Einerseits ja, andererseits nicht wirklich. Als ich an dem Album gearbeitet habe, stellte ich mir die Atmosphäre eines heiligen Ortes vor. Ein Ort der Stille, der Innenschau und der Verehrung. Aber offen gesagt habe ich daran gezweifelt, ob diese Songs als Ganzes auch zusammenpassen. Es sind so viele verschiedene Instrumentierungen und Atmosphären zu hören, die in meinem Kopf nicht wirklich auf einem Album zusammen gepasst hatten. Glücklicherweise haben mich einige enge Freunde davon überzeugt, die Ähnlichkeiten der Songs zu sehen und mich nicht auf die Unterschiede zu konzentrieren: Für sie klang alles sehr nach ISKANDR. Danach macht das Ganze für mich auch viel mehr Sinn und ich konnte eine passende Tracklist erstellen. Heute bin ich sehr zufrieden damit, wie sich alles gefügt hat. Aber das war keine bewusste Anordnung wie in einem großen Satz, eher wie ein glücklicher Zufall. Im Gegensatz dazu steht zum Beispiel auch „Vergezicht“, das wirklich als ein großes Ganzes ausgearbeitet wurde.

Auch „Sacraal“ ist eine Weiterentwicklung von ISKANDRs Sound. Der große Bruch hin zu „Spiritus Sylvestris“ hat dich vom Metal weggebracht, aber mein Eindruck ist, dass „Sacraal“ ein stilistisch ebenso großer Schritt ist. Was meinst du dazu?

Dem stimme ich zu! Ich versuchte auf „Sacraal“ nicht mehr die Musik auf der Gitarre zu schreiben, sondern mit Klavier und Synthesizer. Das hat mein kreatives Vorgehen sehr verändert. So gesehen hat sich die Musik selbst verändert. Aber ja, die Blast Beats und die Growls hinter mir zu lassen, erscheint erst einmal der größere Schritt zu sein, das verstehe ich schon auch.

„In den Zwischenräumen können die magischen Eigenschaften einer Sache liegen.“ – ISKANDR entwickeln sich außerhalb eng gesteckter Genregrenzen.

Größere Teile des Albums fühlen sich reduziert und traumartig an, ganz anders als „Spiritus Sylvestris“, das mehr um Rhythmen kreiste.

Auch das meinte ich damit, dass ich mein Vorgehen deutlich verändert habe. Die Songs von „Sacraal“ spiele ich live nicht mal mehr auf der Gitarre. Ich versuche diese Musik in Bereiche zu treiben, die mir selbst noch unbekannt sind. Ich habe den Weg des Entdeckens eingeschlagen; immerhin spiele ich seit zwanzig Jahren Gitarre in Bands und Projekten. Das ist ein großer Schritt für mich.

Trotz des relativ ruhigen Gesamteindrucks ist das Album stilistisch gesehen sehr abwechslungsreich. Das Ambient-Stück „Zonsonderkomst“, die reduzierten Songs „Verdronken Vlinder“, „Melk en Honing“ und „Glinster“, die Heaviness von „Pilaren van de Zuivere Blik“ und die psychedelische Seite an „Bewegingen in Het Afkoelende Zand“ erzeugen viele Kontraste auf „Sacraal“, aber alles fließt wunderbar zusammen. Wie schwer war es so einen kohärenten Gesamteindruck zu erzeugen?

Das war eine ziemliche Herausforderung. Wie bereits erwähnt, sah ich zu Anfang keine Verbindung in den Songs. Ich dachte, ich müsste mehrere EPs aus dem Material machen und die Stücke aufteilen. Plötzlich hat es aber „Klick“ gemacht. „Bewegingen in Het Afkoelende Zand“ war das letzte Lied, das ich geschrieben habe, und es hat sich als wirklich guter Closer herausgestellt, sodass „Sacraal“ eine gute „Buchstütze“ bekommen hat. Von da an hat sich alles gefügt.

Zumeist führen Gitarre und Gesang die Songs an, aber es gibt auch Klavierstücke wie „Glinster“ und elektronische Momente. Bist du immer von einem bestimmten Startpunkt aus vorgegangen?

„Glinster“ war lustigerweise das einzige Stück, das wirklich auf der Gitarre entstand. Ich habe es danach nur auf das Klavier verlegt, weil es dort besser klang. Der Rest der Musik entstand mit Synthesizern und programmierten Drums, während die Gitarre erst als späteres Element hinzukam. Auf diese Weise habe ich mein neues Vorgehen gefunden.

Die Musik klingt feierlich und dunkel, aber darin kann man die Tiefe spüren. Die ruhigen, fast schon hypnotisierenden Momente transformieren das Album, es strahlt ein lebensbejahendes Gefühl aus. Interessanterweise spüre ich das Gleiche bei „Vergezicht“, dessen Epik trotz, oder gerade wegen der Black Metal-Basis besteht. Generell gesehen: Was bedeutet das Wort „Transformation“ für dich?

Das ist eine gute Frage. Für mich fühlt es sich so an, als würde ich mich von einer Form zur nächsten bewegen. In den Zwischenräumen können die magischen Eigenschaften einer Sache liegen. Die Schwellenräume liegen zwischen festen Grenzen, zwischen Momenten, in denen wir denken, dass wir alles „wissen“ und wo das Unbekannte und Mögliche vage in den Fokus kommen.

ISKANDR ist dein Soloprojekt, außer Mink Koops (FLUISTERAARS), der auf „Sacraal“ nur bei einem Song spielt, sind ansonsten keine Mitmusiker an Bord. Der Rest stammt von dir alleine. Was ist der Unterschied zwischen ISKANDR und deinen anderen Bands wie DOOL und SOLAR TEMPLE in kreativer Hinsicht?

Bei DOOL bin ich Teil einer größeren Formation, die von Raven van Dorst als Lead-Songwriter und Texter angeführt wird. Dort stehe ich im Dienste von etwas Größerem. SOLAR TEMPLE ist der Bereich, in dem für Mink und mich alles möglich ist. Dort können wir alles umsetzen, was uns Spaß macht. Das Projekt war zuletzt recht wenig aktiv, weil wir so viel mit unseren anderen Projekten zu tun haben, aber immer wieder strömen Ideen auf uns ein und wir bekommen so ein kreatives Jucken … Wir müssten nur etwas mehr Zeit finden.

„Wenn ich die Worte im Niederländischen aufschreibe, ist das was aus mir herauskommt ganz natürlich, während das, was ich auf Englisch schreibe eine Art Übersetzung aus meiner Muttersprache ist.“ – Omar zieht es vor, auf Niederländisch zu texten.

„Sacraal“ wurde in verschiedenen Städten aufgenommen. Der Vorgänger „Spiritus Sylvestris“ erschien vor drei Jahren und somit entstand die längste Lücke zwischen zwei ISKANDR-Alben. Ich vermute, dass es ein schwieriger Songwriting- und Aufnahmeprozess war.

Ja, es war ziemlich schwierig. Ich bin zwischen den Alben einige Male in andere Städte gezogen und hatte einige Zeit keinen festen Wohnsitz. Ich war nicht obdachlos, aber habe mich eben treiben lassen. Da war es schwierig, an Musik zu arbeiten, ich musste erst wieder Fuß fassen. Jetzt lebe ich wieder in meiner Heimatstadt Nimwegen und möchte hier auch länger bleiben. Mein Leben bekommt also wieder Strukturen. Es ist ein schönes Gefühl, wieder in der Nachbarschaft zu sein, die ich so gut kenne, mit all der schönen Natur in der Umgebung. Übrigens: Auf dem ersten Album „Heilig Land“ wurden alle Songs nach Teilen der Stadt benannt.

„Sacraal“ bietet eine gute Gelegenheit in niederländische Folkmusik einzutauchen, Stichwort Lennaert Nijgh und Boudewijn de Groot. Stellt „Verdronken vlinder“ für dich ein Cover dar? Das Stück ist das vermutlich Reduzierteste auf dem Album, und nebenbei mein Favorit. Was bedeuten dir der Originalsong und der Text dazu?

Ja, ich sehe es als Cover, auch wenn ich die Musik deutlich verändert und nur den Text original belassen habe. Musikalisch hat es wenig mit dem ursprünglichen Lied zu tun, die Folk-Melodie ist da zu erbaulich. Der Text ist aber eine wunderbare Metapher für das Ende des Lebens, das Zurückblicken darauf, und welche Dinge wirklich von Bedeutung sind. Seit ich ein Kind bin, ist das für mich ein sehr persönlicher Song und steht im Zusammenhang mit einigen sehr traumatischen Dingen, auf die ich nicht eingehen möchte. Aber ja, es ist der schwierigste Song, um ihn live zu spielen.

„Melk en Honing“ ist ein Stück, das „Verdronken vlinder“ sehr ähnlich ist. „Milk & Honey“ von Jackson C.-Frank ist im Original recht anders, aber Gemeinsamkeiten sind erkennbar. Was ist so besonders an dem Text und dem Song?

Diese Lyrics transportieren auch etwas, das die Essenz der letzten Jahre für mich einfängt. Es geht darum deine Zukunft, um der Menschen in deinem Umfeld willen loszulassen.

„Pilaren van de Zuivere Blik“ ist auch sehr interessant und schlägt wie „Bewegingen in Het Afkoelende Zand“ auch eine Brücke zu „Spiritus Sylvestris“, mit dem ruhigen Beginn und der heavy Klimax mit wunderbaren Melodien, bzw. hypnotischen Rhythmen. Hast du „Pilaren van de Zuivere Blik“ ganz zu Beginn geschrieben?

„Pilaren van de Zuivere Blik“ war tatsächlich der erste Song, den ich für „Sacraal“ geschrieben habe, ziemlich bald nachdem ich „Spiritus Sylvestris“ abgeschlossen habe. Das Stück ist in diesem Stil gehalten, das hast du richtig erkannt! Wie schon gesagt war „Bewegingen in Het Afkoelende Zand“ der letzte Song, den ich geschrieben habe, aber musikalisch schöpft er aus einer ähnlichen Quelle.

„Zonsonderkomst“ ist das Kernstück des Albums und deutlich anders als der Rest des Materials,  mit seinen Beats, Synthesizern und den Spoken Word-Vocals. Welche Geschichte steckt hinter dem Song?

Ich wollte schon lange einen Song wie diesen schreiben, aber die Fertigstellung dauerte sehr lange. Es war schwer, bis daraus ein sinnvolles Ganzes wurde. Aber ich bin zufrieden, wie er am Ende geworden ist, und jüngst ist er auch zu einem meiner Favoriten für die Konzerte geworden. Es hat mich selbst überrascht, welche Wendungen das Lied nimmt, und ich freue mich jetzt schon darauf, in der Zukunft ähnliche Gefilde zu erforschen.

Wie üblich sind die Texte in deiner Muttersprache gehalten, und die meisten Bands deiner Szene schreiben niederländische Lyrics. Kannst die Message deiner Texte so besser rüberbringen?

Ja, das ist genau der Grund. Wenn ich mich hinsetze und die Worte im Niederländischen aufschreibe, ist das was aus mir herauskommt ganz natürlich, während das, was ich auf Englisch schreibe eine Art Übersetzung aus meiner Muttersprache ist. Und das verliert viel Spontaneität und poetische Qualität. Daher schreibe ich viel lieber auf niederländisch.

„Als ich an dem Album gearbeitet habe, stellte ich mir die Atmosphäre eines heiligen Ortes vor. Ein Ort, der Stille, der Innenschau und der Verehrung. Aber offen gesagt habe ich daran gezweifelt, ob diese Songs als Ganzes auch zusammenpassen.“ – Die Arbeit an „Sacraal“ war nicht einfach für Omar.

ISKANDR ist auch als Live-Act aktiv. Steht schon mehr an, und was ist das Setting, das für dich am besten funktioniert?

Ja, ich habe für den Herbst einige Konzerte anstehen und ich arbeite an weiteren Konzerten für 2027. Am liebsten trete ich in Clubs auf, da kann ich meine Visuals einsetzen, und die funktionieren eben am besten im Dunkeln. Aber dieses Jahr habe ich eine Show während eines großen Lagerfeuers in Nordisland auf dem Nordanpaunk Festival gespielt, und das war eine wunderbare Erfahrung in einer tollen Atmosphäre. Ich mag es also auch, Neues auszuprobieren.

Abschließende Frage: Ich mag den neuen Sound von ISKANDR wirklich sehr, aber genauso gern höre ich die älteren Sachen. Wird ISKANDR eines Tage zum Metal zurückkehren?

Seit ich bei FLUISTERAARS als Livegitarrist eingestiegen bin, ist der Black Metal zu mir zurückgekehrt. Ich arbeite an etwas in dieser Richtung, aber es geht langsam voran, weil ich so wenig Zeit habe. Ich bin mir unsicher, was daraus entstehen wird, aber hoffentlich finde ich im Herbst und Winter Zeit, daran weiterzuarbeiten. Wir werden sehen. Es freut mich, dass du auch weiterhin gerne mein altes Material hörst.

Omar, danke für deine Zeit und bis bald auf Tour!

Danke für das Interview und dafür, Musikjournalismus im Jahr 2026 am Leben zu halten.

Bilder: (c) Gerard van Roekel und Maaike Ronhaar

HYVER Line-Up:
Konstantin Korolev – Bass
Hyver – Vocals, Guitars, Keyboards

HYVER „La fête de la forêt enchantée“ Tracklist

1. L’Invitation
2. Un Chemin Mystérieux
3. Dans la Clairière
4. A la Lune Levée
5. La Danse de la Forêt Enchantée (Audio bei Bandcamp)
6. Le Toast des Crapauds
7. Le Ver de Trop
8. Arrivée de l’Ambulance

Ab Februar sind ALIENARE auf Tour, außerdem findet Mitte Dezember noch ein „Weihnachtskonzert“ statt.

ALIENARE Tourdates

Weihnachtskonzert 2026
19.12.2026 Kassel, Goldgrube

We Come In Peace Tour 2027
Special Guest: EKLIPSE

19.02.2027 Frankfurt, Das Bett
20.02.2027 Leipzig, Moritzbastei
21.02.2027 Oberhausen, Kulttempel
26.02.2027 Dresden, Parkhotel
27.02.2027 Berlin, Privatclub
05.03.2027 Karlsruhe, Stadtmitte
06.03.2027 München, Backstage Club
12.03.2027 Köln, Helios37
13.03.2027 Hamburg, Hebebühne
17.04.2027 Hannover, Musikzentrum (ohne EKLIPSE)

ALIENARE Line-up: 
Tim – vocals
Timo – keyboard
Tobi – drums
Emma – guitar

MADAM ORANGE Line-Up:
Emily Beisel – Bass clarinet, electronics, vocals
Bill Harris – Drums, electronics

MADAM ORANGE „Parallax“ Tracklist

1. Rilles (Video bei YouTube)
2. Apogee (Video bei YouTube)
3. Arid Place
4. Root Rot
5. Ephemeris
6. Antumbra
7. Mare Crisium
8. Old Paradigms
9. Too Fast And Not Enough
10. Malingerer
11. Straight Rilles

Einen ersten Song gibt es schon bei YouTube:

Als Nachfolger von „Hardwarez“ aus dem Jahr 2024 wurde „Computer Metal“ per MIDI in Cubase komponiert, ein Computer ist das Hauptinstrument. Vittorio D’Amore erklärt den Kern seines neuesten Werks:

„Bei ‚Hardwarez‘ ging es um die Hardware; ‚Computer Metal‘ steht eher in Verbindung mit dem, was Computer in unserem Leben darstellen, und den Erinnerungen, die wir an sie haben. Dieses Album ist eine Art Kodex des Genres, da jeder Song einen anderen Metal-Stil zum Ausdruck bringt, dabei aber dennoch mit dem Computer entstanden ist.“

MASTER BOOT RECORD „Computer Metal“ Tracklist & Cover

01. Dot Matrix
02. Command Prompt
03. Plug And Play
04. Firmware
05. Socket 7
06. Boot Sector
07. Turbo Button
08. Voodoo2
09. Crt
10. Ctrl + Alt + Del

MASTER BOOT RECORD Line-up: 
Vittorio D’Amore – everything

ETJM Line-Up:
Joel Marco – Drums
Eimel Trejo – Guitar

ETJM „Cat Dance“ (Video bei YouTube)

Ein Pony und ein paar Hobbits besiegen den Faschismus: Mit „Onward“ erzählen LAMMOTH eine hoffnungsspendende Geschichte.

Wenig überraschend, dass „Onward“ kein finsteres, misanthropisches Black Metal-Album ist, sondern irgendwie cute rüberkommt. Das passt zu den Hobbits, das passt zum Pony und zur hoffnungsvollen Grundausrichtung. Spätestens jetzt sind sie alle weg, die grimmigen Black Metal-Puristen, aber der Rest kann eine Menge Tolles auf LAMMOTHs erstem Album entdecken. Leidenschaftliche Riffs, schnelle Blasts, Analog-Synthesizer, melancholische Momente zwischen Schwelgen und Epik, eingebettet in ein recht rohes Klangbild ergeben eine definitiv originelle Mischung und stellt einen großen Sprung dar, nach dem eher klassischen, mit Dungeon Synth gewürzten USBM, den LAMMOTH in der Vergangenheit spielten.

„Onward“ als cute zu bezeichnen ist sicher nicht verkehrt, aber das ist nur vordergründig wirklich korrekt. LAMMOTHs märchenhaftem Ansatz zum Trotz stecken in der Musik Kraft und Stärke. Das wird erst nach und nach deutlich, denn „Poor Old Half-Starved Pony“, dessen niedliche Keyboard-Melodie das Album einleitet, wird dann zu einem rasanten Song, der mit Verve und Leidenschaft die Hörer*innen überrollt. Im Weiteren Verlauf findet Robert Sanford auch genau hier seine Komfortzone: „To Free (Bill)“, „A Gardener“ und „Horsethieving“ sind ungebremste Post Black Metal-Songs mit wunderbaren Synthesizern und Screamo-Vocals, aber richtig gut klingen die etwas langsameren, zur Epik neigenden Songs wie „Farewell, Good Beast Of Burden“ und „The Road To Bree“, die das wunderschöne Cover perfekt vertonen.

LAMMOTH lassen sich nicht limitieren: „Onward“ ist ein deutlicher Schritt nach vorne für die US-Band.

Am Ende steht mit „A Final Parting“ dann aber der beeindruckendste Track, in dem LAMMOTH auf das Schlagzeug (oder den Drumcomputer) verzichten und dafür IDM-Beats einsetzen. Dieses Wagnis geht perfekt auf, gerade weil das etwas roh knarzende Drumkit die Achillesferse des Albums ist und zu oft unter den knarzigen Gitarren verschwimmt. Dass das wohl Absicht war, zeigt sich mit Blick auf die Debüt-EP „Tales Of Treachery“, die insgesamt wuchtiger klingt. Am Ende machen diese 40 Minuten Musik aber glücklich. Und gerade in dieser gespaltenen Welt, haben LAMMOTH eine Ode an die Freundschaft geschrieben, gepaart mit der Hoffnung, dass nicht nur Hobbits und Ponys, sondern auch die Menschen die düstersten Zeiten überstehen können.

Wertung: 7 von 9 Striegel

VÖ: 7. August 2026

Spielzeit: 38:17

Line-Up:
Robert Sanford – Vocals, Instruments

Label: Fiadh Productions

LAMMOTH „Onward“ Tracklist:

1. Poor Old Half-Starved Pony
2. To Be Free (Bill)
3. A Gardener
4. Farewell, Good Beast Of Burden
5. A Fox Passing Through The Woods On Business Of Their Own
6. The Road To Bree
7. We Were Born to Suffer
8. Horsethieving
9. A Final Parting

Mehr im Netz:

https://lammothofficial.bandcamp.com
https://www.instagram.com/lammoth.official/
https://bsky.app/profile/lammoth.bsky.social
https://ampwall.com/a/lammoth

„Dieses Album wäre vielleicht nie entstanden. In den letzten Jahren haben uns so viele Dinge beschäftigt: die Pandemie, Krieg, Spaltung, Angst, die Sorge vor der Technologie und das Gefühl, dass die Realität selbst immer düsterer und instabiler wird. Wir haben so viel Wut, Schmerz, Verwirrung und Enttäuschung empfunden – sowohl in uns selbst als auch in der Welt um uns herum. All diese Emotionen sammelten sich in uns an, veränderten sich, verdunkelten sich, suchten nach einer Form, bis sie sich schließlich auf „▽“ in etwas Unerwartetes verwandelten“, erklärt die Band.

Zuletzt erschien ein Video-Clip zu „Sverkay„.

Schon im Vorjahr hat die Band mit „Nebo“ eine erste Vorab-Single veröffentlicht. Obwohl der Song speziell für die russische Krimiserie „The Method“ geschrieben wurde, bot er einen ersten Einblick in das neunte Studioalbum der Band.

THEODOR BASTARD Line-Up:
Yana Veva — Vocals
Fedor Svolotch — Sound, Guitar, Electronics
Andy Vladych — Drums
Alexey Kalinovskiy — Keyboards
Kusas — Percussion
Vyacheslav Salikov — Cello
Ekaterina Dolmatova — Backing Vocals

THEODOR BASTARD „▽“ Tracklist

1. Molnii i Svist (00:48)
2. Vedma (4:24)
3. Nebo (4:33) (Audio bei YouTube)
4. Kaplya Rosi (2:46)
5. Zveroboy (6:16)
6. Dusha (4:33)
7. Ditya (5:42)
8. Ostavlyaem (3:45)
9. Sverkay (3:25) (Video bei YouTube)
10. Vremya (4:36)

Jason Köhnen beschreibt seine erste Begegnung mit dem Gemälde so:

„Ich glaube, ich bin diesem Bild zum ersten Mal Ende der 90er Jahre an der Kunsthochschule begegnet, als ich mich mit dem Goldenen Zeitalter der niederländischen Ölmalerei beschäftigte. Die Brutalität und der Hintergrund der Geschichte haben mich lange Zeit lang nicht losgelassen. Nicht nur, dass das Gemälde von einem Landsmann stammt. Die Geschichte handelt auch von der barbarischen Hinrichtung dieser beiden Brüder. Es ist zudem der einzige überlieferte Bericht über das öffentliche Verspeisen – ja, den Verzehr – von Politikern. Vielleicht eine Warnung für die Zukunft.  Es war Liebe auf den ersten Blick, oder eher Ekel und Faszination auf den ersten Blick.“

Das Album erscheint am 16. Oktober 2026, reinhören kann man in die erste Single „Si Quaeris“:

THE LOVECRAFT SEXTET – „Penance“ Tracklist

01. Si Quaeris (Audio bei YouTube)
02. Symbolom Apostolorum
03. Anima Christi
04. Requiem Aeternam
05. Confiteor
06. Te Deum

THE LOVECRAFT SEXTET aktuelles Line-up: 

Jason Köhnen – guitar, upright, drums, organ, vocals, electronics & all compositions
Colin Webster – saxophone
Lilian Tong – soprano

„Ich bin wirklich gespannt, wie die Leute darauf reagieren werden. Ich bin total begeistert von der neuen Single. Ich will mich nicht wiederholen, aber dieses Mal werden sich die Leute sicher fragen: ‚Was zum Teufel ist hier los?‘ Sebastian und ich haben den Song gemeinsam geschrieben, und mit dem Text halte ich euch meine Sicht auf die Welt und auf die letzten zehn Jahre direkt vor die Nase. Haltet euch fest und macht euch bereit zu lächeln.“

PAIN – Backstage Werk, München – 01.02.2025 – Konzertfotos

Tristan Shone, der Kopf  von AUTHOR & PUNISHER, erklärt die Gründe für die Dolu und holt aus zum Rundumschlag gegenüber manch anderen MusikerkollegInnen:

„Ich arbeite ziemlich hart daran, die beste Live-Performance mit elektronischen Musik zu gestalten. Ich habe jede Menge Misserfolge, Pannen, schlechte Auftritte, schlampige Lötarbeiten und vieles mehr erlebt – aber nicht mehr als jede andere Band, bei der mal ein Fell, eine Saite oder ein Mikrofonkabel kaputtgeht. All das gehört zur Live-Musik dazu. Ich finde es  ziemlich feige, nur Tracks abzuspielen und mitzusingen. Ich spüre mehr und mehr Abneigung gegenüber dem Trend, Stil über Substanz zu stellen … Ich respektiere das Können jedes Einzelnen, aber persönlich interessieren mich eure Kostüme und eure extreme Bühnenpräsenz, bei der ihr in der Menge herumrennt, nicht. Mich interessiert es mehr, ob ihr in der Lage seid, die Songs, die ihr geschrieben habt, live zu präsentieren – und dass diese Darbietung fesselnd und kraftvoll ist.

Wir sollten uns fragen: Was gewinnt und was verliert man durch solche riskikolosen Live-Performances? Wenn es jeden Abend perfekt und immer gleich ist, mit Playbacks und Auto-Tune (oder einer Variante davon), dann geht dabei etwas verloren. Ich liebe es, wenn Leute innerhalb der Grenzen arbeiten, die ihnen eine Live-Darbietung setzt … es mag Jahre dauern, bis es perfekt ist, aber zeigt uns, was ihr in über 100 Shows geübt und entwickelt habt, nicht das, was ihr letzte Woche aufgenommen und mit Kostümen und Make-up aufgepeppt habt.“

SYNTHETICA-X „Electric Resurrection“ (Video bei YouTube)

SYNTHETICA-X „Mission to Mars“ (Video bei YouTube)

Diesem Kredo folgt die Band seit vielen Jahren, hat sich jedoch erst seit der „Hypa Hypa“-EP (2020) während der Pandemie-Jahre bedingungslos dazu bekannt. Das Erfolgsrezept, das „Tekkno“ (2022) unverändert übernahm, wird folglich auch diesmal nicht großartig verändert. ELECTRIC CALLBOY setzen also 2026 weiterhin auf eingängige und knackig konzipierte Nummern, die allesamt um die Dreiminuten-Marke angesiedelt sind, um so etwas wie Überdruss gar nicht erst aufkommen zu lassen.

Aufrüttelnd und energiegeladen: Die Spielregeln behalten ELECTRIC CALLBOY auf „Tanzneid“ bei

Dementsprechend kauzig und lebensbejahend präsentiert sich das Songmaterial auf „Tanzneid“, das mit dem Titeltrack aufrüttelnd und energiegeladen beginnt, bevor es ohne Verschnaufpause in die unverschämt eingängige BABYMETAL-Kooperation „RATATATA“ übergeht. Die Spielregeln ihres Electronic Metalcore-Cocktails sind derweil erprobt: Nicht selten führt eine treibende und aggressive Strophe in eine sanfte Bridge, die wiederum den Weg für die aufputschende Hook ebnet. Ein Breakdown dazu und fertig ist der Party-Song.

Wobei wir freilich die Nuancen nicht außer Acht lassen sollten: „The Way You Are“ beginnt als kitschige Boyband-Nummer, bevor ELECTRIC CALLBOY die Blastbeat-Keule auspacken. Die Pointe mag die gleiche sein wie bei „Hurrikan“ auf dem Vorgängerwerk, doch hat man diesmal einen kompletten Song darum gestrickt. Das SUM 41-Cover „Still Waiting“ wird dank Synthesizern vom Pop-Punk- zum tanzbaren Electronic-Metal-Hit, nachdem zuvor die Eigenkomposition „Let The Good Times Roll” ihrerseits das Genre mit den eigenen Trademarks vermählt hatte. Der Kinderchor im zuckersüßen Refrain von „Revery“ wiederum fungiert als idealer Kontrast zu den aggressiven Strophen, die Shouter Kevin mit Biss und Elan füllt.

„Tanzneid“ fängt die Essenz ELECTRIC CALLBOYs perfekt ein

Zwar sind die ganz großen Hits, wie es „Elevator Operator“ einer ist, diesmal eher punktuell vertreten. Dafür ist das Gesamtwerk deutlich runder und konstanter: Selbst in der zweiten Reihe gibt es genug zu entdecken wie etwa die stampfenden Industrial-Anleihen von „Heartclub“, die ein schönes Gegengewicht zur erhebenden Hook darstellen.

Blenden wir die angehängten Remix-Versionen als Bonusdreingabe aus, ist „Tanzneid“ somit ein kompaktes Werk, das die Essenz ELECTRIC CALLBOYs auf den Punkt einfängt und gleichzeitig überaus geschmeidig arrangiert. Das sorgt zwar nicht für Innovationspreise, aber für verschwitzte Leiber, fliegende Gliedmaßen und breit grinsende Gesichter. Sofern man den inneren Schweinehund überwinden kann, versteht sich, der ja überhaupt erst für die titelgebende Wortneuschöpfung verantwortlich ist. „Just get loud“, rät Sänger Nico Sallach in diesem Fall in „The Savior” – kein Problem, wir müssen dafür nur den ratternden Kopf für ein paar Minuten ausschalten.

Veröffentlichungstermin: 07.08.2026

Spielzeit: 44:24

Line-Up

Kevin Ratajczak – Vocals, Keys
Nico Sallach – Vocals
Daniel Haniß – Gitarre
Pascal Schillo – Gitarre
Daniel Klossek – Bass
Frank Zummo – Drums

Produziert von ELECTRIC CALLBOY

Label: Century Media

Homepage: https://www.electriccallboy.com/
Facebook: https://www.facebook.com/electriccallboy
Instagram: https://www.instagram.com/electriccallboy
Bandcamp: https://centurymedia.bandcamp.com/album/tanzneid-24-bit-hd-audio

ELECTRIC CALLBOY “Tanzneid” Tracklist

1. TANZNEID (Video bei YouTube)
2. RATATATA (feat. BABYMETAL) (Video bei YouTube)
3. Hypercharged (Video bei YouTube)
4. Let The Good Times Roll (feat. Dexter Holland) (Video bei YouTube)
5. Elevator Operator (Video bei YouTube)
6. Heartclub
7. The Way You Are (Video bei YouTube)
8. Still Waiting (Video bei YouTube)
9. The Savior
10. Revery
11. We Got The Moves (Sullivan King Remix)
12. Tanzneid (Paolo Ferrara Remix)
13. Hypercharged (Paul Elstak Remix)
14. Revery (Sullivan King Remix)

In einem ausführlichen Statement auf Instagramm nennt die Band unter anderem Erschöpfung, Gesundheitsprobleme und finanzielle Einbußen als Gründe für den Rückzug. Gleichzeitig sind ANCST „nicht weg. Nur langsamer“.

Der September wird wahrscheinlich unsere letzte Tournee für eine gewisse Zeit sein.
Im kommenden Jahr planen wir keine  Tourneen geplant, und ich werde einige Konzerte absagen, die bereits geplant waren.
Ich brauche eine Pause.

Nach 16 Jahren in diesem Geschäft bin ich erschöpft.
Meine psychische Gesundheit hat gelitten, mein Körper ist müde. Und: In den vergangenen neun Monaten musste ich fast jeden unserer Auftritte, aus eigener Tasche bezahlen.
Selbst mit den Merchandise-Einnahmen kosten mich manche Abende mittlerweile so viel, wie andere Leute für ein großes Stadionkonzert ausgeben – nur für das Privileg, aufzutreten. Das kann und will ich einfach nicht mehr mitmachen.

Auch der Shop hat einen schweren Rückschlag erlitten. Wegen der neuen EU-Verpackungs- und Recyclingvorschriften, die im August in Kraft getreten sind, musste ich ihn vorerst schließen.
Ich werde den Versand innerhalb Deutschlands wahrscheinlich nach der Tour wieder aufnehmen. Versand in den Rest der EU ist für mich derzeit unmöglich – ähnlich wie es bereits beim Versand in die USA der Fall ist.
Ein kleines DIY-Projekt kann zu viel Bürokratie und zusätzliche Kosten nicht verkraften.

Das ist nicht das Ende von ANCST, und ich höre nicht mit der Musik auf.
Ich werde weiterhin Platten, Kassetten und kleinere Veröffentlichungen produzieren – wahrscheinlich eher so, wie ich es am Anfang gemacht habe.
Ich werde weiterhin Konzerte geben, aber nur selektiv: an Orten und für Menschen, die ich wirklich unterstützen möchte. Oder bei Konzerten, die ich einfach unbedingt spielen möchte – auch wenn ich weiß, dass ich dabei vielleicht Geld verliere. Statt 50 Konzerten im Jahr werden es nur noch eine Handvoll sein.

Es war eine tolle Zeit.
16 Jahre, unzählige Veröffentlichungen, Tourneen, Konzerte, Orte und Menschen – ich hätte nie gedacht, dass dieses Projekt so weit kommen würde.
Ich bin dankbar für all das.
Aber ich kann diesen Pace nicht mehr aufrechterhalten, weder finanziell noch persönlich.
Deshalb wird ANCST ab September deutlich an Tempo verlieren.

Nicht weg. Nur langsamer.

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein von @ancstcollective geteilter Beitrag

ANCST TOUR 2026

05.09. — Berlin, Neue Zukunft
06.09. — Leipzig, Bermudadreieck (PM for address)
07.09. — Weimar, Gerber
08.09. — Kassel, Goldgrube
09.09. — Munich, Café Marat
10.09. — Zurich, Werk 21
11.09. — Trier, Villa Wuller
12.09. — Limburg, Kakadu

Wobei, weit abseits vom Metal stehen HOLISSSTIK nicht. Aber von vorne. „Chapter 1: This Endless Solitude“ ist kein Alleingang von Tor-Helge Skei, ganz sicher nicht. Zwar ist er als Komponist und Produzent Dreh- und Angelpunkt des Projektes, zwar ist HOLISSSTIK sein Projekt, aber „Chapter 1: This Endless Solitude“ ist gespickt mit vielen Kollaborateuren. Eine holistische Erfahrung ist das Debütalbum dieses Projekts aber dennoch: Die Atmosphäre hält die acht Songs zusammen, egal ob es jetzt Synthwave, Doomgaze, oder was auch immer ist, das man hier hören kann. Und es ist noch viel mehr, denn HOLISSSTIK arbeiten hier bewusst ohne Grenzen. Metal-Drumming ist ebenso Teil des Ganzen wie französischer Rap, den MANES schon auf „How The World Came To An End“ verwendet haben.

„Chapter 1: This Endless Solitude“ speist seine Energie aus vielen Genres und den zahlreichen Kollaborateuren, die unter HOLISSSTIK versammelt sind.

Das schwermütige „The Rhythm Of Silence“ macht es dabei nicht unbedingt einfach, in das Album zu finden. Sieben Minuten im getragenen Tempo, karge Gitarren und der schmerzliche Gesang von Martyna Halas lässt HOLISSSTIKs Debüt doomiger als erwartet beginnen und dessen Rap-Part eine Steigerung darstellt, und keinen Kontrast. Ein gelungener Song, der allerdings erst auf das zweite oder dritte Hören richtig zündet. Richtig unter die Haut geht dafür „My Salvation“, das treibendes Drumming mit den Synthesizern zu einer dystopischen Atmosphäre verschmilzt. In diesem Soundlabyrinth passiert viel und dennoch bleibt das Stück catchy. So oszilliert das Album zwischen einsamer Schwermut und nervöser Zukunftsangst, balanciert dabei die Atmosphäre immer etwas anders aus.

Diese Spannung kann auch innerhalb der Songs entstehen, wie bei „Obsession Six“, das einen sehr hypnotischen Flow hat. Sehr berührend ist auch das äußerst atmosphärische „Would You Take This Heart“, das eine ähnliche Magie besitzt wie ULVER auf den EPs der 2000er, nur mit mehr Gitarren im Background. Als Unterstützung für Tor-Helge Skei sind auf „Chapter 1: This Endless Solitude“ stets die passenden Gäste verfügbar. Mit Anna Murphy (CELLAR DARLING), Martia Hellem, Martyna Hallas und Rune Folgerø sind starke Stimmen zu hören, clevere Synthesizer kommen von Kristoffer Oustad und Stig Waltoft, während die Gitarren von Christophe Denhez, Eivind Fjøseide relativ unspektakulär klingen. Das Drumming von Tor-Arne Helgesen ist hingegen sehr clever und originell eingesetzt.

HOLISSSTIK lösen Grenzen auf und erschaffen auf „Chapter 1: This Endless Solitude“ ein über weite Strecken sehr kohärentes Gesamtbild.

„Chapter 1: This Endless Solitude“ zeigt häufig, wie die Grenzen zwischen elektronischer Musik und Rock aufgelöst werden können. Das Besondere dabei ist, dass HOLISSSTIK, ganz dem Namen entsprechend, die Elemente gleichberechtigt nebeneinander stehen lassen und keine Kontraste entstehen lassen, wo eigentlich Kontraste sein müssten. Und so etwas schafft nur ein richtig guter Songwriter. Aber: MANES haben die besseren Songs. Ein Stück wie „Reoccuring Dreams“ klingt etwas träge, „Projections“ fragmentiert. Vermutlich ist das der Preis, den HOLISSSTIK dafür bezahlen, keinen Bandcharakter wie MANES zu besitzen. Ein Quasi-Nachfolger zu „Slow Motion Death Sequence“ ist „Chapter 1: This Endless Solitude“ also nicht, funktioniert aber sehr gut als Überbrückung zum hoffentlich bald kommenden Album von Skeis Hauptband.

Tor-Helge Skei weiß, wo die Grenzen liegen, was zusammenpasst und was zu viel ist. Auf diese Weise entsteht ein berührender, intensiver Song wie das abschließende „This Endless Solitude“, das klingt wie das sanfte Erwachen aus einem düsteren Traum, perfekt verdeutlicht durch das Artwork. So ist HOLISSSTIK letzten Endes doch praktisch veranlagt, während MAMMAL eben gut als Buch-Band funktionieren. Aber ich würde lügen, wenn MANES nicht ein paar Spuren in meinem Roman hinterlassen hätten. Wie dem auch sei: Tor-Helge Skeis Erfahrung mit seinen zahlreichen Projekten und Alben fließt hier sehr gut ein. „Chapter 1: This Endless Solitude“ mag nicht das beste Album sein, an dem er mitgewirkt hat, aber es legt den Samen für weitere, grenzenlose Erfahrungen, die wir mit Spannung erwarten dürfen.

Wertung: 6 von 8 Koalitionen

VÖ: 14. August 2026

Spielzeit: 46:02

Lineup:
Tor-Helge Skei

Guest Musicians:
Anna Murphy – Vocals on „Obsession Six“
Christophe Denhez – Guitars on „The Rhythm of Silence“, Guitars, vocals and lyrics on „Behind Me“
Eivind Fjøseide – Guitars on all songs except „Projections“
Gabriel Trentini – Vocals and lyrics on „Obsession Six“
Kristoffer Oustad – Synth on „The Rhythm of Silence“, „Projections“, „Reoccuring Dreams“, „This Endless Solitude“
Tor-Arne Helgesen – Drums on all songs except „Behind Me“ and „This Endless Solitude“
Marita Hellem – Vocals on „The Rhythm of Silence“ and „This Endless Solitude“
Martyna Halas – Vocals and lyrics on „The Rhythm of Silence“, „My Salvation“, „Would You Take This Heart“ and „This Endless Solitude“
Nik Košar – Vocals and lyrics on „Projections“ and „Reoccuring Dreams“
Pierre Ripka – Vocals and lyrics on „The Rhythm of Silence“
Paritta Monks – Chanting on „Would You Take This Heart“
Rune Folgerø – Vocals on „This Endless Solitude“
Rune Hoemsnes – Drums on „Behind Me“
Stig Waltoft – Synth and sounds on „Would You Take This Heart“
Tom Engelsøy – Vocals on „Obsession Six“
Torstein Parelius – Bass on „Behind Me“ and „This Endless Solitude“, lyrics on „This Endless Solitude“
Trond Johansen – Guitars on „Would You Take This Heart“

Label: Season Of Mist

HOLISSSTIK „Chapter 1: This Endless Solitude“ Tracklist:

1. The Rhythm of Silence (Official Video bei Youtube)
2. My Salvation
3. Projections
4. Obsession Six
5. Reoccuring Dreams (Official Audio bei Youtube) 
6. Would You Take This Heart (Official Audio bei Youtube) 
7. Behind Me
8. This Endless Solitude

HOLISSSTIK „Chapter 1: This Endless Solitude“ Full Album Stream bei Youtube

Mehr im Netz:

https://www.holissstik.com/
https://holissstik.bandcamp.com/
https://www.facebook.com/holissstik
https://www.instagram.com/holissstik/
https://www.youtube.com/@holissstik

Reinhören kann man in die erste Single “Paleomagnetic Resonance”:

„Das Besondere an einem Album wie diesem ist, dass man es weder einem Genre noch einer bestimmten Epoche zuordnen kann“, erklärt Lustmord. „Stammt es aus dem letzten Jahr? Ist es schon zehn Jahre alt, zwanzig Jahren oder kommt es aus der Zukunft? Wir wollten etwas schaffen, das seinen eigenen Sound hat, ohne auf irgendeine musikalische Sprache oder Geschichte zurückzugreifen, die man kennt. Es reicht viel, viel weiter zurück. Das ist der Klang sterbender Planeten oder geborener Sterne. Es geht um das große Ganze. Es ist der Klang der Geburt des Universums und des Todes des Universums; es ist kein Rock ’n’ Roll.“

Die beiden Musiker lernten sich hinter der Bühne bei einem FANTÔMAS-Konzert kennen, vorgestellt von ihrem gemeinsamen Freund BUZZ OSBORNE, etwa zu der Zeit, als LUSTMORD und die MELVINS ihr gemeinsames Album veröffentlichten. Fast zwei Jahrzehnte später taten sich Lombardo und Lustmord als „LUSTMORD LOMBARDO“ zusammen.

LUSTMORD LOMBARDO „The Pulse of Atoms“ Tracklist & Cover

1. An Eternal Presence Part I: Unknown
2. An Eternal Presence Part II: Relentless
3. Paleomagnetic Resonance (Video bei YouTube)
4. Beyond The Vast Cold Waste
5. The Desolate Shore Part I: Submergence
6. The Desolate Shore Part II: Emergence
7. The Abyssal Deep

AESTHETIC PERFECTION „We Bring the Beat“ (Video bei YouTube)

AESTHETIC PERFECTION „Villain Era“ (Video bei YouTube)

Entnommen sind die Stücke dem Album „Anemoia“, das am 30. Oktober 2026 erscheinen wird. Mix und Mastering der Tracks übernahm Buster Odeholm. „Anemoia“ folgt auf die EP „Mirror’s Edge“ (2024).

NORTHLANE „Anemoia“ Tracklist

1. Pierce The Sky
2. NEED2FEEL
3. Crucified
4. Deathwish
5. Evian (Video bei YouTube)
6. CUT_it (Video bei YouTube)
7. S∈GA
8. The Otherside
9. Start Again
10. Anemoia (feat. Dayseeker)

NORTHLANE „Anemoia“ Artwork

MAGNETAR Line-Up:
Juha Tretjakov – Vocals
Panu Lehtoniemi – Guitar, keyboards, bass & drum programming

MAGNETAR „The Fading“ (Audio bei Bandcamp)

„Chapter 1: This Endless Solitude“, das am 14. August 2026 via Season of Mist erscheinen wird, wurde von Tor-Helge Skei gemixt und von Knut V. Prytz gemastert. Das Cover-Artwork stammt von Adrien Bousson. Vorab gibt es zum Opener „The Rhythm of Silence“ einen Video-Clip. Als Gast-Sänger performen bei diesem Song Martyna Halas (RAGE OF LIGHT), Rapper Pierre „K-Rip“ Ripka und Marita Hellem (MARTYRA).

HOLISSSTIK „Chapter 1: This Endless Solitude“ Tracklist

1. The Rhythm of Silence (7:06) (Video bei YouTube)
2. My Salvation (5:27)
3. Projections (3:20)
4. Obsession Six (6:26)
5. Reoccuring Dreams (6:31) (Audio bei YouTube)
6. Would You Take This Heart (5:50) (Audio bei YouTube)
7. Behind Me (4:48)
8. This Endless Solitude (6:34)

EYE „Open Sea“ (Audio bei YouTube)

Zuletzt gab es außerdem ein Video zu „Hypercharged„. Dabei handelt es sich um einen Song für das Mobile-Game „Brawl Stars“.

Weitere Details zum Nachfolger von „Tekkno“ (2022) sollen in Kürze folgen.

Für Anfang 2027 ist außerdem eine Tournee geplant (Termine s. unten).

ELECTRIC CALLBOY „Tanzneid“ Artwork

ELECTRIC CALLBOY Tourdaten 2027

• 21.01.2027 IE-Dublin, 3Arena
• 23.01.2027 UK-Manchester, Co-op Live
• 24.01.2027 UK-Nottingham, Motorpoint Arena
• 26.01.2027 UK-Bournemouth, International Centre
• 27.01.2027 UK-Cardiff, Utilitia Arena
• 29.01.2027 FR-Toulouse, Zénith Toulouse Métropole
• 30.01.2027 FR-Bordeaux, Arkéa Arena
• 31.01.2027 FR-Nantes, Zénith Nantes Métropole
• 15.02.2027 FR-Paris, Accor Arena
• 16.02.2027 BE-Brussels, Forest National
• 18.02.2027 DE-Hannover, ZAG Arena
• 20.02.2027 DE-Mannheim, SAP Arena
• 22.02.2027 IT-Milan, Unipol Forum
• 24.02.2027 CZ-Prague, O2 arena (NEW SHOW)
• 27.02.2027 DE-Dortmund, WESTFALENHALLE DORTMUND
• 28.02.2027 DE-Nürnberg, PSD Bank Nürnberg Arena
• 02.03.2027 DE-Leipzig, QUARTERBACK Immobilien ARENA

Der Song ist vom aktuellen ULVER-Album „Liminal Animals„, das 2024 erschienen ist.

Bereits vor einiger Zeit teilten ULVER ein Remake des Songs von der Künstlerin GAZELLE TWIN (Elizabeth Bernholz)

„Sacraal“ ist stilistisch heterogen und dennoch sehr kohärent: ISKANDR liegen anno 2026 zwischen Neofolk und Ambient.

Tatsächlich, „Sacraal“ zeigt ISKANDR so introspektiv und leise, wie nichts, das dieses Projekt zuvor veröffentlicht hat. Mal ist das „nur“ gut geworden, und mal geht es ganz, ganz tief. „Bevreemdend Klaroengeschal“ beginnt noch als Neofolk-Song, unauffällig, aber stimmig und das Album solide eröffnend. Direkt danach beginnt aber die wirkliche Magie. „Verdronken Vlinder“ besteht im Prinzip nur aus einem flächigen Synthesizer, ein paar subtilen Streichern und liturgisch anmutenden Gesängen. ISKANDR kommen hier in der absoluten Reduktion an und erreichen das Maximum. Ab diesem Moment liegen ISKANDR irgendwo zwischen DEAD CAN DANCE und CURRENT 93, aber so richtig wollen sie sich nicht fassen lassen. Sensationell schön. Diese Magie kann glücklicherweise wiederholt werden: „Melk en Honing“ geht in eine ganz ähnliche, erneut berührende Richtung.

Jeder der sieben Songs klingt anders, und doch schafft es O. Iskandr, das Album kohärent zu halten. „Zonsonderkomst“ ist mit knapp zwölf Minuten der einzig wirklich lange Song auf „Sacraal“, ein Ambient-Stück mit obskurem Sprechgesang, Trompeten, Synthesizern und hypnotischen LoFi-Beats gegen Ende, ein fast halluzinogener Song. Auch „Pilaren van de Zuivere Blik“ ist sehr getragen und voll feierlichem Ernst, mit wieder anderer Instrumentierung: mit Kontrabass und Klavier und später mit überraschender Heaviness. Die fast schon schüchterne Stimme wirkt dazu sehr feierlich. Dass ISKANDR dann mit sehr leisen Klavierstück „Glinster“ und dem wieder mehr rhythmischen, von Sitar getragenem „Bewegingen in het Afkoelende Zand“, das verzerrte Beats und eine entweltlichte Atmosphäre vereint, erzeugt ein Gefühl, als würde man zur Septemberequinox unter dem Sternenhimme liegen. So endet „Sacraal“ sehr subtil, vielleicht etwas zu subtil.

ISKANDR können sowohl leise und introspektiv, als auch rituell und hypnotisch: „Sacraal“ funktioniert in all seinen Facetten.

ISKANDR zeigen auf ihrem fünften Album eine große Bandbreite zwischen akustischer und elektronischer Musik. Stets organisch und bei allem Abwechslungsreichtum sehr geschlossen präsentiert sich „Sacraal“, das trotz aller ritualistischen und zeremoniellen Herangehensweise nicht aufgeblasen klingt, sondern die meiste Zeit intim und persönlich bleibt. Damit ist ISKANDR ein subtiles und leises, aber nicht zu leises Album gelungen, das immer wieder von magischen Momenten durchtränkt ist. Vielleicht ist „Sacraal“ nicht das aufregendste und mitreißendste, das ISKANDR bisher gemacht haben, aber es ist ein Slow-Burner und entfaltet seine Kraft in den richtigen Momenten umso nachhaltiger.

Wertung: 5 von 7 Gottesdienste

VÖ: 26. Juni 2026

Spielzeit: 40:36

Line-Up:
O. Iskandr

Label: Eisenwald

ISKANDR „Sacraal“ Tracklist:

1. Bevreemdend Klaroengeschal
2. Verdronken Vlinder (Official Audio bei Youtube) 
3. Zonsonderkomst (Official Audio bei Youtube) 
4. Pilaren van de Zuivere Blik
5. Melk en Honing
6. Glinster
7. Bewegingen in het Afkoelende Zand

ISKANDR „Sacraal“ Full Album Stream bei Youtube 

Mehr im Netz:

https://iskandr.bandcamp.com/
https://haeresisnoviomagi.com/iskandr
https://www.instagram.com/omariskandr/

Zuvor teilte die Band Clip szu  „Low Slam Low“ und „AWOL„.

DISFIGURING THE GODDESS „Bloom“ Tracklist

Samba of the Faceless
Echoes Fade, I Remain
Deathcore Song
AWOL (Video bei YouTube)
Mask Off (feat J Figure)
Sweet Dreams (feat Four Stroke Baron)
Low Slam Low (Video bei YouTube)
Goddess Box (feat Bodybox)
Deep Sway
Permission to be Claimed
Kiss the Dice (Video bei YouTube)
Black Widow Spider
Dapper (feat Four Stroke Baron)
Pleasure Island
Old Man’s Bones
Lose the Head
Penance

OMNIMAR „So Cold“ (Video bei YouTube)

OMNIMAR „FVCK AI“ (Video bei YouTube)

OMNIMAR „Wet“ (Video bei YouTube)

OMNIMAR „Living a Dream“ (Video bei YouTube)

BACHT´N DE VULLE MOANE Line-Up:
Aloise-Ann „A.A.K.“ Keihin – Everything
Stijn „Scum“ Vermeersch – Everything

BACHT´N DE VULLE MOANE „Verdwazing der Dwazen“ Tracklist

1. Dor
2. Hellegat
3. Verdwazing Der Dwazen – Min Erte Bloedt (Audio bei Bandcamp)
4. Het Is Nooit Stil
5. Op Het Einde Van De Boog
6. Angstenzuur (Ten Oorlog Tegen De Wereld)

„The Strife Of Love In A Dream“ wählte mit dunklerer Herangehensweise, Industrial-Ästhetik, Space-Psychedelia der Achtziger und einer überraschenden Heaviness eine andere Gangart, vielleicht auch im Angesicht der aufkommenden Synthwave-Welle. Die beiden Protagonisten, Instrumentalist Steve Moore (ZOMBI) und Sänger Daniel O’Sullivan (ex-MOTHLITE, ex-ULVER) zeigten sich da deutlich schwerer verdaulich, und nun, ganze acht Jahre später ist MIRACLEs drittes Album so etwas wie das Bindeglied zwischen der stampfenden, dunklen Schwere des Vorgängers und dem brillanten Songwriting, das sich schon in einigen der frühen Songs gezeigt hat. Dabei startet das Duo sehr offensiv: „Ambrosia“ ist eines der Stücke, die mit stampfenden Beats (denke nur ich an KRAFTWERK?), einer gewissen Düsternis, eklektischen Synthesizern, aber auch dem bekannten ZOMBI-Bass, Gitarren und einem beschwörend singendem Daniel O’Sullivan eine Menge zu entdecken haben.

Steve Moores Synthesizer und Daniel O’Sullivans beschwörender Gesang als Basis von MIRACLE erzeugen die große Bandbreite von „The Living Likeness Of My Electric Daemon“.

„Ambrosia“ mag ein schwerverdaulicher Start sein, aber MIRACLE schaffen es in der Folge sehr gut, zwischen diese Songs atmosphärische, schöne Stücke einzubauen. Die Singles „Fluid Window“ und „Eternalize“, sowie das abschließende „Cities Of The Interior“ fokussieren sich auf die spacige Seite der Band, und gerade hier berühren sie immer wieder sehr, auch wenn wie im letztgenannten Song das Gitarrensolo durchaus cheesy ist. An Cheesiness kaum zu überbieten ist dann „Time Is The Fire“, das mit einem ganz offensiven Synthesizer und Chorus beginnt und irgendwie an „The Final Countdown“ erinnert. Ganz klar der geilste Song auf „The Living Likeness Of My Electric Daemon“. Besser sind MIRACLE nur dann, wenn sie Power, Atmosphäre und verboten gute Eingängigkeit verbinden. Dann entstehen Songs mit einem deutlichen Spannungsfeld, wie „Consolamentum Day“, „The Charnel Pit“, „The Eye“ und „The Cross“ mit seiner perfekt ausbalancierten dynamischen Steigerung.

Ironischerweise ist nur die erste Single „PVC Vest“ nicht auf demselben Level wie die restlichen neun Songs, da hätte es bessere, packendere Kandidaten gegeben. Vielleicht versuchen RELAPSE ihr Stammpublikum mit einem wuchtigeren Vorabsong zu ködern. MIRACLE zeigen sich auf „The Living Likeness Of My Electric Daemon“ gleichzeitig experimentierfreudig, wie auch auf der Suche nach verboten guten Hooks. Dass das wirkt, als wäre es die einfachste Übung der Welt, zeigt, was für gute Musiker und Songwriter Steve Moore und Daniel O’Sullivan sind. Die gewaltige Bandbreite an Synthesizern, an Beats, die weiteren eingestreuten Instrumente, O’Sullivans Gesang, der mal cool und mal sehr emotional ist, das alles erzeugt viel Raum, um richtig gute Musik zu entdecken. Schade nur, dass auf diesem Album A.E. Paterra nicht den ein oder anderen Drum-Cameo-Auftritt hat.

Das klare Bekenntnis zur Cheesiness ist MIRACLEs große Stärke: „The Living Likeness Of My Electric Daemon“ hat einige echte WTF-Momente.

MIRACLEs drittes Album „The Living Likeness Of My Electric Daemon“ zählt zu den vielen Überraschungen des Jahres 2026, auch mit dieser Rückkehr war nicht zwingend zu rechnen, Steve Moore und Daniel O’Sullivan zeigen sich aber spielfreudig und kreativ wie nie zuvor, auch wenn dadurch dem Album ein wenig die klare Linie fehlt. Sei es drum, mindestens die Hälfte der zehn Songs sind knallharte Hits, mit denen MIRACLE zwar vermutlich nur in einem gerechten Universum in den Clubs gespielt werden, aber inmitten der abklingenden Synthwave-Welle sind sie eben – und das ist ein Kompliment – zu nischig. Hatten wir eingangs von Blasphemie geschrieben? Bitte das aus den Köpfen streichen. „The Living Likeness Of My Electric Daemon“ ist himmlisch.

Wertung: 8 von 10 Ikonen

VÖ: 26. Juni 2026

Spielzeit: 48:30

Line-Up:
Daniel O’Sullivan
Steve Moore

Label: Relapse Records

MIRACLE „The Living Likeness Of My Electric Daemon“ Tracklist:

1. Ambrosia
2. Consolamentum Day
3. Fluid Window (Official Video bei Youtube) 
4. PVC Vest (Official Audio bei Bandcamp)
5. Eternalize (Official Audio bei Youtube) 
6. The Charnel Pit
7. Time Is The Fire
8. The Eye
9. The Cross
10. Cities Of The Interior

Mehr im Netz:

https://miracle.bandcamp.com/
https://www.facebook.com/miraclerising/

Fünf Jahre nach dem Reunionalbum ist die Band zum Quintett gewachsen, und „Signal Fire“ hat den vollsten Klang aller bisherigen GENGHIS TRON-Alben. Dass mit Kenny Szymanski nun ein Bassist mit an Bord ist, lässt den Sound zwischen Synth Rock und Mathcore so voluminös werden, wie nie zuvor. Der erhöhte Härtegrad tut „Signal Fire“ gut, auch wenn die sich aufgestaute Spannung mittels großer, erlösender Ausbrüche öfter hätte entladen dürfen. Andererseits passt diese Nervosität sehr gut zum Konzept der permanenten Bedrohung, derer der Menschheit ausgesetzt ist. Und doch: „Tomorrow Mirage“ hat so eine Klimax, die ebenso wirkungsvoll ist, wie der eklektisch-ekektronische zweite Teil des Songs.

GENGHIS TRON erzeugen eine beunruhigende, nervöse Atmosphäre auf „Signal Fire“, die fast körperlich spürbar wird.

Doch von vorn. „Signal Fire“ passt mit seinem bitteren Postmodernismus passgenau zwischen die aktuellen Alben von CONVERGE einerseits und BOARDS OF CANADA andererseits und zeigt, dass GENGHIS TRON mit ihrer Ausrichtung und ihrem Mindset nach wie vor am Puls der Zeit liegen. „Signal Fire“ schafft den Spagat zwischen Chaos und Melancholie, zwischen Eingängigkeit und meditativer Ruhe in den Interludes. „I Am All“ pulst ganz am Anfang in das Album hinein, mit nervösen Synthesizern und infektiösen Beats. Hier zeigt sich, dass sowohl das energetische Drumming von Nick Yacyshyn als auch die Beats maßgeblich für den Gesamteindruck sind.

GENGHIS TRON verbinden chaotischen Hardcore mit Industrial und IDM sinnvoll, es bleibt aber deutlich, dass ihre DNA klar die einer Rockband ist, Hamilton Jordans cleverer Riffs sei Dank. Sänger Tony Wolski, der auf „Dream Weapon“ rein seine Cleanstimme verwendete, entpuppt sich als facettenreicher Sänger, der auch kraftvolle Screams beherrscht. Ein Song wie „Born Prey“ mit brutalem Beginn und sehr melancholisch-harmonischem Finale wäre auf „Dream Weapon“ undenkbar gewesen und katapultiert die Band eher wieder zurück in Richtung „Board Up The House“.

„Signal Fire“ spielt mit den Erwartungen der Hörer*innen: GENGHIS TRON spiegeln so den Zustand der Welt.

„Signal Fire“ klingt unberechenbar und ist häufig ein Spiel mit den Erwartungen der Hörer*innen: So wie „Born Prey“ Boshaftigkeit vortäuscht, hinter der eine tiefe Traurigkeit liegt, wähnt man sich beim eingängigen Intro von „A Love So Pure“ in Sicherheit, bevor das Chaos losbricht. Das vergleichsweise sanfte „Future Worship“, das einem Indiehit dank des großartigen Chorus noch am nächsten kommt, ist damit die Ausnahme auf dem vierten Album der Band. GENGHIS TRON untermalen mit solchen Songs das Textkonzept: Realitätsverzerrung, alternative Wahrheiten und Fakten. Dieser Kunstgriff macht „Signal Fire“ zu dem Album, als eigentlich nach „Board Up The House“ hätten kommen sollen. Eine erwachsene, verbitterte Variante eines Sounds, er schon immer sehr dystopisch war.

Der beste Beweis dafür ist das abschließende „New Gods“: Ein epischer Schlusspunkt wird angetäuscht, dann nimmt das Stück eine Abzweigung in eine brachiale Industrial-Richtung und endet sehr abrupt. So wie Altman, Musk und Thiel eine schöne neue Welt versprechen mögen, aber diese eigentlich brennen sehen wollen. Das ist das bittere Fazit von „Signal Fire“: Die Menschheit, der Autor eingeschlossen, lässt sich einlullen mit KI generierten lustigen Bildern, Same-Day-Deliveries, endlosem Serienbingen, outgesourctem Denken und Apps zur Selbstoptimierung, aber jede dieser Handlungen zählt die Zivilisation etwas mehr an. Das „Signal Fire“ leuchtet grellrot, und GENGHIS TRON warnen überdeutlich vor der ach so schönen neuen Welt. Ein intensives Album für interessante Zeiten.

Wertung: 8,5 von 10 Doomsday Clocks

VÖ: 12. Juni 2026

Spielzeit: 43:26

Line-Up:
Tony Wolski – Gesang
Michael Sochynsky – Synthesizer
Hamilton Jordan – Gitarre
Nick Yacyshyn – Drums
Kenny Szymanski – Bass

Label: Relapse Records

GENGHIS TRON „Signal Fire“ Tracklist:

1. I Am All (Video bei YouTube) 
2. Signal Fire
3. Future Worship
4. Like Fotocrom
5. Tomorrow Mirage
6. Nothing Blooms In The Hollow (Video bei YouTube) 
7. Without Form
8. Born Prey (Vizualizer bei YouTube) 
9. A Love So Pure
10. New Gods

Mehr im Netz:

https://genghistron.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/genghis.tron/

Veröffentlicht wird „All Gates Open“ am 5. Juni 2026 via Century Media. Neben einer Vinyl-Ausgabe wird der Release auch digital sowie als CD+BluRay-Kombo inklusive Dokumentarfilm erhältlich sein.

Zum Track „Dawn“ haben BLOOD INCANTATION ein Video veröffentlicht:

„All Gates Open: In Search of Absolute Elsewhere“ kommt in die Kinos 

Der Dokumentarfilm wird auch in einigen Kinos gezeigt. In Deutschland kann man ihn in Düsseldorf, München, Berlin und Hamburg sehen, in Österreich läuft er in einem Wiener Kino. Karten kann man hier vorbestellen.

29.05.26 – UK – London @ The Social
01.06.26 – DE – Dusseldorf @ Atelier
01.06.26 – DE – Munich @ Astor
01.06.26 – DK – Copenhagen @ Empire Bio
03.06.26 – AT – Vienna @ Megaplex
03.06.26 – DE – Berlin @ Moviemento
03.06.26 – FR – Paris @ L’Archipel
03.06.26 – PL – Gdańsk @ Mystic Festival
04.06.26 – FI – Helsinki @ Teatteri Union
05.06.26 – NL – Amsterdam @ Melkweg
10.06.26 – DE – Hamburg @ Zeise
Early June (TBC) – GR – Athens @ Nea Maskot

Trailer zu „All Gates Open: In Search of Absolute Elsewhere“

BLOOD INCANTATION „All Gates Open“ Tracklist

1. Balance
2. Flight
3. Dawn (Video bei YouTube)
4. Rain

Blu-ray:

1. All Gates Open: In Search of Absolute Elsewhere (Documentary)
2. Obliquity of the Ecliptic (Official Video)
3. Luminescent Bridge (Official Video)
4. The Stargate (Official Video)

„‚Signal Fire‘ entwirft eine Dystopie endloser Stellvertreterkriege, die auch vom Spielentwickler Kojima stammen könnte: Die Flut an Informationen überfordert die menschliche Fähigkeit, diese zu verarbeiten. Eine Welt, in der diejenigen, die amoralisch, schamlos und gerissen genug sind, die Realität buchstäblich nach Belieben durch bloße Beharrlichkeit umgestalten können. Wahrscheinlich spreche ich von den Zuständen wie sie Ende 2027 sein werden… “

Mit „Nothing Blooms in the Hollow“ teilt die Band nun den dritten Vorab-Song:

Im Mai stellte die Band mit „Born Prey“ einen weiteren Song von „Signal Fire“ vor:

Zur ersten Single gibt es seit April ein Video:

„Signal Fire“, das vierte Album der Band, erscheint am 12. Juni 2026 via Relapse Records.

Zur aktuellen Besetzung der Band gehören:

• Tony Wolski (THE ARMED)  – Gesang
• Michael Sochynsky – Gitarre
• Hamilton Jordan – Gitarre
• Nick Yacyshyn (SUMAC) – Drums
• Kenny Szymanski (THE ARMED) – Bass

GENGHIS TRON „Signal Fire“ Tracklist & Cover

1. I Am All (Video bei YouTube)
2. Signal Fire
3. Future Worship
4. Like Fotocrom
5. Tomorrow Mirage
6. Nothing Blooms in the Hollow (Video bei YouTube)
7. Without Form
8. Born Prey (Video bei YouTube)
9. A Love So Pure
10. New Gods

„Peace By Proxy“ klingt wie REMINA und LIGHT FIELD REVERIE ohne das Metal-Grundgerüst: Es ist zu jeder Sekunde erkennbar, dass Heike Langhans hinter LOR3L3I steckt, und doch ist es eine Variation.

„Peace By Proxy“ ist eine dunkle Meditation über große Fragen des Lebens, statt Warp 10 ist Impulsgeschwindigkeit angesagt. Zwischen Darkwave, Synthwave, Synthpop und Dreampop hat sich LOR3L3I eine Nische gesucht, die einfach wie gemacht zu sein scheint für Heike Langhans. Ihr Beitrag zu REMINA und LIGHT FIELD REVERIE besteht eben nicht nur aus Gesang, ihre Synthesizer prägen beide Bands und verleihen der Musik ein sehr kosmisches Flair. Genau diese atemberaubende Atmosphäre, in der die Instrumente – inklusive sparsam eingestreuter Gitarren – mit ihrem sinnlichen Gesang verwoben werden, gibt es auf „Peace By Proxy“ Zehnmal zu hören, fünfzig Minuten lang.

Für „Peace By Proxy“ hat sich Heike Langhans viel Zeit gelassen, LOR3L3Is „Demo Collection“ mit Song aus den Jahren von 2004 bis 2019 ist schon einige Zeit her, und von den 19 Songs wurde nur einer neu eingespielt. Deshalb dieses Debütalbum auch sehr kohärent: Ein Schwebezustand, der über die gesamte Spielzeit hindurch nicht abreißen will. Gleichzeitig schafft es Heike Langhans die Songs nicht gleichförmig wirken zu lassen: Einige Stücke sind präsenter und druckvoller („Black Widow“, „Exogenesis“, „Peace By Proxy“), andere fokussieren sich auf das traumhafte, atmosphärische („Cloak Of Stars“, „Fables“, „Oneiro“). Und nicht selten reichen die Stücke von einem sanften Aufbau hin in eine pulsierende Richtung. Und das abschließende „Opaline Tears“ ist geradezu intim und trotz der Klangkulisse wahnsinnig direkt.

LOR3L3Is Debütalbum fließt von Song zu Song und erschafft eine große, intensive Hörerfahrung: „Peace By Proxy“ ist zutiefst bewegend.

Die Synthesizer wirken kalt wie der Nachthimmel, die Stimme schwebt mal darüber und mal ist sie sehr präsent. Heike Langhans singt sehr warm und sinnlich, ihre Stimme geht noch mehr unter die Haut, als in ihren früheren Veröffentlichungen. Wahrscheinlich, weil LOR3L3I einfach ihr Baby ist und nicht, weil der metallische Überbau der facettenreichen Gesangsperformance etwas Kraft nimmt. „Peace By Proxy“ fließt subtil, aber dennoch haben die Songs alle einen eigenen Charakter. Verglichen mit LOR3L3Is „Demo Collection“ wird auch deutlich, wie vielschichtig die Songs geworden sind: Zahlreiche Schichten von Synthesizern, pulsierende Beats, ein druckvoller Mix von Mike Lamb und stets ist die warme, vielseitige Stimme von Heike Langhans im Zentrum der Songs, ohne dass sie sich zu sehr in den Vordergrund stellt. Und deshalb funktioniert dieses Album sowohl leise als auch laut. Nun ja, vor allem LAUT.

Wer schon REMINA und LIGHT FIELD REVERIE ins Herz geschlossen hat und keinen Metal braucht, liegt mit „Peace By Proxy“ goldrichtig. Mit zahlreichen wunderbaren Songs und kaum einem Moment, der die Intensität zurückfährt, stellt dieses Album eine Einladung für die Stargazers dieser Welt dar, ihre introspektiven Momente zu genießen. Heike Langhans zeigt sich hier nicht nur als Sängerin, Instrumentalistin und Lyrikerin (man lese „Exogenesis“), sondern ganz allgemein als Künstlerin, die alle Fäden in der Hand hält, großartige Songs schreibt und ein rundes, mitreißendes und tief bewegendes Album erschafft. Zweifellos: Das große Sternenpanorama der Südhalbkugel leuchtet mit „Peace By Proxy“ zumindest im Herzen auf.

Wertung: 9 von 10 MOA-Teleskope

VÖ: 1. Mai 2026

Spielzeit: 49:17

Line-Up:
Heike Langhans – Music, Vocals, Lyrics, Artwork

Label: Eigenproduktion

LOR3L3I „Peace By Proxy“ Tracklist:

1. Cloak Of Stars (Official Audio bei Youtube) 
2. Black Widow (Official Audio bei Youtube) 
3. Fables (Official Audio bei Youtube) 
4. Exogenesis (Official Audio bei Youtube) 
5. Oneiro (Official Audio bei Youtube)
6. Passive Resistance (Official Audio bei Youtube) 
7. Drive (Official Audio bei Youtube) 
8. Rogue (Official Audio bei Youtube) 
9. Peace By Proxy (Official Audio bei Youtube) 
10. Opaline Tears (Official Audio bei Youtube) 

LOR3L3I „Peace By Proxy“ Full Album Stream bei Youtube 

Mehr im Netz:

https://lor3l3i.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/solarsiren
https://www.facebook.com/solar.siren.lor3l3i

REMINA führen die Hörer*innen in die Weiten des Alls: „The Silver Sea“ ist ein atmosphärisch brillantes Album.

Plump gesagt: Wer sich die atmosphärischen Momente von DARK TRANQUILLITYs „Atoma“ im Gothic-Doom-Kontext mit vielen Synthesizern, angeführt von einer magischen Stimme vorstellen kann, ist hier genau richtig. Das kreative Duo Mike Lamb und Heike Langhans schickt die Hörer*innen ins All auf eine interstellare Reise, bei der es mehr auf das Entdecken ankommt, denn auf große Weltraumschlachten. Elegisch und meist im getragenen Tempo schreibt die neuseeländische Band wunderschöne Songs, beginnend mit „Trust No One“, das es versteht, Spannung aufzubauen, schnell ins Ohr geht und mit einem kräftigen Double Bass-Part endet. Die Riffs stehen hier gleichberechtigt neben den Synthesizern, das Drumming ist unterstützend im Hintergrund.

Mike Lamb schafft eher als Produzent denn Gitarrist beeindruckende Stimmungen: „The Silver Sea“ pulst und atmet, ist dabei aber atmosphärisch sehr dicht. REMINA brauchen keine großen Effekte um mitzureißen, das dynamische Songwriting schafft es, dass die Hörer*innen die gesamte Dreiviertelstunde am Ball bleiben, einfach weil REMINA ihre Songs sehr cineastisch denken. „Io“ ist so ein Song mit wunderbarer Steigerung, von auf Synths basierendem Beginn und großem, metallischen Finale, der sich ganz organisch entwickelt. Auch das abschließende „Silence And The Silver Sea“ ist sehr bewegend. Wenn sich nach der ersten Strophe mit Synthesizer, Bass und Drums die Bridge langsam aufbaut und der Refrain dann so elegant auf dem Song thront, darf man durchaus Tränen der Rührung vergießen, die, je näher das Finale mit seinen wunderbaren Leads kommt, immer mehr fließen dürfen.

Mike Lamb und Heike Langhans agieren auf „The Silver Sea“ als perfekt eingespieltes Kreativteam: REMINA schaffen es, ihre Songs ganz intuitiv klingen zu lassen.

Mit „House Of Suns“ steht ein Song auf dem Album, der zumindest durch seine Langsamkeit und Heaviness nah am klassischen Doom ist, aber sich mit seiner Atmosphäre erheblich vom Urgenre abhebt. Immerhin: Hier wird deutlich, wo die Wurzeln der Band liegen. Zweimal holen sich REMINA auf „The Silver Sea“ Unterstützung. Während Tony Dunn (SGAILE) auf dem schmissig-melancholischen Gothrock-Song „Vanta Ray“ relativ zurückhaltend agiert, ist „Algol“ das Juwel des Albums. Die tiefe Stimme von Mick Moss (ANTIMATTER) kommt auf „Algol“ derart gut zur Geltung, dass er nicht nur ein idealer Duettpartner für Heike Langhans ist, sondern mit ihrem Gesang ebenbürtig mithalten kann. Die dynamischen Entwicklungen, die Spannungsaufbauten in dem achtminütigen Stück gehen ganz tief unter die Haut. Allein dieser Song rechtfertigt den Kauf des Albums. Allerdings: Die restlichen Songs stehen auch etwas im Schatten von „Algol“.

„The Silver Sea“ klingt ein wenig so, als wäre Stanislaw Lems „Solaris“ sehr zeitgemäß vertont worden. REMINAs zweites Album ist in seinen besten Momenten schlichtweg atemberaubend gut und zeigt wie schön moderner Gothic-Doom Metal und Synthwave miteinander verbunden werden können. Die sieben Songs ergeben trotz ihrer dystopischen Thematik ein durch und durch sinnliches Album, es ist Space Opera und eine empathische Reise zur Menschlichkeit gleichermaßen. Da REMINA aber nicht verkopft an ihr zweites Album gehen, sondern ihre Musik intuitiv fließen lassen, ist „The Silver Sea“ so berührend gut geworden. Space Travellers und Hörer*innen von bewegendem Gothic-Doom am Puls der Zeit müssen das hören.

Wertung: 6 von 7 Space Odysseys

VÖ: 24. Oktober 2025

Spielzeit: 43:11

Line-Up:
Heike Langhans – Vocals, Keyboards
Mike Lamb – Guitars, Bass, Keyboards, Drums
Shayne Roos – Drums

Gastmusiker:
Mick Moss – Vocals („Algol“)
Tony Dunn – Vocals („Vanta Ray“)

Label: Avantgarde Music

REMINA „The Silver Sea“ Tracklist:

1. Trust No One (Official Audio bei Youtube) 
2. Algol (Official Lyric Video bei Youtube) 
3 Vanta Ray (Official Audio bei Youtube) 
4. Theia (Official Audio bei Youtube)
5. House Of Suns (Official Audio bei Youtube) 
6. Io (Official Audio bei Youtube)
7. Silence And The Silver Sea (Official Video bei Youtube) 

Mehr im Netz:

https://remina.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/remina.doom
https://www.facebook.com/remina.doom

Überstanden haben das nicht alle Tracks: „Forgotten“ macht seinem Namen alle Ehre, indem es durch Abwesenheit glänzt. Dafür bekommen wir zum Ausgleich den brandneuen Song „EVOLVE“, der am Ende der Scheibe mit markigen Breakdowns sowie futuristischen Synthesizern auf sich aufmerksam macht und dabei wie eine Art Bindeglied wirkt: eine Überleitung zu dem, was künftig kommen mag.

Für „Burn This World [EVOLVED]“ haben THE BROWNING auch die Arrangements überarbeitet

Herzstück von „Burn This World“ sind jedoch die althergebrachten Kompositionen, die in ihrem neuen Gewand tatsächlich an Durchschlagskraft hinzugewonnen haben: Die Produktion ist massiver, die Synthesizer klingen qualitativ hochwertiger und die tief gestimmten Gitarren sorgen für die so typisch gewordene Brachialgewalt des Trios.

Das Zusammenspiel von Deathcore-Urgewalt und Club-Atmosphäre funktioniert allein aus diesem Grund hervorragend, was nicht zuletzt die pumpenden Bässe in „Bloodlust“ unterstreichen. Doch auch den Opener „No Escape“ haben THE BROWNING mit einem ausgedehnten Intro angereichert, während das anschließende „Not Alone“ dank des treibenden Drummings inklusive neu gesetzter Blastbeats und Doublebass-Einlagen zusätzlichen Schwung erhält.

THE BROWNING lassen zu keinem Zeitpunkt locker

Gleichzeitig vermittelt „Burn This World [EVOLVED]“ einen homogenen Eindruck, indem Stücke ineinanderfließen, ähnliche Tonfolgen aufgegriffen werden oder in ihrer Variation als natürlich fortschreitende Entwicklung präsentiert werden. Locker lassen THE BROWNING dabei zu keinem Zeitpunkt, weshalb die Band ihr eingangs zur Schau gestellte Intensität von A wie „Ahamed“ bis „T wie „Tragedy Of Perfection“ lückenlos aufrechterhält. Variation im Tempo findet dennoch statt, wie in „Living Dead“ der Wechsel von sakral-unheilschwangerer Atmosphäre hin zu verbissenen Blasts zeigt. Nur eines darf man vorab nicht vergessen: Ob nun Trance, Hardstyle oder andere EDM die harten Eruptionen wahlweise durchbrechen oder anreichern, für eine gänzlich neue Hörerschicht ist „Burn This World [EVOLVED]“ eher nicht gedacht.

Das ist nicht schlimm, sondern eher als Hinweis für das eigene Erwartungsmanagement zu sehen. Ohne die Bereitschaft, sich dem eigenwilligen, doch überaus eingängigen Stil der Band zu öffnen, dürfte der Besuch der zum Pit gewordenen Tanzfläche nur kurz andauern. Denn so viel Liebe THE BROWNING der Reinkarnation ihres Erstlingswerks geschenkt haben, ist „Burn This World [EVOLVED]“ eben doch ein Album für die etablierte Fangemeinde, die nun einen aufgemotzten und an den richtigen Stellen polierten Soundtrack für eine Welt am Abgrund ihr eigen nennen darf.

Veröffentlichungstermin: 11.02.2026

Spielzeit: 45:07

Line-Up

Jonny McBee – Vocals, Programming
Akeem Bivens – Gitarre
Brandon FUnera – Drums

Produziert von Jonny McBee

Label: FiXT Music

Homepage: https://www.thebrowning.net/
Facebook: https://www.facebook.com/TheBrowningOfficial/
Instagram: https://www.instagram.com/thebrowningofficial/
Bandcamp: https://thebrowningofficial.bandcamp.com/

THE BROWNING “Burn This World [EVOLVED]” Tracklist

1. No Escape [EVOLVED] 02:12
2. Not Alone [EVOLVED] 04:15 (Lyric-Video bei YouTube)
3. Bloodlust [EVOLVED] 04:20 (Video bei YouTube)
4. Standing On The Edge [EVOLVED] 02:51
5. Burn This World [EVOLVED] 03:01
6. Ashamed [EVOLVED] 03:23
7. Living Dead [EVOLVED] 03:44
8. Time Will Tell [EVOLVED] 03:10
9. Tragedy Of Perfection [EVOLVED] 03:13
10. Dominator [EVOLVED] 03:52 (Visualizer bei YouTube)
11. I Choose You [EVOLVED] 03:05 (Lyric-Video bei YouTube)
12. The Sadist [EVOLVED] 04:50
13. EVOLVE 03:01(Lyric-Video bei YouTube)

GOPHER Line-Up:
Ernie Bingo – vocals
Ned Smelly – guitars

GOPHER „Tunnel Buddies“ Tracklist

1. Op Shop Reject
2. Chilli Man
3. Keno King
4. Hot Mess Express
5. Five Bucks A Day
6. Party In the Sky (Video bei YouTube)
7. Does The Queen Queef
8. Seoul Hole
9. Shopping Trollied
10. Kupu Kupu Malam (Video bei YouTube)
11. Rock And Chiko Roll

HYVER / TENEBRIS „Tänzelcore / techno split“ Tracklist

1. Tenebris – Incantation for the Withering
2. Tenebris – Lullabies for Adventures
3. Tenebris – Magic Mirror of Hope
4. Tenebris – Purple Lantern
5. Hyver – Reanimation (Audio bei Bandcamp)
6. Hyver – Forest Mix
7. Hyver – Magickrapo
8. Hyver – Party in Memories

„“We Who Behold The Bright Surface“ spielt mit der Brutalität der Wiederholung vor dem Hintergrund eines ständigen, sich entfaltenden Wandels und schöpft dabei aus dem Staunen, das entsteht, wenn man Variationen in etwas genau beobachtet, das auf den ersten Blick monoton erscheint. Bei der Besprechung des Videos kamen Alexander und ich auf die Idee des Labyrinths zurück: eine sich endlos verändernde Abfolge von Räumen und Gängen. Er verbindet den Mythos von Minotaurus und Theseus mit der seltsamen Intelligenz von Pilzen, die Labyrinthe lösen können, und ihren verzweigten Myzel-Netzwerken“, sagt die Musikerin.

Davor ist ein Video zu „Her Still Singing Limbs“ erschienen. „Sumptuous Branching“ ist nach „Particle Of Organs“ (2023) das zweite Album der US-amerikanischen Solo-Künstlerin und ist am 10. April 2026 via Amalgam erschienen.

„Sumptuous Branching“ wurde gemeinsam mit Bill Harris aufgenommen und gemixt und von Edward Hamel gemastert. Vorab gibt es zu „Cantilevers“ einen Video-Clip.

EMILY RACH BEISEL „Sumptuous Branching“ Tracklist

1. Introit
2. To Rise In Arms
3. Cantilevers (Video bei YouTube)
4. Hollow Ships
5. Her Still Singing Limbs (Video bei YouTube)
6. We Who Behold The Bright Surface (Video bei YouTube)
7. Sumptuous Branching

MY HEART, AN INVERTED FLAME „My Death Is More Beautiful Than Your Life“ Tracklist

1. Every Step Is Corpsed
2. My Body, My Problem
3. Whispers In Dead Languages (Audio bei YouTube)
4. Yes (__________)
5. Necrosomethingology
6. You. Alone.
7. No And Never
8. Some Leave Forever. Some Leave Forever Through Memory. Some Leave.
9. This Has Always Been The Disappearing Floor (Audio bei YouTube)
10. We Forgot Who We Wanted To Become

TRIP VILLAIN Line-Up:
Josh Musto – vocals, guitar, programming
Damien Moffitt – drums
Jon Ehlers – synthesizers, vocals
Peter Duke – synthesizers

TRIP VILLAIN „Dose“ Tracklist

1. Reign Supreme
2. Cyan Spirits (Video bei YouTube)
3. You Flew A Plane Into My Heart (feat. Goner) (Video bei YouTube)
4. Dose
5. Lowbender (Video bei YouTube)
6. Meth Communion (feat. Post No Bills)
7. Villain Maw (feat. Vixen Maw) (Video bei YouTube)
8. Angelsmoke
9. ShitKill

„Konzeptionell ist das Album eine eindringliche Diagnose einer Welt, die von ihren eigenen Machtfiktionen berauscht ist; es zeichnet die Anatomie einer systemischen Großtäuschung nach und untersucht deren Mechanismen psychologischer, sozialer und materieller Herrschaft, die unauslöschlichen Spuren, die Körper und Geist eingeprägt werden, sowie deren katastrophale Folgen. Es ist eine Reise von der vergifteten und süchtigen kollektiven Psyche hin zur verzweifelten Suche nach einem Gegenmittel, während die Zukunft bereits von jenen Kräften verflucht zu sein scheint, die vorgeben, sie zu gestalten“, sagt die Band.

„Cicatrizes Do Futuro“ wird am 29. Mai 2026 via Neurot Recordings erscheinen. Vorab gibt es nach „Cicatrizes“  mit „Reflexo“ nun einen zweiten Video-Clip.

DEAFKIDS Line-Up:
Douglas Leal: Vox, Guitar, Electronics, Samplers, Bass, Percussion, Flute
Marian Sarine: Drums, Percussives, Electronics, Bass

DEAFKIDS „Cicatrizes Do Futuro“ Tracklist

01. Parasita
02. Cicatrizes (Video bei YouTube)
03. Profecia
04. Simulacro
05. Advertência
06. Reflexo (Video bei YouTube)
07. Feitiço
08. Possessão Coletiva
09. Em Transe

Einen Tag später treten Trent Reznor, BOYS NOIZE und weitere MusikerInnen  nochmals beim Choachella Festival auf. NINE INCH NOIZE standen dort bereits am vergangenen Wochenende auf der Bühne.

Trent Reznor erzählt über die Arbeit mit BOYS NOIZE:

„Durch die Arbeit an den Soundtracks zu ‚The Challengers‘ und ‚TRON‘ mit BOYS NOIZE haben ich einen kreativen Schub bekommen. Das brachte mich auf die Idee, ihn an der ‚Peel It Back‘-Tour zu beteiligen, um NIN als Elektro-Projekt auf die Bühne zu bringen, was ich schon lange Zeit ausprobieren wollte. Wir hatten so viel Spaß daran, dass wir weitermachen wollten.  Aus einer Laune heraus erwähnte ich, dass es cool wäre, ein ganzes Set als NINE INCH NOIZE im Sahara-Zelt beim Coachella zu spielen. Wünsche werden schneller wahr als man denkt und konzipierten eine neue Show, um alles angemessen zu präsentieren. Es gibt keine Ankündigung – diesen Samstag ist es soweit. Ich nehme mir den Sonntag frei und freue mich darauf, am Montag an neuer Musik für NINE INCXH NAILS zu arbeiten – wir sehen uns, wenn ich wieder auftauche.“

NINE INCH NOIZE „Nine Inch Noize“  Tracklist & Cover

1. Intro (Nine Inch Noize Version)
2. Vessel (Nine Inch Noize Version)
3. She’s Gone Away (Nine Inch Noize Version)
4. Heresy (Nine Inch Noize Version)
5. Parasite (Nine Inch Noize Version)
6. Copy Of A (Nine Inch Noize Version)
7. Me I’m Not (Nine Inch Noize Version)
8. Closer (Nine Inch Noize Version)
9. The Warning (Nine Inch Noize Version)
10. Memorabilia (Nine Inch Noize Version)
11. Come Back Haunted (Nine Inch Noize Version)
12. As Alive As You Need Me To Be (Nine Inch Noize Version)

Zur Single „Tribal (A Heart, Self-Taught)“ erklärt Lambrou:

„‚Tribal (A Heart, Self-Taught)‘ war der erste Track, der für das neue Album geschrieben wurde, und er hat gewissermaßen den Ton für die folgenden Stücke vorgegeben. Ein von Berlin inspiriertes Ambient-Techno-Stück, das rhythmischer und drumlastiger ist als alles, was ich bisher gemacht habe. Es ist ein wütender, aber hoffentlich gemeinschaftlicher Ruf in die Wildnis und wirft die Frage auf, ob wir den Wendepunkt bereits völlig verpasst haben.“

Mit „Bodies Grown, Pt.1“ gibt es zudem eine weitere Single vorab im Stream.

VLMV „There Will Come Soft Rains“ Tracklist

1.    Tribal (A Heart, Self-Taught) (Video bei YouTube)
2.    We Are All Explorers Now
3.    The Pilot
4.    Bodies Grown, Pt.1 (Visualizer bei YouTube)
5.    In Absentia
6.    I Am An Officer (Video bei YouTube)
7.    Philistine! (Reclaim The Sky)
8.    Bodies Grown, Pt.2
9.    Somnolence

Einen Vorgeschmack auf die Konzerte gibt es jetzt in Form der neuen Single „Tamara Samsonova„.

Außerdem gibt es einen Clip zum Track „Andrei Chikatilo„, der mit der „Bestie von Rostow“ den gleichnamigen russischen Serienmörder zum Thema hat.

Außerdem teilten SKYND den Song „Mary Bell“ als Video bei YouTube.

SKYND Tourdaten 2026

• 05.04. DE-FRANKFURT
• 06.04. NL-UTRECHT
• 07.04. BE-GHENT
• 08.04. FR-PARIS
• 10.04. UK-MANCHESTER
• 11.04. UK-LONDON
• 13.04. DE-OBERHAUSEN
• 14.04. DE-LEIPZIG
• 15.04. DE-STUTTGART
• 17.04. DE-HAMBURG
• 18.04. DK-COPENHAGEN
• 20.04. NO-OSLO
• 21.04. SE-STOCKHOLM
• 23.04. FI-TAMPERE
• 24.04. FI-HELSINKI
• 25.04. PL-WARSAW
• 27.04. DE-BERLIN
• 28.04. CZ-PRAG
• 29.04. DE-MÜNCHEN
• 30.04. AT-WIEN

Fotogalerie: SKYND – Technikum, München – 08.11.2023

Apropos NEUROSIS: Es ist natürlich etwas unfair, das neue Werk einer Künstlerin wie JARBOE in den Schatten einer anderen Band zu stellen, wie der Verfasser es eingangs tat, zumal „Sightings“ nur vordergründig beruhigend und entspannend klingt. Das verstörende Element, dass in JARBOEs Musik immer vorhanden war, ist nun subtiler in die Stücke integriert als zuvor. Das wird gleich bei „The Holy Water“ deutlich, das langsam mit JARBOEs beschwörendem, irgendwie abwesend wirkenden Gesang, Drones und Hand Drums eingeleitet wird. Je mehr Instrumente sich darauf legen – Klarinette, Horn, Trompete von Thor Harris, Violine und Cello von Andrea Calderon – umso voller und betörender wird das Stück. Und so dominiert die Schönheit dennoch über weite Teile: Das kürzeste Stück des Albums „Francesca Sun“ schwelgt mit leisem Piano und Streichern, während JARBOE darüber zu schweben scheint.

JARBOE nutzt Drones und Field Recordings als Basis für „Sightings“, ein Album das zwischen Ambient, Neofolk und Minimal pendelt und dabei sogar subtil Jazz integriert.

„Sightings“ ist ein doppelbödiges Album, spätestens „Choir And Night Fox“ lässt das besonders deutlich werden. Als beschwörender Neofolk-Song mit reicher Instrumentierung kommt das nokturne Thema gut zur Geltung, und gerade das Bellen des Fuchses ist zumindest beim ersten Mal fast ein Jump Scare. Obwohl das Stück durch die Repetition keine Längen aufweist, hätten die acht Minuten vielleicht letzten Endes doch ein wenig gestrafft werden dürfen. Mit „Breathe“ geht es weiter hin die Nacht hinein, es scheint zu zerfasern, fließt aber über neun Minuten wie ein Traum durch die Dunkelheit und bleibt so vage, dass selbst JARBOEs Stimme nur selten zu hören ist.

Ab diesem Song wirkt das Album dann etwas zu fragmentarisch, und das, obwohl der offizielle Teil mit der friedvollen, schönen „Vireo Serenade“ endet. Hier taucht JARBOE aus der dunklen Nacht wieder auf. Ein schöner Sommermorgen, der Vireo singt und begrüßt den Tag begrüßt, mit nichts außer verträumtem Klavier und einem Gesang, der von JARBOE ebenso stammen könnte, wie von Field Recordings. Der Bonus-Track der digitalen Version und der CD „The Holy Waters (Sangha Mix)“ dient als instrumentale Alternative zur Eröffnung des Albums und schließt einen der Kreise, die dieses Album darstellt. „Sightings“ ist nebenbei ein sehr depersonalisiertes Album, keines, dass die Künstlerin in den Mittelpunkt stellt. Ihre Kompositionen und ihre Stimme bilden viel mehr die Basis, und erst durch ihre Kollaborationspartner Thor Harris, Andrea Calderon und die Gitarristen Brett Robinson und Freddie Murphy wird „Sightings“, das Anklänge aus Jazz und Minimal in sich vereint, zu einem großen, geheimnisvollen Ganzen.

Mit „Sightings“ zieht JARBOE ihr Publikum in den Bann, so wie es dem Vireo mit seinem Gesang und seinen Augen gelingt.

Am Ende steht mit „Of Ancient Memory“ noch die Neuinterpretation eines Songs von JARBOEs Debütalbum „Thirteen Masks“, das sich völlig homogen in den Rest von „Sightings“ einfügt und praktisch nichts mit dem 35 Jahre altem Song gemein hat. Hier schließt sich ein weiterer Kreis: JARBOE betrachtet ihre Vergangenheit mit den Augen der Frau, die sie heute ist. Das mag den Vireo etwas in den Hintergrund drängen, aber vielleicht ist dieser kleine Vogel auch nur ein Katalysator für das künstlerische Mysterium „Sightings“ geworden. Das verdeutlicht, dass kaum eine Musikerin so eigenwillig und facettenreich ist wie JARBOE, aber auch nur wenige sind so schwer zu fassen. Auch wenn „Sightings“ kein bahnbrechendes, überwältigendes Werk geworden ist, JARBOE hat mit diesem knapp 50-minütigen Album ihrer reichhaltigen Diskografie eine weitere Facette geschenkt.

Wertung: 5 von 7 Birdings

VÖ: 3. April 2026

Spielzeit: 47:51

Line-Up:
JARBOE: Voice, Keyboard, Synth, Field recordings, Words, Concept, Composition architecture
Andrea Calderon: Violin, Cello
Brett Robinson: Guitar, Synth, Field recordings
Chiara Lee: Synth, Electronics
Freddie Murphy: Guitar, Breathing, Field recording
Thor Harris: Bass drum, Hand drum, Gong, Cymbal, Crotales, Clarinet, Baritone horn, Trumpet, Marimba
Fox: Vixen’s screams
Vireo: Vocalizations

Label: Consouling Sounds

JARBOE „Sightings“ Tracklist:

1. The Holy Waters (Official Video bei Youtube)
2. Francesca Sun
3. Choir and Night Fox
4. Breathe
5. Vireo Serenade
6. The Holy Waters (Sangha Mix) [CD & Digital versions only]
7. Of Ancient Memory (Oblivion Mix)

Mehr im Netz:

https://thelivingjarboe.com/
https://jarboe1.bandcamp.com/
https://www.facebook.com/TheLivingJarboe
https://livingjarboe.tumblr.com/
https://www.instagram.com/jarboeliving/
https://soundcloud.com/jarboe-living

FORLORN CITADEL „An Oath Undone“ Tracklist

1. Ironclad (Audio bei YouTube)
2. Ascend Into the Mist
3. The Return
4. Torchlit Granite Leads the Way
5. Rusted Steel (An Oath Undone)

MASTER BOOT RECORD & FULCI  Co-Headlining Tour 2026

05 Nov – Lyon (FR) – Ô Totem Live
06 Nov – Marseille (FR) – Le Dodu
07 Nov – Barcelona (ES) – Sala Razzmatazz 3
08 Nov – Toulouse (FR) – Le Rex
10 Nov – Paris (FR) – La Machine du Moulin Rouge
11 Nov – London (GB) – The Underworld
12 Nov – Sheffield (GB) – Corporation
13 Nov – Dublin (IE) – The Academy
14 Nov – Glasgow (GB) – Slay
15 Nov – Leeds (GB) – Brudenell Social Club
17 Nov – Brussels (BE) – Museum, Botanique
18 Nov – Amsterdam (NL) – Melkweg
19 Nov – Nijmegen (NL) – Doornroosje
20 Nov – Cologne (DE) – Gebäude 9
21 Nov – Hamburg (DE) – Logo
22 Nov – Copenhagen (DK) – Pumpehuset
24 Nov – Gothenburg (SE) – Monument
25 Nov – Oslo (NO) – John Dee
26 Nov – Stockholm (SE) – Kollektivet Livet
28 Nov – Tampere (FI) – Olympia
29 Nov – Helsinki (FI) – Tavastia
01 Dec – Tallinn (EE) – Rockclub Tapper
02 Dec – Riga (LV) – Melnā Piektdiena
03 Dec – Warsaw (PL) – Hydrozagadka
04 Dec – Berlin (DE) – SO36
05 Dec – Prague (CZ) – Futurum
06 Dec – Munich (DE) – Backstage
07 Dec – Vienna (AT) – Szene
08 Dec – Budapest (HU) – A38
09 Dec – Bratislava (SK) – Randal Club
10 Dec – Ljubljana (SI) – Orto Bar
11 Dec – Lindau (DE) – Club Vaudeville
12 Dec – Aarau (CH) – Kiff Saal