„Fathers in the Sky“ wird am 22. Januar 2027 via Ripple Music erscheinen. Vorab gibt es zum Opener „Weak and Dangerous“ einen Video-Clip.

BAND OF SPICE Line-Up:
Ronnie Nielsen – guitars
Robert Petersson – drums
Alexander Sekulovski – bass

BAND OF SPICE „Fathers in the Sky“ Tracklist

1. Weak and Dangerous (Video bei YouTube)
2. Clean the Knife
3. Fair Memories
4. The Flood
5. Grab the Bell
6. Done
7. Under a False Banner
8. Up to Me
9. I Failed
10. My War
11. Nephente
12. Fathers in the Sky

Es geht nicht darum, dass mir langweilig ist – es geht darum, nicht mehr 21 zu sein. Wenn man als Kid ein Jahr Pause macht, dann ist das egal. Wenn man in meinem Alter ist – Ende 70 – dann sind die Muskeln nach so einer Pause nicht mehr dieselben. Meine selbstauferlegte Mission besteht also darin, dass ich nicht aufhöre zu arbeiten. Ich muss immer weitermachen, damit die Leute, wenn ich auf die Bühne gehe, das Tempo und das Niveau sehen, das sie erwarten. Und nicht nur einen Schatten von dem, sich erhoffen …

Sie üben also vor Publikum.

Im Grunde genommen, ja.

Sie haben doch aber in ihrem Haus einen wunderbaren Schlagzeugraum!

Ich kann das nicht zu Hause machen. Ganz allein in einem Raum – no way! Da wird mir dann tatsächlich langweilig. Zu Hause gehe ich vielleicht mal kurz die Grundübungen durch, aber selbst dann schaue ich nach zehn Minuten aus dem Fenster oder kriege Lust auf eine Tasse Kaffee oder ein gutes Bier. Nee, zu Hause funktioniert das nicht – ich muss das in echt machen. Vor Menschen.

Seit Jahren erlebt man Sie in den Tourneepausen Ihrer Stammband on the road mit der irischstämmigen DEEP PURPLE-Tribute-Band Purpendicular. Wie haben Sie zusammengefunden?

Puh, das liegt schon eine ganze Weile zurück. Ich glaube, ich habe Robby Walsh, den Sänger, bei einer unserer Shows kennengelernt. Er wusste, dass ich diese kleinen Gigs mit wechselnden Musikern in Italien gemacht habe. In Italien ging das los, weil ich dort so viele Freunde habe und es viele gute Musiker gibt. Robby schlug vor, dass wir so etwas doch auch in anderen Ländern machen könnten – in Deutschland und Österreich, der Schweiz, Frankreich, Skandinavien. Das klang interessant. Wenn ich in Italien spiele, ist es im Grunde jeden Abend eine andere Band. Wenn ich mit Robby zusammenarbeite, sind es immer dieselben Leute. So lernt man die anderen Musiker besser kennen und man kann besser zusammen spielen. Für mich ist es viel einfacher, mit einer festen Gruppe von Musikern zu arbeiten. Naja, es schien mir jedenfalls eine gute Idee zu sein und tatsächlich haben wir eine Menge Spaß dabei.

Mit Purpendicular spielt Ihr Lieder, die DEEP PURPLE noch nie oder schon lange nicht mehr im Programm haben. Wie viel Mitspracherecht haben Sie, wenn es um die Setlist geht?

Ich habe sie gefragt, was sie gerne spielen würden. Manchmal schlage ich auch etwas vor. Dieses Mal spielen wir wieder ein paar Nummern, die keine Ian-Gillan-Songs sind. Wir versuchen es auch für uns frisch zu halten und um den Zuschauern, die uns schon öfter gesehen haben, ein paar Überraschungen zu bieten. Ich muss nur versuchen, mich an diese ganzen Lieder zu erinnern …

Ein paar WHITESNAKE-Nummern waren zuletzt auch im Programm, habe ich gesehen.

WHITESNAKE ist ja genauso ein Teil meines Erbes wie DEEP PURPLE, und es gibt ein paar gute Stücke, die live Spaß machen. Die Hits von Purple sind gesetzt, die muss man eh jeden Abend spielen. Da ist es erfrischend, ein paar andere Nummern einzustreuen. Sie erinnern einen daran, dass man doch mehr als nur zehn oder zwölf Songs in seiner Karriere gemacht hat.

WHITESNAKEs „Come An’ Get It“ ist ein weiteres perfektes Hardrock-Album aus den frühen 80ern. Was macht diese Platte so magisch und nach all den Jahren und Jahrzehnten immer noch herausragend?

Es gibt Zeiten, besonders in einer Band, wenn im richtigen Moment mit den richtigen Menschen die richtige Musik entsteht. Man kann die beste Platte zur falschen Zeit machen und niemand wird sie je hören. Und man kann eine gute Platte zur richtigen Zeit machen und jeder hört sie. Dazu gehört eine Menge Glück, was für die gesamte Unterhaltungsindustrie gilt.

Spielen schön und gut – aber geht Ihnen das Reisen nach all den Jahren nicht sauber auf den Sack?

Das Reisen ist das Schwierigste. Die ganze Zeit auf der Straße und in Hotels – klar will man da nach einer Weile sein eigenes Bett sehen und vor seinem eigenen Fernseher sitzen. Das geht jedem so. Aber ich habe mir dieses Leben ausgesucht. Ein Teil des Preises, den ich dafür zahlen muss, ist, dass ich viel von zu Hause weg bin. Niemand zwingt mich dazu – ich tue das, weil es mein Leben ist … und mache mir darüber keinen großen Kopf. Das Schwierigste ist, wenn man für Konzerte um die halbe Welt fliegt, also 12, 14 Stunden in einem Flugzeug sitzt – das ist harte Arbeit. Denn man macht das ja nicht nur einmal, sondern vielleicht fünf oder sechs Mal im Jahr. In Europa zu reisen ist hingegen einfach. Man sitzt ein, zwei Stunden im Auto, macht ein Nickerchen oder schaut einen Film. Das ist leicht. Europa ist wundervoll klein.

Sie sind das letzte Gründungsmitglied von DEEP PURPLE, haben alle Platten eingespielt und saßen bei allen Shows hinterm Schlagzeug. Egal, was in der Band gerade wieder los war oder welche Egos aufeinandergeprallt sind – Sie haben den Takt gehalten, waren die Maschine, die die Band durch alle Stürme und alle Jahrzehnte getragen hat. Wie schafft man so etwas?

Ich hatte immer großen Respekt vor dem Glück, das mir widerfahren ist. Gut, ein bisschen Talent muss man schon mitbringen, aber wie viele talentierte Musiker gibt es dort draußen, die nirgendwo hinkommen? Ich war zur richtigen Zeit am richtigen Ort, habe die richtigen Leute getroffen – und auf einmal hatte ich eine Karriere. Und ich habe gemerkt, dass das alles so schnell wieder zerbrechen kann, wie ich es gefunden habe. Wenn ich dieses Glück nicht respektiere, dann kann es jederzeit wieder verschwinden. Also bin ich nie respektlos damit umgegangen. Ich schätze die privilegierte Position, in der ich mich befinde. Und ich genieße es, auf der Bühne zu stehen. Warum sollte ich das alles aufs Spiel setzen wollen? Natürlich gab es Zeiten, in denen ich mit anderen Menschen in der Band nicht einverstanden war. Aber am Ende des Tages ist auch eine Band ein demokratisches System, in dem die Mehrheit bestimmt. Damit muss man leben. Manchmal gewinnt man die Schlacht, manchmal nicht. Man muss das entspannt sehen. Auf meiner langen Reise habe ich auf Alben gespielt, auf denen mir ein paar der Nummern nicht gefallen haben. Aber die Mehrheit wollte sie machen, also haben wir sie gemacht. Wir wurden mit diesem wunderbaren Leben gesegnet und ich habe nach all den Jahren noch immer eine Menge Spaß dabei. All das zu gefährden, nur weil ich mein Ego ausleben muss, das ist doch dumm.

Aber konkret: Wie verhält man sich im Auge des Sturms? Wie haben Sie in einer Band wie DEEP PURPLE überlebt, in der Hitze lange Jahre nur durch Reibung entstand?

Du versuchst, der Diplomat zu sein. Du versuchst, Menschen dazu zu bringen, eine Position zu sehen, die sie vielleicht nicht gesehen haben. Manchmal gelingt einem das, manchmal nicht. Aber irgendwann kommt man immer in die Situation, in der man etwas ändern muss. Ich wäre nie derjenige gewesen, der geht. Lächerlich! Warum sollte man etwas aufgeben, das einem Spaß macht und mit dem man sich und seine Familie ernähren kann? Warum sollte man das tun? Das habe ich nie verstanden. Wenn ich konnte, habe ich immer versucht, zu helfen. So bin ich eben. Ich verstehe, dass andere Menschen das anders sehen und mich für zu anpassungsfähig halten, aber ich glaube, sie liegen falsch.

Was hat sich beim Schlagzeugspiel im Laufe der Jahre am meisten verändert?

Es gibt diesen sehr wahren Satz aus der Zeit der Big Bands: „Es gab noch nie eine großartige Band, die nicht einen großartigen Schlagzeuger hatte!“ In der heutigen Musik hört man, dass da keiner trommelt, sondern dass der Beat programmiert ist. Das hört man. Jede Note ist perfekt, gleich laut und gleich kalt. Das macht nichts mit einem.

Ich habe lange darüber nachgedacht, was ich an Ihrem Schlagzeugspiel so mag. Ich bin kein Musiker, nur Zuhörer und Multiplikator. Nach Jahren des Studiums und des Nachdenkens kam es mir: Es sind die Trommelwirbel. Bei jedem Drum-fill gönnen Sie sich diesen kleinen Zusatzmoment – und kommen dann zeitversetzt zurück in diesen mächtigen Beat. Wir reden hier von einem Wimpernschlag. Würden wir übers Boxen sprechen, dann wäre es ein präziser, genau platzierter Schwinger.

Verstehe. Wenn man ein großes Drum-fill spielt, ist es ganz natürlich, dass man sich beeilt, um wieder in die Musik zu kommen. Also nehme ich mir diese Nanosekunde … und halte mich im letzten Augenblick ein bisschen zurück. Es ist aufregend, weil du deinen Körper in diesem Moment zu hundert Prozent anspannst. Rein technisch gesehen ist das nicht schwierig, aber man muss wissen, dass alles schneller wird, nachdem der Schlagzeuger ein Drum-fill gespielt hat. Man muss sich also nur diesen ganz kleinen Atemzug nehmen, diesen winzigen Moment – und ihn anhalten. Dann passt alles zusammen. Im Prinzip ganz einfach, aber man muss es erst lernen. Ich habe mir das vor vielen Jahren selbst beigebracht.

Vor Jahren hatte ich ein interessantes Interview mit einem Sternekoch. Der meinte, dass man, wenn man jung ist, einfach mal macht. Je mehr man dann mit den Jahren über sein Fachgebiet lernt und weiß, umso mehr verliert man diese Art von Unschuld und sucht sie am Ende wieder.
Das stimmt. Aber ich denke, das gilt für jede Art von Unternehmung. Wenn man ein Kind ist, ist man unsterblich. Man ist kugelsicher. Man kann alles tun – in seinem Kopf. Die Tatsache, dass man in Wirklichkeit gar nichts kann, spielt dabei keine Rolle. Und dann lernst du mehr und mehr dazu, und Dinge, von denen du irgendwann einmal dachtest, dass sie aufregend sind, sind dir irgendwann nicht mehr so wichtig, weil anderes kommt, das dir noch besser gefällt. Es ist also nicht so, dass du das nicht mehr hinkriegst – du hast es nur vergessen, weil andere Dinge nachgerückt sind. Wenn ich mir heute ein Video aus meinen frühen Tagen angucken, sehe ich, wie hart ich geschlagen habe. Als wir anfingen, gab es noch keine Mikrofone am Schlagzeug. Deshalb haben Leute wie Bonham, Ginger, Cozy Powell und ich sehr, sehr hart gespielt – weil wir keine Mikrofone hatten. Heute können wir das alles ein wenig entspannter angehen, aber es verändert natürlich die Art, wie man an das Schlagzeug herangeht. Alles entwickelt sich weiter. Für Schlagzeuger ist es ein bisschen einfacher geworden, weil wir nicht mehr der stärkste Mann der Welt sein müssen. Wir können uns von der Elektronik ein bisschen helfen lassen.

Aber dann sehe ich Lars Ulrich, wie er sein Schlagzeug fast nur noch streichelt …
Natürlich verändert das auch die Art und Weise, wie man spielt. Es sieht vielleicht nicht mehr ganz so aufregend aus, aber wenn man es sich anhört, ist es heute im Allgemeinen besser. Nee, das passt schon. Das einzige Problem, das Schlagzeuger heute haben, ist, dass wir in einem Zeitalter der maschinellen Zeitmessung leben, und viele Drummer versuchen, das nachzuahmen, was wir früher getan haben. Aber damals in den 30er, 60er und frühen 70er Jahren gab es so etwas wie Click-Tracks noch nicht. Wir hatten alle verstanden, dass sich die Zeit in einem Song bewegen kann. Das Tempo konnte ein wenig ansteigen und es konnte ein wenig zurückgehen. Das war das menschliche Gefühl. Jetzt gibt die maschinelle Zeiterfassung alles vor – und verpasst uns allen eine Gehirnwäsche. Wenn etwas auch nur einen Takt variiert, ist es schon nicht mehr in Ordnung. Dabei ist das ja nicht zwingend falsch. Wir wurden nur darauf konditioniert, dass alles, was wir hören, perfekt sein muss. Und dadurch geht etwas von der Magie dieser wunderbaren alten Schallplatten verloren, die ihre eigene Bewegung hatten – wie eine Welle auf dem Meer. Damals war noch die Menschlichkeit der Musiker zu hören, die spielten. So etwas ist heute nur noch schwer zu erreichen. Das gilt aber für fast alles auf diesem Planeten.

Monitoren Sie sich und ihr Spiel selbst – etwa, indem sie alte Mitschnitte von sich anschauen und analysieren?
Nur, wenn ich etwas spielen muss und vergessen habe, wie es ging. Ich weiß noch, wie es sich anhören soll, aber ich muss sehen, was meine Hände gemacht haben, um mich daran zu erinnern. Habe ich mit der linken Hand angefangen? Oder mit rechts? Möglicherweise ist es 40 Jahre her, dass ich besagten Song zum letzten Mal gespielt habe. Und vielleicht gibt es da ein paar komplexe Teile, die damals selbstverständlich für mich waren, es heute aber nicht mehr sind. Dann muss ich etwas neu lernen, das ich vor vielen Jahren gemacht habe. Manchmal reicht es tatsächlich, wenn ich es mir ansehe, um den Ausgangspunkt wiederzufinden.

Haben Sie ein ein Archiv von Ihrer Arbeit?

Gute Idee, aber nein: Habe ich nicht.

Spielen Sie nach all den Jahren immer noch gerne „Smoke On The Water“?

Natürlich. Für viele Leute ist das ein sehr wichtiger Song ist – und ich verstehe das. Manchmal ist es ein Teil ihrer Jugend oder sie haben eine andere Verbindung dazu. So oder so, es ist ein großartiger Rock’n’Roll-Song. Nein, ich werde nie müde, ihn zu spielen. Herzlichen Dank, wenn man ein oder zwei solcher Nummern in seiner Karriere hat – das ist etwas Besonderes. Wenn wir sie nicht bringen würden, wären viele Leute sehr traurig.

Was sind Ihre Lieblingslieder von DEEP PURPLE?

„Living Wreck“ vom „In Rock“-Album – ein Stück, das wir mit Purple nicht mehr spielen. Ich mag das Schlagzeugspiel darauf sehr. Nicht wirklich schwierig, aber sehr musikalisch. „Burn“ ist ein großartiges Stück für einen Schlagzeuger, um sich zu zeigen.

Ian Gillan würde nie einen Song wie „Burn“ spielen, oder?

Nein. Ian Gillan erinnert sich ja schon an seine eigenen Texte nicht mehr – da wird er keinen Text von David Coverdale lernen … (lacht)

Über meine nächste Frage bitte nicht lachen: Ich fand es so cool, dass Sie schon immer eine Brille getragen haben. Sie waren der einzige Rockstar … nun ja, nicht der einzige, aber einer der wenigen Rockstars, die ihre Gläser sogar auf der Bühne an hatten. Das bedeutete mir in jungen Jahren viel, weil ich selbst früh eine starke Brille tragen musste und lange darunter gelitten habe.

Meine Augen waren auch nicht so toll, aber da kann man nichts machen. Das heißt ja nicht, dass du deshalb ein schwacher oder schlechter Mensch bist. Ich habe mich entschlossen, eine Brille zu tragen, die von den Leuten nicht allzu ernst genommen wurde: mit verschiedenen Farben und einer etwas merkwürdigen Form. So konnte ich auf der Bühne wenigstens scharf sehen. Mit dem Alter wurden meine Augen besser, heute brauche ich eine weniger starke Brille. Das ist schön. Aber irgendwann gehörte die Brille zu meiner Bühnenpersönlichkeit – so wie der Zylinder bei Slash. Ohne Brille würden mich die Leute heute gar nicht mehr erkennen!

Dieser Soundeffekt am Anfang von „Fireball“ – was ist das?

Das war das Geräusch einer anspringenden Klimaanlage im Studio. Man hört, wie der Kompressor angeht. Wir dachten, das klingt cool, haben es aufgenommen und auf die Platte gepackt. Und die Klimaanlage wieder hochgedreht. Wir haben damals eine Menge solcher Sachen gemacht. Wir waren eine Generation von Musikern, die sich an keine Regeln halten mussten – wir haben unsere eigenen Regeln aufgestellt. Wenn wir dachten, dass sich etwas gut anfühlte oder anhörte, dann taten wir es einfach. Und die Plattenfirma war sehr glücklich, weil sie Millionen und Abermillionen von Dollar mit uns verdient hat. Ich würde sagen, 90 Prozent unserer Karriere hatten wir mit Plattenfirmen zu tun, bei denen Leute gearbeitet haben, die Musik mochten. Heutzutage ist das keine Selbstverständlichkeit mehr. Viele dieser Menschen sind Geschäftsleute, ihr Job ist es, dafür zu sorgen, dass die Zahlen am Ende des Jahres schwarz und nicht rot sind. Sie wissen nicht viel über Musik. Wahrscheinlich mögen sie Musik nicht einmal besonders. Früher war das anders, als wir mit EMI und Warner Brothers zu tun hatten, vor allem mit Warner Brothers America. Die Leute dort waren interessiert und wollten mit dir über Musik sprechen und nicht nur übers Geschäft. Das war schön.

Kriegt Ihr heute etwa Druck von Euerer Plattenfirma, ein neues Album zu machen?

Nein. Wenn wir heute eine neue Platte machen, dann ist das unsere Entscheidung – nicht die der Plattenfirmen. Wir befinden uns aktuell in der Position, das wir so etwas beschließen können – und die Plattenfirma steht hinter uns und geht da mit. Das ist eine gute, gesunde Beziehung, finde ich. Natürlich hilft es auch, dass der Chef unseres Labels Ear Music ein großer DEEP PURPLE-Fan ist …

Stimmt es, dass DEEP PURPLE in Deutschland einen voll ausgestatteten Proberaum unterhalten?
Keinen klassischen Proberaum, nein. Aber seit dem Brexit lagern wir unser gesamtes Equipment in Deutschland – was einfach nur praktisch ist. Wenn wir Sachen in die USA, nach Südamerika oder Japan verschiffen, dann ist es egal, woher sie kommen. Aber wenn man in Europa arbeitet, warum sollte man all diese schrecklichen Zollprobleme auf sich nehmen, um sein Zeug von der Insel und wieder zurück zu bringen? Das ist eines der unsinnigen Dinge am Brexit. Also lagern wir einfach alles in Deutschland und laden es dort in ein Auto. Mit leichtem Gepäck einzureisen und später wieder zurück nach Großbritannien zu gehen, macht es ein Vielfaches einfacher für uns.

Darf ich mir das dann als Lagerraum vorstellen?

Das Equipment ist in einem großen Lagerraum untergebracht, aber auf dem Gelände gibt es auch eine riesige Soundbühne, auf der man eine komplette Probe fahren kann, bevor man auf Tour geht. Die mieten wir, wenn wir sie brauchen – so, wie viele andere Künstler auch. Die ist echt riesig: Rund vier Stockwerke hoch und wahrscheinlich 70 Meter im Quadrat, so dass man eine komplette Bühne mit Licht und PA aufbauen und sicherstellen kann, dass alles funktioniert. Da zu proben ist immer ein großer Spaß.

Sie haben auf YouTube einen eigenen Kanal: Ian Paice Drumtribe.

Als Covid kam und keiner mehr etwas tun konnte, wollte ich meine Zeit zu Hause konstruktiv nutzen. Also habe ich ein paar Dinge hervorgekramt, von denen ich dachte, dass sie die Leute interessieren könnten. Ein paar Geschichten, ein paar Studiosachen undsoweiter. Seit das Leben wieder erwacht ist, geht das jetzt alles wieder ein wenig langsamer, weil ich natürlich weniger Zeit habe. Aber ich poste immer noch neue Sachen, wenn ich welche finde.

Wuppen Sie das alleine?

Den kreativen Teil erledige ich selbst. Ich habe das Glück, dass ich hier ein schönes großes Haus habe, in dem ich all diese Dinge tun kann. Aber ich habe einen Neffen, der sich um den ganzen Internetkram kümmert, weil ich davon keine Ahnung habe. Er kümmert sich um die richtigen Formate und dass es am Ende auf YouTube landet. Manche Menschen fühlen sich mit dem Mikrofon vor einer Kamera wohl. Glücklicherweise gehöre ich zu denen. Ich kann da einfach ich selbst sein und den Leuten scheint es zu gefallen.

Haben Sie sich wirklich mit allen Musikern vertragen, die in den Jahren und Jahrzehnten bei DEEP PURPLE gespielt haben?

Mehr oder weniger, ja. Ich bin ein ziemlich unkomplizierter Typ. Und: Ich erwarte nicht, dass jeder die Welt so sieht, wie ich sie sehe. Ich erwarte auch nicht, dass das Gegenüber alles mag, was ich mag. Das ist in Ordnung. Anders zu sein ist okay. Als DEEP PURPLE zusammenkamen, waren Ritchie und ich die engsten Freunde in der Band. Wir zogen gemeinsam viel um die Häuser, musikalisch waren wir meistens einer Meinung. Doch dann, als er die Band verließ und RAINBOW gründete, wurde er ein anderer Mensch – weil er plötzlich der Chef seiner eigenen Band war. Als ein solcher Chef kehrte er später zu Purple zurück. Aber bei Purple gab und gibt es keinen Chef. Mein Vater, der lange vor mir Musiker war, hat einmal zu mir gesagt, dass wenn man einmal der Anführer ist, nie wieder zurück kann. Du kannst dann nie wieder nur einer der Jungs sein. Ich glaube, das war bei Ritchie so. Er genoss es, die Kontrolle zu haben. Als wir die Band 1984 neu aufstellten, dachte er, dass er jetzt der Chef bei Purple ist. Er ist der Typ mit dem Namen, er ist der Typ, der vorne steht. Aber das funktionierte überhaupt nicht. Es gab nie zu viele Egos bei DEEP PURPLE – nur zu viele andere wichtige Musiker, die das gleiche Recht haben, zu sagen, was sie denken. Und das ist auch schon die ganze Geschichte.

Heute sieht man DEEP PURPLE auf der Bühne und fühlt ein großes Miteinander. Ja, ich habe das Gefühl, Ihr seid eine sehr demokratische Band.

So soll es doch aber auch sein: Es soll Spaß machen. Wenn du mit deinen Freunden unterwegs bist, dann können nicht drei das eine und zwei etwas anderes tun. Dann ist es keine Band mehr. Klar, es gibt immer Menschen, mit denen man sich besser versteht, weil man ähnliche Ansichten über Humor, Politik, Religion und so weiter teilt. Mit anderen groovt es nicht so. Das ist aber keine große Sache und man sollte auf keinen Fall zulassen, dass so etwas das eigene Leben trübt. Die Menschen sind verschieden und so soll es auch sein.

Haben Sie noch Kontakt zu Ritchie Blackmore?
Die Erinnerungen, die ich an Ritchie habe, sind alle aus den frühen Tagen und sie sind alle wunderbar. Und wenn er mich heute anrufen würde, würden wir über die gute Zeit reden, keine Frage. Aber er ruft nicht an. Und ich rufe ihn auch nicht an. Ich habe nichts Schlechtes mehr über Ritchie zu sagen. Er ist, wer er ist. Wenn er sich von seiner besten Seite zeigt, ist er ein wunderbarer Musiker. Aber er ist gegangen. Ich bin es nie. Belassen wir es dabei.

Bei der Vorbereitung auf dieses Interview stieß ich im Netz auf einen Mitschnitt der „Slaves & Masters“-Tour 1991. Was kommt Ihnen in den Sinn, wenn Sie an Joe Lynn Turner denken, der damals für ein Album und diese Tour bei DEEP PURPLE war?

Joe war nie der richtige Mann für DEEP PURPLE. Aber es gab sonst niemanden, der singen konnte und den wir damals hätten kriegen konnten. Und Joe hat uns etwas unglaublich Wertvolles gegeben: Er schenkte uns ein weiteres Jahr, um Ian Gillan zurück in die Band zu holen. Ohne dieses Jahr mit Joe hätten wir nicht weitergemacht, alles wäre vorbei gewesen. Joe ist wunderbarer Kerl. Wir sollten uns bei ihm bedanken, wann immer wir ihn sehen. Er hat die Reunion mit Ian Gillan ermöglicht.

Ich mag „Slaves & Masters“, aber es war für mich immer mehr ein RAINBOW-Album, auf dem halt DEEP PURPLE stand.

Im Grunde genommen ja.

Darf ich Sie etwas über ein paar Kollegen von Ihnen fragen?

Sie können mir alle Fragen stellen. Aber ich weiß wirklich sehr, sehr wenig über andere Musiker. Und ich sage Ihnen auch warum: Wenn Sie mich nach Musikern fragen, die ähnliche Dinge tun wie ich, dann ist das für mich nicht interessant. Es muss mein eigenes Ding sein, ich mittendrin, die Spannung, der Reiz, die Aufregung von mir selbst erzeugt. Deshalb bin ich nie sonderlich begeistert, wenn ich jemanden anderen sehe, der etwas Ähnliches macht wie ich. Sie können mir gerne all ihre Namen nennen, aber ich werde nicht wissen, von wem Sie sprechen.

Zumindest einen auf meiner Liste kennen und schätzen Sie: ALICE COOPER hat oft erzählt, dass alle Geschichten über Keith Moon, die man hört, wahr sind. Stimmt das?

Oh ja. Keith lebte auf einem anderen Planeten. Wenn ihm etwas in den Kopf schoss, dann tat er es. Egal ob es Sinn machte, ob es gut oder schlecht, gefährlich oder sicher war – er hat es einfach gemacht. Wissen Sie, manchmal trifft man Leute in seinem Leben und sagt: „Dieser Typ wird nie ein alter Mann sein.“ Keith war so einer. Er hat das Leben ein bisschen zu schnell gelebt. Aber er hat in diesen Jahren viel, viel erlebt.

Wusste man das, wenn man ihn getroffen hat?

Ja, das wusste man. Man konnte es schlicht sehen. Und er ist nicht der Einzige von dieser Sorte. Es gibt Menschen, über die sagt man: „Wenn man die Kerze an beiden Enden anzündet, dann wird es gefährlich.“ Keith Moon hat beide Enden und die Mitte angezündet.

Sie feiern eine Gartenparty und dürfen drei Gäste einladen – Leichen willkommen! Bands, die es nicht mehr gibt, Musiker die schon tot sind … Wer spielt auf Ian Paices Gartenparty?

Oh, eine meiner Lieblingsbands war immer Sly & The Family Stone: toller Groove, toller Blues und Soul, tolle Songs, tolle Produktion, tolle Musiker. Dann: Chuck Berry! Und ich würde Little Richard dort haben wollen. Die Songs von Chuck Berry, die Stimme von Little Richard und der Funk und der Groove von Sly – ja, das wäre eine Wahnsinnsparty.

Kein Jazz?

Jazz gerne für mich mit einem Drink in der Hand. Aber für eine Party, nein.

Ich habe es immer geliebt, wenn Sie über Jazz gesprochen oder auch mal Jazz gespielt haben.

Ach, so viel habe ich da doch gar nicht gemacht. Es macht mir Spaß, Jazz zu spielen – oder besser: Musik im Jazz-Stil. Ich bin aber kein Jazz-Schlagzeuger, sondern ein Rock’n’Roll-Schlagzeuger, der einige Jazz-Einflüsse verwendet. Ich kenne viele großartige Jazz-Schlagzeuger, die können keinen Rock’n’Roll spielen, so wie ich umgekehrt auch nicht Jazz spielen kann wie sie. Man sucht sich eine musikalische Nische und ist darin hervorragend. Buddy Rich ist mein absoluter Schlagzeug-Held, doch wehe es versuchte ihn einer dazu zu bringen, einen einfachen Rock’n’Roll-Song zu trommeln – das konnte er nicht. Warum auch: Es war nicht sein Ding. Es war eine andere Generation, eine andere Art zu spielen. Bei jedem Rock’n’Roll-Stück hätte ich ihn in den Boden gestampft, aber wenn ich in einer Big Band spielen müsste, wäre ich im Vergleich zu ihm ein verlorenes Baby.

Gillan schreibt dazu auf Facebook:

„Liebe Freunde,
Danke für die guten Wünsche und eure Unterstützung in den vergangenen  Tagen, die mir sehr viel bedeuten. In Leipzig hatte ich ein gesundheitliches Problem, das schnelle Behandlung im Krankenhaus erforderte. Ich hatte gehofft, bis zum Ende der Tour durchzuhalten, aber das würde große Risiken mit sich bringen.
Deshalb haben wir auf Anraten meines medizinischen Teams und meines Managements beschlossen, den Rest der Europa- und Großbritannien-Tour bis auf Weiteres zu verschieben. Es tut mir sehr leid für die Unannehmlichkeiten, aber es ist in unser aller Interesse.
Vielen Dank für euer Verständnis.
Viele Grüße, IG“

Informationen zu möglichen Ersatzterminen sind derzeit noch nicht bekannt.

DEEP PURPLE Tour 2026

16.10.26 CH-Zürich – Hallenstadion
31.10.26 Leipzig – QI Arena
01.11.26 Hamburg – Sporthalle
03.11.26 Dortmund – Westfalenhalle
04.11.26 Berlin – Uber Arena
06.11.26 Frankfurt – Festhalle
07.11.26 Nürnberg – Arena

„“Come Undone“ fühlt sich für uns wie der Beginn von etwas Neuem an“, sagt die Band. „Der Song entstand aus der angespannten Lage und der Unsicherheit, die wir derzeit im Nahen Osten erleben.“

KARMAN LINE Line-Up:
Greg Brown (Lead Vocals/Guitar)
Frank Bassiouni (Lead Guitar)
Simone Nisi (Guitar)
Petar Milošević (Bass)
Danny Langston (Drums)

KARMAN LINE „Come Undone“ (Lyric-Video bei YouTube)

Für das kommende Jahr plant die Musikerin außerdem eine tour, Details sind allerdings noch nicht bekannt.

LEE AARON „Re-Vamp“ Tracklist

• 01 Fight Like A Girl
• 02 Metal Queen 2027
• 03 Powerline 2027.wav
• 04 Hot To Be Rocked 2027
• 05 Barely Holdin‘ On 2027
• 06 Hands On 2027
• 07 Some Girls Do 2027
• 08 Whatcha Do To My Body 2027
• 09 Only Human 2027
• 10 WWJD (What Would Jesus Drink)
• 11 The Heart Wants
• 12 Blood Money

LEE AARON – Line Up

• Lee Aaron – vocals
• Sean Kelly-guitar
• Dave Reimer-bass
• John Cody-drums

Der Mann ist vom Fach: langjähriger Musikjournalist (Rolling Stone, Rock Hard, taz, NZZ, Zeit online), ehemaliger Musikant (SALEM’S LAW) und langzehntelanger MOTÖRHEAD-Aficionado. In Fachkreisen spricht man längst nur noch ehrfürchtig von Fränk Schäfer. Zeit für einen kleinen Schwatz über eine unserer ewigen Lieblingsbands und die Geheimnisse des Schreibens.

Ein Fanzine aus Franken hat jahrelang immer, wenn ein neues Album von MOTÖRHEAD erschienen ist, die gleiche Besprechung gebracht – also den selben Text abgedruckt und nur den Albumtitel geändert. Das ist ja das, was man MOTÖRHEAD gemeinhin gerne vorwirft: „Klingt alles gleich!“ – „Die haben nur einen Song, wahlweise in der langsamen oder in der schnellen Ausführung.“ Was macht für Dich die Faszination an MOTÖRHEAD aus?

Man kann es ja auch anders herum formulieren: MOTÖRHEAD hatten einen so ausgeprägten Personalstil, dass man sie unter hunderten Bands sofort heraushört. Und wenn eine Band so ähnlich klingen wollte, war gleich der Vorwurf des Plagiats im Raum. Ich empfinde das grundsätzlich mal als Qualität. Außerdem interessieren mich Bands, die mit der Kunst der Variation operieren, also diese ästhetische Methode wirklich ernst nehmen. Und wenn man sich einhört, so richtig einhört, dann hört sich eben doch nicht mehr alles gleich an. Man muss schon sein Sensorium schärfen. Diesen Vorwurf haben taube Verächter auch ganzen Genres gemacht: „Heavy Metal? Klingt ja alles wie AC/DC!“ Hab ich oft genug gehört in den späten Siebzigern und hat ja auch nie gestimmt.

Dein Buch „MOTÖRHEAD – die lauteste Band der Welt“ ist beim renommierten Suhrkamp Verlag erschienen, der wie kein anderer für die Hochkultur im Land der Dichter und Denker steht. Wie hast Du das geschafft?

Suhrkamp hat sich ja schon eine Weile der Popkultur geöffnet, aber MOTÖRHEAD würde man da dennoch nicht erwarten, das stimmt wohl. Ich hatte vorher schon eine Thoreau-Biografie dort veröffentlicht, die sich ganz gut verkauft hat, der Verlag war mir also nicht völlig feindselig gestimmt, und dann habe ich denen ein Exposé hingepfeffert, das keine Fragen mehr offenließ. Quatsch, nee: der Taschenbuch-Chef meinte wohl, dass Lemmy auratisch genug ist, um das Buch verkaufen zu können. Hinzu kamen ja auch noch die Geburts- und Todestage.

Irgendwann – gefühlt so ab der Jahrtausendwende – war da ja plötzlich so eine seltsame Faszination der Hochkultur an (dem Phänomen) MOTÖRHEAD – und Lemmy mit einem Mal auch ein Thema fürs Feuilleton …

Lemmy hat das selbst ganz gut analysiert. Er hat mal gesagt, er sei der alte Drecksack, der die ganze Geschichte des Rock’n’Roll erlebt und eben auch überlebt hat. Die Journalisten bräuchten ihn, weil er zu all dem etwas erzählen könnte. Und das kommt eben auch dazu: er konnte erzählen. Er war ziemlich oft ein großartiger Causeur, komisch und straßenweise.

Hast Du Lemmy mal getroffen? Oder wen anderes aus der Band?

Nein, keinen einzigen. Ich bin aber auch nicht dieser Fan-Typ, der Nähe zu seinen Heroen sucht. Mich interessiert das Kunstwerk und was es bei mir auslöst, wie sich das in mein Leben einmischt. Blöderweise bin ich auch kein guter Interviewer. Ich bin harmoniesüchtig, kriege meistens nicht viel raus aus meinen Gesprächspartnern, jedenfalls nicht in 20 Minuten, und mehr Zeit bekommt man ja nicht für so ein Star-Interview. Ich war neulich mal beim Literaten Jochen Schimmang und wir haben fast den ganzen Nachmittag miteinander gesprochen, da dringt man dann irgendwann wirklich zu den Geschichten vor, die noch nicht so oft erzählt wurden. Aber in einen halben Stunde gelingt mir das nie, da gibt es bessere. Und gerade von MOTÖRHEAD gibt es ja nun hunderte Interviews, ich hätte dem nichts mehr hinzufügen können, bilde ich mir ein.

Deine fünf Lieblings-Alben von MOTÖRHEAD?

„Overkill“, „No Sleep Til Hammersmith“, „Another Perfect Day“, „Orgasmatron“ und „1916“.

In „MOTÖRHEAD – die lauteste Band der Welt“ analysierst Du viele Texte von Lemmy Kilmister. Wir haben uns immer über die lyrische Diskrepanz bei MOTÖRHEAD gewundert: Manchmal waren das echt tiefgründige, philosophische Gedanken, oft hatte man aber auch das Gefühl, die Texte wurden mal eben schnell auf dem Weg in die Gesangskabine geschrieben …

Genau so war es ja wohl auch. Ein paar Themen lagen ihm am Herzen, der ewige Krieg natürlich, die Bigotterie der Religionen, die Korruptheit der politischen Eliten, dazu fiel ihm immer mal wieder auch sprachlich Außergewöhnliches ein. Aber dann wurde kurz vor knapp noch ein Song fertig, der einen Text brauchte, also meldete sich Lemmy für einen längeren Klogang ab und kam dann mit einem Text wieder, der das Phrasenschwein mal so richtig fütterte. Und selbst dann hat er manchmal noch eine Pointe oder eine hübsche Metapher zum Merken rausgehauen.

In Deinem Buch beschreibst Du schön, wie müde Lemmy in seinen letzten Tagen war. Mit Abstand betrachtet sind die letzten Fotos von ihm erschreckend – der Tod ist ihm da schon ins Gesicht gemeißelt. Und auch die letzte Tour war eigentlich nur noch ein Trauerspiel, auch, wenn man es damals nicht wahr haben wollte und es gefeiert hat, dass sie viele von diesen langsamen, staubigen Westernsongs gespielt haben. Du beschreibst in Deinem Buch die Feier zu Lemmys 70. Geburtstag in seiner Stammkneipe „Rainbow Bar & Grill“ in Los Angeles, zu der er sich nur noch hingeschleppt haben soll, um früh wieder zu verschwinden. Hier kommt die Frage: Glaubst Du, daß Lemmy manchmal keinen Bock (mehr) hatte, Lemmy – also der stolze, strahlende Rock’n’Roll-Gott und letztlich die von ihm geschaffene (Kunst-)Figur – zu sein?

Ja, das glaube ich wirklich, aber er wusste wohl nicht, was er anders hätte machen sollen. Und vielleicht hatte er Angst davor, dass er, wenn er nicht mehr in Bewegung ist, wirklich alt wird. Er konnte aber letztlich auch nichts anderes. Jeden Abend ins Rainbow Bar & Grill zu dackeln und an seinem Spielautomaten zu stehen, war eben auch nicht die Erfüllung. Gerade am Ende seines Lebens war er wohl auch ganz froh, dass er mit Cheryl Keuleman und seinem Sohn doch noch so etwas wie eine Familie bekam, obwohl er das jahrzehntelang als bürgerliche Scheiße abgelehnt hatte.

Writing about music is like dancing about architecture – man ist sich uneinig, wer es tatsächlich gesagt hat. Aber was ist dein Lieblingstanz?

Am liebsten erzähle ich Geschichten, in der die Musik zum Auslöser wird für etwas Lebensveränderndes oder in der sie eine bestimmte Episode im Leben verdichtet zusammenfasst. Da spielt es dann auch keine Rolle, dass es Übersetzungsverluste gibt, wenn man mit Sprache Musik einfangen will, weil man von vornherein nicht nur die Musik im Blick hat, sondern auch das, was Menschen mit ihr machen. Ich finde ohnehin, die Rolle des Hörers wird viel zu sehr unterschätzt. Er transzendiert die Musik, und daraus entsteht dann was, das kann mitunter mehr sein, als die musikalische Grundlage scheinbar hergibt.

Was nervt am meisten, wenn man ein Buch schreibt: Die Angst vor dem leeren Blatt, der erste Satz, der Faktencheck, das Lektorat – oder etwas ganz anderes?

Anfangen ist nicht so schwer, wenn man sich erst mal klargemacht hat, was man eigentlich schreiben will. Und das Lektorat ist ein Privileg, das lernt man bald, wenn man die ersten Autoreneitelkeiten abgelegt hat. Man muss eine neutrale und noch dazu wohlgesonnene Leserin wie meine Lektorin Susanne Gretter einfach ernstnehmen, wenn sie was nicht versteht oder einfach zu verschnarcht findet. Hinter dem Geniegetue von Autoren und Autorinnen stecken, glaube ich, eine Menge Angst und Selbstzweifel. Nein, nervig sind vor allem die vielen Korrekturdurchgänge. Ich kann meinen eigenen Text irgendwann nicht mehr sehen, und muss die Korrekturen doch sehr ernst nehmen, weil mich jeder Fehler, der stehengeblieben ist, unglaublich nervt. Es bleibt dennoch immer was stehen. Oft schlage ich das frisch gedruckte Buch auf und er springt mich förmlich an. Es ist frustrierend. Bei „Motörhead“ ist so ein dusseliger Fehler drin geblieben, dass ich wirklich froh war, dass früh eine zweite Ausgabe erschienen ist und ich denn bald tilgen konnte.

Was macht am meisten Spaß, wenn man ein Buch schreibt?

Der Flow, wenn man ihn denn mal hat. Wenn man nicht mehr selber schreibt, sondern geschrieben wird. Wenn man den Punkt erreicht, wo man plötzlich merkt, dass drei Stunden vergangen sind. Passiert leider viel zu selten. Oder diese Eingebung, wenn man in einer konzentrierten Schreibphase, in der eben auch das Unbewusste oder sogar Unterbewusste beteiligt ist, an einem Problem nagt – ein Freund von mir knirscht dann nachts mit den Zähnen –, und es sich irgendwann ganz von allein löst. Das sind so rare Glücksmomente. Es verschafft mir aber auch eine große Zufriedenheit, den Bildschirm sukzessive mit Worten zu füllen. Ich muss dann am Abend gar nicht mehr meditieren, um irgendwie runterzukommen. Ich bin schon unten.

Ist es immer schön, in die Geschichte einer Band wie MOTÖRHEAD oder auch BLACK SABBATH einzutauchen? Oder erfährt man auch Dinge, die man lieber nicht gewusst hätte?

Klar, aber ich rechne eigentlich nie mit Heroen, sondern mit Menschen, die natürlich ihre Fehler haben und durch ihre exponierte Position ein paar mehr machen dürfen, ohne dass ihnen was passiert. Insofern hat man das, was man da am Rand mitbekommt, in Schwundstufen auch im weiteren Bekanntenkreis schon gesehen. „Ich bin ein Mensch, nichts Menschliches ist mir fremd“, schreibt schon der römische Dichter Terenz.

Was würdest du jemandem empfehlen, der die Idee zu einem Buch hat?

Anfangen und vielleicht gar nicht unbedingt gleich an das ganze Buch denken, sondern loslegen an einer Stelle, die einem interessant erscheint oder das Buch im Kern zusammenhält. Das kann sich ja alles noch ändern – man schreibt selten ein Buch von vorne bis hinten durch. Über die Struktur kann man sich später noch Gedanken machen, oftmals ergibt es sich irgendwann einfach. Wichtig ist der Produktionsprozess, weil der darüber entscheidet, ob sich irgendwann die „Zuversicht des Gelingens“ einstellt, wie Thomas Kapielski das mal formuliert hat, also das Wissen darum, dass ein Buch auch zu Ende geschrieben wird. Und dann braucht es natürlich noch einen Verlag. Da empfiehlt sich ein kurzes Exposé, das erklärt, was man machen will, und eine Arbeitsprobe von zehn Seiten. Bestenfalls kennt man ein paar passende Lektoren oder kennt einen, der die kennt. Mittlerweile gibt es auch viel mehr gute Literaturagenturen, die einem die Arbeit der Verlagssuche abnehmen.

Lerche oder Nachtigall – wann, wo und wie schreibst Du?

Ich brauche einen Arbeitsplatz, an dem ich Sachen liegen lassen kann, Notizzettel, Kladden, Bücher etc., ein bisschen äußere Ruhe und vor allem Zeit. Ich glaube, man muss einfach Geduld haben und anfangen, ohne gleich was Druckreifes oder eine Seite Weltliteratur produzieren zu wollen. Je mehr Zeit man sich lässt, desto größer ist die Chance, dass einem was Gutes einfällt. Das stimmt aber auch nicht für jeden. Ein Freund von mir ist brillant am Anfang, es wird dann aber nicht mehr viel besser, wenn er daran herumbosselt. Ich bin nicht brillant, muss also lange dran herumbosseln.

Hast du ein Ritual, bevor du anfängst zu schreiben? Oder währenddessen? Oder danach?

Ich lese immer fünf Seiten „Das Grundgesetz“ … Haha! Nee, wie gesagt: hinsetzen, Tasse Kaffee und dann loslegen. Fünf Stunden später hat man dann schon irgendwas stehen.

Wir dachten lange, MOTÖRHEAD wären gut gealtert. Inzwischen sind wir uns da nicht mehr sicher. „Aftershock“ (2013) war nochmal prima – mit ein paar netten Nummern und einem echten Deepcut („Lost Woman Blues“). Das letzte Album „Bad Magic“ (2015) war vor allem unspektakulär – man müsste die Scheibe nochmal rauskramen, um sich an irgendwas zu erinnern. Aber ein richtig mieses Album haben MOTÖRHEAD zeitlebens ja eh nie abgeliefert. Trotzdem: War es ein Abschied nach Maß?

Die letzten Alben wurden allesamt zu euphorisch bewertet, weil man einfach froh war, dass es die Band noch gibt. Wenn man „Bad Magic“ heute hört, fällt vor allem auf, wie alt und zerbrechlich Lemmy da schon klingt. Da können einem alten sentimentalen Sack wie mir schon die Tränen kommen. Es war insofern ein ungeschönter Abschied und das hat ja auch eine gewisse Würde. MOTÖRHEAD haben genau das Album gemacht, das sie abzuliefern noch in der Lage waren.

Stilfrage: Darf man auf ein MOTÖRHEAD-Konzert ein MOTÖRHEAD-T-Shirt anziehen?

Mein Sohn benutzt mich immer als negativen Indikator, er fragt mich, „a oder b“, ich sage a, und er nimmt dann gezielt b. Insofern bin ich in solchen Fragen absolut inkompetent. Ich würde sagen, das geht, aber was weiß ich schon.

1THIRTY8 Line-Up:
Karl Szulik – Guitars, Bass & Keys
Emo Alaeddin – Vocals
James Knoerl – Drums

1THIRTY8 „A Reckless Game“ Tracklist

1 In Vain (Video bei YouTube)
2 Suffer Silence
3 Frustration Divide
4 Aligned Again (Lyric-Video bei YouTube)
5 Inside A Mind
6 Chaos Control
7 Where Confusion Lies
8 Paper Is Not A Colour
9 Still Breathing
10 Delusional Sin

„Dracula“ wurde von Gary Hoey produziert, von Max Norman abgemischt und von Lita Ford, Gary Hoey sowie Bobby Rock eingespielt.

Vor kurzem hat die Sängerin und Gitarristin einen Plattenvertrag bei Frontiers Music Srl unterschrieben.

Reinschauen kann man in den Mitschnitt von „Not The End Of The Road“:

KISSIN‘ DYNAMITE Line-up 2026

Hannes Braun – Gesang
Ande Braun – Gitarre
Jim Müller – Gitarre
Steffen Haile – Bass
Sebastian Berg – Schlagzeug

KISSIN DYNAMITE „The Big Goodbye“ Tracklist & Cover

1. I’ve Got The Fire – Live 2026
2. DNA – Live 2026
3. No One Dies A Virgin – Live 2026
4. Only The Dead – Live 2026
5. Heart Attack – Live 2026
6. Glory Days – Live 2026
7. Ecstasy (feat. Anna Brunner) – Live 2026
8. My Monster – Live 2026
9. Out In The Rain – Live 2026
10. I Salute You – Live 2026
11. Love Me Hate Me – Live 2026
12. Flying Colours – Live 2026
13. Heart Of Stone – Live 2026
14. Lie For Me (feat. Anna Brunner) – Live 2026
15. The Devil Is A Woman – Live 2026
16. Steel Of Swabia (feat. Ralf Scheepers) – Live 2026
17. Raise Your Glass – Live 2026
18. You’re Not Alone – Live 2026
19. Not The End Of The Road – Live 2026 (Video bei YouTube)
20. Coming Home – Live 2026
21. Six Feet Under – Live 2026
22. Good In Goodbye – Live 2026

Den Titeltrack stellte die Band schon im September mit einem Video vor:

Der Multi-Instrumentalist Adam Luksetich gründete DIRTY TRICKS 2020 in Chicago und veröffentlichte sie als digitale EP unter dem Titel „Bright Lights, Big City“ als Soloprojekt: Er schrieb die Songs und spielte alle Instrumente ein. Auch „Not Gonna Stop“ entstand weitgehend im Alleingang, wie Luksetich berichtet:

„Ich habe alles selbst aufgenommen und produziert. Alle Gitarren, der Bass und der Gesang wurden zu Hause in meinem kleinen Studio aufgenommen. Die Live-Gitarristen Alex und Aaron haben einige der Soli übernommen, anschließend bin ich zu Electrical Audio in Chicago gefahren und habe dort an einem Tag mit Studioleiter Taylor Hales das Schlagzeug für »Not Gonna Stop« aufgenommen.“

DIRTY TRICKS „Not Gonna Stop“ Tracklist

1. Not Gonna Stop (Video bei YouTube)
2. Driving Through The Dark
3. Hell At Home
4. Deceiver (Video bei YouTube)
5. No Respect
6. Lost Again
7. Meet Me At The End
8. Dirty Tricks

Line-up / Live:
Adam Luksetich – Vocals
Alex Kinnerk – Guitar
Aaron Preusch – Guitar
Joey Castle – Bass
Carlos Fregoso – Drums

TEN TON MOJO Line-Up:
Dave Anthony – lead vocals
Scott Lano – guitars
Christian Realmuto – guitars
Kenny Madden – bass guitar, vocals
Jeff Hardee – drums

TEN TON MOJO „Broken Down Blues“ (Video bei YouTube)

JASON WALKER’S GRAVITY AMPLIFIERS Line-Up:
Jason Walker — guitar & vocals
Mucho Drums — drums
Nick Oliveri — bass

JASON WALKER’S GRAVITY AMPLIFIERS „Jason Walker’s Gravity Amplifiers“ Tracklist

1. Ariel
2. Beyond The Veil
3. The Guardian
4. Powerful Lie (Audio als Stream)
5. Can’t Erase
6. Be Alone
7. Help (Along the Way)
8. On Our Own
9. Rock of Earth

ALICE COOPER Konzerte in Deutschland 2027

18.06.2027 – München, Tollwood Festival
19.06.2027 – Rastatt, Schlosshof
24.06.2027 – Tettnang, Schlossgarten
25.06.2027 – Halle, Peißnitzinsel
27.06.2027 – Hannover, Gilde Parkbühne

Tickets für die Deutschland-Shows sind ab dem 22.Oktober 2026, 12:00 Uhr auf www.reservix.de erhältlich¸ der allgemeine Vorverkauf startet am 23. Oktober 2026, 12:00 Uhr über die bekannten Plattformen und Vorverkaufsstellen.

ALICE COOPER – Lieder am See, Brombachsee – 19.07.2025 – Konzertfotos

„Nicke Andersson And Nobody Else“ ist das alleinige Werk des Schweden, er kümmerte sich um alles selbst, vom Artwork bis zur Produktion. Das Album erscheint via Sound Pollution, weitere Deteils wie der VÖ-Termin sind noch nicht bekannt.

IMPERIAL STATE ELECTRIC – Würzburg – 25.02.2017 – Bilder

Zur ersten Single „No Way To Live“ gibt’s seit Ende Juli ein Video:

Der Nachfolger des Debütalbum „Edge Of Existence“ entstand unter schwierigen Bedingungen:

„Als es seinerzeit mit SILVERTOMB richtig losgehen sollte, waren uns aufgrund der Pandemie und ihrer langanhaltenden Nachwehen über Jahre die Hände gebunden, außerdem musste ich dringend mein Alkoholproblem lösen“, blickt Kenny Hickey auf die Zeit von 2020 bis 2024 zurück.

Zur aktuellen Besetzung von SILVERTOMB gehören:

• Sänger/Gitarrist Kenny Hickey (TYPE O NEGATIVE, SEVENTH VOID)
• Drummer Johnny Kelly (TYPE O NEGATIVE, DANZIG, SEVENTH VOID)
• Gitarrist Jos James (AGNOSTIC FRONT)
• Bassist Hank Hell (SEVENTH VOID)
• Keyboarder Aaron Joos (EMPYREON)

SILVERTOMB „The Interpretation Of Nightmares’ Tracklist & Cover

1. Brain Matter / No God (Lyrics-Video bei YouTube)
2. Ascension
3. Graves In The Sky
4. You Know
5. Prayer For The Paranoid
6. Distorted
7. No Way To Live (Video bei YouTube)
8. When Will You Learn?

B.A.I.B. „Dance With The Devil“ (Lyric-Video bei YouTube)

Zuvor ist ein Lyric-Video zu „Calm Before The Storm“ erschienen.

„“Calm Before The Storm“ ist ein Antikriegslied. Es handelt davon, in eine ungewisse Zukunft zu blicken und vielleicht naiv zu glauben, dass es „mir nicht passieren wird“ – doch so, wie die Welt derzeit aussieht, kann sich niemand mehr wirklich sicher fühlen. Es geht darum, uns alle zu vereinen und für die Dinge zu kämpfen, die uns am Herzen liegen“, sagt die Band.

Im März ist mit „Eyesucker“ eine dritte Vorab-Single des Albums erschienen. Der Song liefere einen pointierten und aktuellen Kommentar zum modernen Leben und beleuchtet unsere wachsende Besessenheit von Bildschirmen sowie die Art und Weise, wie uns Handys und Tablets immer mehr von der Welt um uns herum ablenken.

Zuvor hat die Band nach dem Video zu „Paranoia in Nagoya“ mit „Wild Cat“ die zweite Vorab-Single des Albums veröffentlicht. Der Song feiert unabhängige Frauen, die nach ihren eigenen Regeln leben.

„RoKS“ ist das vierte Album der Schweden und wurde von Drummer Mats Mally Hoxell produziert und wird im Jahr 2027 erscheinen.

SKOR Line-Up:
Emil Gammeltoft – Lead Vocals
Ken Sundberg – Gitarre
Mats Mally Hoxell – Schlagzeug

SKOR „Paranoia in Nagoya“ (Video bei YouTube)

SKOR „Wild Cat“ (Lyric-Video bei YouTube)

SKOR „Eyesucker“ (Lyric-Video bei YouTube)

SKOR „Calm Before The Storm“ (Lyric-Video bei YouTube)

SKOR „Loaded“ (Video bei YouTube)

SKOR „Dopamine“ (Video bei YouTube)

BONEYARD Line-Up:
Pamtera – lead vocals, guitar
Lezzy Osbourne – bass guitar
Jefftimus – drums
Garhardt- lead guitar

BONEYARD „Black Static“ Tracklist

1. Met You in a Dream
2. Left Me to Drown
3. Ready for a Change
4. Not this Way (Joel’s Song)
5. Blood in the Bond
6. Before the Fall (Video bei YouTube)
7. Hanging Tree (Video bei YouTube)
8. Compass Points to War (Video bei YouTube)
9. Before the Fall (Piano Rendition)

ROPE Line-Up:
Anne Thorsteinson: Vocals / Guitar
Leona Hayward: Bass
Margot Pryor-Jones: Drums / Vocals

ROPE „Never Again“ Tracklist

01. Taste Of Blood
02. Hooks (Audio bei Bandcamp)
03. Tunnel Vision
04. Doctor, Doctor (UFO Cover)
05. Into The Night (Bonus Track)
06. Red Nails (Bonus Track)

Produziert hat den Track „David Piribauer“, das Mastering übernahm Sterlin Sound.

OLD MAN’S WILL Line-Up:
Benny Åberg – lead vocals
Klas Holmgren – guitars, organ, piano, backing vocals
Michael Åberg – bass, backing vocals
Simon Lundin – drums, percussion

OLD MAN’S WILL „At Last“ Tracklist

1. Meet Me At Sundown (Audio bei Bandcamp)
2. Lovers Delight
3. Winding Road
4. High Ambitions
5. Holy Water
6. Must Be Blind
7. The Spark
8. Do You Really? (Audio bei New Noise Magazine)

Das grundlegende Konzept hat die Horde um Hobby-Frankenstein Dr. Dead folglich nicht über den Haufen geworfen. „Night Is Calling“ vereint catchy Hooks und Singalongs mit dezentem Gruselfaktor, einer Prise Heaviness und auffällig viel Wohlfühlfaktor. Das Songwriting fällt entsprechend geradlinig und aufrüttelnd aus, was in kompakten Tracks mit Airplay-Tauglichkeit resultiert.

„Night Is Calling“ verzichtet auf Ecken und Kanten, während DOMINUM ihre Wandelbarkeit zur Schau stellen

Tiefgang hat weniger Priorität als der unmittelbare Zugang zum Publikum: Der Einstieg „The Circus Is In Town“ sampelt somit passenderweise das klassische Thema „Einzug der Gladiatoren“ und verpasst ihm einen locker beschwingten Rhythmus. Ähnlich launig knüpft „Doctor Doctor“ an, wo sich DOMINUM eine Prise 80er Hard Rock zu eigen machen. Synthesizer spielen fernerhin im beschwingten „Nosferatu“ eine prominente Rolle, nachdem „Children Of The Night“ zuvor mit orchestralen Arrangements gespielt hatte.

Dass die Formation also innerhalb der ersten Viertelstunde gleich vier verschiedene Facetten ihres Sounds aufzeigt, hält die sonst arg glatte Herangehensweise frisch. Ecken und Kanten gibt es auf „Night Is Calling“ ebenso wenig wie in der Vergangenheit, weshalb die Dramaturgie des Werks komplett auf diese Wandelbarkeit ausgelegt ist.

Das Michael Jackson-Cover „Thriller“ bleibt blass

Dementsprechend leicht kommt das Quartett ins Straucheln, sobald die Ideen nicht mehr wie am Schnürchen zünden und es abseits der zugänglichen Melodiebögen keine untergeordnete Ebene gibt, auf die man sich stützen könnte. Das macht sich beispielswiese im Michael Jackson-Cover „Thriller“ bemerkbar, dessen gesangliche Performance dem einstigen ‚King of Pop‘ nicht im Ansatz das Wasser reichen kann.

Dafür hat Frontmann Dr. Dead ansonsten ausreichend Charisma, um die Musical-Anleihen des Titeltracks mit Charakter zu füllen. „Jack The Ripper“ wiederum ist ein lebhafter Rocker, der gerne ein wenig mehr Härte vertragen hätte, aber dafür mit einer orchestralen Instrumentalpassage überrascht. Symphonisch unterlegt ist zudem das schmissige „Devil’s Son“, das DOMINUM plötzlich in der Nähe POWERWOLFs zeigt.

Für DOMINUM ist „Night Is Calling“ abermals ein Schritt nach vorne

Zwar erfindet sich das Gespann auf „Night Is Calling“ keineswegs neu, der Monotonie beugt „Night Is Calling“ allerdings mit Variationsreichtum vor. Wirklich aufregend fällt das Endresultat damit nicht aus – dafür sorgen sich die elf neuen Tracks zu sehr um einen allgemein verträglichen Ansatz -, doch für die eigene Entwicklung markiert das Drittwerk abermals einen Schritt nach vorne.

Selbstsicher und mit klarer Struktur zielt die Band hier auf eine Hörerschaft ab, die mitunter auch in der Peripherie des Heavy Metals beheimatet ist und der man damit womöglich sogar die Tore öffnet: in einer düstere Welt, wo der Vollmond plötzlich ganz andere Assoziationen weckt und den Weg zur Tanzfläche weist, bevor sich die Neugierigsten der Ankömmlinge im Anschluss vielleicht sogar tiefer ins umgebende Dickicht wagen. Denn einmal Blut geleckt, gibt es aus der Welt des Heavy Metal in der Regel kein Entrinnen.

Veröffentlichungstermin: 03.07.2026

Spielzeit: 45:56

Line-Up

Dr. Dead – Vocals
Patient Zero – Bass
Victor Hilltop – Drums
Tommy Kemp – Guitars

Produziert von Dr. Dead und Jacob Hansen (Mix)

Label: Napalm Records

Homepage: https://www.dominumofficial.com/
Facebook: https://www.facebook.com/realdominum
Instagram: https://www.instagram.com/realdominum
Bandcamp: https://dominum.bandcamp.com

DOMINUM “Night Is Calling” Tracklist

1. The Circus is in Town (Video bei YouTube)
2. Doctor Doctor (Video bei YouTube)
3. Children Of The Night
4. Nosferatu
5. Dark Melodies (Video bei YouTube)
6. Night is Calling (feat. Battle Beast) (Video bei YouTube)
7. Jack The Ripper
8. Thriller (Michael Jackson Cover)
9. Devil’s Son
10. I Don’t Drink Wine
11. Endzeit
12. Don’t Get Bitten By The Wrong Ones (Acoustic)
13. Hey Living People (Acoustic)

Meine Güte, was sahen wir bescheuert aus!

Da war dieser hübsche Sänger mit der wallenden Föhnfrisur-Mähne (der eine der besten Stimmen im Hardrock hatte, just saying), da waren cremefarbene Hemden in Seidenoptik, große weiße Schalkragen, Rüschen und Volants, BRAVO-Starschnitte und manche Songs, die dezent cheesy waren. Ja, auch großartig. Aber eben auch cheesy.

Und schon haben wir das Klischee. Ihrem Ruf half es vielleicht ebenfalls nicht, dass sie auf ihren erfolgreichsten Alben konsequent auf große Hooks und eingängige Melodien setzten, während andere Bands stärker um Erdigkeit bemüht waren. EUROPE ließen den Hard Rock ein wenig melodischer und fließender klingen – sehr europäisch eben. Wenn wir bei den Schweden von einem ABBA-Gen sprechen, ist das vielleicht gar nicht grundsätzlich falsch.

Meine Güte, was sahen wir bescheuert aus! Auch ich hatte durchaus eine Phase, in der ich diesen Stil nachzuahmen versuchte – wenn auch in den frühen 90ern, zu einer Zeit, als er auf der Peinlichkeitsskala jedes Fieberthermometer zum Platzen gebracht hätte.

Das Problem, dass ich keine bunten Rüschen- und Seidenhemden besaß, löste ich ganz elegant, indem ich mich einfach an Omas Schrank bediente und die Beute mit meiner teuren Kunstlederhose kombinierte. So bin ich dann durch die ostdeutsche Kleinstadt stolziert. Und die Frage, ob ich damit bei den Mädchen meiner Klassenstufe Eindruck schinden konnte, lässt sich laut lachend auf dem Boden liegend und mit einem Erstickungsanfall beantworten.

Man kann sich EUROPE auch anders nähern …

Aber man kann sich EUROPE natürlich auch anders nähern. Als Pioniere des Melodic Metal mit Alben wie „Wings of Tomorrow“. Als Musiker mit beachtlicher Virtuosität in Gesang, Gitarrenspiel und Songwriting. Als Band der großen Melodiebögen, die Sehnsucht und Pathos miteinander verband – wenn auch manchmal mit einer leichten Neigung zum Kitsch. Und als Band, die es ganz selbstverständlich verstand, Keyboards mit eleganten Gitarrenriffs und Soli zu verweben.

Bei EUROPE standen die großen, zuweilen poppigen Melodien nie im Gegensatz zum Hard Rock. Sie waren eben – schon wieder dieser Vergleich! – die ABBA des Hard Rock. Und es stimmt ja auch: Zuweilen kippte das ins Cheesige und bescherte einem so manchen klebrigen Skipmoment. Die Ballade „Carrie“ mit ihrem flehend-wimmernden Refrain, immerhin ein Top-3-Hit in den USA, kann ich mir nach wie vor nicht anhören.

Fragt man Gitarrist John Norum nach seinen Vorbildern, fallen Namen wie DEEP PURPLE, UFO oder LED ZEPPELIN. Und so fanden, nach einer Phase der Unsicherheit, in der EUROPE mit ihrer eigenen Rolle haderten, spätestens auf Alben wie „Last Look at Eden“ (2009) und „Bag of Bones“ (2012) auch Blues und Classic Rock wieder stärker Eingang in ihren Sound.

Die Band klang erdiger und rauer, zugleich wieder deutlich heavier. Weniger geschniegelt, weniger auf Hochglanz produziert – und vor allem: weniger anschmiegsam.

Mirko! Höre ich nun schon wieder die mahnenden Stimmen aus der Redaktion? Mirko! Du hast hier schon wieder 8.000 Zeichen geschrieben, aber noch kein Wort zur neuen Platte. Wie weit sollen wir denn noch runterscrollen, um endlich zu erfahren, ob das neue Album etwas taugt? Fair Point, gebe ich zu.

EUROPE musizieren fast in Originalbesetzung

Kürzen wir die Sache also ab (hahaha!) und kommen zu den harten Fakten. „Come This Madness“ ist das zwölfte Studioalbum der Schweden und das erste EUROPE-Werk seit „Walk the Earth“ von 2017. Und trotz der langen Pause musizieren sie in der Besetzung, die auch „The Final Countdown“ von 1986 aufgenommen hat: Joey Tempest, John Norum, John Levén, Mic Michaeli und Ian Haugland.
Produziert hat das Album Tom Dalgety, der eher aus anderen Kontexten bekannt ist. Seine Referenzen lauten GHOST, RAMMSTEIN, THE CULT oder auch die Indiehelden PIXIES.

Die Frage „Wer braucht EUROPE noch im Jahr 2026?“ würde ich vielleicht ein wenig anders formulieren: Sind sie die vielleicht beste europäische Band des melodischen Hardrock? Denn hier musiziert hörbar eine Band, die um ihre Qualitäten weiß. Eine Band, die selbstsicher genau das macht, worauf sie Bock hat, und einen – pardon! – Fick darauf gibt, ob irgendein Kritiker oder Spötter das vielleicht cringy finden könnte. Und die nicht einfach einen Platz in den hinteren Reihen beansprucht, sondern weiß, dass sie auf dem Thron sitzt.

Und die ein Album vorlegt, das nicht nur frisch klingt, sondern bei dem in jeder Note zu hören ist, wie viel Sorgfalt und Detailliebe darin steckt. Das hier ist kein Album aus der Kategorie: „Na ja, für ein Alterswerk klingt das noch ganz gebräuchlich.“ Das ist eher eines aus der Kategorie: „Hat die Band eigentlich jemals besser geklungen?“

Wieder mehr 80s-Reminiszenen

Auf „Come This Madness“ wählen die Schweden einen Mittelweg zwischen ihrer 80s-Catchyness und den erdigeren Momenten von „Bag of Bones“. Die Classic-Rock-Anmutung ist da, getragen von Norums kraftvollem, riffbetontem Spiel und den hardrockigen Grooves. Da streut er im Titelsong auch schon einmal ein bluesiges Gitarrensolo ein. Und ja, der Sound auf dem Album ist poliert. Aber durchaus in den richtigen Momenten kraftvoll und groovy. Hinzu kommen gelegentliche Ausflüge in Prog und Bombast Rock, die hier sehr dezent unter der Oberfläche der eingängigen Nummern versteckt sind.

„One on One“ ist der Opener. Wir werden mit einem bombastischen, aber kurzen Streicherintro in das Album hineingeführt, bis John Levéns Bass mit einem markanten, fast holzig sich windenden Bassmotiv übernimmt. Dann legt sich dezent ein Keyboardteppich darunter, bevor die Gitarre hinzuschaltet und das Bassmotiv aufnimmt.

„I’ve been missing you“, singt Tempest, „And it’s only been a day or two / I guess Amsterdam / Is getting the best of you.“ Ein Song über Sehnsucht und eine Liebe, die trotz der räumlichen Trennung ganz gegenwärtig ist. „I wanna hear your voice again / Your laughter when I tell you stories of how we met“, heißt es später. Und schließlich: „This boy can love you better yet.“ Hier haben wir einen gereiften Blick auf eine Beziehung, die schon eine gemeinsame Geschichte hat – und trotzdem nichts von ihrer Sehnsucht verloren. Man erinnert sich an das Kennenlernen, vermisst das Lachen des anderen und weiß offenbar ziemlich genau, was man aneinander hat.

Erstaunlich ernste Untertöne

Bereits die nächsten beiden Songs zeigen, dass der Grundton durchaus ein ernster ist – und sogar einen dezenten politischen Unterton hat. Nein, wir müssen uns keine Sorgen machen, dass EUROPE nun plötzlich zur Punkband mutieren. Man bleibt doch recht allgemein. Aber der Blick auf die weltpolitische Lage ist ein besorgter.

„The Cult of Ignorance“ ist eine lässig groovende Hardrock-Nummer. „Wie haben sie deinen Stolz, wie haben sie dein Herz bekommen? Jetzt warten wir nur noch darauf, dass diese Welt auseinanderbricht“, fragt Tempest. Es geht um eine Welt, in der Realität zur Lüge und Wahrheit zum Ärgernis erklärt wird, während Neugier und Logik keinen Platz mehr haben. „Nicht fragen, nicht denken, einfach fühlen, einfach schreien“, heißt es später.

Und dann kommt der Titelsong. „Come This Madness“ ist musikalisch zunächst ein klassischer, riffbetonter EUROPE-Rocker mit ordentlich Keyboardwucht, bevor sich der Song immer weiter öffnet. Inhaltlich wird es noch deutlicher: „Come this madness no more“ – lass diesen Wahnsinn nicht länger zu. Tempest singt von einer Welt, in der die Stimmen der Ränder zu viel Gewicht bekommen und der moralische Kompass völlig verrücktspielt.

Nur präsentieren uns die Schweden in beiden Songs Refrains, die so unverschämt in Richtung 80s-Stadionrock schielen, wie es bei ihnen vielleicht länger nicht der Fall war. Man hält der Bitterkeit der Welt ein Stück Zartbitterschokolade entgegen. Der Refrain von „Come This Madness“ macht das besonders deutlich: Die Stimmen sind übereinandergeschichtet und breit produziert, mit diesem typischen 80s-Chorus-Effekt. Im Unterton klingt das sogar leicht aggressiv, wird aber mit maximal großer Geste vorgetragen und hat Mitsingpotential.

Das ganz große Panorama

Natürlich scheuen EUROPE auch die Ballade nicht, die – wie sollte es anders sein? – ebenfalls mit großer Geste vorgetragen wird. „This Time of Year“ kommt mit warmen, leicht melancholischen Keyboards daher, durchaus ein wenig nostalgisch klingend. Das Piano trägt zunächst den Song, während der besungene Fall des Schnees von hellen, fast rieselnden Harmonien begleitet wird. Norums Solo ist harmonisch und komplett melodieverliebt.

Und der Refrain? Macht mit großen, hymnischen Melodiebögen das maximal mögliche Panorama auf. Klar, EUROPE waren selten Autorenkino mit Gesichtern in Nahaufnahme. Sie sind schon eher auf überwältigende Bilder aus, die auf der ganz großen Leinwand funktionieren. Ist das zuweilen cheesy? Natürlich, sehr sogar. Aber wer beschwert sich bitte, wenn er einen Käsekuchen geschenkt bekommt?

Pathos trägt auch der melancholische Rocker „In a Different World“ in sich, eine besorgte Hymne an die Zukunft – und damit, haha, schon auch ein thematischer Zwilling von „The Final Countdown“, über den sich nun aber ein dunkler Schatten gelegt hat.

„Hier treffen wir uns also wieder, in einer anderen Welt; wir haben uns irgendwie durchgekämpft“, singt Tempest in einem Refrain, der eher sanft umschmeichelt. Dazu klingen die Gitarren erstaunlich lebendig und beweglich, Norum spielt mit elegantem Ton und viel Gefühl. Sein Solo beginnt fast schwebend und mit einem Hauch psychedelischer Atmosphäre – da darf man kurz an PINK FLOYD denken –, bevor der Schwede die Gitarre wieder etwas kräftiger sprechen lässt.

Die einzelnen Momente sind gut ausbalanciert

Was gerade im Kontrast zu den 80s-Alben auffällt, ist, wie kunstvoll und gekonnt EUROPE hier die einzelnen Elemente ihres Sounds ineinander weben. Wo manch süßliche Melodie ins Kitschige abzugleiten droht, wird sie mit erdigem, überraschend lebendigem Classic Rock geerdet. Im epischen „The Angels Must Have Flown“ kann dieser die Melancholie dann auch schon einmal mit breitbeinigen Riffs begleiten, während orchestrale Momente einen Kontrast setzen und sich der Prechorus sanft ins Ohr schmeichelt.

Hinzu kommen die fast durchgehend melodischen Soli, die zeigen, dass Norum zu den besten seines Fachs zählt. Die Keyboards sind präsent, aber reich an Klangfarben und Nuancen – mal tragen sie die Melodie, mal schaffen sie Atmosphäre, mal duellieren sie sich mit der Gitarre.

So klingt die vorab ausgekoppelte Single „Scandinavian Eyes“ in der Strophe fast wie eine Hommage an DEEP PURPLE, mit verschlungenen Riffs und Hammond-Orgel, während der Refrain dann wiederum die typische EUROPE-Catchyness mit großen Melodiebögen beschwört. Das flott galoppierende „Takin’ It Back“ eröffnet mit melodischen Leadgitarren, die den Geist von THIN LIZZY heraufbeschwören, bis sich die Band ins schnellere Tempo schraubt und einen straighten Heavy Rocker aufs Parkett legt. Der Bass pulsiert nervös und mit leicht gegenläufigen Bewegungen unter den Gitarren, während sich Norum und Michaeli im Instrumentalteil ein kleines Duell liefern.

Mit süßen Harmonien werden wir aus dem Album entlassen

Dass Joey Tempest, der noch immer erstaunlich jugendlich aussieht, auch mit 63 Jahren noch ein Unterschiedssänger ist, der mit sanftem und hellem Timbre ebenso zu überzeugen weiß wie mit raueren, raspeligen Lagen, ist ein Fakt. Seine Stimme ist gut gealtert und passt in ihrer raueren Anmutung hervorragend zu den erdigeren Seiten von EUROPE.

Dabei versteht es die Band durchaus, auch neue Momente zu zeigen. „Nothing Can Follow This“ beginnt zunächst zurückgenommen, bevor sich eine orientalisch anmutende Gitarrenfigur in die zunehmend dramatische Nummer schiebt und sich die Spannung langsam aufbaut.

Ein epischer, fast proggiger Track, der elegant geschwungene Gesangsmelodien mit schwer reitenden und zugleich melodischen Gitarrenriffs verbindet. Dazu kommen immer wieder orchestrale Farbtupfer, bevor sich der Song schließlich in einen großen, beinahe überwältigenden Schluss steigert. Der Song fängt einen hoffnungsvollen, schönen Moment des gemeinsamen Miteinanders ein, in dem sich die ganze Welt offenbart. Natürlich entlassen uns EUROPE mit pathetischen Harmonien und großer Geste aus dem Album – kitschig! Und doch so schön!

Spielzeit: 41:00

Veröffentlichungsdatum: 25. September 2026

Label: Silver Lining Music / Hell & Back Recordings

Offizielle EUROPE-Webseite: https://www.europetheband.com/

Line-up
Joey Tempest – Gesang, zusätzlich etwas Keyboard
John Norum – Gitarren, Backing Vocals
John Levén – Bass
Mic Michaeli – Keyboards, Piano/Synthesizer, Backing Vocals
Ian Haugland – Schlagzeug, Percussion

EUROPE „Come This Madness“ Tracklist

1. One on One (Video bei YouTube)
2. The Cult of Ignorance (Video bei YouTube)
3. Come This Madness (Video bei YouTube)
4. This Time of Year
5. In a Different World
6. Scandinavian Eyes (Video bei YouTube)
7. Takin’ It Back
8. In the Absence of Grace
9. The Angels Must Have Flown
10. The Devil’s Back
11. Nothing Can Follow This

THE NEW ROSES Konzert Termine 2026/ 2027

w/ MASSIVE WAGONS *
w/ HARSH **
w/ SNAKEBITE ***

30.10.26 DE – Nürnberg / Der Hirsch *
31.10.26 DE – Leipzig / Hellraiser *
06.11.26 DE – Stuttgart / Im Wizemann *
07.11.26 DE – München / Backstage Werk *
13.11.26 DE – Osnabrück / Rosenhof **
14.11.26 DE – Köln / Kantine **
19.11.26 DE – Aschaffenburg / Colos-Saal **
20.11.26 CH – Pratteln / Z7 **
21.11.26 DE – Saarbrücken / Garage **
28.11.26 DE – Weißenhäuser Strand / Metal Hammer Paradise
04.12.26 DE – Jena / F-Haus *
05.12.26 DE – Berlin / Hole 44 *
10.12.26 DE – Bochum / Zeche *
11.12.26 DE – Hannover / Musikzentrum *
12.12.26 DE – Hamburg / Fabrik *
18.12.26 DE – Mainz / Halle 45 ***

THE NEW ROSES LIVE 2027
w/ HARDBONE *
04.03.27 CH –Luzern / Schürr
05.03.27 CH –Solothurn / Kofmehl
06.03.27 CH –Frauenfeld / Ölfleck
02.04.27 DE – Regensburg / Airport Obertraubling *
03.04.27 DE – Affalter / Zur Linde *
09.04.27 DE – Kiel / Pumpe *
16.04.27 DE – Bremen / Schlachthof *
23.04.27 DE – Fulda / Kreuz *
29.04.27 AT – Wien / Szene *
30.04.27 AT – Wörgl / Komma *

THE NEW ROSES sind:
Timmy Rough – Vocals
Dizzy Daniels – Guitar
Norman Bites – Guitar
Hardy – Bass
Urban Berz – Drums

DEAD END HEROES Line-Up:
Carsten “Lizard” Schulz — Vox
Rolf Munkes — Guitar
Daniel Voegeli — Drums
Paul Logue — Bass
Holger Seeger — Keyboards/Organ

DEAD END HEROES „Not Dead Yet“ Tracklist

01. Cabinet Of Lust (Audio bei YouTube)
02. Concrete Life
03. How The Story Goes
04. Save The Fire
05. Last Year’s News
06. Monday Mordor
07. Redemption
08. Sweet Oblivion
09. The Watcher
10. We Were The Chosen

„Als ich „Play By The Rules“ geschrieben habe, habe ich an meine Jugend zurückgedacht und daran, dass ich früher doch ganz schön viel gesoffen habe. Ich bin da oft irgendwann auf dem Boden aufgewacht – und habe mich generell nicht selten daneben benommen. Zum Glück habe ich gemerkt, wie dumm ich mich dabei verhielt – so habe ich angefangen, vernünftig zu leben“, sagt Gitarrist Rane Riikonen.

RHINO PROOF Line-Up:
Jukka Nummi – Vocals
Rane Riikonen – Guitars
Erkko Joronen – Guitars
Pasi Nousiainen – Bass
Sami Ratilainen – Drums

RHINO PROOF „Light, Dark, The End“ Tracklist

1. Play by the Rules (Video bei YouTube)
2. Deeper Form of Love (Lyric-Video bei YouTube)
3. Alone With My Sin
4. Even Closer
5. My Life is Fine (Video bei YouTube)
6. Fashion Nonsense (CD bonus track)
7. Strong Enough
8. Shadows in the Rain
9. Safe Cracker

„Bei ‚The Getaway‘ geht es nicht darum, wegzulaufen – es geht darum, auf etwas zuzugehen. Es geht um Freiheit, Brüderlichkeit und das Streben nach dem, was als Nächstes kommt. Kein Ziel. Keine Erklärung. Einfach nur ‚The Getaway‘“, erklärt die Band.

Im April ist mit „Need Your Love“ die zweite Vorab-Single des Albums erschienen.

„In ‚Need Your Love‘ geht es um jene Nächte, in denen man jemanden am anderen Ende des Raums entdeckt und einfach loslegt. Da setzt eine Art Instinkt ein, etwas Unausgesprochenes und ein bisschen Urtümliches, bei dem man sich zueinander hingezogen fühlt, ohne wirklich zu wissen, warum. Es ist nicht durchdacht, es passiert einfach und ist echt. Wir alle haben das in gewisser Weise schon erlebt: einfach dem Moment, der Musik und der Energie folgen und sehen, wohin es uns führt“, erklärt die Band.

Es ist das erste Album der Engländer, die im Herbst 2026 gemeinsam mit DEEP PURPLE auf Tour sein werden, und ist am 29. Mai 2026 über Silver Lining Music erschienen. Produziert wurde das Album von George Perks. Vorab gibt es zu „Down Below“ einen Video-Clip.

JAYLER Line-Up:
James Bartholomew – Vocals / Guitar
Tyler Arrowsmith – Guitar
Ricky Hodgkiss – Bass / Keys
Ed Evans – Drums

JAYLER „Voices Unheard“ Tracklist

01 Intro
02 Down Below (Video bei YouTube)
03 Riverboat Queen
04 Need Your Love (Video bei YouTube)
05 The Getaway (Video bei YouTube)
06 Bittersweet
07 Hate to See it End (Video bei YouTube)
08 Over the Mountain
09 Alectrona
10 Lovemaker
11 The Rinsk

DEEP PURPLE, JAYLER Tourdaten 2026

5 Oct – Wiener Stadthalle, Vienna (AT)
16 Oct – Hallenstadion, Zürich (CH)
31 Oct – Qi Arena, Leipzig (DE)
1 Nov – Sporthalle, Hamburg (DE)
3 Nov – Westfalenhalle, Dortmund (DE)
4 Nov – Uber Arena, Berlin (DE)
6 Nov – Festhalle, Frankfurt (DE)
7 Nov – Arena, Nuremberg (DE)

Parallel zu den Vorbereitungen auf ihre Schweden-Tour im Oktober arbeitet die Band im Studio am Nachfolger ihres Albums „Abrakadabra“. Neu dabei ist Drummer Efraim Larsson (GATHERING OF KINGS, MASTERPLAN), er wird zum ersten Mal auf einer HARDCORE SUPERSTAR-Platte zu hören sein.

Frank Schäfer: „Motörhead – die lauteste Band der Welt“ Lesereise Herbst 2026

Freitag, 9. Oktober 2026 | 20 Uhr
Kommkino | Königstraße 93 (OG) | 90402 NÜRNBERG
kommkino.de/spielzeiten/2019-motoerhead-die-lauteste-band-der-welt/2026-10-09-20-00

Im Anschluss an die Lesung gibt’s noch die bitterböse britische Gesellschaftsgroteske „Eat The Rich“ (1987).

Freitag, 23. Oktober 2026 | 19 Uhr
Kukuna | Lauchagrundstraße 12a | 99891 BAD TABARZ
bad-tabarz.de/veranstaltungen/detail/frank-schaefer-motoerhead-die-lauteste-band-der-welt-noetes-of-a-dirty-old-fan-metal-storys

Dienstag, 17. November 2026 | 20 Uhr
Posh Teckel | Pflügerstraße 4 | 12047 BERLIN
poshteckel.de/

Unsere Buchbesprechungen zu Frank Schäfer

Frank Schäfer – Black Sabbath – Die Erfindung des Heavy Metal

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29. Mai 2026

Frank Schäfer – Nötes of a Dirty Old Fan – Metal Stories

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31. Dezember 2025

Frank Schäfer: Notes on a Dirty Old Man. Charles Bukowski von A bis Z.

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20. November 2021

Frank Schäfer – Heavy Kraut – Wie der Metal nach Deutschland kam

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9. Januar 2023

FRANK SCHÄFER: Krachgeschichten

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28. Oktober 2021

Mit großer Trauer müssen wir bekanntgeben, dass Gary „Angry“ Anderson am Vorabend des Montags, dem 21. September 2026, im Kreise seiner Angehörigen hier in Australien verstorben ist.
Angry war ein hingebungsvoller Vater und ein sehr geschätztes Mitglied im Kreis seiner Freunde, Bandkollegen und der gesamten Musik- und Unterhaltungsszene. Sein Tod wird von allen betrauert, die ihn in Australien und aller Welt kannten und liebten.
Die Familie und die Bandmitglieder bitten in dieser schweren Zeit um Privatsphäre und werden keine Interviews geben. Wir bitten, ihren Wunsch zu respektieren, während sie diesen Verlust verarbeiten und sich die Zeit nehmen, die sie zum Trauern benötigen.
Wir danken allen für ihre Gebete, ihre liebevollen Botschaften und ihre anhaltende Unterstützung.
Mit lieben Grüßen, die Familie Anderson und ROSE TATTOO.
Bleibt jung, werdet stark.

Angry Anderson war noch vor wenigen Wochen mit ROSE TATTOO auf Europa-Tour. Am 10. August hatte die Band die noch ausstehenden Termine ihrer „One Last Ride“-Tour abgesagt, da der Sänger  zur stationären Behandlung in ein Krankenhaus aufgenommen werden musste.

 

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Anfang September haben die Schweden eine weitere Single veröffentlicht, zu „Scandinavian Eyes“ gibt es auch ein Video:

Zuvor teilte die Hardrock-Band einen Clip zu „The Cult Of Ignorance“:

„Ich liebe diesen Titel! Es ist eine geradlinige Rock-Hymne mit einem Text, der die Zeit widerspiegelt, in der wir leben – wenn auch mit einem leichten Augenzwinkern verfasst“, sagt Europe-Gründungsmitglied und Frontmann Joey Tempest. „Mic (Keyboards) kam während unserer Tour durch Südamerika mit dieser Songidee auf mich zu – ich fand sie wahnsinnig gut! Wir haben den Song gemeinsam fertiggestellt, und er ist zu einem echten Kracher geworden! Der Titel wurde von einer Formulierung inspiriert, die der Autor und Biochemiker Isaac Asimov prägte. Er greift einige der negativen Tendenzen auf, die sich heute in unserer Welt abzeichnen – wenngleich in einem eher leichtfüßigen Ton.“

Die erste Single gibt’s seit Ende April:

„‚One On One‘ ist definitiv einer meiner Lieblingssongs des Albums“, sagt Joey Tempest, Gründungsmitglied und Frontmann von Europe. „Die Energie und das Feeling sind frisch und manche Melodien erinnern mich an die Anfänge. Textlich ist es vielleicht nicht ganz so eskapistisch wie die frühen Europe. Die Texte spiegeln unsere heutige Zeit wider. Seit ‚One On One‘ nur ein Demo war, haben wir daran festgehalten, nie aufgegeben und es zu dem gemacht, was es ist: ein mitreißender, klassischer Hardrock-Song.“

https://www.youtube.com/watch?v=0PVLyBYNFj4

Ihr zwölftes Stuioalbum haben EUROPE im RMV-Studio aufgenommen, dem Stockholmer Tonstudio, das von Benny und Ludvig Andersson gegründet wurde. Das Album enthält Gastauftritte von Tobias Forge (GHOST) und Michael Åkerfeldt (Opeth). Produzent war Tom Dalgety, Mike Fraser hat es abgemischt.

Ab Sommer sind die Schweden unterwegs, auf dem Plan stehen Festivalauftritte und eine Tour zum 40-jährigen Jubiläum von „The Final Countdown“.

EUROPE „Come This Madness“ Tracklist & Cover

• One on One (Video bei YouTube)
• The Cult of Ignorance (Video bei YouTube)
• Come This Madness (Video bei YouTube)
• This Time of Year
• In a Different World
• Scandinavian Eyes (Video bei YouTube)
• Takin’ It Back
• In the Absence of Grace
• The Angels Must Have Flown
• The Devil’s Back
• Nothing Can Follow This

EUROPE Line-up:

• Joey Tempest – Lead Vocals
• John Norum – Guitars
• John Levén – Bass
• Mic Michaeli – Keyboards
• Ian Haugland – Drums

EUROPE Konzerttermine 2026

30.07.26  Wacken Open Air

EUROPE The Final Countdown 40th Anniversary Tour

12.10.26  CH-Lausanne –  Salle Métropole

13.10.26  CH- Zürich – Volkshaus

16.10.26  Stuttgart – Liederhalle

17.10.26  A- Wien- Gasometer

19.10.26  Berlin – Admiralspalast

Zuvor teilte die Band „False Heroes“ sowie ein Video zu „Hammer Of Change“:

Im März teilte die Band einen Clip zu „No Walls“:

„Thunderlust“ erschien am 18. September 2026, im Anschluss ist die Band auf Tour.

MOON SHOT „Thunderlust“ Tour 2026

Donnerstag, 22.10.2026 – DE – Leipzig, Hellraiser
Freitag, 23.10.2026 – DE – Berlin, Badehaus
Samstag, 24.10.2026 – DE – Hamburg, Logo

Donnerstag, 12.11.2026 – DE – Bochum, Rockpalast
Freitag, 13.11.2026 – DE – Frankfurt, Nachtleben
Samstag, 14.11.2026 – DE – München, Backstage Club

Donnerstag, 19.11.2026 – DE – Düsseldorf, Ratinger Hof
Freitag, 20.11.2026 – DE – Hannover, Lux

MOON SHOT „Thunderlust“ Cover

Einen weiteren CLip zu „Four To The Floor“ teilten HARDBONE bereits vor einigen Wochen:

HARDBONE Line-up: 

• Tim Dammann – vocals
• Sebastian Kranke – guitars
• Luca Rosnau – guitars
• Tim Schwarz – bass
• Benjamin Ulrich – drums

HARDBONE „Hardbeat“ Cover & Tracklist

1. Hardbeat
2. Four to the Floor
3. House of Rock‘n‘Roll
4. Big Dog
5. Evil for a Good Cause
6. Going Commando
7. Hole in My Heart
8. You Made Me Do It
10. One Night Away
11. Unstoppable
12. Hard to Get
13. Bad (As You Want Me to Be)

Das Buch spannt den Bogen von der No More Tours II-Tour bis hin zum legendären Back to the Beginning-Konzert – Ozzys letzte Bühnenshow, die er nur 17 Tage vor seinem Tod absolvierte. Dazwischen liegt eine Odyssee durch Krankenhausflure, Operationssäle, Schmerz und Depression.

Schreibstil: Authentisch, roh, Ozzy

Doch Last Rites ist nicht nur ein Krankenbericht. Ozzy blickt zurück auf ein Leben, das so unwahrscheinlich war wie kaum ein zweites. Er erinnert sich an verstorbene Freunde wie John Bonham und Lemmy Kilmister, reflektiert über seine Karriere mit BLACK SABBATH und als Solokünstler, und erzählt, wie das Album „Ordinary Man“ (2020) unter dem Einfluss seiner Tochter Kelly entstand – ein Projekt, das ihm in einer dunklen Phase nach der Wirbelsäulen-OP wieder Lebensmut gab. Die Zusammenarbeit mit Post Malone, SLASH, DUFF MCKAGAN und sogar Elton John zeigt einen Sänger, der trotz allem nie den Glauben an die heilende Kraft der Musik verlor.

Wer Ozzys erste Autobiografie gelesen hat, weiß, was ihn erwartet: Ein Schreibstil, der so klingt, als würde der Prince of Darkness persönlich auf der Couch neben einem sitzen und Geschichten erzählen. Der Ton ist direkt, manchmal grob und oft urkomisch. Ozzy spricht den Leser direkt an, ohne Filter, ohne Anstandsdame.

Allerdings gibt es auch Kritikpunkte: Für langjährige Fans wiederholt sich einiges. Die Fledermaus, die Tauben, der Mordversuch an Sharon – Geschichten, die jeder Ozzy-Fan schon hundertmal gehört hat, tauchen erneut auf. Das kann an manchen Stellen etwas ermüdend wirken, wenn man auf neue Enthüllungen hofft.

Fazit: Ein würdiger Abschied

Last Rites endet mit einem Satz, der alles zusammenfasst, was Ozzy Osbourne ausmacht: Er verbrachte sein Leben damit, Drogen zu nehmen, um ein besonderes Gefühl zu jagen – doch das glücklichste Gefühl hatte er immer dann, wenn er auf der Bühne stand und seine Fans jedes Wort seiner Songs mitsangen.

Ein Dokument eines Lebens, das so unglaublich war, dass es sich kaum erfinden ließe.

Hardcover: 352 Seiten

Verlag: Heyne Hardcore Verlag, 3. Auflage (2025)

ISBN: 978-3-453-21918-2

Größe: 13,5 x 21,5 cm

24,00 Euro

UNNAMED FEELING Line-Up:
Matti Meronen – vocals, guitar
Eemeli Mäntylä – vocals, drums

UNNAMED FEELING „Mellow Shades Of Green And Yellow“ Tracklist

01. Negative Narrative (Video bei YouTube)
02. burdock
03. give me murder!
04. son of a gypsy
05. my paracosm
06. feeling alright
07. shame on you
08. dandelions milk
09. mollusk Song
10. hang a while with me
11. asperger’s
12. mellow shades of green and yellow

Reinhören kann man in die Single „Defenders“, bei der Sebastian Zierof als Gastsänger zu hören ist.

Live kann man die Sleaze-Band bei einigen Festivals und im Vorprogramm von AXEL RUDI PELL sehen.

NIGHT LASER live 2026 / 2027

2026
22.08. Handeloh – Wini Macken Open Air
29.08. Brockhöfe – Farmfest Open Air
19.09. Hamburg – Markthalle (mit Hardbone)

Special Guest von AXEL RUDI PELL
23.09. CH-Pratteln – Z7
25.09. Köln – Live Music Hall
26.09. Osnabrück – Hydepark
27.09. Bochum – Zeche
29.09. Ulm – Roxy
30.09. Mannheim – Capitol
02.10. Gelnhausen – Warehouse Seven
03.10. Stuttgart – Longhorn
04.10. Regensburg – Eventhall
06.10. AT-Wien – Szene
07.10. Nürnberg – Hirsch

Headline Show:
11.12. Oberhausen – Helvete

2027

16.01. Braunschweig – KuFa Haus
23.01. Hameln – Regenbogen
06.02. Hamburg – Bahnhof Pauli
08.05. Lübeck – Rider’s Cafe

Auf Instagram schreiben THE HELLACOPTER dazu:

„Wie die meisten von euch wissen, tritt Dregen seit rund drei Jahren nicht mehr mit uns zusammen auf. Der Grund ist seine Verletzung an der Hand. Wir hatten gehofft, dass alles irgendwann wieder vollständig  heilt und er zur Band zurückkehren kann. Doch die traurige Wahrheit ist, dass der Schaden an seinen Fingern dauerhaft bleiben wird. Er kann zwar noch etwas Rhythmusgitarre spielen, doch die meisten unserer Songs sind für ihn einfach nicht mehr machbar.

Dregen ist Gründungsmitglied dieser Band und er wird immer ein wichtiger Teil der Familie bleiben, er ist im Geiste weiter bei uns. Er hatte schon immer mehrere Asse im Ärmel und es gibt keinen Zweifel, dass er ein paar davon in naher Zukunft hervorzieht. LG Valeta, der seit der Verletzung für ihn eingesprungen ist, wird mit uns weitermachen.“

 

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„Es geht darum, die Kraft zu finden, neu anzufangen, wenn die Dinge nicht so gelaufen sind, wie man es sich vorgestellt hat. Ob es nun um Beziehungen, Fehler, Rückschläge oder das Leben im Allgemeinen geht – es erinnert uns daran, dass man einen Schlussstrich ziehen, einen Neuanfang wagen und es noch einmal versuchen kann, wenn es sich lohnt“, sagt Sänger und Gitarrist Leo Burdett.

Zuvor haben die Briten, bei denen ab sofort Gitarrist Leo Burdett auch für den Gesang verantwortlich ist, zwei Alben veröffentlicht.

AMONGST LIARS Line-Up:
Leo Burdett (guitar/lead vocals)
Ross Towner (bass)
Brummeo (synth/keys)
Adam Oarton (drums)

AMONGST LIARS „Repair Myself“ (Video bei YouTube)

AMONGST LIARS „Underneath The Surface“ (Video bei YouTube)

Zur Besetzung der Band gehören Sängerin Jule Dahs (Ex-SKADIKA, Ex-LEVIATHAN),  Gitarrist und Bassist Tobias Dahs (Ex-LEVIATHAN) sowie Schlagzeuger Javed Razzaq.

KINGS WINTER „The Century Of The Self“ Tracklist

1. Hearts Of Darkness (Video bei YouTube)
2. How Democracy Dies
3. Many Roads To Hell
4. The Century Of The Self
5. The Happiness Machine
6. Edge Of Existence (Live In The Studio)
7. Kingdom Of The Blind (Live In The Studio)

Diskografie
Forging The Cataclysm (EP) (2019)
Edge Of Existence (2021)
Sonic Silence – The Unplugged Sessions Vol. 1 (EP) (2022)
The Other Side Of Fear (2024)
The Century Of The Self (EP) (2026)

THE VIOLENT HOUR „Screenager“ (Video bei YouTube)

HELL IN THE CLUB Line-Up:
Andrea „Andy“ Buratto – Bass
Andrea „Picco“ Piccardi – Guitars
Marco Lazzarini – Drums
Tezzi Persson – Vocals

HELL IN THE CLUB „Call Me at 666“ (Video bei YouTube)

FRANK PALANGI „Vampire“ Tracklist

01 – Tomorrow Ends
02 – Vampire
03 – RadioActive
04 – Tomorrow Ends
05 – The Dragon (Video bei YouTube)

NIGHTBLADE Line-Up:
Mark Crosby – vocals
James Boyle – guitar
Chris Seldon – bass/guitar
Elliot Potts – drums

NIGHTBLADE „Something To Say“ Tracklist

1. Something To Say
2. Lifeline
3. Running Out
4. Wish To Continue
5. Harder To Console (Lyric-Video bei YouTube)
6. Because Of Me
7. Next Breath
8. Summernight City
9. When I’m Gone
10. Hear Your Prayer
11. Audacity
12. Next Breath

CAROLINE BREITLER Line-Up:
Caroline Breitler: Vocals
Alain Schneble: Guitar
Andreas Caplazi: Keyboards

CAROLINE BREITLER „Roots“ Tracklist

01. Sentinel (Video bei YouTube)
02. Genghis Khan
03. A Million Miles
04. If Nobody Loves You (feat. Mark Fox & Ivan Keller) (Video bei YouTube)
05. In Her Shadow
06. Calling
07. Stuck In The Cold
08. Dad (Video bei YouTube)
09. Light To Dark

LESBIAN BED DEATH Line-Up:
JJ – Vocals
Dan Peach – Rhythm Guitar
Ali Vicious – Lead Guitar
Effie – Bass
Aimee Violet – Drums

LESBIAN BED DEATH „Satan’s Cellar“ Tracklist

1. The Midnight Horror Show 04:08 (Video bei YouTube)
2. Divine Parasite 04:27
3. Death Row Disco 03:24
4. Bad Energy 03:38 (Video bei YouTube)
5. Love Bites From The Beast 04:11 (Video bei YouTube)
6. Dark Waters 04:05 (Video bei YouTube)
7. Cry Me A River Of Blood 03:31
8. Time Kills Everything 03:17
9. Exorsisters 03:21
10. Switchblade Valentine 02:36 (Video bei YouTube)
11. Atomic Romance 03:54
12. The Cosmic God With Thirteen Eyes (Bonus Track) 04:20

„Wir haben uns gesagt: Das ist es. Jetzt erschaffen wir das ultimative Airbourne-Album. Und wenn wir das machen, dann ohne Kompromisse. Wenn man anfängt, Abkürzungen zu nehmen, wird es am Ende nicht funktionieren“, erklärt AIRBOURNE-Drummer Ryan O’Keeffe. „Dieses Album vereint alles, wofür wir stehen. Alles, was wir am Hard Rock lieben. Es ist das bestmögliche Album, das wir machen konnten.“

Zum Albumrelease teilte die Band nun auch ein Video zu „Kid in a Candy Store“:

„Here She Comes“ erschien inklusive Clip im August:

Auch zu „Alive After Death (Last Plane Out)“  gibt es ein Video, ebenso wie zu den Songs „Christmas Bonus“ und „Gutsy“:

In Deutschland gibt es zwei  Pre-Listenings inklusive Q&A und Meet & Greet mit der Band:

Köln – 13. August 2026
Berlin – 24. August 2026

Location und Uhrzeit werden noch bekannt gegeben. Das Ticket ist ausschließlich im Bundle mit dem neuen Album erhältlich, das Bundle gibts nur bei Impericon.

AIRBOURNE „Airbourne“ Tracklist

• Gutsy (Video bei YouTube)
• Alive After Death (Last Plane Out) (Video bei YouTube)
• Here She Comes (Video bei YouTube)
• Kid In A Candy Store (Video bei YouTube)
• Sky High
• Who Put The Rhythm In You?
• Christmas Bonus (Video bei YouTube)
• Last Man Standing
• Rock ‘N’ Roll Ya
• Bogotá
• Hells Got No Vacancy
• Send Me To Rock ‘N’ Roll Heaven

Das Album beinhaltet Songs, die Gitarrist Jürgen Breforth gemeinsam mit  Musikern wie Sascha Gerstner (HELLOWEEN), David Readman (PINK CREAM 69), Andreas Broon (THE SISTERS OF MERCY) und Michael Voss (MICHAEL SCHENKER) geschrieben hat, die beiden bislang unveröffentlichten MAD MAX Songs „Til‘ The End Of Time“ und „Weapons Of Love“ aus dem Jahr 1991 sowie eine neu eingespielte Version von „Piece Of Candy“.

Nun gibt es auch ein Video zu „Keep You Alive“:

Reinhören kann man in die erste Single „Silver“, über die Breforth folgendes sagt:

Der Song entstand ursprünglich 2001 für das Debütalbum von Michael Schenker Group-Sänger Gary Barden. Es war mir eine große Ehre, ihn gemeinsam mit Andreas Broon zu schreiben, der unter anderem durch seine Arbeit mit The Sisters Of Mercy, Doro Pesch und vielen weiteren Künstlern bekannt ist.

Ich war immer überzeugt, dass ‚Silver‘ das Potenzial zu einer großen Hit-Single hat, doch das ursprüngliche Album hatte damals mit zahlreichen Hindernissen zu kämpfen. Umso stolzer bin ich, nun endlich die MAD MAX Version präsentieren zu können – mit einer etwas härteren Gitarrenkante, ohne dabei den britischen melodischen Charakter zu verlieren, den unser neuer Sänger Alan Clark aus Großbritannien mitbringt.“

Im Herbst 2026 hat Alan Clark (DARK HEART) den Posten am Mikrofon übernommen.

„Als ich MAD MAX 1981 gründete, kamen alle meine Idole und Einflüsse aus Großbritannien – Bands wie Def Leppard, Judas Priest, Status Quo oder Iron Maiden. Deshalb war es immer mein Traum, einmal einen native Speaker aus UK in der Band zu haben – und jetzt, nach all den Jahren, ist es endlich soweit. Ich freue mich darauf, mit Alan das 45-jährige Bandjubiläum zu feiern und das neue Studioalbum aufzunehmen.“

MAD MAX „Stories Of Destiny“ Tracklist & Cover 

1. Silver (Video bei YouTube)
2. Weapons Of Love
3. Keep You Alive (Video bei YouTube)
4. Far Behind
5. Piece Of Candy
6. ‚Til The End Of Time
7. Bullet
8. Mad Gone Blind
9. She Was Mine
10. Wings Of Freedom
11. Dulces Falsos

Artist Line-Up:
Alan Clark – Vocals
Andreas Baesler – Vocals bei „Dulces Falsos“ & Duett Vocals bei „Piece Of Candy“
Jürgen Breforth – Gitarre
Dethy Borchardt – Gitarre
Fabian Watermann – Bass
Axel Kruse – Drums

HOT HELL ROOM Line-Up:
Loïc Malassagne – Vocals, Guitar
Pierre Timaitre – Guitar Solo
Alan Raoul – Bass
Ludovic Rouix – Drums

HOT HELL ROOM „Soylent Green“ (Lyric-Video bei YouTube)

Nun haben KISSIN DYNAMITE ein Video zu „Good In Goodbye“ geteilt, in dem sich Hannes Braun von der Band und den Fans verabschiedet: 

GOOD IN GOODBYE ist vielleicht das emotionalste Stück, das wir je veröffentlicht haben. Der Song handelt vom Schmerz einer unausweichlichen Trennung – und macht gleichzeitig unmissverständlich klar: Es gibt kein Zurück, keinen doppelten Boden. Jetzt zählt nur noch der Blick nach vorn.

Inhaltlich sind die Zeilen als Hannes’ ganz persönlicher Abschied von uns, unseren Fans und den Bühnen dieser Welt zu verstehen.

Um dieses Gefühl musikalisch so unmittelbar wie möglich zu transportieren, haben wir uns entschieden, mit reduziertem Besteck in den Song einzusteigen – ehrlich und reflektiert. Mit der zunehmenden Entschlossenheit des Songs wächst auch die musikalische Intensität. Was zurückhaltend und fragil beginnt, entwickelt sich Schritt für Schritt zu einem emotionalen Sog – bis der Song schließlich in einem geradezu ekstatischen Finale gipfelt.

Mit „I’ll Be“ steht nun eine weitere Hörprobe bereit:

Ein weiteres Trostpflaster für Fans: Ganz aus dem Bandumfeld verschwinden will Hannes Braun nicht. Der Musiker wird der Band weiterhin als Songwriter und Produzent im Hintergrund erhalten bleiben.

Zum Abschied spielt man außerdem drei Shows mit Hannes Braun (Termine s. unten).

Die erste Single aus „Kissin‘ Dynamite“ heißt „Glory Days“, das Video kann man ab 18 Uhr hier ansehen: 

KISSIN‘ DYNAMITE „Kissin‘ Dynamite“ Tracklist

01. Glory Days (Video bei YouTube)
02. I Salute You – feat. SALTATIO MORTIS
03. Heart Attack
04. Night Is Calling
05. Out In The Rain – feat AMARANTHE
06. Love Me Hate Me
07. Lie For Me – feat Anna Brunner (LEAGUE OF DISTORTION/Exit Eden) 
08. I’ll Be (Audio bei YouTube)
09. Steel Of Swabia – feat. Primal Fear und Sam Totman (DRAGONFORCE)
10. Against The World – feat EKLIPSE 
11. Nothing Breaks Like A Heart
12. Only The Good Die Young
13. Good In Goodbye (Video bei YouTube)

KISSIN‘ DYNAMITE „Kissin‘ Dynamite“ Artwork

KISSIN‘ DYNAMITE Tourdaten 2026

• 19.09.2026 Neu-Ulm – Ratiopharm Arena
• 26.09.2026 Hamburg – Inselpark Arena
• 03.10.2026 Köln – Palladium

Fotogalerie: KISSIN‘ DYNAMITE – Summer Breeze 2025 – 16.08.2025

„How To Cast A Shadow“ ist nach „Really Good Terrible Things“ (2024) das zweite Album des Projekts von RAY ALDER (FATES WARNING, A-Z, Ex-REDEMPTION) und JIM MATHEOS (FATES WARNING, OSI, ARCH/MATHEOS) und wurde am 24. Juli 2026 via Metal Blade Records veröffentlicht.

Zuvor teilte die Band eim Juli einen Clip zu „I’ll Leave A Light On“:

Vorab gibt es außerdem ein Video zu „Enjoy the View“.

NORTH SEA ECHOES „How To Cast A Shadow“ Tracklist

1. A Time of Innocence and Purpose
2. Enjoy the View (Video bei YouTube)
3. Good Enough (Video bei YouTube)
4. I’ll Leave a Light On (Video bei YouTube)
5. All Fall Away
6. Revenge
7. Villains or Saints
8. What is and What Was
10. All That Comes After
11. How to Cast a Shadow