ENDLESS FLOODS Line-Up:
Louise Dehaye – vocals, saxophone
Benjamin Sablon – drums, synthesizers, electric guitars, acoustic guitars, vocals, percussion
Stéphane Miollan – bass, electric guitars, acoustic guitars, vocals, synthesizers

ENDLESS FLOODS „Passages“ Tracklist

1. Visions
2. Deuxième monde (Audio bei YouTube)
3. Liminal
4. Primordial

„Uragano“ wurde von Andrea Lenoci produziert und mit einem Cover-Artwork von Camilla Di Bella Vecchi ausgestattet. Release-Termin ist der 8. Mai 2026.

IVOIRE Line-Up:
Antonio Caggese – Vocals
Nicolò Lenoci – Guitar
Sebastiano Liso – Guitar
Cipo – Drums
Francesco Bizzoca – Bass

IVOIRE „Uragano“ Tracklist

01. Le Catene dell’Estro
02. Vetta (Audio bei YouTube)
03. Tempeste
04. Chimera
05. Sotto La Cenere (Visualizer bei YouTube)

CHULLACHAQUI Line-Up:
Matt Cooper – vocals, guitars, bass, drum programming
Jess O’Toole – additional guitars
George Mitchell – drums, drum programming

CHULLACHAQUI „Epiphanic Perdition“ Tracklist

1. Yakruna
2. Futility I: Unstoppable Force
3. Futility II: Immovable Object
4. Futility III: Death Becomes You
5. The Serpent
6. Oblivion (2023 Version) (Audio bei Bandcamp)

„Bei ‚Be Not Afraid‘ geht es letztlich um Angst und Ehrfurcht und die Folgen ihrer Manipulation. Wir wollten unseren Widerstand dagegen in der Dynamik der Musik zum Ausdruck bringen, mit einem Gefühl von Unerbittlichkeit und spiritueller Unausweichlichkeit“, erklärt Gitarrist Matt Mitchell.

BURIAL CLOUDS Line-Up:
Matt Mitchell – guitar
Flynn Hargreaves – bass
Marina Lavelle – vocals
Bryce Ramsey – guitar
Tim Iserman – drums

BURIAL CLOUDS „Burn Holy“ Tracklist

1. Burning The Olive Tree
2. Windflower
3. Ashen Altar
4. Negations
5. Be Not Afraid (Video bei YouTube)
6. Screaming, Drowning Pacified
7. Forget Me Not
8. Eyes Without Light

„Nothing Left to Deconstruct“ wurde von Frontmann Luiz Felipe Netto (PIAH MATER) aufgenommen und gemixt und von Magnus Lindberg gemastert. Das Cover-Artwork stammt von David Preissel.

LONESHORE Line-Up:
Bruno Farinazzo (Guitars)
Luan Moura (Bass)
Luiz Felipe Netto (Vocals, Guitars, Keyboards)
Pedro Mercier (Drums)
Renan Rubim (Guitars, Keyboards)

LONESHORE „Nothing Left to Deconstruct“ Tracklist

1. Self Oscillations
2. Straylight
3. To Stride the Black Earth
4. Birth of a Mountain
5. Of Lost Waters
6. Parhelion (Audio bei YouTube)
7. With Nothing We Part

Die Musik an sich geht auf „Eclipsed Realms“ im Mix etwas unter

Ganz so dicht, wie es diese Genre-Konstellation vermuten ließe, ist das dritte Album von MUERTO nicht, wenngleich von all den Ingredienzen ein bisserl etwas in „Eclipsed Realms“ mitschwingt. So herrscht beinahe durchgehend ein schleppendes Tempo vor, das böse anmutende Geschrei von Penelope Matamoros ist zweifelsfrei angeschwärzt und was den Post-Metal anbelangt… Hm, vielleicht ließe sich hier die eine oder andere melodische Gitarren-Spur heranziehen, so man diese denn gut hören kann. Denn, was gleich zu Beginn des Albums auffällt, ist der klar auf den Gesang fokussierte Mix des Albums. Die Instrumente verschwinden im Background-Nebel des Sounds, während das Schreien und Kreischen klar die Songs dominiert. Das verleiht der Stimme nochmals einen zusätzlichen Push, aber wird auf Dauer etwas eintönig, wohl auch weil die Kompositionen im Hintergrund etwas zu einfach und zu ähnlich sind. Zwar schieben MUERTO dann und wann Akustik-Passagen ein (etwa in „Veil of Desolation“, das allzu abrupt endet) und variieren auch das Tempo (am besten umgesetzt in „Burning Shadows“), doch eine kompositorische Offenbarung ist das alles nicht.

MUERTO haben noch ein paar Stellschrauben anzuziehen

Auch gesanglich bleibt das Album etwas eindimensional, wenngleich die Frontfrau in „Decay“ erstmals auch cleane Vocals zum Einsatz bringt. Der Klargesang ist dabei etwas wackelig und für die Abwechslung zumindest gut gemeint. In „Radiance“ sind die Vocals dann auszugsweise noch sanfter… und noch wackeliger, doch überrascht der abschließende Song im letzten Drittel dann doch mit einem kompositorisch interessanteren Übergang. Dennoch, die musikalische Wirkung, die „Eclipsed Realms“ ausübt, bleibt für mich überschaubar. Da gehören noch ein paar Stellschrauben in Sachen Komposition, Dramatik und Sound angezogen.

Veröffentlichungstermin: 17.04.2026

Spielzeit: 36:10 Min.

Line-Up:
Penelope Matamoros – Gesang & Bass
Juan Mondragon – Gitarre
Eddel Jared – Schlagzeug

Label: Transcending Obscurity Records

Mehr im Netz: https://www.facebook.com/muertoband
Mehr im Netz: https://muerto-label.bandcamp.com/

MUERTO „Eclipsed Realms“ Tracklist

1. Serpentine Echoes (Audio bei YouTube)
2. Veil of Desolation (Audio bei YouTube)
3. Burning Shadows
4. Wilderness (Audio bei YouTube)
5. Decay
6. Radiance (Audio bei YouTube)

Emily Highfield als Gründerin von SULDUSK

Musikalisch ist „Anthesis“ dann nicht ganz so einprägsam und einzigartig, als dass wir in den vergangenen Jahren schon mehrfach Bekanntschaft mit Dark Folk / Blackgaze-Projekten machen durften, die eine musikalisch und stimmlich bestimmende Frontfrau zu bieten haben: Man denke nur an MYRKUR, SYLVAINE oder HELGA. Im Falle von SULDUSK ist es Emily Highfield. Die Australierin gründete die Band noch als Solo-Projekt, ehe sie eine ganze Band um sich scharte. Und das ist auch gut so, als dass die Kompositionen dadurch breiter aufgestellt sind – inklusive männlichem Gesang von Shane Mulholland oder die melodramatischen Violine-Spuren von Hayley Anderson bzw. Cello-Klänge von Raphael Weinroth-Browne in „A Luminous End“.

„Anthesis“ bleibt großteils auf der sentimentalen Seite

Das Songmaterial an sich ist zumeist auf der eher ruhigen und sentimentalen Seite, bricht dann aber immer wieder einmal dramatischer und angeschwärzt aus (wie in „Verdalet“ oder im emotional aufgeladenen, jedoch trotzdem ausgewogenen und daher starken Titeltrack). Aber auch durchgehend ruhige Songs wie „Sphaera“ wissen zu gefallen, wobei mir es hier der sanfte männliche Gesangspart besonders angetan hat. Das gefährliche Tal eines Durchhängers muss das Album dann aber im letzten Drittel durchschreiten („Mythical Creatures“ und „Leven“ im Verbund), ehe das abschließende „A Luminous End“ dann wieder – inklusive Blast Beat-Passagen – zündet. Und dieser Zunder genügte nun eben auch, um „Anthesis“ wieder in Erinnerung zu rufen.

Veröffentlichungstermin: 01.03.2024

Spielzeit: 46:50 Min.

Line-Up:
Vocals, Guitars: Emily Highfield
Vocals Guitars: Shane Mulholland
Bass: Daniel Green
Guitars: Josh Taylor
Violin: Hayley Anderson
Drums: Frankie Demuru

Label: Napalm Records

Mehr im Netz: https://www.suldusk.com/
Mehr im Netz: https://suldusk.bandcamp.com/
Mehr im Netz: https://www.facebook.com/Suldusk/

SULDUSK „Anthesis“ Tracklist

1. Astraeus
2. Verdalet
3. Crowns Of Esper
4. Crystalline (Video bei YouTube)
5. Sphaera
6. Anthesis (Video bei YouTube)
7. Mythical Creatures (Video bei YouTube)
8. Leven
9. A Luminous End

Es ist das achte Album der Schweizer aus Genf und folgt dem 2021er-Album „Antidote“ nach und wird am 22. Mai 2026 via Season of Mist erscheinen.

„Le sanglot“ wurde von Yvan Bing im Kitchen Studio aufgenommen und gemixt und von Magnus Lindberg gemastert. Vorab gibt es auch zum Opener „Électricité noire“ einen Video-Clip.

IMPURE WILHELMINA Line-Up:
Michael Schindl — Vocals, Guitar
Mario Togni — Drums
Sébastien Dutruel — Bass
Edouard Nicod — Guitar

IMPURE WILHELMINA „Le sanglot“ Tracklist

1. Électricité noire (5:01) (Video bei YouTube)
2. Cent mille plaies (3:43)
3. Abîme (6:26)
4. Larmes de joie (5:02)
5. Dévoreur d’étoiles (6:00)
6. Train mort (4:03)
7. Frelon ivre (4:40)
8. Blanche réalité (5:35) (Video bei YouTube)
9. Demain J’abandonne (4:04)
10. À Jamais radieuse (5:52)

Nach den ersten Vorab-Singles „Obsidian“ und „A Rest to My Name“ haben die US-Amerikaner mit „Home to Nowhere“ nun eine dritte Single aus dem Album veröffentlicht.

OLD MOON Line-Up:
Michael Priest – Vocals
Grady Pursel – Guitar
Chris Lagor – Guitar
Ryan Wilkerson – Bass
Tim Cauley – Drums

OLD MOON „Home to Nowhere“ Tracklist

1. Between the Stars 07:00
2. My Name is Death 05:29
3. Distance 04:07
4. A Rest to My Name 05:48 (Lyric-Video bei YouTube)
5. Obsidian 07:31 (Video bei YouTube)
6. Home to Nowhere 06:44 (Video bei YouTube)
7. Creations Undone 07:20

„Das Wort ‚Sotera‘ bedeutet ‚Retterin‘ oder ‚Beschützerin‘ im Griechischen, was die Essenz des Albums perfekt einfängt“, erklärt JUNIUS-Sänger/Gitarrist Joseph E. Martinez. „Dieses Album ist eine musikalische Anrufung, die das Göttlich-Weibliche als Kraft der Transformation und des Gleichgewichts erforscht. Medea steht an der Schwelle. In ‚Sotera‘ rufen wir Hekate, ihre Mutter, an. Das Orakel als liebevolle, aber ignorierte Prophetin. Lucifera erscheint als die bestrafte Lichtbringerin. Die Initiatrix ist diejenige, die den Ritus beginnt.“

„Initiatrix“ hat die Band passenderweise auch als erste Single ausgesucht, den Song gibt’s unter anderem Bei YouTube:

JUNIUS „Sotera“ Tracklist & Cover

Disciple
The Oracle
Summon Her
Initiatrix (Video bei YouTube)
Darkwater
Serpent
Lucifera
Scythian

Wenige Wochen zuvor hat die Band mit „Immortal“ einen weiteren Video-Clip des Albums veröffentlicht.

„Das Konzept für das Video kam mir eines Nachts im Traum. Die Vorstellung einer bedrohlichen Dunkelheit, die einem das Licht nehmen will, hat genau das Gefühl eingefangen, das man hat, wenn man mit psychischen Problemen zu kämpfen hat. Ich dachte immer wieder: Wie schön wäre es, wenn man nicht ständig Schmerzen hätte? Und ich glaube, genau das fasst die letzte Zeile des Songs „and to feel a heart without the pain is immortal“ zusammen“, sagt Sänger Nate Burman.

Es ist das vierte Album der US-Amerikaner, die sich inzwischen in Portland, Oregon niedergelassen habe.

„“The Earth is Breathing Beneath Me“ ist keine Metapher. Es ist die Erkenntnis, dass der Boden unter unseren Füßen lebt und wir alle nur Passagiere auf seinem Puls sind“, sagt die Band.

„The Earth Is Breathing Beneath Me“ wurde von Kurt Ballou in den God City Studios produziert und wird am 24. April 2026 via Church Road Records erscheinen. Vorab gibt es mit „Fists Like Feathers“ einen Video-Clip.

ARMED FOR APOCALYPSE Line-Up:
Nate Burman – Vocals
Cayle Hunter – Guitar
Charlie Fischer – Bass
Nick Harris – Drums

ARMED FOR APOCALYPSE „The Earth Is Breathing Beneath Me“ Tracklist

01 Drown
02 Ashes Of The Night
03 Spellbound (Video bei YouTube)
04 Fists Like Feathers (Video bei YouTube)
05 Beyond The Mirage
06 Immortal (Video bei YouTube)
07 Lost Without A Light
08 Keep Up Appearances
09 Lurk
10 Bathed In A Tepid Pool Of My Own Filth
11 The Earth Is Breathing Beneath Me

„Transmissions 2.0“ erscheint am 12. Juni 2026 via Pelagic Records.

TELEPATHY „Transmissions 2.0“ Tracklist

1. To Breathe in Chaos (Telepathy Remix)
2. Knife Edge Effect (Tribe of Ghosts Remix)
3. Augury (Sagor Som Leder Mot Slutet Remix)
4. Augury (Valerian Swing Remix)
5. Telepathy feat. Jo Quail – Home (Redux) (Video bei YouTube)

„A Light So Dim“ enthält zehn Songs, als Gäste sind Pieter Uyttenhove und Annelies van Dinter (TAKH), Pardis Latifi (DAEVAR) sowie das „sechste Bandmitglied“ Danni Kann und der “Chor Der Damen Ohne Namen“ aus Köln zu hören. Aufgenommen und gemastert hat das Album Andy Rosczy  im Goblin Sound Studio. Das Artwork kommt von Tobias Hahn, die Fotos von Max Heckmann.

Nachdem wir die Album-Trilogie „Converging Sins“, „The Inextricable Wandering“ und „All That Has Never Been True“ abgeschlossen haben, stellt sich eine Frage: Wohin geht man, wenn man alles verloren hat? Man kann die Niederlage akzeptieren und sterben. Oder man beginnt, zu kämpfen.  Dies ist ein Album über Hoffnung in den finstersten Zeiten. Es ist ein Aufruf an das innere Selbst, einen Licht in einer Welt voller Nebel zu finden.

ULTHA „A Light So Dim“ Tracklist

The Unseen World
Love As We’re Falling Down
Her Still Singing Limbs
What’s Yours Is Yours To Carry
Hex Upon Our Heads
Sister Faith & Sister Chance
Cherry Knots (The Sun Shines Through You)
Pink Lights Soiling To Copper
The Quiet Current

SYBERIA Tourdaten 2026

• 28/03 – Wil, Gare De Lion, Switzerland
• 29/03 – Wien, Arena Beisl, Austria
• 30/03 – München, Glockenbachwerkstatt, Germany
• 31/03 – Dresden, Riesa Efau, Germany
• 01/04 – Jena, KuBa, Germany
• 02/04 – Bonn, Kult 41, Germany
• 03/04 – Ghent, Asgaard Gentbrugge, Belgium
• 04/04 – Saint-Symphorien-d’Ozon, Over Eighteen Motors, France
• 05/04 – Clermont-Ferrand, Le Raymonde, France
• 25/04 – Stuttgart, Zentral Club, Germany
• 26/04 – Hamburg, Gängeviertel, Germany
• 27/04 – Neunkirchen, Stummsche Reithalle, Germany
• 28/04 – Berlin, Neue Zukunft, Germany
• 29/04 – Poznan, Pod Minoga, Poland
• 30/04 – Prague, 007 Strahov, Czech Republic
• 01/05 – Yverdon-Les-Bains, Les Citrons Masqués, Switzerland
• 02/05 – Cascina Bellaria, Italy

Bezüglich Lyrics setzt das Album die Auseinandersetzung mit Sinnlosigkeit, Leere und Verfall fort, gefärbt von Reflexionen über Zeit, Raum und Sterblichkeit: eine Meditation über Trauer, befreit von Trost und Illusionen, auf der Suche nach dem, was bleibt, wenn nichts mehr Bedeutung hat. Release-Termin ist der 8. Mai 2026. Mit „True Night Falls“ gab es zuvor schon die erste Vorab-Single.

„“True Night Falls“ ist eine Darstellung der Leere, die man in den dunkelsten Momenten finden kann. Erdrückende Parts vermischen sich mit eindringlichen Melodien und erzeugen ein packendes Gefühl unerbittlicher Einsamkeit. Der Song fängt das Gewicht des Gefangenseins im eigenen Kopf ein, wenn Erschöpfung und Verzweiflung jeden Gedanken schwer und sinnlos erscheinen lassen. Er bewegt sich durch eine dunkle, endlose Nacht, in der nichts Orientierung oder Trost bietet, und am Ende fühlt sich ein Teil von einem selbst für immer verloren“, sagt die Band.

HARMS Line-Up:
Juho Haikonen – Bass
Jussi Loiri – Guitar, synth
Viljami Rings – Drums
Visa Tuovinen – Guitar, vocals
Jussi Tyrisevä – Vocals

HARMS „Rebirth of the Cold“ Tracklist

01. Endlessness
02. Serpentine calling
03. True night falls (Video bei YouTube)
04. Flowerless grave
05. A lifetime spent on dying (Lyric-Video bei YouTube)
06. Rupture
07. Essence of sorrow
08. Apollonia
09. Cold aeon of time
10. Reprise

NEUROSIS setzen ein klares Statement – das macht schon der Titel „An Undying Love For A Burning World“ deutlich.

So wie NEUROSIS ihre Wiedergeburt mit einem Schrei begrüßen. „We Are Torn Wide Open“, schreien sie als Kanon des Schmerzes heraus. STEVE VON TILL sprach über das Thema der Entfremdung bereits vor einem Jahr, jetzt greift er das Thema mit der gesamten Band auf. Und wie könnte es nicht schmerzen? Immerhin fand auch in der Band eine Entfremdung statt. Dass NEUROSIS sich von SCOTT KELLY trennten, diesem scheinbar integeren Mann in der integersten Band überhaupt, hinterließ eine klaffende Wunde, auch in den Herzen der Fans. NEUROSIS schienen aber bereits zuvor müde. „Honor Found In Decay“ konnte man sich noch Schönhören, „Fires Within Fires“ hingegen zeigte die Band nur noch als traurigen Schatten ihrer selbst. Ob es nun an Neumitglied Aaron Turner (ex-ISIS, SUMAC) liegt, oder daran, dass die NEUROSIS ihre Kräfte gesammelt und wieder ihre Essenz gefunden haben, sei dahin gestellt, aber „An Undying Love For A Burning World“ zeigt die Band mit gereifter Perspektive und der Energie von vor 30 Jahren.

Und sie schreien sich die Lunge aus dem Leib in den ersten 50 Sekunden des gut einstündigen Werks. Sie reißen damit ein Tor auf: „Mirror Deep“ startet gleich mit einem brachialen Riff, Industrial-Grooves, und ist an Heaviness kaum zu überbieten, mit Vocals, die klingen, als platze der Brustkorb. Keine zwei Minuten nach diesem Auftakt schnaufen NEUROSIS erstmalig durch, nur um dann einen Gang hochzuschalten und die Intensität in der zweiten Hälfte nochmalig zu steigern. Das Spiel mit Dynamik und Geschwindigkeit beherrschen NEUROSIS noch immer. Aaron Turner erweist sich hier als einzig logische Möglichkeit, die klaffende Lücke zu schließen, und wird es im Laufe des Albums immer wieder beweisen. „Mirror Deep“ ist indes ein kompakter, aber weit ausholender Song, der in weniger als sechs Minuten absolut vollständig wirkt. Daneben steht mit „Untethered“ noch ein kurzer Song auf „An Undying Love For A Burning World“, der ebenso vollständig klingt, sich ins Gesamtbild einfügt und dennoch mit einem kleinen Amp Rep-Noiserock-Anteil leicht heraussticht.

Aaron Turner ist der Perfect Fit für „An Undying Love For A Burning World“: NEUROSIS klingen so relevant wie zuletzt im Jahr 2004.

Insgesamt dominiert bei NEUROSIS aber wie üblich das große Panorama und das große Epos. Mindestens acht Minuten dauern die meisten Stücke auf dem Album, die zwischen Verzweiflung, Wut und einer zarten Hoffnung pendeln. Freilich, „An Undying Love For A Burning World“ zermalmt mit seinen kratzigen und krachenden Riffs die Subtilität, aber sie ist nicht totzukriegen. „First Red Rays“ startet mit einem Riff, das einen echten Aaron Turner-Moment hat und erst langsam, dann im Uptempo eine Gesangsperformance bietet, die früher ein feuchter Traum gewesen wäre: Turner und VON TILL ergänzen sich derart gut als brüllende Sänger, dass die Luft wegbleibt. Der leise Mittelteil atmet einen Hauch psychedelischen Friedens mit sich umgarnenden Gitarren und Synthesizern, bevor die Härte wieder überhandnimmt und ganz am Ende STEVE VON TILL stimmlich Trost spendet, trotz der Instrumente am Anschlag. Ähnlich gewaltig ist „Seething And Scattered“, dessen Beginn wie ein Schlag ins Gesicht wirkt und dessen verspielter Mittelteil in ein lautes Noise-Crescendo übergeht.

Auch die Rhythmussektion ist auf diesem Album mit vollem Herzen dabei. Dave Edwardson, der endlich auch wieder seine unnachahmlichen Growls der Band schenkt, groovt mit einem stellenweise gewaltig verzerrtem, dann wieder mit einem atmosphärischen Post Punk-Sound. Besonders ergreifend ist Jason Roeders Performance. Der Drummer, der zwischenzeitlich seinen Rückzug aus der Musikwelt erklärt hatte, ist durch die neue Banddynamik so beflügelt, dass seine kräftigen Rhythmen ihre eigene Erlösung bieten. Die Rhythmen erden die Musik, wie in „Blind“, das mit seinem getragenen Tempo ein wenig nach „The Last You’ll Know“ von „Times Of Grace“ klingt, ist aber dank des atmosphärischen Mittelteils von Noah Landis deutlich vielschichtiger. Wie STEVE VON TILL hier voller Trauer singt und Aaron Turner parallel als Gegenstück brüllt, kann man nicht umhin, als hier einen der ergreifendsten Momente des Albums zu erkennen.

NEUROSIS balancieren Dissonanz und Dynamik exzellent aus: „An Undying Love For A Burning World“ beweist, dass die Band ihr Handwerk nach wie vor beherrscht.

„An Undying Love For A Burning World“ ist ein Alles-Oder-Nichts-Album, ein ultimativer Moment in der Subkultur zwischen Metal, Hardcore und Punk. Es geht um Verbindung, daraus, das Schweigen zu brechen, angesichts der Verbrechen gegen den Planeten. Und damit letztendlich auch gegen alle Spezies, die Menschheit eingeschlossen. Wie sich im Angesicht dieser großen Katastrophen NEUROSIS erheben und so direkt wie nie zuvor ihre Agenda kommunizieren, ist Statement genug. Dass dieser Auftritt so wirkmächtig ist, spricht für die große Lücke, die NEUROSIS in den letzten Jahren hinterließen, die weder CULT OF LUNA, noch AMENRA oder THE OCEAN zur Gänze schließen konnten. Somit sorgt dieses Album, diese wiedererstarkte Band für eine universelle Verbindung – und das kann gar nicht hoch genug angerechnet werden.

In den letzten beiden Songs fährt „An Undying Love For A Burning World“ dann die ganz großen Momente auf. „In The Waiting Hours“ startet dabei sehr leise, daraus bricht nach zweieinhalb Minuten aber das Riff heraus, das für Tage im Gedächtnis bleibt. Dieser Moment ist der vielleicht größte, den NEUROSIS in dieser Stunde bieten. Die Variationen, die daraus entstehen, sind gehaltvoll genug, um die zehn Minuten immer wieder aufwallen zu lassen, bis die Riffs an den Emotionen der Musiker brechen. Die Steigerung dessen ist „Last Light“, das innovativste der acht Stücke. Es beginnt rein elektronisch, mit einem nervösen Beat und Synthesizer-Drones, über die Aaron Turners Stimme in Hysterie abgleitet. Nach zweieinhalb Minuten erwächst daraus ein klassischer NEUROSIS-Song, der sich glazial und mit unbändiger Kraft über das Intro schiebt. In fünf Sätzen zwischen Verzweiflung, Wut und Hoffnung bewegt sich der Song in seinen siebzehn Minuten etwas fragmentarisch dem Ende des Albums entgegen. Und ja, er hätte gestrafft werden dürfen – „Last Light“ mit seinen prophetischen Lyrics ist aber als solches schon ein selbstbewusstes Statement; da darf es auch den großen Auftritt bekommen.

Mit „An Undying Love For A Burning World“ wird das Erbe bewahrt und die Geschichte fortgesetzt: NEUROSIS schenken ihren Fans einen Full Circle-Moment.

„An Undying Love For A Burning World“ ist einer der definitiven NEUROSIS-Momente, wie bereits „Enemy Of The Sun“, „Through Silver In Blood“, „Times Of Grace“ und „The Eye Of Every Storm“. Ein Album, das für sich steht, mehr als jedes andere zuvor, sich aber dennoch stimmig in die Diskografie der Band einfügt. Mit leichten Anpassungen, nicht nur geschuldet durch Aaron Turner, sondern auch durch ein leichtes Öffnen des eigenen Stils. Dazu gehört natürlich auch, dass der 2024 verstorbene Steve Albini als langjähriger Produzent ersetzt werden musste. KOWLOON WALLED CITY-Gitarrist Scott Evans ist als Toningenieur für Aufnahmen und Mix aber eine exzellente Wahl – sein Sound ist frisch und absolut voluminös; trotz der Heaviness ist jedes Detail zu erkennen. So maßgeblich Steve Albinis Produktionen auch waren, und so sehr Albinis Erbe bewahrt werden muss: Dieses Album klingt besser.

Dass NEUROSIS überhaupt wieder zurückgekehrt sind, zeugt von Ermächtigung. Und somit konnte dieses Album gar nicht schiefgehen, selbst wenn die Musik darauf völlig misslungen gewesen wäre. Dass NEUROSIS zehn Jahre nach ihrem bisher letzten Werk eines der besten Alben ihrer Karriere glücken würde, war noch vor zwei Wochen völlig undenkbar. So ist „An Undying Love For A Burning World“ ein Statement, ein stures Nicht-Aufgeben-Wollen angesichts dessen, auf das die Menschheit zuzusteuern scheint. Aber Aufgeben ist keine Option, nicht für Menschen mit dem Ethos von NEUROSIS, nicht für ihr Publikum, egal wie schwer die Wolken über dem Firmament hängen mögen. Denn es existiert noch Verbindung zwischen den Menschen, nicht zuletzt durch die Kraft der Musik. Dieser Urschrei namens „An Undying Love For A Burning World“ ist der lebende Beweis dafür.

VÖ: 20. März 2026 (digital) / 15. Mai 2026 (CD, LP, Tape)

Spielzeit: 63:30

Line-Up:
Jason Roeder – Drums
Aaron Turner – Guitar, Vocals
Steve Von Till – Guitar, Vocals
Dave Edwardson – Bass, Vocals
Noah Landis – Synths, Samples, Vocals

Label: Neurot Recordings

NEUROSIS „An Undying Love For A Burning World“ Tracklist:

1. We Are Torn Wide Open
2. Mirror Deep
3. First Red Rays
4. Blind
5. Seething And Scattered
6. Untethered
7. In The Waiting Hours
8. Last Light

Mehr im Netz:

https://www.neurosis.com/
https://www.instagram.com/neurosisoakland
https://www.facebook.com/officialneurosis/

URLUK Line-Up:
M. – Drums, Vocals, Percussion
U. – Guitars, Bass, Vocals

URLUK „Memories in Fade“ Tracklist

01. Angles of Hauntology (Audio bei YouTube)
02. Lying There
03. Yesterday’s Letters
04. Liminal Vortices
05. The Last Watch (Audio bei YouTube)

Zum Hintergrund der Platte erklärt die Band:

„„We’re All Going To Be Fine“ beschäftigt sich mit der Spannung zwischen Hoffnung und innerem Zusammenbruch und damit, wie das moderne Leben uns von uns selbst und voneinander entfremden kann. Die Songs wurden von persönlichen Erfahrungen, gesellschaftlichem Druck und der Vorstellung inspiriert, dass wir oft zu unserem eigenen schlimmsten Feind werden. Inspiriert wurden wir auch von den Werken Carl Gustav Jungs (dessen Stimme am Ende des Albums zu hören ist), insbesondere von seinen Ideen zur Erforschung der menschlichen Psyche, sowie von Themen aus Filmen wie „Eternal Sunshine of the Spotless Mind“ oder „Melancholia“.“

LOST IN KYIV „We’re All Going To Be Fine“ Tracklist

1. Enlightened
2. Burst (Video bei YouTube)
3. Mantra
4. Eclipse
5. Becoming
6. Euphoria
7. Liminality

LOST IN KYIV Line-up 2026

Jean-Christophe Condette : Bass, Synths
Dimitri Denat : Guitars
Maxime Ingrand : Guitars, Synths, Machines, Programming
Jérémie Legrand : Drums, Programming

„im werden zerissen“ kann man sich bei bandcamp anhören und kaufen, auch bei YouTube sind die Songs veröffentlicht :

Stilistisch bewegt sich das neue Projekt ENDEVENIR „zwischen Dark Rock, Post Metal und Black Metal, ergänzt um elektronische Elemente und dunkle, folkartige Motive“.

ENDEVENIR Line-up:
– Philipp Berdenis van Berlekom – Gesang, Gitarre, Bass, Programmierung

Session Musiker:
– Drum Programming Support – Vicente Ferreira
– Gitarren Soli – Lliam Ahearn

Reinhören kann man in den Song „Daena“ auf bandcamp.

 „Seine Energie passt perfekt zu unserer. Er hätte schon immer dabei sein sollen. Von Anfang an hat er sich eingebracht, Songs geschrieben und Ideen geteilt“, sagt die Band über ihr neues Mitglied.  Aaron fügt hinzu: „Als ich Neurosis vor über 30 Jahren zum ersten Mal hörte, spürte ich, dass mein Herz und mein Verstand nach genau dieser Musik gesucht hatten. AUch jetzt, nach vielen Jahren mit vielen eigenen musikalischen Ideen und Erfahrungen, spricht der einzigartige Sound und Geist von Neurosis mein tiefstes Inneres an.  Es ist eine Ehre und eine wahre Freude, so herzlich in einer Band aufgenommen worden zu sein, die meine Sicht auf die grenzenlosen Möglichkeiten der Musik geprägt hat und die mir vorgelebt hat, dass man kreative Integrität und Kameradschaft über alles andere stellen muss.

Außerdem hat die Band am heutigen Freitag, 20. März 2026, das erste Album seit knapp zehn Jahren über das bandeigene Label NEUROT RECORDINGS veröffentlicht. „An Undying Love For A Burning World“ erscheint physisch am 15. Mai 2026 als LP, CD und Tape.  Über ihr neues Album schreiben NEUROSIS:

„Wir brauchen soetwas vielleicht mehr denn je, und wir vermuten, dass wir damit nicht allein sind. Schwierigkeiten in unserem Privat- und Musukerleben, der Versuch, uns im Wahnsinn unserer Gesellschaft zurechtzufinden, all das ist eine Qual. Dazu kommt Stress, Ängste und Einsamkeit sowie Verunsicherung und Trauer angesichts der Klimakrise und eines Massensterbens. Genug also, um  den Verstand zu verlieren, wenn man keinen Ausweg oder keine Katharsis findet. Diese seltsame, emotionsgeladene Musik war schon immer unsere Methode, um all das zu überstehen, und genau davon haben unsere Lieder immer gehandelt. Wenn man ein Leben lang diese Ausdrucksform genutzt hat, um sich zu reinigen und zu läutern, ist es schädlich an, sie brachliegen und vernachlässigt zu lassen. Es hieß jetzt oder nie.“

Aufgenommen haben NEUROSIS die Platte mit Scott Evans an drei Wochenenden in diesem Winter im Studio Litho in Seattle und sechs Wochen vor der Veröffentlichung in drei Tagen in Evans’ Antisleep Audio in Oakland abgemischt.

NEUROSIS werden beim „Fire in the Mountains“-Festivals auf dem  Gebiet der Blackfeet Nation in Montana ihr erstes Konzert seit sieben Jahren geben, eingeladen wurde die Band von der Firekeeper Alliance, einer gemeinnützigen Organisation, die sich für die Verringerung der Selbstmordrate unter Jugendlichen in Indian Country einsetzt.

NEUROSIS Line-up 2026: 

• Aaron Turner  – vocals and guitar
• Steve Von Till – vocals and guitar
• Jason Roeder – drums
• Dave Edwardson – bass
• Noah Landis – keyboards

2022 hatten NEUROSIS ihre Trennung von SCOTT KELLY bekanntgegeben.

NEUROSIS „An Undying Love For A Burning World“ Tracklist  & Cover

1. We Are Torn Wide Open
2. Mirror Deep
3. First Red Rays
4. Blind
5. Seething And Scattered
6. Untethered
7. In The Waiting Hours
8. Last Light

LEGBITERs Ausflug in die Neunziger ist frisch und kraftvoll …

LEGBITER machen den Anfang; drei Songs mit dem brachialen Riffing des Sludge und dem hypnotischen Groove des Noiserock, zusammen mit dissonanten Post Hardcore-Leadgitarren und Indie-Vocals sind nicht unbeding originell, aber der lärmende 90ies Sound der Band kommt frisch und kraftvoll rüber. LEGBITER klingen insgesamt ziemlich schwedisch und passen zu REFUSED und THE (INTERNATIONAL) NOISE CONSPIRACY, aber auch zu den New Yorkern QUICKSAND. Das Songwriting ist einerseits unspektakulär, andererseits bleiben die lakonischen Songs gut ihm Ohr, auch wenn sie nicht dauerhaft Eindruck begeistern. Als Splithälfte gehen „Worms“, „Speedball“ und „Major Motion“ aber absolut in Ordnung.

Im Anschluss haben es NORNA nicht gerade leicht, aber hey: Auf dieser Split finden sich die zwei der besten Songs ihrer bisherigen Karriere. Nach dem eher spröden „Lithany“ zeigt speziell das sechseinhalbminütige, drückende „Eyes Of God“ mit Riffs, die tatsächlich auf einem BREACH-Album hätten stehen können zeigen, dass NORNA ihr Potenzial ausspielen können. „Serpents Of Gold“ mit seinem nervös-dissonanten Leadgitarren bringt zusätzlich etwas Atmosphäre ins Spiel und würgt die Split abrupt und wirkungsvoll ab. Die Instrumente, bestehend aus Gitarren, Bass und Drums sind so zentnerschwer, dass Tomas Liljedals Geschrei in keiner Weise dagegen ankommt. Dieses Anschreien gegen eine übermächtige Wand ist wirklich enorm energiegeladen. Bleibt zu hoffen, dass NORNA den Schwung von „Eyes Of God“ und „Serpents Of Gold“ nutzen, um künftig dieses Niveau beizubehalten.

… während NORNA mit ihrer kompromisslosen Heaviness endlich Akzente setzen können.

Zwei Bands, die stilistisch zwar zusammenpassen, sich aber dennoch gegenseitig erweitern – so macht eine Split Sinn. LEGBITERs Beitrag wirkt sehr lebendig, und so, als müssten sie niemandem etwas beweisen. Die Schweden zeigen selbstbewusst, was sie können, ein gewisses Understatement bleibt. NORNA hingegen sind endlich auf dem Weg, das zu werden, was sie auf den ersten beiden Alben nicht geschafft haben: Die Lektion an Heaviness. Was sie präsentieren, ist zumindest in zwei von drei Songs beeindruckend und zumindest auf dem Niveau von THE OLD WIND. Insgesamt ist die sechs Songs umfassende, knapp halbstündige Split von LEGBITER und NORNA also gerade für diejenigen empfehlenswert, die den Spirit der Neunziger vermissen. Kurz: Eine gelungene Veröffentlichung.

VÖ: 20. März 2026

Spielzeit: 27:56

LEGBITER Line-Up:
Jonas Slove Eriksson
Viktor Ahnfelt
Rickard Lindblom
Rikard Nordström

NORNA Line-Up:
Marc Theurillat – Drums, Samples
Christophe Macquat – Guitars, Bass
Tomas Lijedahl – Vocals, Guitar

Label: Pelagic Records

LEGBITER / NORNA Tracklist:

1. Worms (Official Audio bei Youtube) 
2. Speedball
3. Major Motion
4. Lithany
5. Eyes Of God
6. Serpents Of Gold

Mehr im Netz:

https://legbiter-swe.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/legbiter_swe/
https://www.facebook.com/LEGBITER

https://norna.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/norna_band
https://www.facebook.com/Nornaband

COAL & CRAYON Line-Up:
Robert Lefold (guitar)
Norman Gäthke (guitar)
Mathias Ruck (drums)
Steffen Wolter (bass)
John Killies (vocals)

COAL & CRAYON „Impending“ (Lyric-Video bei YouTube)

„Ich hatte das Gefühl, dass wir noch etwas zu geben hatten. Ich habe die anderen Jungs wirklich vermisst, aber wie sich herausstellte, war es unmöglich, wieder gemeinsam als BREACH Musik zu machen. Ich wollte wieder Metal-Musik machen, und ich liebe es, wie Tomas singt. Es ist eine Art Suche und Reise, bei der man nicht weiß, wohin man geht, aber wir wissen es.“

Das erste musikalische Lebenszeichen GORMAs ist der Song „They Wait“, den es via bandcamp im Stream gibt.

GORMA Line-up 2026

Per Nordmark – Schlagzeug, Production
Tomas Liljedahl – Vocals

„Dieses Album ist eine Klage über etwas, das weit älter ist als unsere Existenz“, sagt Gitarrist und Komponist Themis Ioannou (Foray Between Ocean), der auch für das Cover-Artwork verantwortlich zeichnet. „Es handelt von etwas, das sich durch Generationen zieht, auf der Suche nach einer Antwort auf eine allgegenwärtige Frage: Was tragen wir mit uns, das nie uns gehörte?“

Zu „I, The Deceit“ gibt es nun einen weiteren Video-Clip – und diesen mit Gast-Sänger Sakis Tolis (ROTTING CHRIST).

Im Februar ist mit dem Video-Clip zu „Introjects“ eine dritte Vorab-Single erschienen.

„Wir tragen oft Überzeugungen und Ideen mit uns herum, die nie unsere eigenen waren, sondern die wir aus der Welt anderer übernommen haben“, sagt die Band. „Diese toten Konstrukte schlummern unter der Oberfläche und prägen uns still und leise – bis etwas zerbricht. Es gibt einen Moment der Dissonanz, einen Riss in der Oberfläche, eine Erkenntnis, dass das Gewicht, das wir tragen, nicht unser eigenes ist.“

Zuvor hat die Band mit dem Video-Clip zu „Oath Ov Prometheus“ eine zweite Vorab-Single veröffentlicht.

„Dieser Song reflektiert die Illusion von Größe, wie die Menschheit sich selbst zum Gott krönt, um ihren Platz um jeden Preis zu bewahren“, sagt die Band.

„Héréditaire“ wurde von Joshua Barber gemixt und von Lasse Lammert gemastert. Davor hat die 2017 gegründete Band mit „L’Origine du Monde“ (2020) und „A Lump of Death: A Chaos of Dead Lovers“ (2023) zwei Alben veröffentlicht. Vorab gibt es auch zum Opener „Die Auslöschung“ einen Video-Clip.

UNVERKALT Line-Up
Dimitra Kalavrezou – Vocals
Themis Ioannou – Guitars, Keys
Eli Mavrychev – Guitars, Vocals
Joscha Hoyer – Bass
Christian Eggers – Drums

UNVERKALT „Héréditaire“ Tracklist

1. Die Auslöschung (6:06) (Video bei YouTube)
2. Oath Ov Prometheus (5:40) (Video bei YouTube)
3. Ænæ Lithi (5:34)
4. A Lullaby for the Descent (5:11)
5. Penumbrian Lament (6:02)
6. Introjects (5:25) (Video bei YouTube)
7. I, The Deceit (feat. Sakis Tolis) (5:47) (Video bei YouTube)
8. Death is Forever (4:50)
9. Maladie de l’Esprit (5:34)

Aktuell arbeiten DIRGE an einem neuen Album, einen Release-Termin für den Nachfolger zu „Dirge“ (2023) gibt es jedoch noch nicht.

Doch es ist nicht nur die Emotionalität, die MISERERE LUMINIS auszeichnet: „Sidera“ ist kompositorisch und spielerisch schlicht atemberaubend. Zu dritt fährt die Band aus Montreal ein gewaltiges Panorama auf; Songs die Geschichten erzählen, die nicht selten von leisen, introvertierten Momenten, in einer großen, überbordenden Conclusio münden. Songs, in denen die Ratio der Leidenschaft nicht im Weg steht. „Les fleurs de l’exil“ klingt als Opener bereits gewaltig, mit seinem dissonanten Mainriff und dem hypnotischen Midtempo-Groove als Basis und einer chaotischen Eruption als Finale. Den Boden ziehen MISERERE LUMINIS dann aber mit „De cris & de cendres“ weg: Zwölf Minuten dauert das Stück, mit neoklassisch geprägten Intro, das aus groß angelegten Streicher- und Piano-Arrangements besteht, dann schier explodiert. Blast Beats, Riffs, Vocals mit der Wut der Verzweiflung, und schließlich ein Outro mit Klavier, Streichern, Kontrabass und angejazztem Drumming. Kurz: Atem-be-fucking-raubend.

Die Leidenschaft auf „Sidera“ ist atemberaubend: MISERERE LUMINIS legen in jede Waagschale Herz und Verstand zu gleichen Anteilen hinein.

Wenig überraschend dabei ist, dass MISERERE LUMINIS nicht nur die einzelnen Kompositionen, sondern auch das ganze Album an sich im Blick haben. Die Dramaturgie von „Sidera“ ist absolut stimmig. So nimmt „Aux bras des vagues & des vomissures“ erstmal Druck raus, setzt auf Harmonien und Melancholie, zunächst wieder mit Piano und Streichern, dann mit erhabenen Leadgitarren. Es dauert fast vier Minuten, bis der Furor wieder durchscheint, tritt aber bald wieder einen Schritt zurück. Die Band nimmt sich nicht nur hier Zeit, über das gesamte Album hinweg lässt sie immer wieder Luft zum Atmen. Diese bewusst leisen und bewusst brachialen Momente sind kontraststark und das ist letztendlich einer der Hauptgründe, warum MISERERE LUMINIS in beinahe jedem Moment des Albums so mitreißend klingen.

„Sidera“ besteht aus langen Songs, hat aber praktisch keine Längen, selbst wenn zwischen den eruptiven Ausbrüchen viel Raum ist, der mit neoklassischen Arrangements gefüllt wird: Streicher und Klavier setzen so starke Akzente, dass man sich zwischendurch fragen mag, ob nicht eher Black Metal die ergänzende Kraft ist. Dass MISERERE LUMINIS in ihren Post Rock-Momenten dabei die Kraft von MONO in ihre Musik bringen, und nicht nur die typischen Tremolo-Gitarren spielen, hebt sie von vielen anderen Bands des Genres ab. Das wirkt sich auch auf die Ästhetik aus: Statt in Misanthropie und Depression zu baden, ist da eine Stärke und Erhabenheit zu hören, die diejenigen haben, die trotz einer lebenslangen dunklen Wolke über dem Haupt trotzdem unbeirrbar weitermachen. Das sagt schon der Titel von „À la douleur de l’aube“ aus, und im getragenen Mittelteil wird es zusätzlich deutlich.

Ein großes musikalisches Panorama: MISERERE LUMINIS lassen auf „Sidera“ offen, ob Black Metal oder Neoklassik die Basis der Musik darstellt.

Ihre emotionale Wucht und Leidenschaft erzeugen MISERERE LUMINIS also nicht nur durch plumpe Build-and-Release-Dynamik, es ist die Weitsicht und die Konsequenz, die diese Musik so intensiv werden lässt. Sogar das abschließende „Dans la voie de nos lumières“ hat nach einem vergleichsweise unscheinbaren Start einen Moment, der Tränen in die Augen treibt, und endet mit einer Klimax, die es in dieser Qualität selten zu hören gibt. Nicht nur kompositorisch, auch spielerisch mangelt es „Sidera“ an nahezu nichts, gerade das Drumming hat einige impulsive Einsätze, die der Musik eine besondere Lebendigkeit verleihen. Wenn die Vocals hier noch mithalten und etwas mehr Variation bringen könnten, es gäbe nichts zu meckern.

Mit „Sidera“ reihen sich MISERERE LUMINIS aber auch so bei einigen ihrer stärksten Labelkollegen ein: Die dissonante Kühle, die in den Riffs von ULCERATE enthalten ist findet sich hier ebenso wie die Heißblütigkeit von SELBST und der Schmerz von WHITE WARD. Dieser Stern tanzt im besten „Also sprach Zarathustra“-Sinne und erzeugt ein Gefühl, das Adam Burkes betörendem Albumcover absolut würdig ist, es ist niederschmetternd und belebend zugleich; beinahe die Quadratur des Kreises. Man kann es nicht anders sagen: „Sidera“ ist ein brillantes Post Black Metal-Album mit Seltenheitswert.

Wertung: 4,5 von 5 Supernovae

VÖ: 6. März 2026

Spielzeit: 51:29

Line-Up:
Annatar: Guitar, vocals
Neptune: Guitar, bass, piano, texts
Icare: Drums, vocals, strings

Sessionmusikerin:
Sylvaine Arnaud: Upright bass

MISERERE LUMINIS „Sidera“ Tracklist:

1. Les fleurs de l’exil
2. De cris & de cendres (Official Audio bei Youtube) 
3. Aux bras des vagues & des vomissures (Official Audio bei Youtube) 
4. À la douleur de l’aube
5. Dans la voie de nos lumières

Mehr im Netz:

https://miserereluminis.com
https://miserereluminis.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/miserere.luminis.official/
https://www.facebook.com/luminis

„A Flashing On Plain Glass“ wurde gemeinsam mit Alex Allinson bei The Bridge Sound and Stage aufgenommen und gemixt und von Carl Saff gemastert. Das Cover-Artwork stammt von Thibault Landemaine.

LESOTHO Line-Up:
Kyle Loffredo – guitars
Cliff Cazeau – bass, synth
Dan DeLucia – drums/percussion

LESOTHO „A Flashing On Plain Glass“ Tracklist

1. Marigold
2. Frail Weapon
3. Fetch Quest (Audio bei Bandcamp)
4. Black Spotted Deer
5. A Flashing On Plain Glass (Audio bei Bandcamp)

Renhören kann man in die erste Single „Red Sky“:

Das Projekt entstand, nachdem die niederländische Sängerin binnen zwei Monaten beide Eltern verloren hatte. Wie schon bei der 2025 erschienen ersten EP der Trilogie – „La Vie“ – nahm Anneke die vier neuen Songs zusammen mit ihrer Liveband auf.

„Mandylion“-Tour mit THE GATHERING

2026 ist Anneke van Gierbergen zum 30-jährigen Jubiläum des THE GATHERING-Albums „Mandylion“ auf Tour, Ursprünglich wollte die  Band in ihrer Originalbesetzung –nur einige wenige Reunion-Shows spielen, darunter auch ein Auftritt beim WACKEN OPEN AIR. Schon vergangenes Jahr hatten The Gathering und Anneke van Giersbergen fünf gemeinsame Konzerte gespielt, allesamt ausverkauft. Der Erfolg gab den Ausschlag für eine erweiterte Tour 2026.

04.04.2026: Schijndel, Niederlande (Paaspop)
19.05.2026: London, England (O2 Shepherd’s Bush Empire)
21.05.2026: Paris, Frankreich (Le Trianon)
22.05.2026: Pratteln, Schweiz (Z7 Konzertfabrik)
23.05.2026: Trezzo sull’Adda, Italien (Live Club)
24.05.2026: Villeurbanne, Frankreich (La Rayonne)
25.05.2026: Esch-sur-Alzette, Luxemburg (Rockhal)
05.06.2026: Norje, Schweden (Sweden Rock Festival)
06.06.2026: Gdańsk, Polen (Mystic Festival)
14.06.2026: Leeuwarden, Niederlande (Into The Grave)
19.06.2026: Clisson, Frankreich (Hellfest)
20.06.2026: Oignies, Frankreich (Le Métaphone)
21.06.2026: Dessel, Belgien (Graspop Metal Meeting)
25.06.2026: Istanbul, Türkei (Zorlu Center PSM)
27.06.2026: Budapest, Ungarn (Barba Negra)
03.07.2026: Cartagena, Spanien (Rock Imperium Festival)
05.07.2026: Lissabon, Portugal (Evil Live)

ANNEKE VAN GIERSBERGEN  „La Mort“ Tracklist& Cover

1. Fade In Fade Out
2. Handle Me With Care
3. Red Sky (Video bei YouTube)
4. Sail Towards The Sun

 Auf „La Mort“ spielen:

Anneke van Giersbergen – Vocals, Gitarre
Allie Summers – Backing Vocals
Camilla van der Kooij – Violine, Viola
Edward Capel – Holzblasinstrumente
Gijs Coolen – Gitarre
Matthias van Beek – Gitarre, Backing Vocals
Rob Snijders – Schlagzeug
Roel Blommers – Bass
Thijs Schrijnemakers – Keyboard

Nathan: Wir sind alle schon lange in der Szene aktiv. Ich habe im Jahr 2005 angefangen, lokal aufzutreten. Das ist schon eine ganze Weile.

Anaïs: Ich habe Bilder von Nathan mit seinen allerersten Bands gesehen. Er hatte ein echtes Babyface.

Nathan: Ein süßes kleines Gesicht. Gefärbte Haare und so weiter. Ach ja, das waren sehr gute Zeiten.

Anaïs: Ja, wir alle kannten die Bands der anderen, bis wir uns schließlich zusammengetan haben, um DOMHAIN zu gründen. Aber ja, es ist ziemlich lustig. Man weiß es nicht, aber eigentlich kennt man seine zukünftigen Bandkollegen schon.

Nathan: Bryn (Mills – Anm. d. Verf.), eines der Gründungsmitglieder von DOMHAIN, und ich gingen zusammen zur Musikschule. Vor 20 Jahren haben wir uns so kennengelernt.

Anaïs: Ja. Und er war bei OVEROTH, einer Death-Metal-Band, die derzeit inaktiv ist, auch wenn sie sich nicht aufgelöst haben. OVEROTH war zu einer eine der größten Death-Metal-Bands Irlands. Und ja, wir alle kannten ihn.

Und DOMHAIN ist jetzt eure Hauptband? Ihr habt noch andere Projekte, richtig?

Anaïs: Andy hat noch ein anderes Projekt. Andy hat eine weitere aktive Band namens IMPERIAL DEMONIC, die puren, echten Black Metal spielt, so black metal, wie es nur geht. Es ist eine großartige Band. Andy ist also gut beschäftigt.

Im Herbst, wurde eure EP „Nimue“  veröffentlicht. Habt ihr jetzt, da euer erstes Album „In Perfect Stillness“ erscheint, einen gewissen Druck verspürt, in Bezug darauf, dass ihr wirklich gute Kritiken bekommen habt und die Leute vielleicht ziemlich viel von euch erwarten?

Anaïs: Wir spüren wir im Moment keinen Druck, denn wir sind alle zufrieden mit unserem Album. Daher haben wir auch keine Angst, irgendwen zu enttäuschen. Wir sind nicht so eine Band. Selbst wenn die Leute unsere Musik nicht mögen würden, würden wir einfach weitermachen. Wenn man anfängt, sich Gedanken darüber zu machen, was die Leute denken, macht man dann überhaupt noch diese Art von Musik? Nein, ich glaube daher nicht, dass es in diesem Sinne einen Druck gibt.

Nathan: Ich denke, der einzige Druck, den es geben könnte, wäre der, es allen recht machen zu wollen. Wir möchten schon, dass die Leute mit dem, was wir machen, zufrieden sind. Aber wir stellen uns selbst an die erste Stelle. Wir haben Spaß daran. Und wenn die Leute daran mit uns Spaß haben können, umso besser.

Anaïs: Ja, natürlich ist es toll, wenn die Leute das können und ich glaube, das tun sie auch. Ich bin diejenige, die sich bei DOMHAIN Social-Media-Teil kümmert. Deshalb erhalte ich aus erster Hand alle Nachrichten, in denen die Leute sagen, dass ihnen unsere Musik oder unser neues Video gefallen hat und so weiter. Und ich informiere meine Band nicht ständig darüber, dass wir eine Nachricht bekommen haben oder dass sich jemand positiv geäußert hat. Deshalb merken sie wahrscheinlich gar nicht, dass unsere Band wirklich gut ankommt. Tut mir leid, Leute.

Nathan: Alles klar, danke für die Info. (lacht)

Ich möchte noch kurz auf die Texte und Sprachen eingehen, die ich für eure Band sehr interessant finde. Aber wenn ich nach der Bedeutung des Bandnamens DOMHAIN suche, spreche ich das übrigens richtig aus …

Nathan: Das ist umstritten. Uns ist es egal, wie die Leute ihn aussprechen. Ich glaube, wir haben ihn auch lange Zeit falsch ausgesprochen. Aber es scheint irgendwie davon abzuhängen, woher man kommt. „dow-ain“ ist jedoch die richtige Aussprache. Mir ist es egal. Ich weiß nicht, ob es den anderen etwas ausmacht.

Aber es ist Gälisch. Und stimmt es, dass es „tief“ bedeutet?

Nathan: „Tief“ oder „Welt“ oder „Universum“.

Anaïs: Es bedeutet auch „Erde“. Es ist ein Wort mit vielen Bedeutungen.

Als ich gegoogelt und nach der Bedeutung gesucht habe, bin ich auf „tief“ gestoßen. Ich fand das sehr passend. Und dass es verschiedene Bedeutungen hat, wie zum Beispiel Erde, gefällt mir sehr gut. Eure Musik klingt auch ziemlich erdig. Habt ihr diesen Namen also bewusst gewählt?

Anaïs: Ja. Ich glaube, Bryn hat ihn am Anfang ausgesucht, oder?

Nathan: Aber er passt sehr, sehr gut zu dem, was wir versuchen zu tun, finde ich. Auch wenn man sich die Themen der Texte ansieht.

Anaïs: Ja, es dreht sich alles um die Natur, um die Erde. Und ich glaube, unsere erste Übersetzung dafür war eher „Erde“ und „Welt“ als „Tiefe“. Aber „Tiefe“ passt definitiv auch zu unserer Musik, unserem Sound. Also ja, es ist insgesamt ein guter Name für uns.

„Es geht darum, woher wir kommen und wer wir sind. Dabei sind wir alle gleich, wir alle wollen dasselbe sagen. Ich denke, das ist die Botschaft, die wir vermitteln wollen, egal ob wir Französisch, Englisch oder Gälisch sprechen. Wir sind alle Söhne und Töchter der Welt, der Natur, und wir haben diese Verbindung dazu – unabhängig von der Sprache.“ – Anaïs über das verwenden verschiedener Sprachen auf „In Perfect Stillness“.

Großartig. Kommen wir nun zu „In Perfect Stillness“. Zunächst einmal herzlichen Glückwunsch zu diesem Album. Es gefällt mir auch nach weit mehr als zehn Durchläufen immer besser. Was recht schnell auffiel war– und ich möchte hier keine Diskussion über Quantität versus Qualität lostreten – dass eure EP war mit 28 Minuten ziemlich lang ist. Das komplette Album besteht aus einem Song mehr, plus Intro, und ist etwa sieben Minuten länger. Wann ist für euch als Band klar war, dass ein Werk komplett ist und entweder als EP oder als Album bezeichnet werden kann? Ist das eine Bauchentscheidung?

Nathan: Wir haben einen Schreibprozess und dann jammen wir die Songs aus. Die wahre Magie entsteht im Studio. Dort wird alles irgendwie endgültig, dort wird alles entschieden. Du weißt ja, dass die Songs immer fast 10 Minuten lang sind. Wenn es sich für uns richtig anfühlt, dann lassen wir das auch so. Wir müssen nichts kürzen oder uns Gedanken über die Länge machen. Wir haben einfach unsere Methode. Und wenn wir das Gefühl haben, dass ein Song fertig ist, dann ist er fertig.

Anaïs: Ja, genau. Die EP war tatsächlich ziemlich lang für eine EP. Und unser Album ist ziemlich kurz für ein Album. Aber ja, man muss alles irgendwie benennen. Ich finde, diese Veröffentlichung ist zu lang, um sie als EP zu bezeichnen – es ist also ein Album. Aber ja, das waren die Tracks, die wir veröffentlichen wollten. Und was wir als Nächstes schreiben werden, wird anders sein, wird eine neue Seite sein.

Was den Stil angeht, war ich überrascht, als ich die EP zum ersten Mal hörte, dass sie – ohne in Stereotypen zu denken – dieses irische Feeling hatte, das ich kenne. Andererseits hat mir dieser ENSLAVED-Vibe sehr gut gefallen, ohne die progressiven Elemente deren letzten Jahre. Aber all diese Elemente sind immer noch auf dem Album vorhanden. Man kann nur einfach keine Namen mehr nennen, nach dem Motto, dass sich die Musik nicht aus einem PRIMORDIAL-Part oder einem ENSLAVED-Teil zusammensetzt. Kam das vielleicht daher, dass ihr vier oder fünf Jahre lang zusammen gespielt habet und mittlerweile eine eigene musikalische Sprache gefunden habt?

Nathan: Ich denke, wir sind ziemlich frei. Vielleicht irren wir uns, vielleicht hören wir etwas nicht, aber wir glauben zumindest durch nichts eingeschränkt zu sein. Ich denke, wenn man sich die EP und das Album anhört, gibt es dort sehr unterschiedliche Genres, die über das ganze Album verstreut sind. Ich glaube nicht, dass es wirklich festgelegt ist. Wir machen im Wesentlichen das, was wir machen wollen.

Anaïs: Ich freue mich, dass du sagst, du hättest etwas Irisches in unserer Musik gehört, denn wir machen keine irischen Jigs oder Folk-Melodien. Aber was du meinst, ist eher das Gefühl, das man bekommt, wenn man PRIMORDIAL hört, nämlich dass man Irland sieht, die Dunkelheit, das Wetter. Und das wollten wir tatsächlich vermitteln, das ist definitiv da. Und ich bin froh, dass du das sagst und dass du das tatsächlich gehört hast. Aber das ist etwas, das ganz natürlich in unserer Musik vorkommt. Und ich denke, unser Sound wird sich definitiv wieder verändern oder weiterentwickeln, weil wir so viele Ideen haben. Und ich kann es kaum erwarten, wieder mit dem Schreiben anzufangen.

Als ich das Album zum ersten Mal hörte, wurde mir klar, dass ich dringend zurück zum Meer muss, an eine Küste irgendwo, wo ein starker Wind weht. Die Normandie beispielsweise ist 12 Autostunden von mir entfernt. Ich bekam auch Fernweh, als ich es mir angehört habe. DOMHAIN bringt mich an Orte, an denen ich schon einmal war und die ich irgendwie vermisse. Ich habe allerdings Schwierigkeiten, euch als Post-Black-Metal-Band zu bezeichnen, auch wenn das korrekt wäre. Und es ist kein Epic Metal, aber es gibt es episches Element. Ich mag es, wenn Dinge nicht so einfach klassifiziert werden können. Aber wenn es um Klassifizierung oder Einzigartigkeit geht, dann geht das schon bei der EP „Nimue“ los. Die ersten fünf Minuten von „A Pile of Stone Upon My Grave“ bestehen fast nur aus diesem akustischen Teil. Dass eure zweite Veröffentlichung, die Split „Of Pine And Oak“ mit EPHEMERAL, ein akustischer Song war, war keine große Überraschung, da die erste EP bereits den Grundstein dafür gelegt hatte. Ihr seid in beiden extremen zu Hause, sei es nun Metal oder ruhige akustische Dark-Folk-Musik. Aber ist es schwieriger, einen 10-minütigen Metal-Song oder einen 10-minütigen Akustik-Song zu schreiben?

Nathan: Ja, wir haben Mühe, die Länge unserer Songs zu begrenzen, sie sind generell recht lang. Bei dem Akustiksong hatten wir zuerst die Metal-Version geschrieben. Es war also zuerst ein Metal-Song, bevor es ein Akustiksong wurde. Ich weiß nicht, ob dir das auf dem Album aufgefallen ist.

Ich dachte, es wäre umgekehrt gewesen.

Nathan: Ja, wir haben das umgekehrt. Wir wussten, dass wir einen Akustik-Track machen wollten, und dieser schien besonders gut zu funktionieren. Also haben wir das eine ganze Weile diskutiert und dann in die Tat umgesetzt. Aber wir hatten diesen Song ursprünglich nicht als Akustik-Song geplant. Vielleicht ist er deshalb so lang.

Der Song „Footprints II“, hat im Grunde genommen nur eine andere Instrumentierung und wie der Track auf der Split.

Anaïs: Ja, wir hätten ihn wahrscheinlich „Footsteps I“ nennen sollen und den akustischen „Footsteps II“, aber das hätte in der Vergangenheit vielleicht Verwirrung gestiftet. Und später hätte es dann Sinn gemacht. Das hätten wir machen können, aber diese Idee hatten wir einfach nicht. Nächstes Mal dann.

Nathan: Ich glaube einfach nicht, dass es die Leute sonderlich stören würde. So wie es ist macht es einfach mehr Sinn. Die Leute wissen ja nicht, dass die Akustikversion nicht zuerst da war.

Okay. Als ich den Album-Track „Footprints II“ hörte, hatte ich einen echten Flashback. Die Art, wie er ruhig beginnt und die gesprochenen Worte auf Französisch darüber gelegt wurden, das hat mich an den Song „Black Light District“ von THE GATHERING erinnert. Das Stück hat ein sehr ähnliches, ruhiges Flair mit den gesprochenen Worten darüber. Hat euch das vielleicht unterbewusst inspiriert?

Anaïs: Nein, mich nicht.

Nathan: Ich kenne mich mit THE GATHERING nicht besonders gut aus, aber das ist das Projekt von Anneke van Giersbergen, oder? Ist das die richtige Band, an die ich da denke?

Ja, Anneke war damals noch in der Band.

Nathan: Ah, okay! Ich bin selbst ein großer DEVIN TOWNSEND-Fan. Ich weiß, dass die beiden viel zusammen gearbeitet haben. Aber das war keine unbewusste Inspiration. Ich glaube nicht, dass wir diesen Song kannten.

Anaïs: Wir mögen alle verschiedene Sachen, in manchen Situationen passen Spoken Word-Elemente sehr gut. Wir alle lieben AMENRA. Ich muss zugeben, ich hasse es wirklich, meine Stimme auf Französisch zu hören. Und ich habe darum gekämpft, dass diese Aufnahme im Mix nicht lauter gemacht würde. Und der Rest der Band hat darum gekämpft, sie lauter zu machen.

Nathan: Das ist sicher eine Frage des Selbstvertrauens. Wir alle lieben es und finden, dass es großartig klingt. Und wir mussten darüber streiten, indem wir die Lautstärke für beide Versionen des Songs ein paar Mal erhöht haben, glaube ich. Wir haben darüber gestritten. Aber das liegt wohl an der Komfortzone. Jedes Mitglied von DOMHAIN macht in diesem Projekt etwas Einzigartiges, was wir zuvor nicht gemacht haben. Wir müssen einfach mehr Selbstvertrauen damit gewinnen, denke ich. Der Song ist jetzt draußen. Und wir werden mehr von so etwas machen.

Anaïs:  Okay. Dann bist du als Nächstes dran.

Ich kann dazu sagen, dass das aus meiner externen Perspektive zu meinen Lieblingsparts des Albums gehört.

Anaïs: Du hilfst mir hier nicht weiter. Aber danke trotzdem.

„Wir jammern viel. Aber wir vertrauen dem Prozess. Wir wissen, dass wir gute Ergebnisse erzielen werden, auch wenn die Idee verrückt ist.“ – Nathan Irvine und der Rest von DOMHAIN gibt sich den visuellen Ideen von Anaïs gerne hin.

Gern! Das ist ein guter Punkt, um auf das Thema Sprachen zu kommen. Hauptsächlich schreibt ihr auf Englisch, aber ihr verwendet neben Französisch auch etwas Gälisch. Das finde ich sehr interessant, weil es eine Brücke zwischen Vergangenheit und der Gegenwart schlägt. Gälisch ist auch der Vergangenheit und Anaïs, du kommst aus Frankreich, das ist also deine persönliche Vergangenheit.

Anaïs: Es geht wahrscheinlich darum, woher wir kommen und wer wir sind. Dabei sind wir alle gleich, wir alle wollen dasselbe sagen. Ich denke, das ist die Botschaft, die wir vermitteln wollen, egal ob wir Französisch, Englisch oder Gälisch sprechen. Wir sind alle Söhne und Töchter der Welt, der Natur, und wir haben diese Verbindung dazu – unabhängig von der Sprache. Und wir drücken uns auf sehr unterschiedliche Weise aus. Ich lebe seit 2008 in Irland, also schon sehr lange. Und es gibt immer noch Dinge, die ich auf Englisch nicht genau ausdrücken kann, aber ich weiß, wie ich sie auf Französisch sagen kann, auf die wirklich poetische Art und Weise, die ich möchte. Es ist ein Sprachniveau, das ich vielleicht nie erreichen werde, tatsächlich schöne Texte auf Englisch schreiben zu können. Ich finde es viel schwieriger als auf Französisch, selbst jetzt noch. Andy ist wirklich gut darin, Texte zu schreiben, und wir arbeiten so zusammen. Und er war glücklich in „Footsteps II“ auf Französisch zu singen . Er hat sich nicht davor gedrückt. Und ich war glücklich, es auf Irisch zu versuchen. Und ja, wenn es einen Deutschen in der Band gäbe, würden wir wohl auch auf Deutsch singen. Es gibt keine Grenzen.

Während ich mir das Album angehört habe, habe ich oft das deutsche Wort „Hingabe“ im Hinterkopf, das im englischen sowohl „devotion“ und „dedication“ als auch „surrender to something bigger“ bedeuten kann. Und ich finde, all diese Bedeutungen passen gut zum Album. Textlich und konzeptionell geht es meiner Meinung nach sehr stark um die Rückkehr zur Natur. Auf der anderen Seite gibt es musikalisch viel Intensität und Leidenschaft. Könnt ihr das nachvollziehen?

Anaïs: Das ist wirklich interessant. Ich glaube nicht, dass es im Französischen oder Englischen ein Wort gibt, das diese Bedeutungen hat. Kannst du uns das Wort schicken?

Ich stelle es in die Chatbox. Das bringt mich auch zum ersten Song, „Talamh Lom“, der sehr episch beginnt, und dann vermittelt der epische Up-Tempo-Teil ein Gefühl des Fliegens. Und mir gefällt, dass das Stück so dynamisch ist. Die Bedeutung des Titels lautet „Unfruchtbare Erde“. Das Video passt da sehr gut dazu: Auf der einen Seite gibt es beeindruckende Naturszenen, dem gegenüber stehen Umweltverschmutzung und hässliche Industrie. Da zu passt, dass ich heute eine Ausstellung von der Fotografin Saskia Groneberg besucht habe. Der Titel lautete „Fragments Of Eden“. Dort gab es ein Zitat des Historikers Hans von Trotha: „Jeder Garten, sei er gebaut, geplant, geträumt, geschrieben, gemalt oder auch nur gedacht, ist ein Echo auf das Paradies, also letztlich die Kompensation eines Verlusts.“ Und ich bekam Gänsehaut, weil diese Fotoausstellung und der Song so gut zusammenpassen. Welches Konzept lag dem Song zugrunde?

Anaïs: Wir haben diskutiert, ob es zu klischeehaft ist, wieder das Thema Natur aufzugreifen, denn es ist etwas, worüber schon viel gesprochen und geschrieben wurde. Aber es ist relevanter denn je und somit immer noch wichtig für uns. Das ist ein Thema, das uns wirklich am Herzen liegt. Wir stehen der Natur nahe, wir hassen es, wenn sie zerstört, verschmutzt, reduziert und ignoriert wird. Das war das Thema der ersten EP, „Nimue“. Die erste EP und das erste Album passen in diesem Kontext wirklich gut zusammen, weshalb ich denke, dass es für mich nicht um eine EP und ein Album geht, sondern um ein Konzept, das wir zusammenbringen. Und ich denke, danach werden wir ein neues Kapitel aufschlagen und uns vielleicht wieder für etwas anderes öffnen.

Nathan: Vielleicht, wenn wir uns davon lösen können.

Anaïs: Vielleicht. Wir haben noch nicht wirklich mit dem Schreiben begonnen. Ich glaube auch nicht, dass wir plötzlich über etwas völlig Anderes reden und nie wieder auf die Natur zurückkommen. Das können wir vermutlich auch gar nicht. Es gibt immer noch einige Künstler, die sich mit den gleichen Themen beschäftigen, aber ich habe den Eindruck, es sind weniger geworden, während das Problem immer noch besteht.

All das hat mich zum Nachdenken gebracht. Menschen sind die einzige Spezies die bewusst das Gesicht des Planeten verändert, weil sie den Planeten an sich anpassen, und nicht wie alle anderen Spezies, sich an den Planeten anpassen. Kann es auf diesem Planeten keine Natur mehr geben, ganz einfach weil der Mensch bereits alles verändert hat? Diese Erkenntnis hat mich etwas runtergezogen.

Anaïs: Es ist deprimierend. Und wir als Band, versuchen uns davon zu lösen. Wir haben diese Figur auf dem Cover. Das Album folgt diesem Bild einer Person, die all das sieht, diesen Schaden an der Umwelt und Natur, und darüber deprimiert ist. Sie sucht nach einem Weg, all dem zu entkommen und einfach wieder ganz zur Natur zurückzukehren. Aber der einzige Weg, den es wirklich gibt, ist der Tod. So düster das auch ist. Wir haben mit der Göttin der Natur, „Nimue“, begonnen, die die Menschheit bestraft. Und die nächste Seite, dieses Album, ist eher die Sichtweise eines Menschen, der zurück zur Natur selbst finden möchte.

Würde es also für „In Perfect Stillness“ zutreffen, die Story in die Kapitel Erkenntnis („Telemh Lom“) über die Entfernung („Footsteps II“) bis hin zur Versöhnung („In Perfect Stillness“) und schließlich Conclusio („My Tomb Beneath the Tide“) aufzuteilen?

Nathan: Ja, wir finden, dass es ganz gut fließt.

Das gefällt mir. Ich finde, die Split-EP hatte ein wunderschönes Cover. Und ich mag auch das Cover von „In Perfect Stillness“ sehr, aber es ist viel düsterer. Gleichzeitig ist es sehr friedlich. Und trotz all der Morbidität, die in dem Artwork steckt ist es schön, wie der Mensch die in diese Blume hinein zu fließen scheint.

Nathan: Anaïs, hast du es gerade da?

Anaïs: Ja, habe ich. Aber normalerweise ist es schwer zu sehen, wenn es dunkel ist.

Nathan: Es ist beeindruckend und unglaublich.

Ich kann es kaum erwarten, meine LP zu erhalten.

Nathan: Ja, wir können es auch kaum erwarten. Wir sind sehr gespannt darauf, die fertige LP zu erhalten.

Anaïs steht auf und geht zum Zeichentisch im Hintergrund, holt ein Gemälde mit ca. 100 cm Seitenlänge.

Anaïs: Hier ist es. Ich weiß nicht, ob du es hier im Licht sehen kannst. Ich brauche ein helleres Licht – warte mal. Anaïs schaltet eine weitere Lampe ein. Siehst du etwas? Es ist ziemlich dunkel.

Ja, das ist es. Ein wunderschönes Bild. Es sieht auch hier echt beeindruckend aus – und es hat einen friedlichen Charakter. Wirklich so, als würde man zurück zur Natur kehren. Und da bin ich immer noch mit dem Wort „Hingabe“ – Teil von etwas Größerem werden.

Nathan: Das ist cool. Das macht Sinn.

Anaïs: Er lässt mich das Bild während eines Interviews herzeigen, um damit anzugeben.

Nathan: Nicht, um damit anzugeben.

Anaïs: Ich muss es wirklich einrahmen und an die Wand hängen, damit ich es nicht mehr bewegen muss.

Nathan: Das Artwork für die Split-Veröffentlichung war auch schön. Ist das bei Andy zu Hause?

Anaïs: Ich habe es Andy gegeben. Ich glaube, er hat es gerahmt. Ich habe ihn jedenfalls darum gebeten, also sollte es so sein.

Nathan: Es wird irgendwo in einer Ecke stehen.

Anaïs: Und verstaubt. Das Bild für „Of Pine And Oak“ ist viel kleiner. Es misst etwa 30 oder 40 Zentimeter pro Seite. Und es war ein bisschen improvisiert. Ich hatte eine grobe Vorstellung davon, was ich machen wollte und von dem Gefühl, das ich vermitteln wollte. Ich habe Musik gehört und angefangen zu malen und das Bild werden lassen, was es werden wollte. Das funktioniert manchmal, manchmal auch nicht. Ich war mit diesem Bild zufrieden. Für das Album habe ich das Artwork jedoch komplett geplant. Ich habe es zuerst digital gezeichnet und überlegt, wo ich welches Element haben wollte. Ich hatte ein bisschen Freizeit, also habe ich einfach dieses wirklich große Ölgemälde gemalt. Das war eine tolle Zeit, einfach zu Hause und mit viel Musik zu malen. Ölgemälde sind wirklich toll, sie sind weich. Ich finde nur so kann man dieses Gefühl vermitteln. Wenn ich ein anderes Medium verwendet hätte, hätte es nicht so friedlich gewirkt. Die friedliche Seite davon ist das, was ich wollte. Die Figur schläft, es hat etwas wirklich Bequemes. Ich wollte nicht, dass die Leute das Bild betrachten und den Eindruck haben, da sei ein verwesender Körper zu sehen. Es ist jemand, der sich in einem Nest befindet, es wächst Gras um die Person herum. Der gesamte Prozess hat wirklich Spaß gemacht.

Wie lange hat es gedauert, ein Bild wie dieses zu malen?

Anaïs: So circa zwischen einer und zwei Wochen ohne die digitale Skizze. Es gehört viel mehr dazu als nur das Malen. Man muss ewig warten, bis es trocknet. Das dauert bei Ölgemälden ewig. Dann muss man es auf eine bestimmte Art und Weise lackieren und am Ende professionell einscannen lassen – das ist bei dieser Größe erforderlich. Am Ende kommen man ein paar digitale Tricks, das Logo einfügen, und so weiter. Insgesamt war das wahrscheinlich ein Monat Arbeit, ohne die zwei Monate Trocknungszeit mitzurechnen. Da liegt es einfach nur herum und trocknet.

„Wir hätten nie daran gedacht, ein Handy zu benutzen, aber wir waren vor Ort, wir hatten die Schauspielerinnen, die weit gereist waren, wir hatten keinen anderen Tag zur Verfügung, um das Video zu drehen.“ – Nathans iPhone rettete den Videodreh zu „My Tomb Beneath the Tide“.

Hast du eigentlich eine Kunstschule besucht, beziehungsweise Kunst studiert?

Anaïs: Ja, ich habe in Frankreich das Abitur gemacht, danach habe ich studiert. Nicht Kunst, aber Grafikdesign.Ich habe mich schon seit meiner Kindheit mit Kunst beschäftigt. Meine Großmutter Malerin. Sie nichts anderes gemacht, als Ölbilder zu malen. Sie hat mich zu ihrem Lehrer mitgenommen, als ich ein kleines Mädchen war. Und so habe ich auch immer gemalt.

Nathan: Nur um hier etwas beizutragen. Wir sind unglaublich glücklich, Anaïs zu haben. Du kannst rot werden, so viel du willst. Du machst nicht nur das, sondern übernimmst auch die Regie für die Musikvideos, die T-Shirt-Designs, die CD-Layouts. Alles was das Design angeht kommt von dieser Person. Zum allergrößten Teil.

Anaïs: Finanziell ist es praktisch. Ich habe Glück, dass meine Band mich das machen lässt. Ich hätte auch in einer Band sein können, die nicht mag, was ich mache. Dann hätte ich mich nicht auf diese Art und Weise ausdrücken können. Sie vertrauen mir, selbst wenn ich ihnen sage, dass ich die Bilder für das Booklet selbst machen will. Meine geniale Idee ist, ihr steckt eure Köpfe in den Schlamm oder in das eiskalte Meerwasser. Die Band jammert ein bisschen,  aber sie machen es.

Nathan: Wir jammern viel. Aber wir vertrauen dem Prozess. Wir wissen, dass wir gute Ergebnisse erzielen werden, auch wenn die Idee verrückt ist. Wir legen einfach los. Man muss ja auch nur ein paar Stunden in der Sonne sitzen. Warum nicht? Man hat ja nichts anderes zu tun.

Anaïs: Das war sehr grausam.

Ich habe das Video gesehen, in dem ihr dokumentiert, wie die Fotos entstanden sind. Es ist ein wirklich schöner Einblick in den kreativen Prozess.

Nathan: Ich weiß nicht so recht, ob es für uns schön war. Du musstest nur im Gras sitzen. Was habe ich bekommen? (Nathan musste sich am Strand ins eiskalte Meerwasser legen – Anm. d. Verf.)

Anaïs: Ich weiß. Das war nur, weil ich eine vollständige Belichtung wollte. Wir hatten vier verschiedene Hintergründe. Es sei denn, wir hätten Schnee gehabt. Dann hätte ich dich in den Schnee setzen können.

Nathan: Das nächste Mal dann.

Das bringt mich zu einer provokanten Frage. Ich habe eine digitale Version des Booklets mit den Texten erhalten. Die Portraits von denen wir eben sprachen, wären von vielen anderen Bands sie heutzutage in Verbindung mit KI entstanden, aber das ist nicht eure Art. Daher glaube ich nicht, dass wir über generative KI sprechen müssen. Nutzt ihr KI stattdessen in anderer Hinsicht als Werkzeug? 

Nathan: Nein, ich nutze KI nur in der Arbeit. Da ist es ein nützliches Werkzeug. Ich glaube nicht, dass es notwendig ist, um Kunst auszudrücken. Es wertet die Kunst ab. Ich stimme zu, es gibt kein Entkommen, wir sind bereits mittendrin. KI ist nicht nur ein Werkzeug, um an der Musik herumzubasteln. Wir sind nicht dazu da, damit KI Musik für uns erzeugt. Wir sind hier, um Musik zu erschaffen.

Anaïs: Vielleicht ist das der Unterschied. Eine Band, die KI einsetzt, sucht den Erfolg, anstatt für sich selbst Musik zu er schaffen. Jedem das Seine, aber das ist nichts für uns. Ich glaube nicht, dass wir KI jemals für irgendetwas eingesetzt haben.

Nathan: Wenn wir mit etwas zu kämpfen hatten, haben wir herumprobieren, bis es funktioniert hat. Wir haben uns als Band abgesprochen und mussten uns auf nichts und niemand anderes verlassen.

Anaïs: Das war schon immer so.

Fühlt ihr euch als Band und als Künstler von KI bedroht? Oder eher persönlich?

Nathan: Wenn ich die zu meinem Vollzeitberuf machen würde, würde ich mich davon bedroht fühlen. Wenn wir großen Erfolg hätten, dann wäre es so. Derzeit ist es ein Hobby, ein Leidenschaftsprojekt. Wir machen DOMHAIN in erster Linie für uns selbst. Ich glaube, das habe ich schon einmal gesagt. Wir haben Vorrang. Wenn andere mitmachen wollen, dann sei es so. Wir hoffen dabei natürlich, dass wir so vielen Menschen wie möglich mit unserer Kunst eine Freude machen können.

Anaïs: Ich selbst fühle mich bedroht. Nicht wegen DOMHAIN. Ich denke, die Leute, die uns hören, interessieren sich nicht für KI – das hoffe ich zumindest. Aber in meinem Vollzeitjob könnte mich das eines Tages komplett ersetzen. Das ist schon ein bisschen beängstigend.

Lassen wir dieses deprimierende Thema beiseite. Nathan, du hast gesagt, dass die Band ein Leidenschaftsprojekt ist, und Anaïs, du hast gesagt, dass du viel Kreatives im visuellen Bereich machst, was der Band Geld spart. Ich habe mir natürlich auch das Video zu „My Tomb Beneath The Tide“ angesehen, und es hat cineastisches Flair. Ihr habt mit Schauspielern gearbeitet, das Storyboard gestaltet und generell großen Aufwand betrieben.Ich nehme an, wenn ihr einen externen Regisseur bezahlt hättet, wären Unsummen dafür draufgegangen.

Anaïs: Es ist ein 10-minütiger Track, das ist also fast ein Kurzfilm, und ich weiß auch nicht, wie viel so ein Video gekostet hätte; wahrscheinlich ein Vermögen. Wir hatten also eine Kamerafrau mit einer richtigen Kameraausrüstung, die mit uns dieses Musikvideo drehte, und diese Person ist mehrere Tausend pro Tag wert, aber ich wollte eben, dass es wirklich gut gedreht wird. Und was an diesem Tag passiert ist, muss ich jedes Mal erzählen. Es ist nicht überraschend, dass die gesamte Organisation des Drehtages schwierig war, die Suche nach den Darstellerinnen und die Suche nach einem Termin, an dem alle Zeit hatten, zumal wir die Darstellerinnen aus Dublin und aus dem absoluten Nirgendwo in Irland herholen mussten. Und als wir dort waren, konnte der Termin nicht mehr verschoben werden. Es war also soweit, und die Kamerafrau begann mit der ersten Aufnahme, der ersten Einstellung des Videos, in der man die Hauptdarstellerin, die Hauptfigur, vor den Wellen sitzen sieht. Sie macht diese Aufnahme, und ich mir gefiel es wirklich gut. Ich fand es wunderschön und war total begeistert. Dann machten weiter mit der zweiten Szene, und die Kamera ging kaputt. Die Kamera ging tatsächlich kaputt, und Fiona, mit der ich seit Jahren immer wieder zusammenarbeite, kennt ihre Ausrüstung in- und auswendig. Sie holte einen Schraubenzieher, öffnete die Kamera, fand das durchgebrannte Teil und konnte es nicht ersetzen. Wir hatten keine Kamera mehr, und Nathan rettete die Situation, indem er sein iPhone zur Verfügung stellte, um den Rest zu drehen. Also haben wir 90% dieses Musikvideos mit einem iPhone gedreht, und ich bin so froh, dass es so gut geworden ist. Ach ja, und wir hatten auch eine tolle Drohne und einen wirklich guten Drohnenpiloten, der die letzten Szenen gedreht hat, worüber ich sehr glücklich bin. Aber ja, das war wirklich stressig. Ich glaube, ich bin an diesem Tag 10 Jahre gealtert.

Nathan: Es war auch eine Art letzter Ausweg. Wir hätten nie daran gedacht, ein Handy zu benutzen, aber wir waren vor Ort, wir hatten die Schauspielerinnen, die weit gereist waren, wir hatten keinen anderen Tag zur Verfügung, um das Video zu drehen, und ich sagte: Okay, wir machen es jetzt mit meinem Handy. Und das war’s.

Anaïs: Ja, entweder wir ziehen es jetzt durch oder sagen es ab.

Nathan: Aber ich finde, das Video sieht fantastisch aus. Die Qualität ist viel besser geworden, als ich es von einem alten iPhone erwartet hätte. Ich möchte also lieber keine Werbung dafür machen. Ich weiß nicht, ob das die beste Art ist, aber für uns hat es auf jeden Fall funktioniert.

Ja, und ihr dachtet, wenn Danny Boyle „28 Years Later“ mit iPhones drehen kann, dann könnt ihr das auch.

Nathan: Ja, das war zuerst dran.

Anaïs: Ich bin von der Qualität begeistert und habe hier mein eigenes Set.

Die Bilder im Video sind auch besser als Danny Boyles Kameraaufnahmen aus „28 Years Later“.

Anaïs: Das kann ich nicht beurteilen, weil ich mit diesen Film nicht ansehen kann. Ich habe wirklich Angst vor Zombies.

Meine Frau und ich hatten am Samstag unseren 22. Jahrestag. Wir sind zusammen gekommen, während wir „28 Days Later“ gesehen haben, und jetzt stehen wir überhaupt nicht mehr auf Zombies. Wir haben jetzt Kinder, da schauen wir keine blutigen Filme mehr. Aber wir haben gesagt, aber wegen unseres Jahrestages machten wir eine Ausnahme und schauten den Film. Und ja, er war zu blutig und brutal für uns. 

Anaïs: Das glaube ich dir.

„Ich wollte nicht, dass die Leute das Bild betrachten und den Eindruck haben, da sei ein verwesender Körper zu sehen. Es ist jemand, der sich in einem Nest befindet, es wächst Gras um die Person herum.“ – Anaïs über das Artwork zu „In Perfect Stillness“.

Ihr hattet viele Gäste, sowohl auf der EP als auch auf dem Album, mit John Wilson am Klavier, Raul Andueza am Cello und Sarah Fielding am Gesang. Da Anaïs Cello spielt und in allen Tonlagen singen kann und Nathan auf der EP Piano gespielt habt, hättet ihr das Album auch ohne die Gastbeiträge fertigstellen können. Kamen die Gastbeträge zustande, weil sie auch aus der irischen Musikszene kommen und ihr mit Freunden zusammenarbeiten wolltest?

Nathan: Ja, John ist ein Bekannter. Er wohnt nicht weit von uns entfernt. Und er ist ziemlich gut mit Ashley befreundet, unserem anderen Gitarristen. Sie haben in der Vergangenheit schon an diversen Musikprojekten zusammengearbeitet. Wir hatten „Footsteps II“ geschrieben und dachten, dass ein Klavier das Stück bereichern würde. Ich habe in „Nimue“ einen kleinen Teil am Klavier gespielt, aber ich bin nicht auf dem Niveau, das für einen ganzen Song erforderlich wäre. Wir haben einfach John gefragt, und er war gerne bereit, mitzumachen. Wir haben ein paar Entwürfe bekommen, und wir sind einfach überwältigt von der Qualität, die er uns bieten kann. Und um ehrlich zu sein, ich glaube, das hat den Song geprägt. Johns Spiel hat ihn so viel eindrucksvoller, so viel größer und so viel besser klingen lassen. Raul wurde für „Nimue“ engagiert, und  er hat auf dieser EP so beeindruckende Arbeit geleistet, dass wir ihn wieder haben wollten. Wir wollten mehr von seinem Spiel. Zu Sarah… Ich nehme an, du möchtest die Weingeschichte erzählen?

Anaïs: Sarah, die Gastsängerin bei „My Tomb Beneath the Tide“, ist von DARKEST ERA und eine sehr alte Freundin, deren Stimme ich absolut liebe. Wir alle lieben ihren Gesang, und sie ist zufällig die Frau von Chris Fielding, der uns aufgenommen hat. Wir waren im Studio und hatten beiläufig darüber gesprochen, dass Sarah bei einem Track als Gast mitwirken könnte, und eines Abends kam sie nach der Arbeit ins Studio. Sie ist Geschäftsinhaberin einer T-Shirt-Druckerei und druckt die meisten Merchandise-Artikel von Bands in Großbritannien und darüber hinaus. Sie macht die besten T-Shirts. Sie hat also sehr lange, harte Arbeitstage und zwei Kinder. Sie kam im Studio an und war total fertig. Sie hörte sich an, was wir aufgenommen haben. Ich glaube, sie hatte es vorher noch nicht gehört. Sie ging mit einem großen Glas Wein, zum Mikrofon im Aufnahmebereich und improvisierte einfach ein paar Harmonien. Wir waren einfach überwältigt. Alles, ihr Ton, ihre Lautstärke, ihre Ideen, alles war sofort perfekt. Wir lieben einfach, was sie gemacht hat. Sie hat diesem Track eine neue Dimension verliehen. Das ist mein Lieblingsgastbeitrag auf dem Album.

Ihr wart schon zum zweiten Mal in Chris Fieldings Studio in Wales. Ich nehme an, das war eine gute Erfahrung für euch. Hattet ihr auch in früheren Bands mit ihm zusammengearbeitet?

Anaïs: Ja, er hat meine alte Band, CELTACHOR, ein- oder zweimal aufgenommen, ich weiß es nicht mehr genau. Und ich kannte ihn schon vorher, weil er die Band meines Ex-Mannes mehrmals aufgenommen hatte, und er ist einfach dafür bekannt, dass er PRIMORDIAL, WINTERFYLLETH und all die Bands aufgenommen hat, die uns wirklich am Herzen liegen, wie SAOR. Also ja, er ist der richtige Mann für diesen Job.

Nathan: Ich war ziemlich außen vor. Als ich zur Band kam, wurde uns gesagt, dass wir dort aufnehmen würden, und ich habe das in Frage gestellt. Ich dachte mir: Warum machen wir das nicht vor Ort? Warum bleiben wir nicht hier? Wir gingen zu ihm ins Studio und verbrachten dann die Zeit mit Chris, um herauszufinden, dass tatsächlich besser war mit ihm zusammenzusitzen und das zu bekommen, was man bekommt. Er arbeitet sehr, sehr präzise. Er weiß genau, was zu tun ist, und es ist sehr einfach, mit ihm zu arbeiten. Daher war es keine Frage, dass wir wieder zu ihm zurückkehren würden. Ich glaube, wir haben diese Entscheidung direkt nach „Nimue“ getroffen. Wir wussten sofort, dass wir wiederkommen würden.

Schön, wenn man etwas hat, das wirklich funktioniert, und man es nicht ändern muss. Wie lange habt ihr in seinem Studio aufgenommen?

Nathan: Ich glaube, es waren vier Tage.

Anaïs: Plus zwei Tage für das Schlagzeug, also eine Woche.

Das ging schnell. Und das Mastering hat Mike Lamb übernommen.

Anaïs: Ja. Mike Lamb von SOJOURNER und REMINA ist auch ein sehr guter Freund von mir. Das ging sehr schnell. Ich glaube, er hat zwei Versionen des Masterings gemacht, aber wir waren sofort zufrieden. Er ist eine weitere Person, die wir alle kennen, er versteht sein Handwerk. Er spricht unsere Sprache, seine Musik ist der unseren sehr ähnlich. „Nimue“ wurde von DÉHÀ gemastert, der auch ein wirklich sehr guter Freund ist. Wir hatten uns schon bei „Nimue“ gefragt, ob wir es von Mike oder DÉHÀ mastern lassen sollten. Also haben wir DÉHÀ „Nimue“ gegeben und Mike das Album, weil wir einfach mit beiden zusammenarbeiten wollen, aber man muss sich nun mal entscheiden.

Ja, das ist ein schöner Zufall. Ich habe mir gerade einen Hyperfokus auf einige Projekte von Heike Langhans, darunter auch REMINA und LIGHT FIELD REVERIE. Und gerade heute ist mir beim Anhören von REMINA aufgefallen, dass es stilistisch zwar ein ganz anderer Ansatz ist, aber das Sounddesign wirklich nicht weit von „In Perfect Stillness“ entfernt ist.

Anaïs: Ja, sie stehen uns definitiv nahe. Wir haben darüber gesprochen, Heike vielleicht in Zukunft auch als Gast einzuladen.

Okay, jetzt, da das Albumkürze veröffentlicht wird, habt ihr, schon ein oder zwei Festivals angekündigt. Wird es vielleicht auch Tourneen auf dem europäischen Festland geben? Habt ihr da schon etwas in Planung?

Nathan: Ich glaube nicht, dass etwas geplant ist, aber der Wunsch ist da. Wir versuchen, um etwas auf die Beine zu stellen, das ist sicher.

Anaïs: Wir haben einige Termine, die noch nicht bekannt gegeben wurden, aber im Moment ist keine Europatournee geplant. Es ist ziemlich schwierig, eine Tour zu realisieren, wenn wir auf dem Niveau sind, auf dem wir uns befinden. Das weißt du sicher. Das ist also nichts, was wir einfach so machen können. Wir kommen aus Irland, müssen fliegen oder mit dem Schiff kmmen. Das ist sehr teuer. Aber wir werden sehen, wir werden unser Bestes geben.

Vielleicht ein schönes Festival?

Anaïs: Das würde mir gefallen.

Habt ihr einen Booking-Agenten für Europa?

Anaïs: Nein, für Großbritannien und Irland haben wir einen, aber noch nicht für den Rest von Europa. Wenn du jemanden kennst, freuen wir uns über Vorschläge.

Anaïs, Nathan, es war mir ein Vergnügen. Vielen Dank für eure Zeit.

Anaïs: Vielen Dank, dass du mit uns gesprochen und uns deine Eindrücke vom Album vermittelt hast. Das war wirklich interessant.

Nathan: Du hast uns auch Stoff zum Nachdenken gegeben.

Anaïs: Sei nicht überrascht, wenn wir eines Tages ein Album oder einen Track mit dem Titel „Hingabe“ haben.

Ja, das würde mich sehr freuen.

Anaïs: Du bekommst 10 %. Bitte sehr.

Danke! Wenn es noch etwas gibt, dass wir vergessen haben, jetzt ist die Gelegenheit.

Anaïs: Ich denke, es passt.

Nathan: Ich freue mich einfach auf die Veröffentlichung und darauf, die Leute bei einigen Shows zu sehen. Wir hoffen, dass den Leuten das Album gefällt.

Anaïs: Ich auch!

Nochmals vielen Dank. Ich wünsche euch einen schönen Abend. Grüßt bitte den Rest!

Anaïs: Machen wir. Bye Bye.

Nathan: Danke. Bye Bye.

Bilder: (c) THESE HANDS MELT

Der Titel „In Perfect Stillness“ suggeriert, dass DOMHAIN den Trost bevorzugen. Immerhin, die Figur, die auf dem wunderschönen Artwork von Drummerin Anaïs Chareyre-Méjan zu sehen ist, sieht friedlich aus in ihrem Nest, das als Ausgangspunkt für das dient, wenn wir den Weg des Fleischlichen gehen. Allein das reicht schon, um „In Perfect Stillness“, das Debütalbum der nordirischen Band ins Herz zu schließen. Aber da ist auch noch die Musik. Mit „Nimue“ hat die vierköpfige Band bereits eine beeindruckend gute EP veröffentlicht, so vielseitig, dass selbst die anderthalb Jahre später erschienene Akustik-Split mit EPHEMERAL wie der nächste logische Schritt erschien. Das Debütalbum setzt nun wieder im Metal an, ist aber trotz aller Schroffheit melancholisch und beinahe – im besten Sinne – weich.

Ein großer Schritt in Richtung Eigenständigkeit: Auf „In Perfect Stillness“ müssen sich DOMHAIN nicht mehr mit anderen Bands vergleichen lassen.

DOMHAIN lassen mit „In Perfect Stillness“ die PRIMORDIALhaftigkeit der EP ebenso hinter sich, wie die epischen ENSLAVED-Momente oder die AGALLOCHsche Introspektion, sie liegen auch abseits der SAORs dieser Welt. Und natürlich passen sie dennoch zu all diesen Bands. „In Perfect Stillness“ ist ein leidenschaftliches Post Black Metal-Album, dem seine irische Herkunft deutlich anzuhören ist. Stürmische Hymnen einerseits, raues Sounddesign andererseits, und fertig ist das Fernweh nach Küsten, in denen der Regen auf die Haut eindrischt wie Geißeln auf Büßer. Das Fernweh speist sich aus Riffs, groß wie Wellen während des Sturms, aus Gesang, der gegen Naturgewalten anschreit oder sie beschwört.

Es ist ein sehr unmittelbares Album, das direkt ins Herz geht, und wie „Talamh Lom“, das nach einem kurzen vom Cello dominierten Intro, schnell ins Ohr, dank der mitreißenden Gesangsharmonien von Andy Ennis und Anaïs Chareyre-Méjan. Die kratzigen Riffs, das akzentuierte Drumming tun ihr übriges, und mit dem leisen von Cellos gesäumten Mittelteil gibt es einen perfekten Absprungspunkt für eine sehr ursprüngliche Wildheit, die alles beinhaltet, was leidenschaftlicher Black Metal braucht, entfesseltem Gesang inklusive. Dieser Start geht unter die Haut, und DOMHAIN schaffen es mit „Footprints II“, der originalen Version des akustischen Splitbeitrages, locker das Niveau oben zu halten. Mehr noch: „Footprints II“ hat so wundervolle Harmonien und balanciert die Dynamik so punktgenau aus, dass sich diese zehn Minuten in eine betörende Erhabenheit steigern und die Zeit mit wundervoller Melancholie wie im Flug vergeht.

Aggression und Melancholie gehen Hand in Hand: DOMHAIN navigieren auf „In Perfect Stillness“ mühelos zwischen den Polen.

Der Titelsong zeigt DOMHAIN von ihrer aggressiven Seite. Hier verliert das Quartett zwischenzeitlich ein wenig den Song aus den Augen. Wenn Geschwindigkeit und Lautstärke zurückgefahren werden, wie in den vielschichtigen semi-Doom-Momenten, packt die Band wieder zu und fesselt bis zum Finale. Auf „My Tomb Beneath The Tide“ zeigen DOMHAIN schließlich das ganz Panorama – und hier wird deutlich, welch exzellente Songwriter sie sind. Ein Aufbau, der zu keiner Sekunde langatmig wirkt, große Harmonien, vielschichtige Gitarren, eruptive Brutalität mit Blast Beats und eine Rückkehr zum ursprünglichen Thema, das komplex, aber jederzeit nachvollziehbar ausgebaut wird, schenkt dem Album einen dramaturgisch perfekten Abschluss.

„In Perfect Stillness“ ist das erste Highlight des Jahres 2026. Ein emotional zutiefst berührendes Album, dessen großes Gefühlsspektrum so direkt ins Herz trifft, wie ein Tag in der stürmischen Natur der Heimat der Band. Nun gut, etwas länger als 35 Minuten hätte das Album schon dauern dürfen. DOMHAIN schaffen aber das Kunststück, gleichzeitig kompakt und ausladend ihre Musik zu spielen, sodass „In Perfect Stillness“ kaum einen schwachen Moment kennt. Hervorragend gespielt, mit großen Gesangsmomenten, einer schön rauen Produktion gesegnet und einem wundervollen Artwork ausgestattet, ist das ein Debütalbum mit Seltenheitswert. Musik wie diese nährt die Seele und stärkt die Verbindung zur echten Natur. Zu derjenigen, vor der die Menschen niederknien und sich ihr hingeben müssen. Wer das begriffen hat – oder begreifen will – wird „In Perfect Stillness“ lieben.

Wertung: 4,5 von 5 Naturgewalten

VÖ: 20. Februar 2026

Spielzeit: 35:19

Line-Up:
Andy Ennis – Vocals & bass guitar
Anaïs Chareyre-Méjan – Drums, vocals & cello
Nathan Irvine – Guitars
Ashley Irwin – Guitars & backing vocals

Label: These Hands Melt

DOMHAIN „In Perfect Stillness“ Tracklist

1. Una Tarra Ci Hé
2. Talamh Lom (Official Video bei Youtube) 
3. Footprints II
4. In Perfect Stillness
5. My Tomb Beneath The Tide (Official Video bei Youtube) 

Mehr im Netz:

https://domhain-band.bandcamp.com/
https://www.facebook.com/Domhain.band/
https://www.instagram.com/domhain_band/

In Selbiges dürfen wir nun übrigens von Angesicht zu Angesicht blicken: Denn mit ihrem zweiten Full-Length-Album hat sich die Mannheimer Band auch ihrer Pseudonyme entledigt, was auf die Musik selbst zwar keinen Einfluss hat, die Köpfe dahinter aber greifbarer und menschlicher wirken lässt. Von letztgenannter Qualität gibt es auf „Praise Me! Erase Me!“ schlussendlich eine ganze Menge, obgleich die erste Single „Demi-Human“ zumindest dem Namen nach etwas anderes andeutete.

„Praise Me! Erase Me!“ belegt: V/HAZE MIASMA stehen im Post Metal auf eigenen Beinen

Klarheit verschafften damals jedoch schon die ersten Klänge des sich behutsam aufbauenden Stücks: Sänger Andreas Fingas schwermütiger Klargesang bohrt sich tief in unser Inneres, bis nach zwei Minuten die schleppende Doom-Gitarre weitere Verzweiflung sät. Die Art und Weise, wie V/HAZE MIASMA im Hintergrund angeschwärzte Gitarren einstreuen, die im Finale schließlich gar das Ruder an sich reißen, spricht für die Eigenständigkeit des Projekts: Erkennen wir im Verlaufe des Albums gewisse Einflüsse mit steter Regelmäßigkeit, erlangt das Endresultat im Post Metal-Genre doch ein eigenes Profil.

Wo sich „Praise Me! Erase Me!” allerdings den Konventionen fügt, ist im grundsätzlich gemächlichen Songaufbau: Ausladende Kompositionen jenseits der sieben Minuten sind die Norm, wobei sich die Band in ihren Klangwelten lieber behutsam nach vorne tastet, als mit dem Kopf durch die Wand zu brechen. Eruptionen sind keine Seltenheit, folgen jedoch oftmals ausgedehnten Phasen der Ruhe, der Introspektion.

„Praise Me! Erase Me!“ setzt auf Kontraste, bleibt aber keinesfalls immer berechenbar

Glücklicherweise wird das Songwriting dadurch keineswegs berechenbar: Die rasenden Black-Metal-Ausbrüche in „Praise Me!“ stürzen urplötzlich mit Blastbeats über uns herein, nur um dann wieder Sänger Andreas Fingas die Bühne zu überlassen. Das Konzept funktioniert bisweilen in ähnlicher Weise, wie es IOTUNN die letzten Jahre praktiziert haben, nur dass V/HAZE MIASMA fest im Post Metal verankert sind.

Entsprechend erinnern die mächtigen Gitarren zu Beginn von „Animos“ an THE OCEAN, während Sebastian Mosers harsche Vocals stärker in Richtung Black Metal schielen. ENSLAVED dürfen zwischendurch gerne als Referenz genannt werden, obgleich sich „Praise Me! Erase Me!“ nicht auf eine Schiene festnageln will. Dementsprechend setzt „Shadows“ auf eine wundervolle Gesangslinie, die zu übermenschlicher Größe heranwächst und uns in eine andere Sphäre zu katapultieren scheint.

Die lange Laufzeit des Albums ist zu spüren, doch packend bleiben V/HAZE MIASMA dennoch

„Karzer“ wiederum startet als unnachgiebige Doom-Death-Walze, bevor es in den letzten beiden Minuten die Intensität hochschraubt. Im Gegenzug setzt „Cannula“ auf gefühlvolle Pianobegleitung, um die stillen Momente auszuschmücken. Dass die 61 Minuten Laufzeit aller Variation zum Trotz dennoch zu spüren sind, ist das einzige Manko dieses ambitionierten Albums, das mit dem instrumental-dissonanten „Erase Me!“ im CULT OF LUNA-Stil den Ringschluss vollzieht. V/HAZE MIASMA handeln somit konsequent: Dass die Platte musikalisch unbequem enden würde, verriet ja im Grunde genommen bereits der Titel.

Veröffentlichungstermin: 07.11.2025

Spielzeit: 61:25

Line-Up

Andreas Fingas – Vocals
Johannes Lenk – Gitarre
Sebastian Moser – Vocals, Bass
Julian Osterried – Schlagzeug

Special Guest:
Christian Reichinger – Piano

Produziert von Sebastian Moser / Grotesque Studios

Label: Inertial Music

Instagram: https://www.instagram.com/vhazemiasma/
Bandcamp: https://vhazemiasma.bandcamp.com

V/HAZE MIASMA “Praise Me! Erase Me!” Tracklist

1. Praise Me!
2. Animos
3. Demi-Human (Visualizer bei YouTube)
4. Shadows
5. Eden (Visualizer bei YouTube)
6. Karzer
7. Cannula
8. Erase Me!

„“Neuroza“ ist eine Geschichte über die Konfrontation mit einem Teil der eigenen Identität, der in der Vergangenheit feststeckt, und über die Angst vor Veränderung. Die Begegnung mit „der mir bekannten Figur“ vertieft die Orientierungslosigkeit und Angst, in der der Wunsch nach Veränderung mit der Angst kollidiert. Der symbolische Wald wird zu einem emotionalen Zustand, der durch Widerstand und Angst zum Überschreiten der eigenen Grenzen führt. Angst ist hier nicht nur eine Bedrohung, sondern ein Wegweiser zu tieferem Wissen und zum Ausbruch aus dem illusorischen Gefühl der Sicherheit“, erklärt die Band.

Es ist das erste Album der Polen und wurde von Krzysztof Godycki im Studio Roslyn aufgenommen und von Haldor Grunberg bei Satanic Audio gemixt und gemastert. Erscheinen wird das Album am 18. März 2026 über Via Nocturna.

Mit „Endymion“ gibt es einen Video-Clip zur ersten Vorab-Single, in welcher sich die Band mit einem der bewegendsten Themen unserer Zeit auseinandersetzt: der Erfahrung von Depressionen und dem Weg zur Wiederentdeckung eines Lebenssinns.

ŹRENICE Line-Up:
Kamila Kuś – vocal
Maciej Ciupa – drums
Łukasz Hawryluk – guitar
Hubert „Huwer“ Pomykała – bass
Krzysztof K. Pomykała – guitar

ŹRENICE „Śnienie“ Tracklist

01. Brama Lasu
02. Neuroza (Video bei YouTube)
03. Inni
04. Endymion (Video bei YouTube)
05. Stara Chata
06. Czarownica
07. Sam
08. …Lasu Skraj

„Für mich ist ‚Idiomorph‘ der emotionale Kern des Albums. Während sich der Rest mit Fragmentierung befasst, zeigt dieser Song den Moment, in dem noch alles intakt war: diese unvermeidliche Anziehungskraft, dieses Gefühl, dass wir füreinander bestimmt waren. Es ist Liebe und Leid zugleich, und genau das macht den Song so kraftvoll“, sagt Drummer und Songwriter Rodney Fuchs.

Es ist nach „The Puppeteer“ (2021) und „Sentience“ (2023) das dritte Album der Deutschen und wird am 13. März 2026 erscheinen. Nach dem Visualizer zu „Nadir“ – mit Jei Doublerice (DESPITE EXILE) als Gast – und dem Video zu „Anomia“ gibt es mit „Limbic“ auch dritten Track als Video-Clip.

MONOSPHERE Line-Up:
Kevin Ernst – Vocals
Lukas Klotz – Guitar
Marlon Palm – Bass Guitar
Rodney Fuchs – Drums, Keyboards

MONOSPHERE „Amnesia“ Tracklist

1. Collapse
2. Anomia (Video bei YouTube)
3. Nadir (feat. Jei Doublerice of DESPITE EXILE) (Lyric-Video bei YouTube)
4. Allusion
5. Limbic (Video bei YouTube)
6. Idiomorph (Video bei YouTube)
7. Zenith
8. Engram
9. Dissolve (feat. Mark Garrett of KARDASHEV)

BETWEEN THE BURIED AND ME, MONOSPHERE Tourdaten 2026

Tue 24.02.2026 GER Frankfurt, Das Bett
Wed 25.02.2026 FRA Paris, Petit Bain
Thu 26.02.2026 NLD Amsterdam, Melkweg
Fri 27.02.2026 LUX Esch-sur-Alzette, Rockhal
Sat 28.02.2026 BEL Antwerp, Zappa
Sun 01.03.2026 GER Hamburg, Uebel & Gefahlirch
Mon 02.03.2026 DEN Copenhagen, Pumphueset
Tue 03.03.2026 SWE Stockholm, Debaser
Thu 05.03.2026 FIN Helsinki, Tavastia
Fri 06.03.2026 EST Tallin, Paavli Kultuurivabrik
Sat 07.03.2026 LTV Riga, Melna Piektdiena
Mon 09.03.2026 POL Warsaw, Niebo
Wed 11.03.2026 GER Bochum, Matrix
Thu 12.03.2026 GER Stuttgart, Wizemann
Fri 13.03.2026 ITA Milan, Legend Club

„‚The House Always Wins‘ ist der erste MATADOR-Track, der Gesang enthält, was für uns einen großen Fortschritt darstellt. Unsere früheren Stücke waren instrumental, weil ich als Hauptsongwriter das Gefühl hatte, dass ich textlich nichts Wichtiges zu sagen hatte. Bei diesem Titel kamen mir die Worte jedoch ganz natürlich nach dem Tod eines engen Freundes. Das Schreiben und Aufnehmen war für mich wie eine Katharsis und gab den Ton für den Rest des Albums vor, indem es die Tür für die folgenden Texte öffnete“, sagt Bandgründer James Kirk.

MATADOR Line-Up:
Scott Stronach – Drums
James Kirk – Guitar/Vox
Mark Ainsworth – Bass

MATADOR „Above, Below and So“ Tracklist

1. The House Always Wins (Audio bei YouTube)
2. Glitter Skin (Audio bei YouTube)
3. The Flood
4. O Suna
5. A Virus
6. Hooks

Wenn in „Rain“ verletzlicher Klargesang eingestreut wird, zeigt der Stilmix doomigere Tendenzen, verweilt jedoch nie zu lange an nur einem Ort. Den in der Vergangenheit auf ähnliche Weise bewältigten Ansatz führen GLARE OF THE SUN auf ihrem Drittwerk jedoch eleganter aus. Flächige Synthesizer schenken dem erwähnten „Rain“ Volumen, während auf Albumebene die Stücke schlüssig zueinanderfinden.

„TAL“ verliert in der zweiten Hälfte keineswegs an Reiz

Schleppend, doch nie zähfließend bahnt sich „Äon“ seinen Weg nach vorne, während Gerald Hubers Singstimme einen Hauch Leichtigkeit mit sich bringt. Akzente setzt darüber hinaus Gastsänger J.J.s (HARAKIRI FOR THE SKY) markantes Organ in „Leaving Towards Spring”, wo die Clean-Arrangements zu Beginn eine unerwartete Zerbrechlichkeit offenbaren.

In Erinnerung bleibt darüber hinaus das mächtige „Stonefall“, das nach einem atmosphärischen Intro inklusive unheilschwangerer Glockenschläge ein unrühmliches Ende heraufbeschwört. Unerschütterlich bahnt sich das Stück einen Weg nach vorne, während das Zusammenspiel der Gitarren gar etwas Schönheit im Fatalismus aufdecken kann. Dass sich „Amnesty“ zunächst mit symphonischer Untermalung, dann mittels warmer Gitarrenriffs ungleich dramatischer gibt, ist ein kluger Schachzug, welcher „TAL“ selbst in der zweiten Hälfte spannend hält.

GLARE OF THE SUN zelebrieren ein Auf und Ab der Kontraste

GLARE OF THE SUN zeigen damit auf, dass es selbst in der Doom-Death-Nische keineswegs an Vielfalt mangelt, solange man den Arrangements die benötigte Aufmerksamkeit schenkt – als Band wie auch als Hörer:in gleichermaßen. Dann offenbart sich im Falle von „TAL“ ein dynamisches Auf und Ab der Kontraste, das konzeptuell mit Licht und Schatten spielt, es sich qualitativ aber eindeutig auf der Sonnenseite gemütlich macht.

Veröffentlichungstermin: 13.09.2024

Spielzeit: 58:58

Line-Up

Christoph Stopper – Vocals, Keyboards
Martin Baumann – Gitarre
Gerald Huber – Gitarre, Vocals
Tobias Schwab – Bass
Franz Ebert – Schlagzeug

Produziert von Martin Shirenc, Christoph Stopper und Jan Oberg (Mix und Mastering)

Label: Lifeforce Records

Homepage: https://glareofthesun.com/
Facebook: https://www.facebook.com/glareofthesun/
Instagram: hhttps://www.instagram.com/glareofthesun_official
Bandcamp: https://gotslfr.bandcamp.com/

GLARE OF THE SUN “TAL” Tracklist

01. Colossus (Video bei YouTube)
02. Rain
03. Äon (Video bei YouTube)
04. Relikt (guest vocals by Mario Klausner)
05. Stonefall
06. Leaving Towards Spring (guest vocals by J.J.)
07. Amnesty
08. Storm of Light (CD/ Digital only)
09. Horizon (CD/ Digital only)

Cleveres Songwriting, verbunden mit absoluter Hingabe: PREDATORY VOID sind auf „Atoned In Metamorphosis“ in jeder Hinsicht konsequent.

Die neuen Songs funktionieren erheblich besser, und das liegt vor allem an der Frontfrau: Sängerin Lina überzeugt mit ihrer dunklen Stimme und muss nur selten in Extreme ausweichen, um für Aufsehen zu sorgen. Egal ob die Band mit „Make Me Whole“ durch die Kombination aus Gitarre und Gesang mit anschließend rhythmisch geschickt verdrehter Heaviness ins Gesicht schlägt, oder einen harten Kontrast zwischen dissonanten Riffs mit Blast Beats und melodiösem Gesang andererseits in „New Moon“ wählt, PREDATORY VOID sind definierte Songwriter geworden und spielen diesen Vorteil voll aus. Die Leidenschaft, die PREDATORY VOID in ihre Songs stecken, ist absolut spürbar. Das doomige und atmosphärische „Peeling Cycle“, in dem die Instrumentalisten erneut einen gelungenen Kontrast zum Gesang setzen und in weniger als drei Minuten eine beeindruckende Klimax setzt, ist mindestens ebenso gut wie „Contemplation In Time“, das mit seinen dissonanten Riffs und dem extremen Gesang an die Schmerzgrenze geht.

PREDATORY VOID weichen vor der Schmerzgrenze nicht zurück: „Atoned In Metamorphosis“ ist durchgehend höchst intensiv.

Verdammt nochmal, von Songs wie diesen dürfte es mehr geben. „Atoned In Metamorphosis“ ist eine durchgehend mitreißende, intensive EP, die hoffen lässt, dass bald ein volles Album auf diesem Niveau folgen wird. Eine Band, die auf so hohem spielerischen und kreativen Niveau unterwegs ist, nebst einer furcht- und ruchlosen Sängerin, die zu einer beängstigenden Performance in der Lage ist, kann nur gewinnen. Die blitzsaubere Produktion ist hierbei die Krönung. Dass PREDATORY VOID 2026 etwas weniger originell als auf „Seven Keys The Discomfort Of Being“ sind, tut der Qualität der Musik indes keinerlei Abbruch. Im Gegenteil: Sie katapultieren sich mit diesen vier Songs nach vorne in der Church Of Ra-Szene und lassen die kommenden OATHBREAKER-Shows auf dem ROADBURN-Festival schon fast verzichtbar wirken. Kurz: Eine schmerzhafte, kathartische Angelegenheit mit einer Durchschlagskraft, die so nicht zu erwarten war. Unbedingt anhören.

VÖ: 6. Februar 2026

Spielzeit: 13:27

Line-Up:
Lina R.
Lennart Bossu
Kris Auman
Thijs Decloedt
Vincent Verstrepen

Label: Pelagic Records

PREDATORY VOID „Atoned In Metamorphosis“ Tracklist:

1. Make Me Whole
2. New Moon (Official Audio bei Youtube) 
3. Peeling Cycle
4. Contemplation In Time (Official Video bei Youtube) 

Mehr im Netz:

https://predatoryvoid.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/predatoryvoid/
https://www.facebook.com/PredatoryVoid

Auch zu „Awakening“ gibt es einen Video-Clip vom Album. Kurz nach der Ankündigung des Albums musste die Band verstarb plötzlichen Gitarrist und Gründungsmitglied Mike Morris.

„Mike war einzigartig – ein liebenswürdiger und großzügiger Mensch, der immer da war, um gute Laune zu verbreiten und andere auf die höhere Ebene zu heben, auf der er sich befand. Im Herzen war er ein Strandgänger – nie ohne Zigarette, Tecate oder Gitarre in der Hand. Wir waren unglaublich glücklich, ihn als Bandkollegen und Freund zu haben. Der Einfluss, den er auf unsere gemeinsame Musik hatte, ist unermesslich. Der Song, dieses Video und die Platte sind alle dem Andenken an Mike Morris gewidmet“, sagt die Band.

Vorab gibt es mit „Mountain“ einen weiteren Video-Clip.

INSOMNIAC Line-Up:
Alex Avedissian – Guitar
Van Bassman – Vocals
Juan Garcia – Bass
Mike Morris (RIP) – Guitar, Vocals
Amos Rifkin – Percussion, Vocals

INSOMNIAC „Om Moksha Ritam“ Tracklist

1. Meditation
2. Mountain (Video bei YouTube)
3. Snow and Ice
4. Forest
5. Sea
6. Desert (Lyric-Video bei YouTube)
7. Awakening (Video bei YouTube)

„In diesem Song geht es darum, dass man das Gefühl hat, keine Kontrolle zu haben“, sagt Sänger Roman V. „Wir machen als Zuschauer weiter, ohne Einfluss auf die Richtung unseres Lebens zu haben.“

Zuvor ist mit dem Video-Clip zu „Drøm“ – mit Lina R. (PREDATORY VOID) als Gast – eine zweite Vorab-Single erschienen.

„Verfolgt wie ein gejagtes Tier rennst du dein ganzes Leben lang in Eile, nur um dieses verrückte Rennen zu verlieren“, sagt Sänger Roman über die Inspiration hinter „Drøm“. „Nur in deinen Träumen erinnerst du dich daran, wer du bist und was dein Ziel ist. Nur in Träumen bist du du selbst. Aber wenn du wach bist, gibt es keinen Ort, an dem du dich verstecken kannst.“

Es ist nach „Vi overlevde“ (2021) und „Den tapte krigen“ (2023) das dritte Album des aus Russland stammenden, aber inzwischen in Norwegen heimischen und von Roman V. geführten Projekts.

„Alt som finnes“ wurde von Miguel Tereso bei Demigod Recordings gemixt und gemastert. Das Cover-Artwrok stammt von Gravestench Art. Release-Termin ist der 20. Februar 2026 via Season of Mist. Vorab gibt es zu „Blikket Hennes“ – mit Gast-Vocals von Yusaf “Vicotnik” Parvez (DØDHEIMSGARD) – einen Video-Clip.

BIZARREKULT Line-Up:
Roman V. — Vocals
Ignat P. — Guitars & Bass
Alexander P. — Drums

BIZARREKULT „Alt som finnes“ Tracklist

1. Hun (02:58)
2. Blikket Hennes (06:18) (Video bei YouTube)
3. Avmakt (06:10) (Audio bei YouTube)
4. Håp (06:22)
5. Drøm (04:42) (Video bei YouTube)
6. Verdens Verste (04:22)
7. Aversjon (05:24)
8. Tomhet (06:27)

LEGBITER / NORNA „Legbiter / Norna“ Tracklist

01 Legbiter – Worms
02 Legbiter – Speedball (Audio bei YouTube)
03 Legbiter – Major Motion
04 Norna – Lithany
05 Norna – Eyes of God
06 Norna – Serpents of Gold

LEGBITER Line-up 2026

Jonas Slove Eriksson
Viktor Ahnfelt
Rickard Lindblom
Rikard Nordström

NORNA Line-up 2026

Marc Theurillat – Drums, Samples
Christophe Macquat – Guitars, Bass
Tomas Lijedahl – Vocals, Guitar

Vor wenigen Wochen veröffentlichte die Band „Crush“ und ein Video:

Zurvor teilte die Band den Track „Young“:

Wie sich das kommende Werk anhört, verrät außerdem die erste Single „Garland„.

Ab Februar 2026 geht das Gespann auf Headline-Tournee durch Europa, im Vorprogramm treten TAYNE sowie COLD NIGHT FOR ALLIGATORS auf.

MØL „Dreamcrush“ Tracklist

1 DREAM
2 Sma° Forlis
3 Young (Video bei YouTube)
4 Hud (Video bei YouTube)
5 Garland (Video bei YouTube)
6 Favour
7 A Former Blueprint
8 8
9 Dissonance
10 Mimic
11 CRUSH (Video bei YouTube)

MØL, TAYNE, COLD NIGHT FOR ALLIGATORS Tourdaten 2026

• 6. Feb. – Berlin, DE – Hole 44
• 7. Feb. – Prag, CZ – Futurum
• 8. Feb. – Leipzig, DE – Naummans
• 9. Feb. – München, DE – Feierwerk
• 10. Feb. – Wiesbaden, DE – Kesselhaus
• 11. Feb. – Eindhoven, NL – Effenaar KZ
• 12. Feb. – London, UK – Underworld
• 13. Feb. – Manchester, UK – Rebellion
• 14. Feb. – Glasgow, UK – Classic Grand
• 15. Feb. – Leeds, UK – Key Club
• 16. Feb. – Birmingham, UK – O2 Institute2
• 17. Feb. – Bristol, UK – Exchange
• 18. Feb. – Paris, FR – Petit Bain
• 20. Feb. – Köln, DE – Club Volta
• 21. Feb. – Hamburg, DE – Betty

Wie das Post Metal-Projekt klingt, verrät die erste Single „Lhotse“, ein Album folgt im Frühjahr:

„Breaking The Catatonic State“ erscheint am 20. März 2026 via Heimlich Manoeuvres. Zuvor veröffentlichten CROUCH im Jahr 2023 eine selbstbetitelte EP.

„Der Bruch mit dem 4/4-Herzschlagrhythmus, der uns allen schon vor unserer Geburt so viel Trost spendet, steht im Mittelpunkt dieses Albums“, erklärt die Band. „Hooks und überraschende Wendungen halten uns als Musiker auf Trab und treiben uns letztendlich dazu an, Musik zu schreiben. Wir haben deshalb alle  Vorstellungen davon, wie der Nachfolger unserer EP klingen sollte,  über Bord zu geworfen.

CROUCH „Breaking The Catatonic State“ Tracklist & Cover

Godby
Vida
Yellow Eyes
Hatchets And Hammers
Twisted Colossus
Good Seed
Bad Seed
Geneva
Non-Competitive Garden Display
Lhotse (Video bei YouTube)

„‚9 Confines‘ erzählt die Geschichte der Reise eines Suchenden zu einer verborgenen Wahrheit – einer Reise der Transformation. Diese führt zwingend über Introspektion und ist verstörend. Es geht um Schattenarbeit: Darum, in die Dunkelheit hinabzusteigen, dorthin zu gehen, wo es schmerzt, und Erschreckendem gegenüberzutreten“, erklärt Sängerin Barbara Brawand. „Am Ende kann man sich selbst verändert und doch tief verbunden wiederfinden – oder den Verstand verlieren. Das Thema des Songs ist stark beeinflusst durch die Tarotkarte ‚Der Eremit‘, den hermeneutischen Zirkel und Dantes Reise, die ich allesamt durch die Bilder des Videos aufgreifen wollte.“

WAZZARA Line-Up:
Barbara Brawand – Vocals
Marcel ‚Mäsi‘ Stettler – Guitar
Tom Kuzmic – Guitar
George Necola – Bass
Andrei Jumugä – Drums

WAZZARA „Arbor“ Tracklist

01. 9 Confines (07:03) (Video bei YouTube)
02. Hollow (05:36)
03. Her Ashes Down The River (05:47)
04. Indigo Sleep (05:46)
05. Dandelion (04:21)
06. Nova (06:16)
07. Oceans (05:33)
08. zessa (reborn) (08:08)

„Dust Eater“ ist der erste Release der Engländer aus Berkshire und ist digital im Juni 2025 erschienen. Ein physischer Release erfolgt am 20. Februar 2026 via Big Scary Monsters.

DIMSCUA Line-Up:
Alex Rowlands – Vocals
Adam Campbell-Train – Guitars
Sam Correa – Guitars
Benio Baumgart – Bass
Lewis Pickering – Drums

DIMSCUA „Dust Eater“ Tracklist

01 Elder Bairn
02 The Dusteater (Live-Video bei YouTube)
03 Existence / Futility (Live-Video bei YouTube)
04 On Being and Nothingness

„Ein Song über Macht, die die Menschheit verschlingt, über Führer, die ihr eigenes Volk im Stich lassen und es an den Rand drängen. Er spiegelt die rohe Grausamkeit wider, zu der Menschen fähig sind, wie leicht Empathie zusammenbricht, wie Leiden unsichtbar wird. Dieser Song steht für diejenigen, die ausgelöscht, vergessen und am Rande einer Welt, die vorgibt, perfekt zu sein, dem Verfall preisgegeben wurden“, sagt Frontmann Stéphane Azam.

Den zweiten Höreindruck gewährt der Clip „Grinding„.

Mit dem Video-Clip zu „There Is No Me“ gibt es eine weitere Vorab-Single. Der Track entfalte sich als eindringliche Meditation über zerbrochene Identität und spirituelle Besessenheit. Der Text thematisiert Schizophrenie, innere Zerrissenheit und das Verschwinden der Grenzen zwischen dem Selbst und dem Anderen.

YOUR INLAND EMPIRE Line-Up:
Stéphane Azam – Vocals, Guitars, Songwriting, Experimentation
David Husser – Guitars, Programming, Production, Experimentation
Marc Strebler – Guitars
Nicolas Uhlen – Drums

YOUR INLAND EMPIRE „Your Inland Empire“ Tracklist

1. Scars (3:25)
2. There Is No Me (3:52) (Video bei YouTube)
3. Grinding (3:54) (Video bei YouTube)
4. Edge of Perfection (5:06) (Video bei YouTube)
5. Silver Knife (4:50)
6. Undone (3:43)
7. Venom (4:28)
8. Sulfur (5:22)
9. Chemicals (4:40)
10. Myself Destruct (3:55)
11. I’ll Be Your Night (4:49)

Ein weiteres High Concept-Album – dieses Mal mit persönlicher Note. KAUAN spenden mit „Wayhome“ Hoffnung und Trost.

Belov, geboren in Russland, lange Zeit ansässig in Kiew, vor vielen Jahren nach Tallinn ausgewandert und nun in Helsinki residierend, trägt diese Sicherheit, dieses Urvertrauen in sich, was beim Hören der Musik deutlich wird. „Wayhome“ ist da keine Ausnahme. Die Genüsslichkeit, mit der KAUAN ihren 50-minütigen, in acht Tracks unterteilten Song spielen, ist schon beinahe provokativ. Das Quintett nimmt sich alle Zeit der Welt, taucht in die Atmosphäre ein und braucht dabei nicht viel: Post Rock-Gitarren, proggige Strukturen, und dazwischen, kurze beherzte Einschübe von Heaviness („leave / let go“, „haste / ascend“).

Das alles kann schnell schiefgehen, schließlich zielen KAUAN bewusst auf die gebeutelte Aufmerksamkeitsspanne der Rezipienten, denken aber groß genug, um keine Kompromisse einzugeben. Genau deshalb funktioniert „Wayhome“: Die Band lässt sich nicht antreiben, weder von Erwartungen, noch von Ungeduld. Das ist es, was „Wayhome“ hörbar bleiben lässt. Hierbei orientieren sich KAUAN bei den Arrangements und der Art des Komponierens eher an Neoklassik denn an Post Rock oder Prog Rock. Zwischen Akribie und Verspieltheit lassen sich KAUAN treiben, aber genau deshalb ist „Wayhome“ stellenweise etwas seicht, denn selbst die seltenen Momente, in denen KAUAN Growls einsetzen, fehlt etwas die Gravitas – etwas, das „Pirut“ (2013) besser machte.

Auch trotz einzelner Momente der Heaviness, ist „Wayhome“ etwas seicht – um wirklich mitzureißen brauchen KAUAN das Drama.

KAUAN können High Concept-Alben. Oder viel mehr, sie können nichts anderes. „Sorni Nai“ und „Ice Fleet“ ließen Kälte spüren, woben in die verträumte Musik Schauer und Schrecken ein, ohne Abstriche in Subtilität zu machen. „Wayhome“ fährt selbstverständlich auch wieder ein riesengroßes Panorama auf, und ja, es ist wieder Musik, die dazu einlädt sich zu verlieren. Die hoffnungsvolle Note lässt KAUAN reifer, aber auch zahmer wirken – etwas, das in diesen Zeiten gut tut. Das große Drama ist es jedoch, das KAUAN emotional zupacken und ihre Alben wertvoll werden lässt. Und das ist auf „Wayhome“ leider nicht in dem Maße spürbar, wie auf früheren Werken, aller spielerischen, kompositorischen und soundtechnischen Brillanz zum Trotz. Wer es sich mit einer wärmenden Tasse Tee an einem eiskalten, sonnigen Wintertag zwischen ALCEST und späten ANATHEMA in seiner (Wahl-)Heimat gemütlich machen will, findet hier aber Musik, die gut für die Seele ist. Und das ist in diesen düsteren Zeiten nicht das Schlechteste.

Wertung: 6 von 8 Kompasse

VÖ: 7. November 2025

Spielzeit: 49:28

Line-Up:
Anton Belov (Guitar, Vocals)
Alina Belova (Keyboard, Vocals)
Niko Salminen (Bass)
Helena Dumell (Viola)
Kristian Merilahti (Drums)

Label: Artoffact

KAUAN „Wayhome“ Tracklist:

1. aim / decide
2. outline / pave (Official Audio bei Youtube)
3. depart / dive (Official Audio bei Youtube) 
4. leave / let go (Official Audio bei Youtube) 
5. soothe / sear
6. haste / ascend
7. embrace / repel
8. arrive / resolve

KAUAN „Wayhome“ Full Album Stream bei Youtube

Mehr im Netz:

https://kauanmusic.com/
https://kauan.bandcamp.com/
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https://www.instagram.com/kauanmusic/

DANA (DE L’ABÎME NAÎT L’AUBE) Line-Up
Dominique Blanc – Guitars
Kilian Caddoux – Guitars
Sébastien Defabiani – Vocals
Fantine Schütz – Vocals
Valerian Bürki – Bass
Valentin Boada – Drums

DANA (DE L’ABÎME NAÎT L’AUBE) „Rituel: Initiation“ Tracklist

1. Une Pleine Absence (Video bei YouTube)
2. Un Sanctuaire de Cendres (Video bei YouTube)
3. Le Vertige d’une Descendance (Audio bei Bandcamp)
4. Une Première Epiphanie
5. Une Absolue Présence

ORSO liefern mit „Caffé“ zähen, atmosphärischen Instrumental Post Metal

Musikalisch befindet man sich irgendwo zwischen instrumentalem Post Metal und Sludge, ORSO selbst nennen CULT OF LUNA, RUSSIAN CIRCLES, NEUROSIS, TERRA TENEBROSA als Einflüsse. Fein! Apropos fein: Wieso die 4 Songs die Namen von vier Kaffeespezialitäten tragen, erschließt sich mir noch nicht so ganz. Mehr als ein Marketing-Gag? ORSO selbst versteht „Caffé?“ als konsequente Fortsetzung ihrer kulinarischen Linie: Nach „Primi Piatti“ (also dem ersten Gang, 2016) und „Paninoteca“ (das ist die Bezeichnung für eine Art Sandwich-Bar, 2019) fungiert „Caffé“ wohl als Abschluss des Menüs, wobei die vier Stücke jeweils eine Kaffeevariante von Ristretto bis Affogato musikalisch übersetzen. Okay, originell, Culinaric Metal also als neues Sub Genre? Musikalisch herauszuhören ist das allerdings nicht, dafür fehlt zumindest das Blubbern und Röcheln der Kaffeeautomaten, und ich erkenne auch keinen musikalischen Unterschied zwischen einem Espresso und einem Americano – oder meine Geschmacksnerven sind einfach schon zu abgestumpft.

Label: No Sun Records

Veröffentlichung: 22.11.2024

Formate: LP / CD / Digital

Spielzeit: 37 Minuten

Tracklist ORSO: Caffé?

Ristretto (08:43)

Espresso (09:32)

Americano (08:03)

Affogato (10:18)

Line-up ORSO:

Thomas Target – Drums

Blaise Brechbuehl – Bass

Raul Bortolotti – Gitarre

Sébastien Pittet – Gitarre

Etienne Marguerat – Gitarre

ORSO im Web:
ORSO bei Bandcamp

Der Musiker liefere dabei Lyrics, die von einem tiefgründigen Existentialismus inspiriert sind, der aus der reflexiven Verzweiflung von Autoren wie Albert Camus und der hoffnungsvollen Analyse des existentialistischen Leidens durch Schriftsteller wie Fjodor Dostojewski stammt.

„Cathexis“ wurde gemeinsam mit Alonso Huerta produziert und von Jens Siefert (u.a. für AHAB tätig) im Rama Studio in Mannheim gemixt und gemastert. Das Cover-Artwork stammt von Neyha Sofat. Release-Termin ist der 6. Februar 2026. Vorab gibt es auch einen Video-Clip zum Titeltrack. Als Gast-Sängerin ist dabei Ana Bitrán – ebenso wie Adrián Terrazas an Flöte und Saxophon – zu hören.

PHENDRANA „Cathexis“ Tracklist

1. Lamento
2. Cathexis (Video bei YouTube)
3. Sentience (Audio bei Bandcamp)
4. The Effigy & The Titan