit hymnischen Refrains: vielleicht ist dies die größte Reminiszenz an die 80er Jahre. Aber die Songs sind ausgefeilt und detailverliebt genug, um nicht als bloßes Retrowerk durchzugehen. Im Gegenteil: Das Paar zeigt überzeugend, wie diese Musik heute klingen kann.

Schon der Opener „I’m Living Free“ ist ein schwer rockendes Statement der Selbstermächtigung, das einleitende Bluesriff klingt gritty und staubig, der Pre-Chorus ist geprägt von „Ooohoo“-Gesängen, wie man sie aus dem Glam Metal der 80er kennt. Zwar merkt man Gardner in den tieferen Stimmlagen an, dass ihr Organ etwas gealtert ist – oder, wenn man es positiv ausdrücken will: gereift. Nur schadet das der Sache nicht, denn schon immer klang ihre Stimme rau und kratzig, und es ist beeindruckend, wie sie gerade in den höheren Lagen noch kraftvoll röhrt und shoutet. Was sie hier darbietet, ist souverän und selbstbewusst. Ihre Stimme hat Wiedererkennungswert.

Gardner und James bedienen sich aus der Trickkiste der 80s-Hitschreiber

Der zweite Song „Turn The Page“ dürfte dann den Freunden des 80s-Hardrock die Freudentränen in die Augen treiben. Ein kraftvoll rockendes und zugleich abgehangenes Riff, ein hymnischer Refrain, ein flinkes und virtuoses Solo. Überhaupt ist die Gitarrenarbeit zu loben. Einerseits fest im Hardrock und Blues verwurzelt, gibt sich Justin James nicht damit zufrieden, stumpf rockende Hausmannskost zu bieten. Immer wieder lockern virtuose Licks und elegant fließende Patterns sein Spiel auf, das oft hochmelodisch ist, auch mal Rhythmus- und Lead-Motive ineinander blendet.

Überraschenderweise sind es gerade diese Pop-Metal-Elemente aus den 80er Jahren, die die Musik frisch klingen lassen. Gardner und James bedienen sich ausgiebig aus der Trickkiste der damaligen Hitschreiber, und manches mag in anderen Zusammenhängen grenzwertig wirken. Oooohoo- und Aaaaha-Gesänge sowie euphorisierende, sich langsam steigernde Bridges, die den Übergang von der Strophe zum Refrain bilden. Es gehört zum Genre, dass der Refrain dann nicht immer das einlöst, was vorher mit viel Schwung und Anlauf angekündigt wurde. Aber oft funktioniert es. Kritisieren könnte man lediglich, dass dieses Muster zu selten durchbrochen wird, auch wenn die Songs insgesamt stark und gelungen sind.

So ist auch der dritte Song „85“ ein gelungener Trip zum Sunset Strip mit dem DeLorian, und wenn man die Flügeltüren öffnet, sieht man Girls in knallbunten Tops und zerrissenen Jeans: und Boys, die mit ihrem exorbitanten Haarspray-Verbrauch ganz sicher zur Entstehung des Ozonlochs beigetragen haben. Schon der Titel verrät, dass Gardner der guten alten Zeit huldigt: Zurück ins Jahr 1985, man sei seitdem nicht gealtert, auch wenn man damals jung und naiv gewesen sei, von den Eindrücken der hedonistischen Großstadt überwältigt. Trotz aller schmerzhaften Erfahrungen müsse man an dem Gefühl von damals festhalten. Ein Highlight der Platte und ganz sicher keinen Deut schlechter als die gefeierte Retro-Hymne „1989“ der Schweden NESTOR: mit dem Unterschied, dass Gardner sich damals mitten in der Szene bewegte, ein Teil von ihr war.

“Don’t Turn Me Away“ kommt in der Strophe mit einer virtuosen Akustikgitarre daher, bäumt sich dann im Pre-Chorus und im Refrain zu einer klassischen 80s-Pop-Metal-Ballade auf. Auch das folgende „Set Me Free“ bietet Hardrock mit einem so süßen Refrain, wie er wohl nur in den 80ern erlaubt war, heute aber wegen des hohen Zuckergehalts mit einem roten Nutri-Score versehen werden müsste. Macht nichts, denn wer löffelt nicht gerne aus einem Nutellaglas? Das Keyboard ist schon leicht grenzwertig – und erinnert ebenfalls an eine Zeit, in der dieses Instrument vor allem die Funktion hatte, den Songs einen ordentlichen Zuckerguss zu verpassen. Genau deshalb wird es die Zielgruppe lieben. Um nicht missverstanden zu werden: Nein, das hier ist kein zuckriges Album, im Gegenteil, auch wenn Catchyness vorhanden ist. Oft tönt die Musik sehr kraftvoll und erdwarm, sogar leicht dreckig, was auch am Blues-Fundament einiger Songs liegt. Ebenfalls ein Highlight: das trocken pumpende und swingende „Into The Night“.

Gardner/James bieten keine reine Retro-Platte

Trotz aller Rückverweise in die Hochzeit von Bands wie VIXEN, DOKKEN und BON JOVI haben Gardner und James aber keine reine Retroscheibe aufgenommen. Zwar dehnen sie nicht ähnlich weit die Genregrenzen wie die skandinavischen Vertreter der Retro-Glam-Welle, die sich auch bei Punk, Garage und Alternative bedienen. Die Wurzeln bleiben der Hard Rock und Glam der 80er. Aber Verweise zu Blues, zu Rock der Marke FLEETWOOD MAC und gelegentlich auch zu Singer-Songwriter zeigen einen offenen Ansatz. So kommt „She Floats Away“ mit Tribal Drums und 70s-Atmosphäre daher, das abschließende „Drink“ ist eine fröhliche Fun-Pop-Nummer, in denen Gardner besingt, dass sie einfach nur ihre Alltagssorgen wegtrinken will.

Weil das Album von James auch noch gut und organisch produziert wurde, die Gitarren einen dominanten Part spielen, das Schlagzeugspiel variabel ist und alles schön erdig tönt, hat das Album auch einen deutlichen Vorteil gegenüber den früheren VIXEN-Platten, die doch ein wenig über- und kaputtproduziert waren. Gardner schreibt autobiographisch gefärbte Texte: Sie sind einfach gehalten, aber doch deutlich ehrlicher als die oft formelhaften Lyrics des 80er-Pop-Metal. Und sind ein selbstbewusstes Statement einer Frau, die sich im -noch immer- männlich geprägten Rock-Business durchgeboxt hat, über einiges an Lebenserfahrung verfügt. So ist dieses Album wie das Wiedersehen mit einer alten Freundin, die viele Jahre verschollen war, aber plötzlich an deiner Tür klingelt: an Charakter und Lebenserfahrung gereift, aber noch immer mit einem liebenswerten Spleen und grenzwertigen Klamotten. Eine tolle Platte, die vielen Epigonen ordentlich in den Allerwertesten kickt – und die Hard-Rock-Fans unbedingt auf ihre Einkaufsliste setzen sollten!

Veröffentlicht am 09.06.2023

Spielzeit: 49 Minuten 56 Sekunden

Lineup:
Janet Gardner: Gesang und Gitarre
Justin James: Gitarre

Label: Frontiers Records / Pavement (USA)

Homepage: https://www.janetgardnermusic.com/

Gardner/James „No Strings“-Tracklist

01 I’m Living Free (offizielles Video bei Youtube)
02 Turn The Page
03 85 (offizielles Video bei Youtube)
04 No Strings
05 Don’t Turn Me Away
06 Set Me Free
07 Hold On To You
08 Into The Night
09 I’m Not Sorry
10 You’ll See

Die Band mit den teuflischen Papstmasken hat einen Lauf. Das letzte Studioalbum „Impera“ verkaufte sich Bombe, auf ihrer Tour waren die Hallen ausverkauft und auf Spotify verzeichnet allein ihr Song „Mary On A Cross“ mehr als 336 Millionen Streams. Das sind Dimensionen, in die neben den stadionfüllenden Rockstars sonst nur Rap-Artists vorstoßen: Die ihre Alben aber kaum noch auf physischen Tonträgern veröffentlichen. Damit spricht die Band sowohl den klassischen Metal-Fan (zumindest den, der die Band nicht hasst) als auch die streamingaffine Generation der Teens und Twens an. Um das Momentum zu nutzen, veröffentlichen die Schweden nun eine Cover-EP mit fünf Songs. Und um es vorwegzunehmen: Die Sache ist eine kleine Enttäuschung. Zu brav arbeiten sich GHOST an den Vorlagen ab, zu kalkuliert ist größtenteils die Songauswahl.

GHOST trauen sich zu wenig zu

„See No Evil“ eröffnet den Reigen, das Original stammt von den Protopunk-Helden TELEVISION. Und es ist der Song, der überraschenderweise am besten zu GHOST passt. Was auch an den vorgenommenen Korrekturen liegt. Die Neuinterpretation des Klassikers von 1977 kommt als flotte Gute-Laune-Nummer daher und klingt noch sonniger als das raue Original. Eine Nummer zum Surfen am Strand, so süß wie Erdbeereis, mit einem Refrain, der den Glam von Glitzer- und Plateauschuh-Bands wie SWEET mit leichten BEATLES-Anleihen koppelt. Was dabei ein wenig verloren geht, ist die Doppelbödigkeit des Originals: eine euphorische No-Future-Hymne, als Zwiegespräch adressiert an eine pessimistische Person, die den Untergang in gleißendes Licht taucht. „Ich sehe nichts Böses/ Ich treibe es wild mit den Einäugigen/ Zerstöre die Zukunft mit dem, den du liebst!/ Zerstöre die Zukunft!“, proklamiert die Band. Nie klang es optimistischer, mit Volldampf gegen die Wand zu brettern.

Als zweiten Song haben sich die Schweden „Jesus He Knows Me“ von GENESIS vorgenommen. Und hier zeigt sich das Problem der Cover-EP. Zwar übersetzen GHOST die schrecklich totgenudelte Radionummer mit flotten Riffs in ihr eigenes Soundgewand. Aber wenn man ehrlich ist, unterscheidet sich die Neuinterpretation kaum vom Original. Gar zu brav und bieder bewegt sie sich im gleichen Tempo und Rhythmus, der Song wird korrekt runtergespielt, und Tobias Forges Gesang klingt kein bisschen bissiger als jener von Phil Collins. Im Gegenteil: Collins singt den Song eher nuancierter und gewitzter als der Schwede. Großes Schulterzucken. Korrekt umgesetzt: Aber viel schlechter hätte das die lokale Coverband beim Bierfass-Anstich im Festzelt auch nicht dargeboten.

Song Numero drei ist dann wieder interessanter. Er stammt im Original von der Wave-Punk-Legende THE STRANGLERS. „Hanging Around“ von 1977 ist im Original eine bittersüße, hedonistische Großstadthymne über Prostituierte und Zuhälter, Rocker und Yuppies. Und macht auch in der Version von GHOST eine Menge Spaß. Hammondorgel, flotter Rhythmus, breitbeinige Glam-Metal-Attitüde und mitreißender Refrain. Passt perfekt wie das rote Kleid und die Lederjacke des Mädchens, von dem im Originaltext die Rede ist.

Was dann kommt, lässt einen wieder mit offenem Mund staunen: Nicht weil es so überzeugend ist, sondern weil es so einfallslos ist. „Phantom of the Opera“ von IRON MAIDEN wird, nun ja, eben gecovert. Die Version von GHOST bewegt sich nah am Original, und ist immerhin ein schöner Hinweis darauf, dass Papa Emeritus der Dingste und seine Mannen den 80er-Metal im Blut haben. Ein Lob verdienen zwar die transparente Produktion, die sehr gut abgemischten Gitarren und der flirrende Bass. Aber sonst? Das hier ist Malen nach Zahlen, das Ausmalbuch des Metal-Yoga, Bob Ross sei mein Zeuge. Kein Mut, kein Risiko. Nichts, was einen im Mallorca-Urlaub aus dem Liegestuhl reißt.

Als ob das an Einfallslosigkeit noch nicht genug wäre, gibt es zum Abschluss noch einen Gassenhauer aus den 80er Jahren, bekannt aus jeder Karaokebar zwischen Sachsen und Lappland. „We Don’t Need Another Hero“ von TINA TURNER wurde seit seinem Erscheinen 1985 – ich habe es extra recherchiert – genau 35 Mal von anderen Interpreten gecovert. Und das sind nur die Versionen, die auf einer Webseite mit dem bezeichnenden Namen „secondhandsongs.com“ aufgelistet sind und offiziell auf Tonträgern veröffentlicht wurden. Nö Leute, echt jetzt. Die Version ist zwar wieder okay, weil der stimmlich eher limitierte Papa Forge gar nicht erst versucht, die Oktaven zu reiten wie die Soulrock-Ikone mit der unverwechselbaren Stimme. Tatsächlich gelingt es ihm sehr gut, die Melodie in seine eigene Tonlage zu übersetzen, und im mittleren Tempo groovt der Song angenehm. Aber braucht man das? Die Originalversion von TINA TURNER hat sogar mehr Power, das grandiose Finale mit dem Kinderchor fehlt.

GHOST wählen erwartbare Songs – mit politischem Subtext

Interessant ist immerhin, dass Bandkopf Tobias Forge Songs mit politischem Subtext ausgewählt hat. „Jesus He Knows Me“ von GENESIS setzte sich Anfang der 90er Jahre mit US-amerikanischen Fernsehpredigern auseinander. Und derzeit erlebt die religiöse Rechte ein trauriges Comeback. Ein Beispiel: Seit Anfang April ist in Florida ein Gesetz in Kraft, initiiert vom möglichen US-Präsidentschaftskandidaten Ron DeSantis, das es Lehrerinnen und Lehrern verbietet, an öffentlichen Schulen über Sexualität und Geschlechts-Identität zu sprechen. Auf Grundlage dieses Gesetzes wird derzeit gegen die Lehrerin Jenna Barbee ermittelt. Ihr Vergehen: Sie hatte ihrer fünften Klasse einen Disney-Trickfilm gezeigt, in dem eine homosexuelle Figur vorkommt.

„Vor ein paar Jahren, vielleicht vor zehn Jahren, fühlten sich dieser und andere Songs textlich etwas altmodisch an“, sagte Forge nun dem britischen NME. „Einfach, weil sie es waren. Genesis sangen über die Fernsehprediger der frühen Neunziger Jahre. All das schien vor ein paar Jahren veraltet. Aber jetzt ist alles, worum es in dem Lied geht, wieder aktuell — neben dem, worüber ich in meinem eigenen Material singe“.

Neben den No-Future-Hymnen von TELEVISION und THE STRANGLERS findet sich mit „We Don’t Need Another Hero“ nun auch ein Antikriegs-Song auf der EP. GHOST sind keine unpolitische Band wie KISS, die mit einer ähnlichen Maskerade auftreten und auch Vorbild waren. Eine antiautoritäre Haltung ist ihnen eingeschrieben.

Umso ärgerlicher ist allerdings die teils biedere, allzu berechnende Songauswahl und Umsetzung. Das hier ist Musik, die auf einer Grillparty nicht weh tut, ansonsten aber kaum mehr hervorruft als ein müdes Schulterzucken. Dabei zeigen die gelungenen Interpretationen von TELEVISION und den STRANGLERS, dass ein Coveralbum der Schweden durchaus interessant sein könnte: Wenn weniger bekannte Nummern ausgewählt würden, wenn Bandkopf Forge einfach etwas mehr Mut hätte. So haben wir nun das erste Karaoke-Album von GHOST vorliegen.

VÖ: 19. Mai 2023

Label: LOMA VISTA RECORDINGS / CONCORD

Line-up:
Tobias Forge (Gesang)
A Nameless Ghoul (Gitarre)
A Nameless Ghoul (Gitarre)
A Nameless Ghoul (Bass)
A Nameless Ghoul (Drums)
A Nameless Ghoul (Keyboard)

mehr im Netz: offizielle GHOST-Webseite

GHOST Phantomime-Tracklist:

01. See No Evil (Television)
02. Jesus He Knows Me (Genesis)
03. Hanging Around (The Stranglers)
04. Phantom of the Opera (Iron Maiden, Official Audio bei Youtube)
05. We Don’t Need Another Hero (Thunderdome) (Tina Turner)

„The Monster Inside“ wird am 17. Februar 2023 via Pride & Joy Music erscheinen.

CHRIS ROSANDER „The Monster Inside“ Tracklist

01 – The Monster Inside
02 – Only Hearts Die Young
03 – Nothing Last Forever
04 – High On Love
05 – This Isnt New
06 – The Labyrinth
07 – Northern Lights
08 – When Im Gone
09 – Broken Soul
10 – Turn Your Heart To Stone
11 – Little White Lines

„Auf dieser EP geht es um unsere Zeitlinie, von den Anfängen der Pandemie bis hin zu den Bemühungen, Rock & Roll weniger stigmatisierend zu machen“, erklärt der Künstler.

„From Slave To Prophet“ wurde von Omer Lempert produziert und wird am 9. Dezember 2022 erscheinen.

TWISTED MIND „From Slave To Prophet“ Tracklist

1. Long Live Rock & Roll – 03:59 (Video bei YouTube)
2. Burning Grounds – 04:49
3. Walked Through Hell – 03:52 (Video bei YouTube)
4. Back Home – 06:25
5. From Slave to Prophet – 05:00

„Naked Soul“ wird am 10. Februar 2023 via Frontiers Music erscheinen. Vorab gibt es mit „April Rain“ einen Video-Clip und mit „Set Fire To The Rain“ ein Lyric-Video.

T3NORS „Naked Soul“ Tracklist

1. April Rain (Video bei YouTube)
2. Naked Soul
3. Nights
4. Time Is Coming
5. Silent Cries
6. Torn
7. I Could
8. Mother Love
9. Set Fire To The Rain (Lyric-Video bei YouTube)
10. Stand For Love
11. Strength To Carry On

Mit dem Video-Clip zu „Higher“ ist im Oktober eine zweite Single vom Album erschienen.

„Dieser Song handelt von unserem Bedürfnis, unsere Lebensziele zu erreichen, uns auf das zu konzentrieren, was wir gerne tun, und zu versuchen, alle negativen Dinge hinter uns zu lassen“, erklärt die Band.

Im September ist bereits ein Video-Clip zu „My World“ erschienen.

„Dieser Song wurde geschrieben, um zu zeigen, wie unsere Welt wirklich beschaffen ist und was wir von ihr wollen oder nicht wollen“, erklärt die Band. „All die Hindernisse, die sie verbirgt, und all die Tricks, mit denen wir sie bekämpfen müssen, um weiterzukommen.“

Zuvor hat die 2011 gegründete Band die Alben “Reading Your Dirty Minds” (2015), “Hit The Prey” (2018) und “Through Hell And Back” (2020) veröffentlicht.

„Stamina“ ist am 18. November 2022 via Rockshots Records erschienen.

17 CRASH „Stamina“ Tracklist

1. A Song For Ennio – 2:14
2. Higher – 3:26 (Video bei YouTube)
3. My World – 3:42 (Video bei YouTube)
4. Soul – 4:10
5. Keep Yourself Alive – 3:23
6. In My Dreams – 4:34
7. Reach For The Sky – 3:30
8. Flashing Lights – 3:21
9. Brand New Way – 3:49
10 Danger Zone – 3:46
11 Strike First – 4:43 (Video bei YouTube)

Den 14. September wird keiner von uns je vergessen. Unser Gitarrist David Andersson schloss für immer seine Augen. Es trat ein, was wir lange befürchtet haben. Unsere Herzen trauern. Als unser Sänger Björn David zum letzten Mal im Krankenhaus besuchte, nahm David ihm das Versprechen ab, die musikalische Reise fortzusetzen, die sie beide vor etwa 12 Jahren begonnen hatten. Obwohl David lange nicht mit uns auf Tour war, hatten wir 2022 einen arbeitsreichen Sommer mit unvergesslichen Shows. Es gibt jedoch eine Sache, die wir lange nicht mehr gemacht haben: Clubshows spielen. Wir können uns keine bessere Art und Weise vorstellen, Davids Leben und seine Musik zu feiern, als diese Mini-Europatour im November, die wir schon eine ganze Weile geplant haben. Wir laden euch ein, mit uns zu feiern und die Nacht durchzutanzen. Diese geflügelte und nächtliche Reise muss weitergehen. Zu Davids Ehren haben wir die Tour auch „Death to false AOR“ genannt. Das hätte ihm gefallen – denn wenn es etwas gibt, das er verabscheut hat, dann war es falscher und unnatürlicher AOR.

THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA, S.O.R.M. „Death To False AOR“ Tour 2022

• 10.11. UK    London – The Dome
• 11.11. DE    Berlin – Orwo Haus
• 12.11. NL    Helmond – Cacaofabriek
• 13.11. AT    Vienna – Szene
• 14.11. BE    Bilzen – South of Heaven
• 15.11. DE    Cologne – Essigfabrik
• 16.11. DE    Bochum – Matrix
• 17.11. DE    Weiher – Live Music Hall
• 18.11. SK    Bratislava – Randal Club
• 19.11. DE    Weissenhauser Strand – Metal Hammer Paradise
• 20.11. DE    Leipzig – Hellraiser

BAD SISTER sind Sängerin Andrea Löhndorf, Gitarrist Sven Lange, Keyboarder Andreas Läu, Bassist Jörn Saul und Drummer Kai-Ove Kessler.

„Where Will You Go“ wird am 25. November 2022 via Pride & Joy Music erscheinen.

BAD SISTER „Where Will You Go“ Tracklist

01 – Lose Or Win
02 – Feels Like Love
03 – Bright Lights
04 – Don’t Need Me
05 – You’re Gone
06 – Couldn’t Do Right
07 – Confess You Love Me
08 – Could It Be Love
09 – Fair Enough
10 – She Doesn’t Love You
11 – Moon Woman
12 – Some Hallelujahs
13 – Got Caught

Das neue Album der Schweden wird am 7. Oktober 2022 via Mighty Music erscheinen.

CAPTAIN BLACK BEARD sind Gitarrist Christian Ek, Sänger Martin Holsner, Gitarrist Daniel Krakowski, Bassist Robert Majd (METALITE, ALPHA ATTAKK) und Drummer Yngve Strömberg.

CAPTAIN BLACK BEARD „Neon Sunrise“ Tracklist

1. Flamenco (Video bei YouTube)
2. We’re The Forgiven
3. Physical (Video bei YouTube)
4. Moment Of Truth
5. Wasted Heart (Video bei YouTube)
6. Night Reaction
7. Chains Of Love
8. Burning Daylight
9. Break (Into Forever)
10. Invincible
11. State Of Denial
12. Neon Sunrise

Kuschelrocker RICHARD MARX präsentiert sich als „Songwriter“

So geht es seicht los mit dem Pop-Quintett. „Same Heartbreak Different Day“ tut keinem weh, plätschert vor sich hin. Gut gelaunt, fast rockig „Only A Memory“, „Believe In Me“ klingt wie poppiger BRIAN ADAMS, jeder Song könnte nachts im Radio laufen für müde Autofahrer. Rocken kann MARX natürlich auch noch, „Shame On You“ klingt recht modern und macht Spaß. Auch „My Love, My Enemy“ passt mit seinem Drive ins Autoradio, „One More Yesterday“ ins Stadionkonzert für die Wochenend-Rocker. „We Are Not Alone“ drückt dann erfreulich kraftvoll, da hat wohl Junior Jesse Marx angeschoben.

Country mag MARX also auch. Läuft gut rein, „Everything I’ve Got“ kommt dezent rockig wie auch „One Day Longer“. Moderner New Country zum Mitschunkeln bei „Misery Loves Company“. Wer gern mal in modernen Country reinhört, der kommt hier gut zurecht. Ich greif dann doch lieber zu JASON ALDEAN. Der kann auch tolle Balladen, aber die gehören hier wieder RICHARD MARX. Eine melancholische Piano-Ballade wie „Always“ muss da sein, „Maybe“ lädt zum Träumen ein. Es wird auf die Tränendrüse gedrückt, Schmalzalarm, das mit dem Kuschelrock so geballt am Ende des Albums ist durchaus gewagt und man driftet weg vom Album. Hier ist es eher die schöne Stimme des Sängers, die einen noch in den letzten Songs hält.

RICHARD MARX macht AOR/Kuschelrock, Pop oder Country eher für den US-Markt

RICHARD MARX zeigt, dass er diese Ecken kann, egal ob AOR/Kuschelrock, Pop oder Country. So recht hängen bleibt dabei jedoch nichts. „Only A Memory“, „Shame On You“, „Misery Loves Company“, das schöne „Always“, jeder Block hat sein kleines Highlight, an das man sich erinnert, wenn das Album zu ende ist. Alles nett anzuhören, einen echten Hit gibt es aber nicht. Rockfans ist das alles zu seicht, Pop-Songs gibt es im Radio genug, die besser im Ohr bleiben. Country-Fans haben andere Helden, die Balladen gebündelt sind zu viel des Ruhigen.

Im US-Mainstream mag das anders sein, sicher gibt es dort genug Freunde gemäßigter Klänge, die das Album genau so mögen wie es ist. Wer RICHARD MARX und seine absolut angenehme Plüschstimme mag ebenso. Dass „Songwriter“ bei uns ein Erfolg wird kann ich mir nicht wirklich vorstellen. Live hingegen hat MARX bei uns gerade anscheinend tolle Konzerte gespielt. Lassen wir uns überraschen, wohin die Reise mit „Songwriter“ geht.

Veröffentlicht am 30.09.2022

Spielzeit: 66:27 Min.

Label: Shelter Records

Homepage: https://richardmarx.com

Mehr im Web: https://www.facebook.com/richardmarxmusic

Die Tracklist von „Songwriter“:

POP
1. Same Heartbreak Different Day (Audio bei YouTube)
2. Only A Memory
3. Anything
4. Moscow Calling
5. Believe In Me

ROCK
6. Shame On You (Audio bei YouTube)
7. My Love, My Enemy
8. Just Go
9. One More Yesterday
10. We Are Not Alone

COUNTRY
11. Everything I’ve Got
12. Misery Loves Company
13. One Day Longer (Audio bei YouTube)
14. Breaking My Heart
15. We Had It All

BALLADS
16. Always
17. Still In My Heart
18. Maybe
19. As If We’ll Never Love Again
20. Never After

Auf dem neuen Album „Songwriter“ gibt es vier Kapitel seiner Musik, das Album ist unterteilt in Pop- und Rocksongs sowie Countrysongs und Balladen. Ein Großteil davon sind Kollaborationen mit anderen Songwritern, darunter EVANESCENCE-Gründer David Hodges, Jason Wade von LIFEHOUSE, aber auch seine Söhne Lucas Marx (u.a. Katy Perry, Midnight) und Jesse Marx.

Neues Album „Songwriter“ von Kuschelrocker RICHARD MARX

Neu gibt es nun den Song „Shame On You“ aus der rockigen Sammlung. MARX hat ihn gemeinsam mit seinem Sohn Jesse Marx geschrieben. Zuletzt wurde der Country-Song “One Day Longer” veröffentlicht, davor gab es bereits den Pop-Song „Same Heartbreak Different Day“.

MARX‘ Memoiren „Stories To Tell“ gibt es jetzt auch als Taschenbuchausgabe, im September ist er bei uns auf Tour.

RICHARD MARX Tourdaten:
13.09. Fabrik – Hamburg
14.09. Passionskirche – Berlin
16.09. Kupfersaal – Leipzig
19.09. Deutsches Theater – München
20.09. Gibson – Frankfurt Am Main
22.09. Schlösser Quartier Bohème – Düsseldorf

Die Tracklist von „Songwriter“:

POP
Same Heartbreak Different Day (Richard Marx/Lucas Marx, Michael Jade)(Audio bei YouTube)
Believe In Me (Richard Marx/Lucas Marx)
Anything (Richard Marx/Bruce Weigner)
Moscow Calling (Richard Marx)
Only A Memory (Richard Marx/Adam Messinger)

ROCK
Shame On You (Richard Marx/Jesse Marx)(Audio bei YouTube)
Just Go (Richard Marx)
My Love, My Enemy (Richard Marx/Matt Scannell)
One More Yesterday (Richard Marx/Chris Daughtry/Jason Wade)
We Are Not Alone (Ricard Marx/Jesse Marx)

COUNTRY
Everything I’ve Got (Richard Marx)
One Day Longer (Richard Marx/Keith Urban) (Audio bei YouTube)
Breaking My Heart (Richard Marx/Darius Rucker/David Hodges)
Misery Loves Company (Richard Marx/Lucas Marx/Bruce Weigner)
We Had It All (Richard Marx/Randy Hauser/Brice Long)

Vier der neuen Songs hat die Hardrock-Band schon veröffentlicht: „Face Your Fear„,  ein Lyrics-Video zu „Hypnotize Yourself“, ein Video zu “Shine On” bei YouTube sowie “Radiance”

Die Songs für „Radiance“ wurden von David Lowy, Doug Aldrich und Glenn Hughes geschrieben. Schlagzeuger Brian Tichy kehrte Anfang 2022 zu The Daisies zurück.

„Das neue Album ‚RADIANCE‘ ist unser zweites Album, das von Ben Grosse produziert wurde. Wir hatten eine großartige Zeit beim Komponieren und Aufnehmen des Albums und ich bin sehr aufgeregt, dass ihr alle hören könnt, was wir geschaffen haben. Definitiv ein heavy Album, aber mit einigen coolen Wendungen! Hoffentlich gefällt es euch allen.“ – Doug Aldrich

 

THE DEAD DAISIES  „Radiance“ Tracklist

Face Your Fear (Stream)
Hypnotize Yourself (Lyrics-Video bei YouTube)
Shine On (Video)
Radiance (Stream)
Born To Fly
Kiss The Sun
Courageous
Cascade
Not Human
Roll On

MICHAEL BORMANN hat für das neue Album auch mit einer Reihe von Songwritern zusammengearbeitet. So etwa mit Bruno Kraler, Pete Blakk (Ex-KING DIAMOND), Fredrik Joakimsson und Michael Maikel Müller.

„Power To Win“ wird am 28. Oktober 2022 via RMB Records erscheinen.

„Black Tide“ wird am 4. November 2022 via Pride & Joy Music erscheinen.

WHITE SKIES „What Do You Know About Love?“ (Video bei YouTube)

„Brothers In Arms“ ist am 5. August 2022 via Frontiers Music erschienen.

SUNSTORM „Brothers In Arms“ Tracklist

1. Brothers In Arms (Video bei YouTube)
2. Games We Play (Video bei YouTube)
3. I’ll Keep Holding On
4. I Will Remember
5. No Turning Back
6. Back My Dreams
7. Taste Of Heaven
8. Lost In The Shadows Of Love
9. Hold The Night (Lyric-Video bei YouTube)
10. Miracle
11. Living Out Of Fear

„Dieser Song ist die ultimative Wochenend-Hommage, in dem sich gefallene Engel, Träume von Glitzer und Spätsommerdämmerung zu einem explodierenden Cocktail vereinen.“

Zeitgleich hatte die Formation einen Neuzugang am Mikro verkündet: Åsa Lundman wird ab sofort als festes Mitglied neben Anna Brygård den Background-Gesang übernehmen.

Fotogalerie: THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA – Area 53 Festival 2019 – 11.-13. Juli 2019

Mit einer Akustik-Version von „It Ain’t Me“ stellt die Hardrock-Band jetzt einen weiteren der neuen Tracks vor, schon im April teilte sie die Single „Signed In Blood“ samt Musikvideo bei YouTube.

Frontmann Tobia Gustavsson kommentiert die Wiederveröffentlichung wie folgt:

„Das Ziel der Wiederveröffentlichung des Albums ist es, die Geschichte von NESTOR zu erweitern und zu vertiefen. Indem wir drei neue Songs hinzufügen, lassen wir den Hörer noch einmal in der Zeit zurückgehen und sich daran erinnern, wie es in den späten 80er Jahren war!“

„Kids In A Ghost Town (Deluxe Edition)“ erscheint am 30. September 2022 via Napalm Records als CD, LP, Kassette, limiterte Holzkiste (inkl. CD, 7″-Vinyl, Armband, Plektren) sowie digital.

NESTOR „Kids In A Ghost Town“ Tracklist (Re-Release 2022)

1 A Fanfare for the Reliable Rebel (Intro)
2 On the Run
3 Kids in a Ghost Town
4 Stone Cold Eyes
5 These Days
6 Tomorrow feat. Samantha Fox
Signed In Blood (Video bei YouTube)
8 Perfect 10 (Eyes Like Demi Moore)
9 I Wanna Dance with Somebody
10 A Losing Game
11 We are not Ok
12 Firesign
13 1989
14 It Ain’t Me (edited) (Video bei YouTube)

HARTMANN sind Gitarrist und Sänger Oliver Hartmann (Ex-AT VANCE), Gitarrist Mario Reck, Bassist Armin Donderer (Ex-FREEDOM CALL) sowie Drummer Markus Kullmann (SINNER, VOODOO CIRCLE, Ex-DEZPERADOZ).

HARTMANN „Get Over It“ Tracklist

1. Remedy
2. One Step Behind
3. In Another Life
4. What Yoou Give Is What You Get
5. The Movie’s End
6. Just Drive
7. The Gun (Video bei YouTube)
8. Can’t Keep Away From You
9. Get over It
10. Stay True To me
11. When We Were The Young

„Second To None“ wird am 5. August 2022 via Frontiers Music erscheinen. Vorab gibt es nach dem Video zu „Need A Lil‘ White Lie“ nun auch zum Song „Dreams Of The Wild“ einen Video-Clip.

RESTLESS SPIRITS „Second To None“ Tracklist

1. Need A Lil‘ White Lie ft. Kent Hilli (Video bei YouTube)
2. Hey You ft. Chez Kane
3. Dreams Of The Wild ft. Chez Kane (Video bei YouTube)
4. Until The End Of Time ft. Chez Kane
5. A Dream To Be Lost In Time ft. Renan Zonta
6. And Yet It Breaks ft. Renan Zonta
7. Too Many ft. Johnny Gioeli
8. Nothin‘ Dirty Here ft. Johnny Gioeli
9. Always A Pretender ft. Johnny Gioeli
10. No Time Wasters ft. Renan Zonta
11. Dirty Money ft. Kent Hilli